Piloten, Haie, Atomexplosionen und vieles mehr. Schwarz-Weiß-Illustrationen von Robert Longo. Große Haie des Künstlers Robert Longo Sie trafen sich auch mit dem führenden Experten für Eisensteins Werk, Nahum Kleiman ...

Im Museum zeitgenössische Kunst"Garage" Ausstellung eröffnet „Zeugnis“: Francisco Goya, Sergei Eisenstein, Robert Longo. Standbilder aus Eisensteins Filmen, Goyas Stiche und Longos Kohlezeichnungen bildeten einen postmodernen Schwarz-Weiß-Mix. Separat sind in der Ausstellung 43 Zeichnungen von Eisenstein aus der Sammlung des Russen zu sehen Staatsarchiv erstmals ausgestellte Literatur und Kunst sowie Radierungen von Francisco Goya aus der Sammlung Landesmuseum moderne Geschichte Russland. ARTANDHOUSES sprach mit dem berühmten amerikanischen Künstler Robert Longo darüber, wie schwierig es war, mit den Giganten der Kunstgeschichte mithalten zu können, über die Selbstgenügsamkeit der Jugend und seine Erfahrungen im Kino.

Wie ist die Idee zur Ausstellung entstanden? Was haben die Künstler Longo, Goya und Eisenstein gemeinsam?

Die Co-Kuratorin der Ausstellung, Kate Fowle, hörte mich über diese Künstler sprechen, wie sie mich inspirierten und wie sehr ich ihre Arbeit bewunderte. Sie schlug mir vor, unsere Werke zusammenzustellen und diese Ausstellung zu machen.

Ich habe mich schon immer für Künstler interessiert, die Zeitzeugen waren und alles dokumentierten, was passierte. Ich halte es für wichtig, dass wir in den Werken von Eisenstein und Goya Zeugnisse der Epochen sehen, in denen sie lebten.

Während der Arbeit an der Ausstellung waren Sie im russischen Staatsarchiv. Was war das Interessanteste an der Arbeit mit Archivmaterialien?

Das großartige Team des Museums verschaffte mir Zugang zu Orten, die ich alleine nie hätte besuchen können. Ich war erstaunt über das Archiv für Literatur und Kunst, seine riesigen Säle mit Aktenschränken. Während wir durch die endlosen Korridore gingen, fragte ich die Mitarbeiter ständig, was in diesen Kisten sei und was darin sei. Sie sagten einmal: „Und in diesen Kisten haben wir Tschechow!“ Die Idee von Tschechow in einer Kiste hat mich beeindruckt.

Sie haben sich auch mit dem führenden Experten für Eisensteins Werk, Naum Kleiman, getroffen ...

Ich ging zu Kleiman, um eine Erlaubnis einzuholen. Ich fragte, was Eisenstein über das denken würde, was wir taten? Weil ich das Gefühl hatte, dass die Ausstellung ziemlich mutig konzipiert war. Aber Kleiman war von dem Projekt sehr begeistert. Wir können sagen, dass er in gewisser Weise gutgeheißen hat, was wir taten. Er ist ein erstaunlich lebhafter Mensch, der brillantes Englisch spricht, obwohl er zunächst behauptete, er spreche kaum Englisch.

Fällt Ihnen der Vergleich mit Goya und Eisenstein schwer? Ist es schwierig, mit den Genies der Vergangenheit mithalten zu können?

Als Kate mich fragte, ob ich an einer solchen Ausstellung teilnehmen wollte, dachte ich: Welche Rolle käme mir zu? Wahrscheinlich Hilfsmittel. Das sind wahre Giganten der Kunstgeschichte! Aber am Ende sind wir alle Künstler, jeder hat in seiner eigenen Zeit gelebt und diese dargestellt. Es ist sehr wichtig zu verstehen, dass dies Kates Idee war, nicht meine. Und welchen Platz ich in der Geschichte einnehmen werde, werden wir in hundert Jahren erfahren.

In Ihren Interviews sagen Sie oft, dass Sie Bilder stehlen. Wie meinst du das?

Wir leben in einer Welt, die mit Bildern übersättigt ist, und wir können sagen, dass sie in uns eindringen. Was mache ich also? Aus diesem verrückten Bilderstrom leihe ich mir „Bilder“ aus und stelle sie in einen ganz anderen Kontext – Kunst. Ich wähle archetypische Bilder, aber ich verlangsame sie bewusst, damit die Leute innehalten und darüber nachdenken können. Wir können sagen, dass alle Medien um uns herum eine Straße mit sind Einbahnverkehr. Uns wird keine Chance gegeben, irgendwie zu reagieren. Und ich versuche, auf diese Vielfalt eine Antwort zu geben. Ich suche nach Bildern, die archetypisch aus der Antike sind. Ich schaue mir die Werke von Goya und Eisenstein an und es erstaunt mich, dass ich in meinen Arbeiten unbewusst Motive verwende, die sich auch in ihren Werken wiederfinden.

Sie sind als Künstler der Pictures Generation in die Kunstgeschichte eingegangen. Was hat Sie motiviert, als Sie begonnen haben, Bilder aus den Medien auszuleihen? War es ein Protest gegen die Moderne?

Es war ein Versuch, der Menge an Bildern zu widerstehen, von denen wir in Amerika umgeben waren. Es gab so viele Bilder, dass die Menschen ihren Realitätssinn verloren. Ich gehöre zu einer Generation, die mit dem Fernsehen aufgewachsen ist. Der Fernseher war mein Babysitter. Kunst ist ein Spiegelbild dessen, womit wir aufgewachsen sind und was uns in der Kindheit umgeben hat. Kennen Sie Anselm Kiefer? Er wuchs im zerstörten Nachkriegsdeutschland auf. Und das alles sehen wir in seiner Kunst. In meiner Kunst sehen wir Schwarz-Weiß-Bilder, die aussehen, als kämen sie direkt aus dem Fernsehbildschirm, mit dem ich aufgewachsen bin.

Welche Rolle spielte der Kritiker Douglas Crimp bei der Organisation der legendären Ausstellung „Pictures“ im Jahr 1977, an der Sie zusammen mit Sherri Levine, Jack Goldstein und anderen teilnahmen und durch die Sie berühmt wurden?

Er versammelte Künstler. Er traf mich und Goldstein zum ersten Mal und erkannte, dass etwas Interessantes passierte. Und er hatte die Idee, durch Amerika zu reisen und Künstler zu finden, die in die gleiche Richtung arbeiten. Er entdeckte viele neue Namen. Es war ein Geschenk des Schicksals für mich, dass ich in so jungen Jahren von einem großen Intellektuellen gefunden wurde, der über meine Arbeit schrieb (Douglas Crimps Artikel über die neue Künstlergeneration wurde in einem einflussreichen amerikanischen Magazin veröffentlichtOktober. - E.F.). Es war wichtig, dass er in Worte fasste, was wir ausdrücken wollten. Weil wir Kunst machten, aber wir konnten nicht die Worte finden, um zu erklären, was wir darstellten.

Sie zeigen oft apokalyptische Szenen: Atomexplosionen, Haie mit offenem Maul, tauchende Kämpfer. Was reizt Sie am Thema Katastrophe?

In der Kunst gibt es eine ganze Richtung der Darstellung von Katastrophen. Ein Beispiel für dieses Genre ist für mich Gericaults Gemälde „Das Floß der Medusa“. Meine auf Katastrophen basierenden Bilder sind so etwas wie ein Abrüstungsversuch. Durch die Kunst möchte ich das Gefühl der Angst loswerden, das diese Phänomene erzeugen. Meine vielleicht auffälligste Arbeit zu diesem Thema ist die Arbeit mit einem Aufzählungszeichen, die von den Ereignissen rund um die Zeitschrift Charlie Hebdo inspiriert wurde. Einerseits ist es sehr schön, andererseits ist es die Verkörperung von Grausamkeit. Für mich ist das eine Art zu sagen: „Ich habe keine Angst vor dir!“ Du kannst auf mich schießen, aber ich werde weiterarbeiten! Und du würdest zur Hölle fahren!“

Sie machen Filme, Videoclips, spielen in einer Musikgruppe und malen Bilder. Als wem fühlen Sie sich eher: als Regisseur, als Künstler oder als Musiker?

Ein Künstler. Dies ist der freiste Beruf von allen. Wenn man einen Film dreht, zahlen die Leute Geld und denken, sie könnten einem sagen, was man tun soll.

Sind Sie mit Ihrem Kinoerlebnis nicht sehr zufrieden?

Es war für mich eine schwierige Erfahrung, den Film zu drehen. « Johnny der Mnemonic. Ursprünglich wollte ich einen kleinen Schwarz-Weiß-Science-Fiction-Film machen, aber die Produzenten mischten sich immer wieder ein. Am Ende war es zu etwa 50-70 Prozent so, wie ich es mir gewünscht hätte. Ich hatte einen Plan: Zum 25-jährigen Jubiläum des Films würde ich ihn bearbeiten, schwarzweiß machen, erneut bearbeiten und ins Internet stellen. Das wäre mein Racheakt an der Filmfirma!

Sie waren Teil des Kunst- und Musik-Undergrounds der 1970er und 80er Jahre. Wie erinnern Sie sich an diese Zeiten?

Wenn man älter wird, erkennt man, dass man nicht in die Zukunft eintritt, sondern dass die Zukunft auf einen zukommt. Die Vergangenheit verändert sich ständig in unseren Köpfen. Wenn ich jetzt über die Ereignisse der 1970er und 80er Jahre lese, denke ich, dass alles ganz anders war. Die Vergangenheit ist nicht so rosig, wie sie dargestellt wird. Es gab auch Schwierigkeiten. Wir waren ohne Geld. Ich hatte schreckliche Jobs, unter anderem als Taxifahrer. Und doch war es so tolle Zeit, als Musik und Kunst eng miteinander verbunden waren. Und wir wollten unbedingt etwas Neues schaffen.

Wenn Sie in die Zeit zurückreisen könnten, als Sie jung waren, was würden Sie ändern?

Ich würde keine Drogen nehmen. Wenn ich jetzt mit meinem jüngeren Ich sprechen würde, würde ich sagen, dass man zur Erweiterung der Bewusstseinsgrenzen keine Stimulanzien braucht, sondern aktiv daran arbeiten muss. Es ist leicht, jung zu sein, aber viel schwieriger, bis ins hohe Alter zu leben. Und seien Sie relevant für Ihre Zeit. Die Idee der Zerstörung mag in jungen Jahren cool erscheinen, ist es aber nicht. Und jetzt habe ich seit mehr als zwanzig Jahren weder getrunken noch irgendwelche Aufputschmittel eingenommen.

Robert Longo Ohne Titel (Guernica Redacted, Picassos Guernica, 1937), 2014 Kohle auf kaschiertem Papier, 4 Tafeln, 283,2 x 620,4 cm, insgesamt mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Thaddaeus Ropac, London. Paris. Salzburg

Ihr Projekt in Russland steht in engem Zusammenhang mit der Archivarbeit. Was reizt Sie an Archiven?

Hier ist alles einfach. Ich mag die Möglichkeit, in den Stoff einzutauchen und mehr darüber zu erfahren als andere. Die Archive des Museums für Neuere Geschichte waren großartig: diese langen Korridore mit Hunderten von Kisten – es war wie auf einem Friedhof. Sie nähern sich einer der Kisten und fragen den Hausmeister: „Was ist hier?“ Sie antworten dir: „Tschechow.“ Am meisten interessierten mich natürlich die Werke von Eisenstein und Goya. Die Werke des zweiten waren ein Geschenk der Spanier an Russland im Jahr 1937.

Ich erinnere mich sofort an Ihre Ausstellung 2014 in New York, wo Sie die Gemälde der großen amerikanischen abstrakten Expressionisten mit Kohle neu gezeichnet haben. Hin und wieder handelt es sich bei diesen Ausstellungen einerseits um Gruppenausstellungen, andererseits aber auch um Ihre persönlichen.

IN Bande des Kosmos Ich habe die Nachkriegszeit recherchiert, eine sehr interessante Zeit Amerikanische Geschichte. Der Unterschied zwischen einem Pinselstrich und einem Kohlestrich faszinierte mich. Man könnte sagen, ich habe die Werke von Pollock, Newman und Mitchell in Schwarzweiß übersetzt. Natürlich habe ich kanonische Werke genommen, die mehr als nur Werke sind, da sie einen eigenen Kontext haben, der mich nicht weniger interessierte. Der abstrakte Expressionismus entstand, nachdem die Welt sich selbst zerstörte und in Euphorie neu startete. Damals hatte das Land Hoffnung, aber 2014 gab es vielleicht weniger Hoffnung.

In „Testimony“ werden Sie, Goya und Eisenstein Co-Autoren einer Ausstellung.

Das ist Kate Fowles Idee, nicht meine. Sie kam auf diese Idee, weil mich diese beiden Künstler schon immer fasziniert haben. Ich stelle mich in keiner Weise mit ihnen auf eine Stufe, sie sind eine großartige Inspiration, Geschichte. Interessanterweise mochte Eisenstein Goya sehr. Und Goya schuf einst Storyboards, obwohl das Kino noch nicht erfunden war. Goya und Eisenstein beschäftigten sich mit der Vermessung der Zeit. Ich habe das Gefühl, dass ich als Künstler wie ein Reporter agiere, der darüber spricht modernes Leben. Vielleicht ist es heute einfacher, dies zu tun, weil der Künstler nicht so sehr vom Staat abhängig ist wie Eisenstein oder wie Goya von der Religion. Aber wir haben uns in erster Linie auf die Schönheit des Bildes konzentriert. Sie haben zum Beispiel Texte aus Filmen ausgeschlossen, um nicht an den Handlungssträngen hängen zu bleiben.

Hat sich Ihr Zeitgefühl in 55 Jahren Kreativität verändert?

Historisch gesehen ist die heutige Zeit komplexer, beängstigender und aufregender als je zuvor. Derselbe Trump ist ein Idiot, ein Idiot und ein Faschist, der die Sicherheit des gesamten Landes gefährden wird, wenn er gewählt wird. Ich bin kein politischer Künstler und möchte auch keiner sein, aber manchmal muss ich es sein.

Ja, Sie haben zum Beispiel ein Gemälde der Unruhen in Ferguson.

Als ich zum ersten Mal Fotos von Ferguson in den Zeitungen sah, glaubte ich nicht, dass es die USA waren. Ich dachte, vielleicht wäre es Afghanistan oder die Ukraine? Doch dann schaute ich mir die Polizeiuniform genauer an und merkte: Das passiert direkt vor meiner Nase. Es war ein Schock.

Für mich war Dystopie immer mit den 1980er Jahren verbunden, die ich vermisst habe. Aber laut Filmen und Büchern scheint es, dass damals die dunkle Zukunft vorhergesagt wurde, in der wir jetzt zu leben beginnen.

Am 11. September 2001 änderte sich alles, es ist jetzt eine völlig andere Welt. Die Welt ist globaler geworden, andererseits aber auch fragmentierter. Weißt du was Hauptproblem USA? Dies ist keine Nation oder ein Stamm, das ist es Sportmannschaft. Und eine Sportmannschaft will immer gewinnen. Unser großes Problem ist, dass wir nicht wissen, wie wir ohne ständige Siege leben sollen. Dies kann zu einer Katastrophe führen, da immer viel auf dem Spiel steht.

Kohle eignet sich gut zur Darstellung einer dystopischen Zukunft.

Ja, aber ich hinterlasse bei meiner Arbeit immer ein gewisses Maß an Hoffnung. Letztendlich geht es bei einem Kunstwerk immer um die Schönheit, die der Künstler darin sieht reale Welt. Ich versuche, die Menschen zum Nachdenken anzuregen, wenn sie meine Bilder betrachten. In gewisser Weise sind meine Bilder dazu geschaffen, die endlosen Bilderströme, die jede Sekunde auf der Welt auftauchen, ein wenig einzufrieren. Ich versuche, es zu verlangsamen und das Foto in ein Kohlegemälde zu verwandeln. Und außerdem zeichnet jeder – hier telefonieren Sie mit mir und kritzeln wahrscheinlich etwas auf eine Serviette – diese Zeilen haben etwas Grundlegendes und Altes, und ich kontrastiere dies mit Fotos, die manchmal in einer Sekunde aufgenommen werden – auf einem Telefon oder einem anderen Kompaktkamera. Und dann verbringe ich Monate damit, ein Bild zu zeichnen.

Sie haben einmal gesagt, dass Sie Bilder aus Staub erschaffen, weil Sie Kohle verwenden.

Ja, ich liebe Staub und Dreck. Und es gefällt mir zu wissen, dass sie es so gezeichnet haben Höhlenmenschen. Das heißt, meine Technologie ist eine der ältesten der Welt. Prähistorisch.

Du liebst die Antike so sehr und hast gleichzeitig den Cyberpunk Johnny Mnemonic erschaffen – etwas, das sich radikal von deiner Hauptleidenschaft unterscheidet.

Nun, du hast es bemerkt. Die Ironie besteht darin, dass das Internet zu denselben Höhlen geworden ist, in denen Menschen auf primitive Weise Spaß haben.

Erinnern Sie sich an die Zeit ohne Internet? Wie war es?

Oh ja, dieses Mal. Interessanterweise hat es mir das Internet ermöglicht, Bilder zu finden, für die ich früher Zeitschriften abonnieren oder Bibliotheken aufsuchen musste. Das Internet gab mir die Möglichkeit, an jedes Bild zu gelangen. Es ließ mich über die Menge an Bildern nachdenken, die jede Sekunde auf der Welt erscheint.

Eisenstein sollte für die Regierung arbeiten, Goya für den König. Ich arbeite für den Kunstmarkt. Im Laufe der Kunstgeschichte gab es immer einen bestimmten Auftraggeber: die Kirche oder die Regierung. Es ist interessant, dass Künstler begannen, die Hauptkunden zu sein, sobald Institutionen nicht mehr die Hauptkunden waren neues Problem auf der Suche nach dem, was sie auf Leinwand darstellen möchten. Im Gegensatz zum König gibt uns der Kunstmarkt nicht vor, was genau wir tun müssen, daher bin ich freier als die Künstler vor mir.

Goya hat keine Radierungen für die Kirche oder Könige angefertigt, daher sind sie viel näher an dem, was ich mache. Im Fall von Eisenstein haben wir versucht, es zu entfernen die meisten Im politischen Kontext haben wir das Filmmaterial verlangsamt und nur Bilder übrig gelassen – so haben wir versucht, der Politik zu entkommen. Als Student habe ich nie über den politischen Hintergrund, die Repression, den Druck nachgedacht, der mit dem Drehen dieser Filme einherging. Aber je mehr ich mich mit Eisenstein beschäftigte, desto klarer wurde mir, dass er einfach Filme machen wollte – und dafür war er leider gezwungen, staatliche Unterstützung zu suchen.

Als Caravaggio sich in Rom befand, musste er für die Kirche arbeiten. Sonst hätte er einfach keine Gelegenheit gehabt, große Gemälde zu malen. Dadurch war er gezwungen, immer wieder dieselben Geschichten zu erzählen. Es ist lustig, wie ähnlich es einem beliebten Hollywood-Film ist. Wir haben also viel mehr mit den Künstlern der Vergangenheit gemeinsam, als wir früher dachten, und ihr Einfluss aufeinander ist kaum zu überschätzen. Eisenstein selbst studierte Goyas Werk und schuf sogar Gemälde, die wie Storyboards aussehen – hier sind sechs davon, alle zusammen sehen sie tatsächlich wie Storyboards für einen Film aus. Und die Radierungen sind sogar nummeriert.

Auf die eine oder andere Weise sind alle Künstler miteinander verbunden und werden voneinander beeinflusst. Die Kunstgeschichte ist eine großartige Waffe, die uns hilft, die Herausforderungen jedes neuen Tages zu meistern. Und ich persönlich nutze auch die Kunst, um dorthin zu gelangen – das ist meine Zeitmaschine.

Francisco Goya, „Der tragische Fall eines Bullenangriffs auf die Zuschauer in der Madrider Arena“

Serie „Tauromachie“, Blatt 21

Wir haben erfahren, dass das Museum der Revolution in Moskau aufbewahrt wird Komplettset Goyas Radierungen. Es war ein Geschenk der UdSSR im Jahr 1937 als Zeichen der Dankbarkeit dafür, dass sie den Spaniern im Kampf gegen Franco geholfen hatten. Die Radierungen sind einfach einzigartig: Die letzte Kopie wurde von Goyas Originalplatten angefertigt und alle – was einfach erstaunlich ist – sehen aus, als wären sie gestern gedruckt worden. Auf der Ausstellung haben wir versucht, das Meiste zu vermeiden berühmte Werke- Ich denke nur, dass die Leute sich unbekannte Werke noch etwas länger ansehen werden. Wir haben auch solche ausgewählt, die meiner Meinung nach fast wie ein Film oder Journalismus aussehen.

Ich habe sogar eine Radierung von Goya zu Hause, die habe ich vor langer Zeit gekauft. Und von den auf der Ausstellung präsentierten Exemplaren gefällt mir das mit dem Stier am besten. Das Werk sieht genau wie ein Standbild aus einem Film aus – filmisch passt alles irgendwie zusammen, der Stier mit dem Schwanz und die Menschen, in die er zu krachen scheint. Wenn ich mir diese Arbeit ansehe, denke ich immer darüber nach, was vorher passiert ist und was nach diesem Moment passieren wird. Genau wie in den Filmen.

Francisco Goya, „Amazing Torheit“

Serie „Sprichwörter“, Blatt 3

Hier ist ein weiteres Werk, das mir sehr gut gefällt: Goyas Familie steht in einer Reihe, als ob Vögel auf einem Ast sitzen würden. Ich selbst habe drei Söhne, und dieser Stich erinnert mich an die Familie, er hat etwas Schönes und Wichtiges.

Wenn ich male, denke ich wirklich oft darüber nach, was später mit den Figuren in meinem Bild passieren wird. Ich mache oft eine Rahmenübung, wie in einem Comic, bei der ich viele Rechtecke unterschiedlicher Größe skizziere und mit der Komposition darin experimentiere. Und Eisenstein ist in diesem Sinne ein hervorragendes Beispiel, seine Kompositionen sind tadellos: Das Bild ist oft um eine Diagonale herum aufgebaut und eine solche Struktur erzeugt psychologische Spannung.

Sergei Eisenstein und Grigory Alexandrov, Bild aus dem Film „Panzerkreuzer Potemkin“

Ich liebe alle Filme von Eisenstein und von Potemkin erinnere ich mich vor allem an diese schöne Szene mit Booten im Hafen. Das Wasser glitzert und macht die Aufnahme unglaublich schön. Und mein Lieblingsfoto ist wahrscheinlich das mit der großen Flagge und dem schreienden Lenin. Beide Aufnahmen sind wirklich Meisterwerke.

Sergei Eisenstein, Standbild aus dem Film „Sentimental Romance“

Im Film „Sentimental Romance“ gibt es eine unglaublich kraftvolle Einstellung: Eine Frau steht in einer Wohnung am Fenster. Es sieht wirklich aus wie ein Gemälde.

Und ich bin auch sehr daran interessiert zu sehen, was passiert ist, als wir diese Filme nebeneinander platziert haben – im Kino sieht man Szene für Szene, aber hier sieht man Zeitlupenbilder verschiedener Filme nebeneinander. Diese seltsame Collage macht meines Erachtens deutlich, wie Eisensteins Gehirn funktioniert. In seinen Filmen bewegten sich die Kameras nicht hinter den Schauspielern, sie waren statisch, und jedes Mal bietet er uns klar konstruierte, spezifische Bilder. Eisenstein arbeitete zu Beginn des Kinos, und jedes Bild musste im Voraus vorgestellt werden – um den zukünftigen Film Bild für Bild zu sehen.

Kino, Malerei und zeitgenössische Kunst sind ein und dasselbe: das Schaffen von Bildern. Neulich war ich in einem Museum auf der Suche nach dem Schwarzen Quadrat, und als ich durch all diese Säle voller Bilder und Gemälde ging, wurde mir etwas Wichtiges klar. Hauptstärke Kunst ist der brennende Wunsch eines Menschen, einem zu erklären, was er genau sieht. „So sehe ich“, erzählt uns der Künstler. Wissen Sie, was ich meine? Manchmal kommt es Ihnen vielleicht so vor, als ob die Krone eines Baumes einem Gesicht ähnelt, und Sie möchten Ihrem Freund sofort davon erzählen und ihn fragen: „Sehen Sie, was ich sehe?“ Kunst zu machen ist ein Versuch, den Menschen zu zeigen, wie man die Welt sieht. Und im Mittelpunkt steht dabei der Wunsch, sich lebendig zu fühlen.

Robert Longo, ohne Titel, 2016

(Die Handlung steht im Zusammenhang mit den tragischen Ereignissen in Baltimore. - Notiz Hrsg.)

Ich habe dieses Bild nicht nur ausgewählt, um zu zeigen, was passiert ist, sondern auch, um Ihnen zu erklären, wie ich es sehe und fühle. Gleichzeitig galt es natürlich, ein Bild zu schaffen, das der Betrachter gerne anschauen möchte. Und ich denke auch, dass man vielleicht nicht die Zeitung liest und nicht weiß, was passiert ist, aber das ist falsch – es ist wichtig, alles zu sehen.

Ich liebe das Gemälde (ein Gemälde von Théodore Gericault, gemalt im Jahr 1819, basierend auf dem Schiffbruch einer Fregatte vor der Küste Senegals. - Notiz Hrsg.) – für mich ist das ein wirklich erstaunliches Werk über eine schreckliche Katastrophe. Erinnerst du dich, was es war? Von den 150 Menschen auf dem Floß überlebten nur 15. Ich versuche auch, die Schönheit von Katastrophen zu zeigen, und ein tolles Beispiel In meinen Bildern gibt es Einschusslöcher.

Ich bin weit von der Politik entfernt und möchte im Idealfall mein Leben leben und einfach wissen, dass die Menschen nicht leiden. Aber ich tue, was ich tun muss – und zeige, was ich zu zeigen habe.

Ich denke, beide Künstler befanden sich in einer ähnlichen Situation. Es ist schade, dass die tiefen Ideen von Eisensteins Filmen verzerrt wurden. Es ist ähnlich wie in Amerika: Die Idee der Demokratie, die im Herzen unseres Landes liegt, wurde ständig verzerrt. Auch Goya war Zeuge schrecklicher Ereignisse, und er wollte uns dazu bringen, die Dinge realistisch zu betrachten, als wollte er das Geschehen stoppen. Er spricht über die Verlangsamung der Welt und der Wahrnehmung. Ich glaube, dass ich bei meinen Bildern auch bewusst das Tempo verlangsame. Sie können Ihren Computer einschalten und schnell Tausende von Bildern im Internet durchsehen, aber ich möchte sie so erstellen, dass die Zeit angehalten wird und Sie die Dinge genauer betrachten können. Dazu kann ich in einem Werk mehrere Bilder kombinieren, wie in klassische Kunst, und diese Idee, das Unbewusste zu verbinden, ist für mich unglaublich wichtig.

Robert Longo, ohne Titel

5. Januar 2015 (Das Werk ist eine Hommage an die Herausgeber von Charlie Hebdo. - Notiz Hrsg.)

Dieses Thema war für mich äußerst wichtig, da ich selbst Künstler bin. Hebdo ist eine Zeitschrift, in der Cartoonisten, also Künstler, arbeiteten. Was passiert ist, hat mich wirklich schockiert: Jeder von uns hätte zu den Menschen gehören können, die getötet wurden. Dies ist nicht nur ein Angriff auf Hebdo – es ist ein Angriff auf alle Künstler. Was die Terroristen sagen wollten, war: Solche Bilder sollte man nicht machen, daher geht mir diese Bedrohung tatsächlich etwas an.

Ich habe als Grundlage des Bildes gewählt zerbrochenes Glas. Zunächst einmal ist es wunderschön – Sie werden es sich auf jeden Fall ansehen wollen. Aber das ist es nicht der einzige Grund: Es erinnerte mich an eine Qualle, eine Art organisches Lebewesen. Wie ein Echo strahlen Hunderte von Rissen aus dem Loch im Glas. schreckliches Ereignis was passiert ist. Das Ereignis liegt in der Vergangenheit, aber seine Folgen bleiben bestehen. Es ist wirklich beängstigend.

Robert Longo, ohne Titel

2015 (Das Werk ist der Katastrophe vom 11. September gewidmet. - Notiz Hrsg.)

Am 11. September spielte ich Basketball in einem der Fitnessstudios in Brooklyn, im 10. Stock. hohes Gebäude, und ich konnte vom Fenster aus alles perfekt sehen. Und mein Atelier liegt nicht weit vom Ort der Tragödie entfernt, sodass ich lange Zeit nicht dorthin gelangen konnte. In meinem Studio gibt es großes Bild, geschaffen zu Ehren dieses schrecklichen Ereignisses – zunächst habe ich einfach eine Zeichnung an die Wand des Ateliers gezeichnet und ein Flugzeug gezeichnet. Das gleiche Flugzeug, das in den ersten Turm geflogen ist, habe ich an die Wand gemalt. Dann musste ich die Wände des Ateliers neu streichen und hatte große Angst, dass die Zeichnung verschwinden würde, also habe ich eine neue gemacht. Bitte beachten Sie, dass alle meine Zeichnungen in der Ausstellung mit Glas abgedeckt sind – und Sie dadurch Ihre Spiegelungen darin sehen. Flugzeuge stoßen in Spiegelungen, und Teile einiger meiner Werke spiegeln sich ineinander. Es gibt bestimmte Winkel in der Ausstellung, aus denen man aus einem bestimmten Winkel ein Einschussloch in Jesus sehen kann, und hier sieht man, wie ein Flugzeug gegen etwas prallt.

Das Übereinanderlegen von Zeichnungen ist für mich nicht nur eine Chronologie von Katastrophen, sondern vielmehr ein Versuch der Heilung. Manchmal nehmen wir Gift, um gesund zu werden, und es ist wichtig, den Mut zu haben, mit offenen Augen zu leben, den Mut zu haben, bestimmte Dinge zu sehen. Ich selbst bin wahrscheinlich nicht sehr mutiger Mann- Alle Männer denken gerne, dass sie mutig sind, aber die meisten von ihnen sind meiner Meinung nach Feiglinge.

Ich habe das Glück, ausstellen zu dürfen und nutze diese Gelegenheit, um über das zu sprechen, was mir wichtig ist. Es besteht keine Notwendigkeit, etwas Geheimnisvolles, Komplexes und Narzissmus zu schaffen. Stattdessen ist es besser, die Themen anzugehen, die jetzt wichtig sind. Das ist es, was ich über die eigentlichen Aufgaben der Kunst denke.

Piloten, Haie, sexy Mädchen, Tänzer, das Meer, beeindruckende Explosionen – das stellt der New Yorker Künstler Robert Longo dar. Seine Illustrationen sind äußerst tiefgründig, mystisch, kraftvoll und anziehend. Möglicherweise wird dieser Effekt durch das Schwarz-Weiß-Bild erreicht, das der Autor sorgfältig mit Kohle gemalt hat.

Robert Longo wurde 1953 in Brooklyn, New York geboren. Wenn der Künstler über sich selbst spricht, vergisst er nie zu erwähnen, dass er Kino, Comics und Zeitschriften liebt und eine Schwäche für das Fernsehen hat, die einen wesentlichen Einfluss auf seine Arbeit haben. Robert Longo bezieht die meisten Themen für seine Gemälde aus dem, was er zuvor gesehen und gelesen hat. Der Autor hat schon immer gerne gezeichnet, und obwohl er einen Bachelor-Abschluss in Bildhauerei erworben hat, hindert ihn das nicht daran, das zu tun, was er liebt, ganz im Gegenteil. Einige der Zeichnungen des Künstlers erinnern stark an Skulpturen; ihm gefallen die Umrisse, die unter der Hand hervortreten. Darin liegt eine gewisse Kraft.

Große Ausstellungen von Robert Longos Gemälden finden im Museum of Art in Los Angeles sowie im Museum of Contemporary Art in Chicago statt.

Robert Longo wurde 1953 in Brooklyn, New York, geboren und wuchs auf Long Island auf. Als Kind habe ich ihn angeschaut großen Einfluss beeinflusst von der Populärkultur – Kino, Fernsehen, Zeitschriften und Comics, die seinen künstlerischen Stil maßgeblich prägte.

In den späten 1970er Jahren spielte Longo im Rahmen des Projekts „Menthol Wars“ (Robert Longos Menthol Wars) experimentelle Punkmusik in New Yorker Rockclubs. Er ist Mitbegründer der Avantgarde-Gruppe X-Patsys (zusammen mit seiner Frau Barbara Zukova, Jon Kessler, Knox Chandler, Sean Conley, Jonathan Kane und Anthony Coleman).

In den 1980er Jahren führte Longo bei mehreren Filmen Regie Musikvideos, darunter das Lied The One I Love von R.E.M. , Bizarre Love Triangle von New Order und Peace Sells von Megadeth.

1992 führte der Künstler Regie bei einer der Episoden der Serie „Tales from the Crypt“ mit dem Titel „This’ll Kill Ya“. Das berühmteste von Werke des Regisseurs Longo – Film von 1995