Krähen über einem Weizenfeld von Vincent van Gogh. Felder, Weizenflächen im Werk von Van Gogh. Gemälde „Weizenfeld mit Zypressen“. Van Gogh über seine Malerei

Van Gogh „Weizenfeld mit Krähen“

In der Januarausgabe der Zeitschrift Mercure de France im Jahr 1890 erschien der erste von der Kritik begeisterte Artikel über Van Goghs von Albert Aurier signiertes Gemälde „Rote Weinberge in Arles“.

Van Goghs harte Arbeit und sein wilder Lebensstil (er missbrauchte Absinth) führten in den letzten Jahren zu Anfällen von Geisteskrankheiten. Sein Gesundheitszustand verschlechterte sich und er landete in einer psychiatrischen Klinik in Arles (Ärzte diagnostizierten Temporallappenepilepsie), dann in Saint-Rémy-de-Provence (1889-1890), wo er Dr. Gachet (Künstler und Amateur) traf in Auvers-sur-Oise, wo er am 27. Juli 1890 einen Selbstmordversuch unternahm. Als er mit Zeichenmaterial spazieren ging, schoss er sich mit einer Pistole in den Bereich seines Herzens (ich kaufte sie, um Vogelschwärme abzuschrecken, während ich im Freien arbeitete) und gelangte dann selbstständig ins Krankenhaus, wo er 29 Jahre alt wurde Stunden nach der Wunde starb er an Blutverlust (am 29. Juli 1890 um 1:30 Uhr). Im Oktober 2011 erschien eine alternative Version des Todes des Künstlers. Die amerikanischen Kunsthistoriker Steven Nayfeh und Gregory White Smith haben vermutet, dass Van Gogh von einem der Teenager erschossen wurde, die ihn regelmäßig in Kneipen begleiteten.

Laut Bruder Theo, der Vincent in seinen letzten Augenblicken begleitete, letzte Worte Die Worte des Künstlers waren: La tristesse durera toujours („Traurigkeit wird ewig dauern“). Vincent van Gogh wurde in Auvers-sur-Oise beigesetzt. 25 Jahre später (1914) wurden die sterblichen Überreste seines Bruders Theo neben seinem Grab beigesetzt.

Seit seiner ersten Gemäldeausstellung in den späten 1880er Jahren ist Van Goghs Ruhm unter Gleichgesinnten, Kunstkritikern, Händlern und Sammlern stetig gewachsen. Nach seinem Tod wurden Gedenkausstellungen in Brüssel, Paris, Den Haag und Antwerpen organisiert. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es Retrospektiven in Paris (1901 und 1905) und Amsterdam (1905) sowie bedeutende Gruppenausstellungen in Köln (1912), New York (1913) und Berlin (1914). Dies hatte spürbare Auswirkungen auf nachfolgende Generationen Künstler. Mitte des 20. Jahrhunderts galt Vincent van Gogh als einer der größten und bedeutendsten Künstler bekannte Künstler in der Geschichte. Im Jahr 2007 stellte eine Gruppe niederländischer Historiker den „Kanon“ zusammen Niederländische Geschichte„ für den Schulunterricht, in dem Van Gogh neben anderen als eines von fünfzig Themen platziert wurde nationale Symbole wie Rembrandt und Kunstgruppe"Stil".

Vincent Van Gogh gilt als großartig Niederländischer Künstler, das eine sehr starker Einfluss zum Impressionismus in der Kunst. Große Auswahl Künstler adaptierten Elemente von Van Goghs Stil, darunter Willem de Kooning, Howard Hodgkin und Jackson Pollock. Die Fauves erweiterten den Spielraum der Farbe und die Freiheit in ihrer Verwendung Deutsche Expressionisten aus der Gruppe „Die Brücke“ und anderen frühen Modernisten. Van Gogh Postimpressionist künstlerisch

Im Jahr 1957 schrieb der irische Künstler Francis Bacon (1909-1992) eine Reihe seiner Werke, basierend auf einer Reproduktion von Van Goghs Gemälde „Der Künstler auf dem Weg nach Tarascon“, dessen Original im Zweiten Weltkrieg zerstört wurde. Bacon ließ sich nicht nur von dem Bild selbst inspirieren, das er als „obsessiv“ bezeichnete, sondern auch von Van Gogh selbst, den Bacon als distanziert betrachtete zusätzliche Person, eine Position, die Bacons Ansichten widerspiegelte. Der irische Künstler identifizierte sich außerdem mit Van Goghs Kunsttheorien und zitierte Zeilen, die Van Gogh in einem Brief an Theo schrieb: „Echte Künstler malen die Dinge nicht so, wie sie sind ... Sie malen sie, weil sie das Gefühl haben, sie zu sein.“

Von Oktober 2009 bis Januar 2010 fand im Vincent van Gogh Museum in Amsterdam eine den Briefen des Künstlers gewidmete Ausstellung statt, von Ende Januar bis April 2010 wechselte die Ausstellung dann in die Royal Academy of Arts in London.

Ein Krater auf dem Merkur ist nach Van Gogh benannt.

Van Gogh Vincent, niederländischer Maler. Von 1869 bis 1876 arbeitete er als Kommissionär für ein Kunst- und Handelsunternehmen in Den Haag, Brüssel, London und Paris und arbeitete 1876 als Lehrer in England. Van Gogh studierte Theologie und war von 1878 bis 1879 Prediger im Bergbaugebiet Borinage in Belgien. Die Verteidigung der Interessen der Bergleute brachte van Gogh in Konflikt mit den kirchlichen Autoritäten. In den 1880er Jahren wandte sich van Gogh der Kunst zu und besuchte die Akademie der Künste in Brüssel (1880–1881) und Antwerpen (1885–1886).

Van Gogh nutzte den Rat des Malers A. Mauwe in Den Haag und malte mit Begeisterung gewöhnliche Menschen, Bauern, Handwerker, Gefangene. In einer Reihe von Gemälden und Skizzen aus der Mitte der 1880er Jahre („Peasant Woman“, 1885, Landesmuseum Kröller-Müller, Otterlo; „Die Kartoffelesser“, 1885, Vincent van Gogh Stiftung, Amsterdam), gemalt in einer dunklen malerischen Palette, geprägt von einer schmerzlich scharfen Wahrnehmung menschlichen Leidens und Gefühlen der Depression, schafft der Künstler eine bedrückende Atmosphäre psychischer Spannung.

In den Jahren 1886–1888 lebte van Gogh in Paris und besuchte Privatpersonen Kunstatelier, studierte impressionistische Malerei, japanische Gravur und „synthetische“ Werke von Paul Gauguin. In dieser Zeit wurde van Goghs Palette heller, erdige Farben verschwanden, es traten reine Blau-, Goldgelb- und Rottöne auf, sein charakteristischer dynamischer, fließender Pinselstrich („Brücke über die Seine“, 1887, „Papa Tanguy“, 1881). Im Jahr 1888 zog van Gogh nach Arles, wo seine Originalität endgültig festgestellt wurde kreative Art und Weise. Feuriges künstlerisches Temperament, ein schmerzhafter Drang nach Harmonie, Schönheit und Glück und gleichzeitig Angst vor menschenfeindlichen Mächten verkörpern sich entweder in den in sonnigen Farben leuchtenden Landschaften des Südens („Harvest. La Croe Valley“, 1888) oder in Unheilvolle, die an nächtliche Albtraumbilder erinnern („Night Cafe“, 1888, Privatsammlung, New York). Die Dynamik von Farbe und Pinselführung in Van Goghs Gemälden erfüllt nicht nur die Natur und die Menschen, die sie bewohnen, mit spirituellem Leben und Bewegung („Rote Weinberge in Arles“, 1888, Puschkin-Museum, Moskau), sondern auch unbelebte Objekte(„Van Goghs Schlafzimmer in Arles“, 1888).

Van Goghs intensives Schaffen war in den letzten Jahren von Angriffen begleitet Geisteskrankheit, was ihn in eine Nervenheilanstalt in Arles, dann nach Saint-Rémy (1889–1890) und nach Auvers-sur-Oise (1890) führte, wo er Selbstmord beging. Kreativität von zwei letzten Jahren Das Leben des Künstlers ist geprägt von ekstatischer Obsession und extrem gesteigertem Ausdruck Farbkombinationen, plötzliche Stimmungsschwankungen – von rasender Verzweiflung und düsterer Vision („Straße mit Zypressen und Sternen“, 1890, Kröller-Müller-Museum, Otterlo) bis zu einem zitternden Gefühl von Erleuchtung und Frieden („Landschaft bei Auvers nach dem Regen“, 1890, Puschkin-Museum, Moskau).

Die Natur nimmt im Werk der Landschaftsmaler seit jeher einen besonderen Platz ein. Besonders gerne zeigten die Künstler das Meer, die Berge, Waldlandschaften und endlose Felder, darunter auch Weizen. Unter diesen Gemälden nimmt das Werk des herausragenden Van Gogh „Weizenfeld mit Zypressen“ einen besonderen Platz ein.

Geschichte der Schöpfung

Van Gogh schuf sein Gemälde Ende des 19. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt toller Künstler befand sich in einem schrecklichen Zustand: Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits fast ein ganzes Jahr darin verbracht psychiatrisches Krankenhaus. Der Meister war seiner Gefangenschaft überdrüssig und dieses Gemälde war sein Versuch, zur Kunst zurückzukehren. Vag Gog begann viel Zeit mit Zeichnen zu verbringen. Besonders die Darstellung der Natur faszinierte und beruhigte ihn. Nachdem er begonnen hatte, Felder zu malen (Weizenfelder interessierten den Autor besonders), begann der Künstler, seinen Kompositionen häufig Bäume hinzuzufügen. Besonders gern stellte er Zypressen dar.

Symbolismus

Experten erklären, dass die Zypresse für den Künstler zum Symbol der Traurigkeit und des Niedergangs wurde. Trotz der Tatsache, dass die Wipfel der Zypressen an der Küste streng nach oben gerichtet sind Mittelmeer Diese Bäume gelten traditionell als Symbol der Traurigkeit. Es waren die Zypressen, die der Künstler Ende der achtziger Jahre in seinen Werken darstellte. Forscher erklären dies mit den komplexen emotionalen Erfahrungen des Meisters. Darüber hinaus sind die Zypressen die einzigen Objekte im Gemälde, die vertikal dargestellt sind. Der Autor hat sie speziell vom Feld getrennt dargestellt und mit einer besonders hellen Farbe hervorgehoben, wodurch ein toller Kontrast zwischen dem sauberen, ruhigen Feld und den einsamen, kraftlos nach oben strebenden Bäumen entsteht.

Am unteren Rand der Leinwand befinden sich helle Weizen- oder Roggenfelder. Es scheint, als würden sie sich vor einem plötzlichen Wind verbeugen. An Hintergrund zeigt zwei Zypressenkronen, die wie Flammen flattern. Der Künstler selbst gab zu, dass ihn diese Bäume sehr faszinierten. Er nannte sie großartig.
Sieht im Vergleich zu sehr kontrastreich aus Weizenfeld, Smaragdgras. Wie Van Gogh sagte, erfordern solche Bereiche vom Künstler eine große Beobachtungsgabe. Wenn für eine lange Zeit Schauen Sie in ihre Umrisse, Sie können Brombeersträucher erkennen oder hohes Gras. So versuchte der Autor, sie vom rechten Rand seiner Leinwand aus darzustellen. An Vordergrund, ganz unten im Bild sind die Striche zu sehen reife Beeren auf einem Busch.

Noch ungewöhnlicher stellte der Autor den Himmel in seinem Gemälde dar. Am klaren, klaren Himmel sind ungewöhnliche Locken lila Wolken zu beobachten. Offenbar meinte der Autor, dass schlechtes Wetter am Himmel das genaue Gegenteil eines ruhigen und unbeschwerten endlosen Feldes sei, dessen Ähren sich leicht im Wind wiegen. Wenn Sie genau in den Himmel schauen, können Sie zwischen den tobenden Wolken eine kaum sichtbare Mondsichel erkennen.

Van Gogh über seine Malerei

Der Meister hat wiederholt zugegeben, dass er bewusst die Weiten des Feldes unter dem anhaltenden Himmel dargestellt hat. Genau so äußerten sich seiner Meinung nach auch die Traurigkeit und die Melancholie, die ihn überwältigten. Van Gogh glaubte das herausragendes Bild musste ausdrücken, was er über sich selbst nicht in Worte fassen konnte. Auf die eine oder andere Weise weckt das Gemälde „Weizenfeld mit Zypressen“ immer noch Interesse bei Kunstkritikern und Touristen.

Egal wie oft und tief ich unglücklich bin, Stille, pure Harmonie und Musik leben immer in mir.

Vincent van Gogh

Er war so lange damit beschäftigt, über unlösbare Probleme nachzudenken moderne Gesellschaft und wie zuvor kämpft er mit seiner Freundlichkeit und unerschöpflichen Energie. Seine Bemühungen sind nicht umsonst, aber er wird die Erfüllung seiner Hoffnungen wahrscheinlich nicht mehr erleben, denn es wird zu spät sein, wenn die Leute verstehen, was er mit seinen Bildern sagen will. Er ist einer der fortschrittlichsten Künstler und selbst für mich sehr schwer zu verstehen, obwohl wir uns sehr nahe stehen. Er denkt viel darüber nach: Was ist der Zweck eines Menschen, wie soll er die Welt um sich herum betrachten, und um zu verstehen, was er sagen möchte, muss sich ein Mensch von selbst geringfügigen Vorurteilen befreien. Ich bin jedoch sicher, dass es früher oder später erkannt wird. Es fällt mir nur schwer zu sagen, wann.

Theo (Van Goghs Bruder)

Van-Gogh-Museum in Amsterdam. Ein modernes dreistöckiges Gebäude mit in der Nähe gepflanzten Sakura-Bäumen. Van Gogh hat diese Bäume oft gemalt.

Der Himmel scheint die geraden Zweige der Sakura widerzuspiegeln

Schon von weitem lässt sich erahnen, dass es sich bei diesem besonderen Gebäude um das Van-Gogh-Museum handelt. Es gibt eine lange Schlange von Menschen, die das Museum betreten.

Das Museum hat drei Etagen. Viele Leute. Aber niemand lächelt. Die Gesichter der Menschen sind entweder müde oder ihre Erfahrungen sind sichtbar, und manche haben spürbare Gefühle, die für sie unverständlich sind und die sie einfach zulassen. Gegenüber dem Van Gogh Museum befindet sich ein weiteres Museum, das Rijksmuseum, in dem auch Theaterstücke aufgeführt werden klassische Musik und Museumsbesucher haben inspirierte Gesichter.

Aber das Van Gogh Museum ist anders. Hier mehr Gefühle und es geht ihnen überhaupt nicht um Freude.

Dieses Museum enthält die berühmten Sonnenblumen und ein weiteres Gemälde, das mich besonders beeindruckt hat. Das letzte Arbeit Van Goghs „Weizenfeld mit Krähen“. Es befindet sich im dritten Stock, am Ende der Ausstellung. Dies ist Van Goghs letztes Werk. Und sie war es, die meine Aufmerksamkeit erregte.

Ich gewöhne mich an das Bild und versuche, seine Struktur zu finden, wie es uns Ljubow Michailowna beigebracht hat.

Das erste, was auffällt, ist der gelbe Fleck. Weizenfeld. Besorgt, unruhig, ängstlich. Die Bewegungsrichtung der Ähren ist unklar; sie scheinen umherzurasen. Gelbe, schwere, multidirektionale Striche.

Schwarze Krähen, als wären sie plötzlich aufgetaucht und nicht auf dem Bild. Unheilvoller dunkelblauer Himmel. Dieser dunkelblaue Himmel scheint die hellen Himmelsbereiche zu absorbieren und bald wird der ganze Himmel genauso dunkel und düster sein. Gelb kontrastiert dramatisch mit diesem Dunkelblau.

Oder geben helle Bereiche im Gegenteil Hoffnung?

Und schließlich die Straße, kurvenreich, rotbraun, wie freiliegende Muskeln ohne Haut. Am Limit kann man nicht mehr so ​​lange leben, man braucht Schutz, man braucht Haut zum Überleben. Aber sie ist nicht da. Das ist verrückt. So kann man nicht leben.

Jeder Künstler schreibt „mit seinem eigenen Blut“

Heinrich Wölfflin

In seinem Gemälde stellt Van Gogh kein Naturphänomen dar; er erzählt uns seinen eigenen Zustand und offenbart seine Gefühle durch die von ihm gewählten Bilder. Wir kommen mit seiner Seele in Kontakt und lernen ihn kennen Kummer Durch die ihm vermittelten Bilder lebt er seinen Staat.

Die präzise Bewegung der Hand des Meisters, die darauf abzielt, einen kräftigen, pastosen Strich zu erzeugen, vermittelt uns den angespannten Zustand jeder Zelle seines Körpers. Durch diesen dramatischen Kontrast von Blau und Gelb entwickeln wir auch eine innere Spannung.

Dies ist ein großartiges Kunstwerk, weil es eine enorme Menge spiritueller Kräfte enthält. Diese Kraft durchdringt uns und wir haben die Möglichkeit, ihren nackten Schmerz zu spüren.

Wenn wir dieses Bild betrachten, lernen wir, uns der starken inneren Unruhe und der inneren Suche nach der Wahrheit des großen Künstlers bewusst zu werden.

Leiden kann dargestellt werden. Durch die Handlung, durch die Farbe, den Charakter des Strichs.

Offenbar wollte Van Gogh diese Idee der Vermögensübertragung vermitteln, als er seinem Bruder Theo schrieb, er habe eine Kunstform gefunden, die in Zukunft verstanden werden könne.

Van Gogh vermittelt uns durch seinen Zustand, durch Form und Farbe, wie nahe Leben und Tod beieinander liegen.

In seiner Arbeit gibt es keinen Platz für „Entspannung“, Positivität bei einem Glas Wein und Lebensfreude. In ihr ist kein Platz für ein Lächeln, das sagt: „Alles im Leben ist in Ordnung.“

In seiner Malerei geht es um etwas ganz anderes.

Schmerz und Verbindung mit etwas Höherem durch diesen Schmerz.

„Suicide Note“ nennen Kritiker dieses Bild. Nach der Arbeit an diesem Gemälde beging Van Gogh Selbstmord.

In einem solchen Zustand konnte er das Leben nicht fortsetzen; es war für ihn bereits unerträglich. In einem Zustand extremer Anspannung ist es schwierig, weiterzuleben, da es keine Sicherheit gibt, keine „Haut“, keine „Muskeln“ freiliegen und es körperlich unmöglich ist, so zu leben. Schließlich soll die Haut die Muskulatur schützen.

Wie können wir diesen Zustand verstehen, den wir im normalen Leben vielleicht nicht begreifen können?

Antwort: „Durch die Kunst, durch das Gefühl.“

Wie Ljubow Michailowna uns lehrte: „Es ist wichtig, dieser Weg, diese Farbe, diese Struktur zu werden, und dann besteht die Chance, im Moment zu leben, was im Alltag nicht möglich ist.“

So werden wir spirituell reicher, vielfältiger, so erwacht in uns die innere Suche nach der Wahrheit.

Im Leben müssen wir leben verschiedene Gefühle. Aber sind wir offen für diese Gefühle?

Oder haben wir vielleicht immer noch Angst vor dieser Nacktheit und diesem Schmerz? Vielleicht verschließen wir uns immer noch davor und spüren nicht, wie unser Körper immer enger wird und unsere Gefühle immer eingeschränkter werden.

Ich verstehe jetzt, was Lyubov Mikhailovna uns mitteilen wollte, indem sie uns sagte, dass das Verstehen von Kunst eine spirituelle Arbeit ist, an die wir noch nicht gewöhnt sind, dass Kunst nicht jedem offen steht und wir versuchen müssen, sie nach und nach zu verstehen, und dann wird es beginnen, sich uns zu öffnen.