Spickzettel: Analyse der musikalischen Form des Rondo. Was ist Rondo? Rondo Rondo-Musikstück

Italienisch Rondo, Französisch Rondeau, von Rond - Kreis

Eine der am weitesten verbreiteten Musikformen, die eine lange historische Entwicklung durchlaufen hat. Es basiert auf dem Prinzip, das Hauptthema – den Refrain – und ständig aktualisierte Episoden abzuwechseln. Der Begriff „Refrain“ entspricht dem Begriff „Chorus“. Ein Lied vom Typ Chorus-Chorus, in dessen Text ein ständig aktualisierter Refrain mit einem stabilen Refrain verglichen wird, ist eine der Quellen der Form R. In R. scheint es eine Bewegung im Kreis zu geben – a b a mit a... a. Dieses allgemeine Schema wird in jeder Epoche unterschiedlich umgesetzt.

In der Antike zur Vorklassik gehörend. Ära-Samples von R.-Episoden stellten in der Regel keine neuen Themen dar, sondern basierten auf Musik. Material unterlassen. Daher war R. damals einfarbig. In verschiedenen Stile und national Kulturen hatten ihre eigenen Vergleichsnormen und Wechselbeziehungen. Teile R.

Franz. Cembalisten (F. Couperin, J.F. Rameau und andere) schrieben kleine Stücke in der R-Form mit Programmtiteln (Daquins „Der Kuckuck“, Couperins „Die Schnitter“). Das eingangs genannte Thema des Refrains wurde in ihnen anschließend in der gleichen Tonart und ohne Änderungen wiedergegeben. Die Episoden, die zwischen den Aufführungen erklangen, wurden „Couplets“ genannt. Ihre Zahl schwankte stark – von zwei („The Grape Picker“ von Couperin) bis neun („Passacaglia“ desselben Autors). Der Form nach war der Refrain eine quadratische Periode wiederholter Konstruktion (manchmal wurde er nach der ersten Aufführung vollständig wiederholt). Die Verse wurden in Tonarten des ersten Verwandtschaftsgrades vorgetragen (letzterer manchmal in der Haupttonart) und hatten einen mittelentwicklungsbezogenen Charakter. Manchmal enthielten sie auch Refrainthemen in einer anderen Tonart als der Haupttonart (Dakens „Cuckoo“). Teilweise entstanden in den Couplets neue Motive, die jedoch keine eigenständigen Motive bildeten. Themen ("Beloved" von Couperin). Auch die Größe der Couplets könnte instabil sein. Im Plural In einigen Fällen nahm sie allmählich zu, was mit der Entwicklung eines der Ausdrücke einherging. bedeutet, meistens Rhythmus. Somit wurde die Unantastbarkeit, Stabilität und Stabilität der im Refrain dargelegten Musik durch die Beweglichkeit und Instabilität der Verse überschattet.

Einige wenige stehen dieser Interpretation der Form nahe. Rondo von J. S. Bach (zum Beispiel in der 2. Suite für Orchester).

In einigen Proben R. ital. Komponisten zum Beispiel G. Sammartini, der Refrain wurde in verschiedenen Tonarten ausgeführt. Zu diesem Typus gehörten auch die Rondos von F. E. Bach. Das Auftreten entfernter Tonalitäten und manchmal neuer Themen wurde in ihnen manchmal mit der Entstehung figurativer Kontraste kombiniert, schon bei der Entwicklung der Grundlagen. Themen; Dadurch ging R. über die alten Standardnormen dieser Form hinaus.

In den Werken der Wiener Klassiker (J. Haydn, W. A. ​​​​​​Mozart, L. Beethoven) basiert R. wie andere Formen auf der Homophonie-Harmonik. Musik Denken erhält den klarsten, streng geordneten Charakter. Ihr R. ist eine typische Form des Finales einer Sonaten-Symphonie. Zyklus und außerhalb davon als unabhängig. das Stück ist deutlich seltener (W. A. ​​​​Mozart, Rondo in a-moll für Fp., K.-V. 511). Der allgemeine Charakter von R.s Musik wurde durch die Gesetze des Zyklus bestimmt, dessen Finale damals in flottem Tempo geschrieben und mit Volksmusik in Verbindung gebracht wurde. Lied und tanz Charakter. Dies berührt das Thema von R. der Wiener Klassiker und gleichzeitig. definiert bedeutende kompositorische Innovation – thematisch. der Kontrast zwischen Refrain und Episoden, deren Anzahl minimal wird (zwei, seltener drei). Die Abnahme der Anzahl der Flussabschnitte wird durch eine Zunahme ihrer Länge und einen größeren Binnenraum ausgeglichen. Entwicklung. Typisch für den Refrain wird eine einfache 2- oder 3-stimmige Form. Bei Wiederholungen wird der Refrain in der gleichen Tonart ausgeführt, unterliegt jedoch häufig Variationen; gleichzeitig ist es auch möglich, seine Form auf einen Punkt zu reduzieren.

Auch beim Aufbau und der Platzierung von Episoden etablieren sich neue Muster. Der Kontrast zwischen Episoden und Refrain nimmt zu. Die erste Episode, die sich einer dominanten Tonalität zuwendet, liegt vom Kontrastgrad her nahe der Mitte der einfachen Form, obwohl sie in vielen Fällen in klarer Form geschrieben ist – einem Punkt, einem einfachen 2- oder 3-stimmigen Satz . Die zweite Episode, die sich der gleichnamigen oder subdominanten Tonart zuwendet, ähnelt im Kontrastgrad einem Trio in komplexer dreistimmiger Form mit seiner klaren kompositorischen Struktur. Zwischen Refrain und Episoden gibt es in der Regel Verbindungsstrukturen, die die Kontinuität der Musen gewährleisten sollen. Entwicklung. Nur in bestimmten Übergangsmomenten können die Bänder fehlen – am häufigsten vor der zweiten Episode. Dies unterstreicht die Stärke des entstehenden Kontrasts und entspricht der kompositorischen Tendenz, wonach ein neues Kontrastmaterial direkt eingeführt wird. Vergleiche und die Rückkehr zum Ausgangsmaterial erfolgt in einem fließenden Übergangsprozess. Daher sind Verbindungen zwischen der Episode und dem Refrain fast obligatorisch.

In Verbindungskonstruktionen wird in der Regel thematisch verwendet. Material von Refrains oder Episoden. Im Plural In Fällen, insbesondere vor der Wiederkehr des Refrains, endet das Konnektiv mit einem dominanten Präfix, wodurch ein Gefühl gespannter Vorfreude entsteht. Dadurch wird das Erscheinungsbild des Refrains als Notwendigkeit wahrgenommen, was zur Plastizität und organischen Natur der Gesamtform, ihrer kreisförmigen Bewegung, beiträgt. R. wird meist mit einer verlängerten Coda gekrönt. Seine Bedeutung wird aus zwei Gründen bestimmt. Das erste bezieht sich auf das Innere Entwicklung von R. selbst – zwei gegensätzliche Vergleiche erfordern eine Verallgemeinerung. Daher ist es im letzten Abschnitt möglich, sich sozusagen durch Trägheit zu bewegen und auf den Wechsel eines Code-Refrains und einer Code-Episode zu reduzieren. Eines der Zeichen eines Codes speziell in R. ist das sogenannte. „Abschiedsappelle“ – Intonationsdialoge zweier extremer Register. Der zweite Grund ist, dass R. das Finale des Zyklus ist und die Coda R. die Entwicklung des gesamten Zyklus abschließt.

R. der Nach-Beethoven-Zeit zeichnet sich durch neue Merkmale aus. R. wird immer noch als Form des Finales eines Sonatenzyklus verwendet, wird jedoch häufiger als eigenständige Form verwendet. Theaterstücke. Im Werk von R. Schumann entsteht eine Sonderversion des multithematischen R. („kaleidoskopisches R.“ – nach G. L. Catuar), bei der die Rolle der Bänder deutlich reduziert ist – sie können sogar ganz fehlen. In diesem Fall (z. B. im 1. Teil des „Wiener Karnevals“) nähert sich die Form des Stückes Schumanns Lieblingsminiaturensuite an, zusammengehalten durch die Aufführungen der ersten Suite. Schumann und andere Meister des 19. Jahrhunderts. R.s kompositorische und klangliche Pläne werden freier. Der Refrain darf nicht in der Haupttonart stehen; Eines seiner Ereignisse wird veröffentlicht. In diesem Fall folgen die beiden Episoden unmittelbar aufeinander. die Anzahl der Episoden ist unbegrenzt; Davon kann es viele geben.

R.s Gestalt dringt auch in den Wok ein. Genres - Opernarie (Farlafs Rondo aus der Oper „Ruslan und Lyudmila“), Romantik („Die schlafende Prinzessin“ von Borodin). Oftmals werden ganze Opernszenen in einer rondaförmigen Komposition dargestellt (Beginn der 4. Szene der Oper „Sadko“ von Rimsky-Korsakow). Im 20. Jahrhundert Die rundförmige Struktur findet sich auch in der Abteilung wieder. Episoden mit Ballettmusik (zum Beispiel in der 4. Szene von „Petruschka“ von Strawinsky).

Das R. zugrunde liegende Prinzip kann in vielen Formen eine freiere und flexiblere Brechung erhalten. rondaförmige Formen. Dazu gehört die doppelte 3-teilige Form. Es handelt sich um eine Breitenentwicklung einer einfachen dreiteiligen Form mit einer sich entwickelnden oder thematisch kontrastierenden Mitte. Sein Wesen liegt darin, dass nach Abschluss der Reprise eine weitere erscheint – die zweite – die mittlere und dann die zweite Reprise. Das Material des zweiten Mittelteils ist die eine oder andere Version des ersten, entweder in einer anderen Tonart oder mit einer anderen Essenz. ändern. Während der Entwicklungsmitte können in der zweiten Durchführung neue motivthematische Themen entstehen. Ausbildung. Im Gegensatz dazu sind Kreaturen möglich. thematisch Transformation (F. Chopin, Nocturne Des Major, op. 27 Nr. 2). Die Form als Ganzes kann einem einzigen durchgängigen Variations-Dynamisierungsprinzip der Entwicklung untergeordnet werden, wodurch beide Reprisen des Mains entstehen. Themen können auch erheblichen Änderungen unterliegen. Durch eine ähnliche Einleitung des dritten Mittelstücks und der dritten Reprise entsteht eine dreistimmige Form. Diese rondaförmigen Formen wurden von F. Liszt häufig in seinen Werken verwendet. spielt (ein Beispiel für einen doppelten Dreistimmiger – Petrarcas Sonett Nr. 123, ein Dreier – „Campanella“). Zu den abgerundeten Formen zählen auch Formen mit Chor. Im Gegensatz zu Standardreimen bilden der Refrain und seine Wiederholungen darin gerade Abschnitte und werden daher „gerade Rondos“ genannt. Ihr Schema ist a b mit b a b, wobei b ein Refrain ist. So entsteht eine einfache 3-stimmige Form mit Chor (F. Chopin, Der siebte Walzer), eine komplexe 3-stimmige Form mit Chor (W. A. ​​​​Mozart, Rondo alla turca aus der Sonate für Fn. A- dur, K.-V. 331) . Diese Art von Refrain kann in jeder anderen Form auftreten.

Rondo(von Fr. Rondeau - « Kreis», « sich im Kreis bewegen„“) – eine musikalische Form, bei der sich wiederholte (mindestens 3) Aufführungen des Hauptthemas (Refrain) mit voneinander abweichenden Episoden abwechseln

A - B - A - C - A - … - A

Das unveränderliche Hauptthema – der Refrain – ähnelt einem Refrain, die Nebenthemen – Episoden – sind ihrer Bedeutung nach Refrains. Die Anzahl der Episoden kann zwei oder mehr betragen (wie durch die Punkte im Diagramm angezeigt). Rondo ist eine alte Form. Es handelt sich um Reigentanzlieder mit einem unverändert wiederholten Refrain, wobei im Refrain nur die Strophen aktualisiert wurden, nicht aber die Melodie (A B A B1 A B2 A... A). In der professionellen Musik ist dies eine der häufigsten Formen. Im mittelalterlichen Frankreich komponierten Troubadours und Trouvères sowohl Gedichte als auch Musik in der Rondoform. Mittelalterliche musikalische und poetische Rondos haben eine besondere Struktur, die nicht mit dem oben dargestellten allgemeinen Schema übereinstimmt, sondern auch auf der Wiederkehr des Refrains basiert. Sie wurden als ein- oder dreistimmige Kompositionen komponiert und mit Instrumentenbegleitung aufgeführt.

Seit dem 17. Jahrhundert Rondo (mit dem Schema ABAC A...A) findet in der Oper, im Ballett und in der Instrumentalmusik zunehmende Verbreitung. Das erste Beispiel eines Rondo in einer Oper findet sich offenbar im Prolog der Oper „Orpheus“ von Monteverdi, der auf dem Wechsel von Orchesterspiel (Ritornell) und Musengesang, also auf dem Wechsel von, aufbaut ein instrumentaler Refrain mit mehreren Gesangsepisoden. Die französischen Komponisten F. Couperin, J. F. Rameau und L. C. Daquin schrieben kleine Stücke für Cembalo in Form eines Rondo mit Programmtiteln („The Reapers“ von Couperin, „The Venetian“ von Rameau, „The Cuckoo“ von Daquin). Diese Stücke zeichnen sich durch subtile Klangdarstellung, Eleganz, Anmut und Tanzrhythmen aus. Refrains und Episoden sind Miniaturen, ihre Anzahl reicht von 5 bis 17 oder mehr. Der Charakter der Episoden ist dem Refrain nahe und ergänzt und schattiert ihn eher, als dass er ihn kontrastiert.

In den Werken von J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. Beethoven ist das Rondo eine typische Form des Finales von Sonaten-Symphonie-Zyklen, nur gelegentlich ist es ein eigenständiges Stück. Im Finale besteht die Musik meist aus Gesang und Tanz mit einer Prise Humor. Aber es gibt auch Werke mit lyrischem, tiefgründigem Inhalt (Rondo a-Moll für Klavier von Mozart). Neu an den Wiener Klassikern war der betonte Kontrast zwischen Refrain und Episoden sowie die strikte Begrenzung auf fünf weit ausgearbeitete Teile.

Rondo im Werk von Komponisten nachfolgender Generationen zeichnet sich durch große Freiheit aus: Es belebt die Mehrstimmigkeit wieder, der Refrain kann sich bei der Rückkehr ändern, der Reichtum an figurativen Kontrasten grenzt an Kaleidoskop („Wiener Karneval“ von R. Schumann). Einzelne Stücke, Teile eines Sonaten-Symphonie-Zyklus oder einer Suite, Romanzen („Die schlafende Prinzessin“ von A. P. Borodin), Opernarien (Farlafs Rondo aus der Oper „Ruslan und Lyudmila“ von M. I. Glinka), Opernszenen sind in der Form geschrieben eines Rondo. (Musikspielszene aus S. S. Prokofjews Oper „Die Duenna“), Episoden mit Ballettmusik (die vierte Szene in I. F. Strawinskys Ballett „Petruschka“).

Das Rondo-Prinzip bietet viele Möglichkeiten. Dies ist vor allem die extreme Klarheit und Harmonie der Struktur, ihre Vollständigkeit und Stabilität aufgrund der Wiederholung des Refrains. Gleichzeitig bietet das Rondo wunderbare Möglichkeiten für Kontraste unterschiedlicher Art (zwischen Refrain und Episoden). Darüber hinaus ist es wichtig, die gesamte Struktur mit Entwicklung sättigen zu können, wobei in diesem Fall dem Rondo-Prinzip noch ein anderes Gestaltungsprinzip hinzugefügt wird, das das erste teilweise unterdrückt. Die Rondoform vereint auf wunderbare Weise Einheit und Dynamik.

Das Rondo-Prinzip umfasst viele Formen unterschiedlicher Länge und Ausführung. Neben eigenständigen Stücken oder Zyklenteilen dringt das Rondo-Prinzip häufig auch in andere Formen ein (z. B. Rondosonate). Eine ganze Opernszene kann nach dem Rondo-Prinzip geschrieben werden (Einleitung aus Glinkas „Ruslan und Ljudmila“ – Chorfragmente bilden eine Art Refrain).

Rondo-Sonate- eine Musikform aus der Klasse der stabilen Mischformen, die Merkmale der Rondo- und Sonatenform aufweist. Die Form besteht aus drei Hauptabschnitten, wobei die äußeren Abschnitte (beide oder einer davon) nach dem Rondo-Prinzip aufgebaut sind und der mittlere eine der Sonatenform entlehnte Durchführung darstellt.

Die Rondoform ist mit der alten Konzertform verwandt (durch ihr Prinzip, das Thema zu wiederholen und es mit anderem Material abzuwechseln). Aufgrund des Umfangs der Veränderungen, denen das Hauptthema unterliegt, und der für ein Rondo untypischen Ausarbeitung handelt es sich jedoch nicht um eine Art Rondo.

Rondo hat in modernen Begriffen eine sehr vielfältige Anwendung. Es kann traditioneller (das Finale des Zyklus) oder freier verwendet werden – zum Beispiel als eigenständige Miniatur (einige von Chopins Nocturnes – als Umwandlung des langsamen Teils des Zyklus in ein eigenständiges Stück), ein eigenständiges Gesangsstück (Borodin. „Das Meer“), nach dem Rondo-Prinzip können sehr große Bauwerke gebaut werden (Einleitung aus „Ruslan und Ljudmila“ von Glinka).

Auch der bildliche Inhalt des Rondos verändert sich. Jetzt kann es ekstatische Musik sein („Der schmutzige Tanz von Kashcheevs Königreich“ aus „Der Feuervogel“, das Finale von Strawinskys „Das Frühlingsopfer“), dramatisch und tragisch (Taneev. Romanze „Menuett“). Obwohl die traditionelle lyrische Sphäre erhalten bleibt (Ravel. „Pavane“).

Die klassische Vereinheitlichung der Form verschwindet, ihre Individualisierung nimmt stark zu. Zwei identische Designs sind selten. Rondo kann beliebig viele Teile haben, mindestens jedoch fünf. Der Refrain kann in verschiedenen Tonarten ausgeführt werden (was manchmal bei den Wiener Klassikern zu finden war), wobei die Regelmäßigkeit der Teile oft gestört wird (2 Episoden hintereinander).

Diese Art von Rondo verschmilzt mit anderen Formen, insbesondere mit Kontrastkomposit (dies äußert sich in der Erhöhung des Kontrasts zwischen Abschnitten) oder Suite (formal ist Mussorgskys Suite „Bilder einer Ausstellung“ ein Rondo).

RONDO

Es ist notwendig, zwischen folgenden Konzepten zu unterscheiden: Rondo – Genre;

Rondo - Form.

Das Wort „Rondo“ bedeutet „Kreis“.

Die Idee eines Kreises ist eine der wichtigsten im menschlichen Denken und wird mit Beobachtungen zyklischer Prozesse in Natur und Gesellschaft in Verbindung gebracht:

- kreisförmige, kugelförmige kosmische Körper, die Sonne;

- in Ritualen - Bewegung im Kreis;

― Symbolik des Rings als Darstellung der geschlossenen Unendlichkeit im Universum („Alles kehrt zur Normalität zurück…“).

Rondo - Genre= Lied- und Tanzmusik fröhlicher, optimistischer Natur, oft am Ende eines zyklischen Werkes zu finden. Instrumental-Rondo Das 17.–20. Jahrhundert ist überwiegend homophone Musik.

Gesangsrondo(rondό, rondell, zusammen mit virele, ballata) – bekannt seit dem 14. Jahrhundert (Spätgotik, Mittelalter). Der Prototyp des Rondos waren Rundtänze, sogenannte Kreislieder mit Refrain. Dies wird durch die Bedeutung der Wörter „Rondeau“ – Kreis und „Refrain“ – Refrain belegt.

Im XIX – XX Jahrhundert. Es gibt eine Wiederbelebung des Gesangsrondos in Opernnummern, Szenen und Romanzen.

Unterscheidungsmerkmale des Vokalrondos gegenüber früheren Lied-(Einfach-)Formen:

- mehrteilig (mehrfach);

- Kontrast der Teile;

- eine Kombination aus dynamischer Entwicklung (in Episoden) mit statischer Stabilität (im Referenten);

- Variabilität der Art der Präsentation im Prozess der Formentwicklung;

― skalenthematische Parameter: große, reichhaltige, „starke“ Form.

Rondo - Form basierend auf dem Wechsel eines immer wiederkehrenden Hauptthemas - Refrain (R) und Episoden (E), das auf der Weiterentwicklung des Refrainthemas oder neuer Themen aufbauen kann. Die Merkmale des Vokalrondos sind der Form des poetischen Textes untergeordnet. Die Anzahl der Abschnitte eines Vokalrondos hängt von der Anzahl der Strophen des Textes ab.

Grundformdiagramm: A B A C A ... oder: R E1 R E2 R ...

Anzahl der Episoden, Charakter R Und E, ihr Verhältnis veränderte sich in verschiedenen Epochen und Entwicklungsstadien der Musikkunst.

Antikes Rondo

Prominente Vertreter - französische Barock-Cembalisten - Chambonnières, Jacques(zwischen 1601 und 1611 – 1672); Couperin, Francois(1668 – 1733); Ramo, Jean Philippe(1683 – 1764); Daken, Louis Claude (1694 – 1772).

Charakteristische Merkmale des Genres - Formen:

1. Mehrere Teile : von 5 bis 17 Teile [Beispiel für Maximum

Anzahl der Teile - Couperin. Passacaglia (Rondo)]

2. Klein Teilegrößen(8 – 16 Takte)

3. Refrain , normalerweise ein Zeitraum von 2 Sätzen des Wiederaufbaus

4. Episoden – Entwicklung von Refrainmaterial

5. Mangel an Kontrast

Tritt als eigenständiges Stück oder als Teil eines Zyklus auf.

Theaterstücke: Couperin F. „Duftendes Wasser“, „Reapers“, „Reeds“, „Beloved“; Daken L. „Kuckuck“; Rameau J. „Ausschreibungsbeschwerden“

Teil eines Zyklus: Bach I.S. Violinkonzert E-Dur, Finale.

Klassisches Rondo

Prominente Vertreter sind westeuropäische Klassiker – J. Haydn; W. Mozart, L. Beethoven.

Nach dem „Sturm und Drang“-Stil von F.E. Bachs Rondoform trat in eine Phase der ästhetischen Regulierung ein. Es wurde eine hohe architektonische Perfektion erreicht, die Ausarbeitung, Tiefe der Kontraste und ein Gleichgewicht von Vielfalt und Einheit umfasst.

Anwendungsbereich: manchmal eigenständige Stücke „Rondo“; häufiger - Finale (Haydn, Beethoven) und langsame Sätze (Mozart) von Instrumentalzyklen: Sonaten, Kammerensembles, Konzerte, Sinfonien.

Charaktereigenschaften:

1. Verfügbarkeit 5 Teile

2. Vergrößerung der Abschnitte: Refrain – einfache 2-3-teilige Form

3. Episoden – Abschnitte, die in Form und thematischem Inhalt unabhängig sind

4. Nachteile t zwischen dem Refrain und den Episoden – tonal, thematisch, strukturiert, dynamisch usw.

5. Notwendigkeit der Einführung Bündel zwischen Refrain und Episoden

6. Verfügbarkeit Codes (bringt Kontrast zur ästhetischen Einheit)

Postklassisches Rondo (XIX – XX Jahrhundert) – eine neue Etappe in der Entwicklung der Rondoform.

In den Werken von R. Schumann: „Arabesken“, „Wiener Karneval“, „Novelettes“ sind sie nach dem Rondo-Prinzip aufgebaut. Karneval ist ein beliebtes Thema: blinkende Bilder, Masken, Gesichter, Kostüme, Stimmungen, Tänze.

„Rondo – Suite“(basierend auf einer komplexen dreistimmigen Form mit zwei Trios).

Schumann R. „Arabesken“:

A B St. A C A + Code

C-dur e-moll C-dur a-e moll C-dur

„Even Rondo“: der Refrain steht nicht an erster, sondern an zweiter Stelle:

Schumann R. „Blumenstück“ (9 Teile):

A R B R CD R1 C R+ Code

Chopin F. Mazurka op. 30 Nr. 2 (4 Sätze): A B C B

Verschiedene „Chöre“ enden mit einem „Refrain“.

Chopin F. Walzer cis-moll: A + B C + B A + B

Rondo in den Werken russischer Komponisten

In der Vokalmusik gibt es verschiedene Arten von Rondos: Romanzen, Opernszenen, Arien, Solo- und Ensemblenummern.

Text– „Rondo der Antonida“ aus op. „Ivan Susanin“ von M. Glinka

Rondo Antonida ist der zweite Teil der Arie, der nach der langsamen Cavatina erklingt. Der Text und die Musik vermitteln die Stimmung heiterer Erwartung. Die Episoden basieren hier auf einer fortlaufenden melodischen Entwicklung, die gesamte Arie hat eine komplexe zweiteilige Form: der 1. Teil ist eine Cavatina, der 2. Teil ist ein Rondo.

Rondo-Muster: A B A C A

Tonplan: f Es-c f Des-f f

Die Technik identischer Episodenenden findet sich in Figaros Arie „The Frisky Boy“, die in Rondoform geschrieben ist (Mozarts Oper „Die Hochzeit des Figaro“). Die Episoden enden mit den Worten „Say goodbye to lace“, was Wiederholungen in der Musik mit sich bringt.

Epos– Einleitung aus op. „Ruslan und Lyudmila“ von M. Glinka

Staatsangehörigkeit(Pseudofolklore) – „Jaroslawnas Klage“ aus op. „Prinz Igor“ von A. Borodin

„Einfaches Rondo“ in den Romanzen von A. Borodin: „Die schlafende Prinzessin“, „Arroganz“; Dargomyzhsky: „Night Zephyr“, „Hochzeit“.

In Romantik Dargomyzhsky „Nachtzephyr“― Die Form eines fünfstimmigen Rondos (A B A C A) zeichnet sich durch die Helligkeit des Kontrasts nicht nur im Vergleich von Refrain und Episoden, sondern auch in den Episoden selbst aus (Lehrbuch von Kolovsky, S. 194 – 196).

„Kompliziertes Rondo“- Erhöhung der Ebenen, auf denen die Rondo-Struktur arbeitet.

Glinka M. „Rondo Farlafa“ aus op. „Ruslan und Ludmila“. Es gibt zwei Versionen der Interpretation der Rondoform.

Die 1. Version gehört V.N. Kholopova (Lehrbuch „Formen musikalischer Werke“, 2001, S. 111-112): Refrain – eine einfache dreiteilige Form, 2 Episoden (ähnlich). Es bilden sich fünf große Teile und abwechselnd kleine Formationen 2-stufiges Rondo:

Stufe I: A B A Mit A B A C 1 a B A

Stufe II: b c b c 1B

Die 2. Version der Rondoform findet sich im Lehrbuch von Kolovsky (S. 190 – 191). Sein Schema basiert auf der Textfolge:

A B A C A D B A Code

Schließen Sie Lyudmila, schließen Sie Ruslan, schließen Sie In Sorgen Lyudmila, schließen Sie

Es ist eine Stunde umsonst. Es ist eine Stunde. Vergiss, dass du eine Stunde umsonst bist. Es ist eine Stunde

Vergleichen Sie beide Versionen von Farlafs Interpretation der Rondoform.

Borodin A. „Jaroslawnas Klage“ aus op. „Prinz Igor“: Refrain – einfache 3-stimmige Form, 2 Episoden, 3-stufiges Rondo.

Stufe 1 besteht aus 5 großen Formationen (Teilen) mit einem dreiteiligen Refrain;

Stufe 2 – Wechsel und klanglicher Vergleich kleiner Abschnitte mit dem Refrain des Schreis selbst (A);

Die 3. Ebene bildet das Gusel-Rollenspiel:

A A B r A C r C r A D r E r A B r E r B r A

h, h, D-fis, h D-H h fis-G, c h, D-A, d, D-h, H, h

Ork. Ork. Ork.

„Variations-Rondo“- basierend auf dem Variationsprinzip der Entwicklung. Beispiel : „Finns Ballade“ aus op. „Ruslan und Lyudmila“ von M. Glinka: 7 Teile – 4 Refrains, 3 Episoden, die das Thema des Refrains auf unterschiedliche Weise entwickeln.

Alle Vorträge Refrain – Optionen zur Erweiterung, Reduzierung und Neuharmonisierung:

A– eine einfache dreistimmige Form mit Neuharmonisierung der Reprise („Das halbe Jahr ist verflogen“);

A1– „Heftige Wünsche wurden wahr“ – doppelte 3-stimmige Form mit Neuharmonisierung der Reprise;

A2– „In den Träumen der Hoffnung“ – eine Synthese einer Exposition mit einem Mittelteil (16 Bände) und einer Reprise (8 Bände);

A3– „All the Witchcraft“ besteht aus einem Zeitraum von 8 Takten, gefolgt von einer großen Coda (44 Takte).

Episoden :

IN– „Ich rief die Tapferen“, fließende Entwicklung des Refrains (12 Bände);

MIT– „Bei meinem grauen Bart“, eine Fantasieentwicklung eines Refrains mit mehreren enharmonischen Modulationen (44 Bände);

D- „Ah, Knight“, eine kurze Episode an der Orgelstation (14 Bände).

Bei Rimsky-Korsakow und Tschaikowsky - in Opernszenen, wenn neue Charaktere (Episoden) auftauchen.

Mussorgsky M. „Bilder einer Ausstellung“ – Rondo-Suite.

Glinka M. „Walzer-Fantasie“ – 9-teilige Rondo-Suite.

Rondo des 20. Jahrhunderts

Verbunden mit neoklassischen (neobarocken) Musikrichtungen.

Ravel M.„Pavane“ ist ein Rondo nach Art französischer Cembalisten.

Prokofjew S. Rondo – das Ideal der „neuen Einfachheit“: Marsch aus op. „Die Liebe der drei Orangen“

Romanze „Chatterbox“ (Kolovskys Studie, S. 192 – 193).

Planen: A B A1 C A2 D A3 F A

Tonplan: G G As E C As As E G

Ballett „Romeo und Julia“: „Menuett“, „Gavotte“, „Tanz der Ritter“, „Julia das Mädchen“.

Oper „Krieg und Frieden“: Walzer von N. Rostova und A. Bolkonsky.

Der Begriff „Mikro-Rondo“ = Struktur des Themas;

„Makro – Rondo“ = Zyklusstruktur

Rondaförmige Formen

Chopin F. Mazurka op. 6 Nr. 1: sl. 3-teilige Form mit Rondo-Elementen

Mendelssohn F. „Lieder ohne Worte“, Nr. 14: doppelt 3-stimmig, nah an Rondo

Chopin F. Nocturne Des-dur= doppelt 3-teilig mit Rondo-Elementen

Chopin F. Walzer As-dur op. 42: Rondo-Suite

Zusatz

Unterschiede RONDO aus Komplexe 3-teilige Form

A B A C A A b A C a

1. Episoden und Refrain 1. Mitte (C) – semantisch

gleich groß wie die Mitte der Form, maximal

im Gegensatz zu

umliegende Teile

2. Coda – letzter Refrain, 2. Reprise (oft gekürzt)

einer der Abschnitte des Ergebnisformulars, das Ergebnis der Entwicklung

3. Refrain – immer 3. Erste Konstruktion kann

monoton modulierend sein

4. Zeichen sind nicht typisch. 4. Wiederholungen, Rekapitulationen sind typisch

Wiederholungen da capo

Musikstunden

Musikform: Rondo

Der Begriff Uniform begegnet uns im Alltag: Uniformen – Arbeit, Sport, Schule; geometrische Formen – Kreis, Quadrat, Rechteck usw. Wir alle wissen: Form ist
Umriss eines Objekts.
Daran erkennen wir sofort:
Pilot, Bergmann,
Der Arzt und der Bohnerer
Koch, Eisenbahner,
Feuerwehrmann und Hausmeister. Wenn Sie Schutzschilde und einen Helm haben,
Der Hockeyspieler ist für jeden sichtbar.
Schirmmütze, Schlaghose,
Kragenhemd,
Und darunter ist eine Weste.
Dann ist alles aus der Ferne
Sie erkennen einen Matrosen. Die Uniform lehrt uns Ordnung,
Wir machen darin Übungen.
Musik braucht eine Form
Bei ihr ist sie immer schlank,
Sie verhalten sich würdevoll
Inhalt und Form können mit einem Architekten verglichen werden. Vor dem Bau eines Gebäudes erstellt der Architekt seinen Plan – seine Form – seinen Entwurf. Der Komponist erstellt auch einen Plan für das zukünftige musikalische Werk. Um dies zu erreichen, verwendet jeder Komponist seine eigenen Techniken zum Aufbau musikalischer Werke. Seit der Antike singen die Menschen gerne Lieder und tanzen im Kreis. Bei der Aufführung von Reigentanzliedern sang oft der Leadsänger (Solist) die Verse und der Chor übernahm den Refrain. Die Verse unterschieden sich in der Musik voneinander. Der Refrain wurde unverändert wiederholt. Die Bewegung der Musik schien in einem Kreis zu erfolgen. Auf Französisch bedeutet „Kreis“ „Rondo“. Frankreich gilt als Geburtsort des Rondo. Volkstanz und Volksgesang waren hier früher beliebt. Der Tanz wurde Rondo genannt, was Kreis, Rundtanz bedeutet. Die Rondoform ist eine musikalische Form, die auf Wiederholung basiert. Diese Form basiert auf der wiederholten (mindestens dreimaligen) Wiederholung des Hauptthemas im Wechsel mit Episoden unterschiedlichen Inhalts. Das Rondo hat das wichtigste Thema, das REFRAIN genannt wird – es wird mehrmals wiederholt, abwechselnd mit neuen Themen – EPISODEN . Die Rondo-Form hat aufgrund ihrer Ausdruckskraft ein breites Anwendungsspektrum in der Musikkunst. Sehr oft wird seine Verwendung mit Bildern spielerischer, humorvoller Natur in Verbindung gebracht. Berühmte Musikwerke wie das Rondo im türkischen Stil von W. A. ​​​​Mozart, „Rage over a Lost Penny“ von L. Beethoven, Farlafs Rondo aus M. Glinkas Oper „Ruslan und Lyudmila“ und viele andere wurden in Rondoform geschrieben.

Ludwig van Beethoven. „Wut über einen verlorenen Penny“

Rondo „Capriccio“ G-Dur, op. 129 ist besser bekannt unter dem Untertitel „Wut um einen verlorenen Penny“. Als Beethoven 25 Jahre alt war, schrieb er das Capriccio-Rondo, spielte es aber nie für seine Zeitgenossen. Das kurze fünfminütige Stück wurde erst nach Beethovens Tod bekannt: Es wurde in einem Stapel Papiere gefunden, die auf einer Auktion verkauft werden sollten. Dieses lustige Werk hatte einen ungewöhnlichen Untertitel: „Wut um einen verlorenen Penny“. Die Idee des Untertitels stammte nicht vom Komponisten, sondern von seinem Freund Anton Schindler. Der Titel erklärt die Musik recht eloquent. Diese komische Szene ist voll von Beethovens innewohnender Energie, seinem willensstarken Streben und seiner Dynamik. Genau das ist die Natur des Themas des Refrains, das keinen Zweifel daran lässt, dass die Wut des Helden spielerisch ist. „Das ist ein großartiger Beethoven-Witz“, bemerkt der Musikwissenschaftler Mikhail Kazinik, „ein unsterblicher Witz eines Genies und Donners, der nur für ihn geschrieben wurde.“ das Klavier. Und jedes Mal wetteifern die Pianisten darum, wer es geistreicher, lustiger, frecher spielen wird: Wer zeigt den gleichen Beethoven-Humor, gewürzt mit einer großzügigen Portion Wut? ...“Moderne Musikwissenschaftler vergleichen dieses Rondo mit einem erweiterte Comic-Story-Szene, in der die Musik verschiedene kontrastierende Episoden und Situationen vermittelt: anfängliche Gelassenheit, dann die Entdeckung des Verlustes, abwechselnd Hoffnung und Aufregung. Was folgt, ist eine wirre Suche mit Tonartenwandern und Verstößen in der Komposition, die Chaos erzeugen. Schließlich wütende Wut über eine erfolglose Suche. Ein zusätzlicher komischer Effekt entsteht durch den Kontrast zwischen den Begriffen „Rage“ und „Penny“. Das ist Wut über den unbedeutendsten Grund. Beim Hören des Rondo Capriccio beobachten wir, wie sein Held in einem Wutanfall unter dem Einfluss unkontrollierbarer Emotionen den Anschein eines vernünftigen, ausgeglichenen Menschen verliert. Von den Klängen des anfänglichen fröhlichen und unbeschwerten Polka-Themas geht die Musik über zu stürmischen Passagen, Triller und Arpeggios in tiefer Lage, die an empörtes Knurren erinnern. Und obwohl dies nur ein musikalischer Witz ist, lässt sich daraus die Schlussfolgerung ziehen, dass man in jeder Situation ein menschliches Aussehen bewahren muss. „Lernen Sie, sich zu beherrschen.“ Heutzutage wird das Rondo oft in Konzerten gehört und sowohl von bedeutenden Musikern als auch von Anfängern aufgeführt.

Wolfgang Amadeus Mozart. „Rondo im türkischen Stil“

Die Melodie, die Sie gleich hören werden, wird von vielen Menschen geliebt. Es ist auf der ganzen Welt sehr berühmt und beliebt. „Türkisches Rondo“ von Wolfgang Amadeus Mozart besticht durch die Schönheit seiner Melodien, Anmut und Brillanz. In diesem Werk stellte W. A. ​​​​Mozart die Schläge einer großen türkischen Trommel dar, die damals in Europa unbekannt war. „Türkisches Rondo“ („Rondo Alla turca“) erklingt oft in der Form eines eigenständigen Stücks, obwohl es als dritter Satz einer Sonate in A-Dur für Klavier geschrieben wurde. Die Klänge des „Türkischen Rondo“ erinnerten die Österreicher sofort an der bekannte Klang türkischer Militärmärsche. Die Türkei (damals Osmanisches Reich genannt) und Österreich (so wird der Name des Landes aus dem Deutschen übersetzt) ​​waren langjährige und erbitterte Feinde und kämpften zeitweise vom Anfang des 16. Jahrhunderts bis zum Ende des 18. Jahrhunderts. Trotz dieser ständigen Feindseligkeit hatten die Österreicher jedoch ein starkes Interesse an der türkischen Kultur im Allgemeinen und an der türkischen Musik im Besonderen. Die Österreicher lernten das Spiel türkischer Musiker erstmals im Jahr 1699 kennen, als eine türkische Delegation nach Wien kam, um den Abschluss zu feiern der Vertrag von Karlowitz, der den nächsten österreichisch-türkischen Krieg beendete, der 16 Jahre dauerte. Die osmanische Delegation wurde von Janitscharen – türkischer Infanterie – bewacht, und zusammen mit anderen Janitscharen wurde die Delegation von einem Janitscharen-Militärorchester begleitet, das mehrere öffentliche Konzerte für die Bewohner Wiens gab. Die Österreicher waren von der Janitscharenmusik so begeistert, dass viele österreichische Musiker Sie begannen zu versuchen, türkische Musik auf europäischen Musikinstrumenten zu imitieren, und es traten sogar gefälschte türkische Orchester auf, als die einheimischen Österreicher Janitscharenkleidung anzogen und aus der Türkei mitgebrachte Instrumente spielten. Und keine nachfolgenden österreichisch-türkischen Kriege konnten die Liebe der Österreicher zur türkischen Musik zerstören. Es kam sogar so weit, dass sich die österreichische Regierung 1741 an die türkische Regierung wandte mit der Bitte, türkische Musikinstrumente für die kaiserliche Hofkapelle zu schicken. Die Instrumente wurden verschickt. Das ist eine sehr lebendige, fröhliche, heitere Musik, man kann damit machen, was man will, aber zum Gehen in Formation und zum Marschieren über den Exerzierplatz ist sie nicht geeignet. Und tatsächlich marschierten die türkischen Janitscharen nie in Formation zur Musik. Musik wurde vor der Schlacht, während der Schlacht und nach der Schlacht zur Feier des Sieges sowie bei zeremoniellen Veranstaltungen gespielt. Als Wolfgang Amadeus Mozart das türkische Rondo schrieb, arrangierte er traditionelle türkische Militärmusik für die Aufführung auf dem Klavier, was dazu führte, dass man Musik hörte Der türkische Stil wurde möglich, ohne dass in jedem Haus, in dem es einen Flügel oder ein Klavier gab, ein riesiges Janitscharenorchester zusammengestellt werden musste. Obwohl es auch Bearbeitungen des „Türkischen Marsches“ für Orchesteraufführungen gibt, hat das „Türkische Rondo“ eine dreistimmige Form mit Chor. Der wiederholte Refrain – der Refrain – verleiht der Form den Charakter eines Rondo. Die festliche, fröhliche, tanzbare Melodie des Refrains erklingt mit einer charakteristischen arpeggierten Begleitung, die an einen kleinen Trommelwirbel erinnert.

Michail Iwanowitsch Glinka. Rondo Farlafa aus der Oper „Ruslan und Ljudmila“

In der Oper „Ruslan und Ljudmila“ verwendet Michail Iwanowitsch Glinka die Rondoform, um eine der Figuren, Farlaf, zu charakterisieren. In Farlafs Arie kommen die charakteristischen Merkmale seines Bildes am deutlichsten zum Vorschein – Feigheit und Prahlerei ... Ein arroganter Schreihals,
Unbesiegt von irgendjemandem bei Festen,
Aber ein bescheidener Krieger unter den Schwertern... So charakterisiert Puschkin Farlaf, der sich zusammen mit Ruslan auf die Suche nach Lyudmila macht. Der „mutige Retter“ sieht jedoch die Gefahr und flieht lieber.
Er kauerte vor Angst und starb
Und in Erwartung des sicheren Todes,
Er trieb das Pferd noch schneller.
Es ist, als hätte der Hase es eilig,
Du hältst dir ängstlich die Ohren zu,
Über Hügel, über Felder, durch Wälder
Springt vom Hund weg. Farlafs große Arie ist in Form eines Rondo geschrieben (daher der Name): Das Hauptthema erklingt mehrmals im Wechsel mit zwei Episoden. Mit welchen Ausdrucksmitteln zeichnete Glinka das musikalische Porträt von Farlaf? Normalerweise spricht der Angeber viel und schnell – und so wählt der Komponist ein sehr schnelles Tempo für die Arie. Er sättigt den Gesangspart mit virtuosen Techniken, zum Beispiel der häufigen Wiederholung derselben Klänge. Dadurch entsteht der Eindruck eines erstickenden Prasselns. Und der Zuhörer lacht unwillkürlich über einen solchen „Helden“. Schließlich ist der Ausdruck von Humor für die Musik durchaus zugänglich. Fragen:

Aus welchen musikalischen Abschnitten besteht die Rondoform? Was bedeutet das Wort „Rondo“? Wie heißt das Hauptthema des Rondos? Welcher Art ist das Stück, das wir gehört haben? Wie erscheint Farlaf in der Musik von M. Glinka? Wörter als Referenz: selbstbewusst, stolz, lustig, dumm, selbstgefällig. Warum hat der Komponist Ihrer Meinung nach die Rondoform verwendet, um Farlaf zu charakterisieren?

„Rage over a Lost Penny“ von L. Beethoven, „Turkish Rondo“ von W. A. ​​​​Mozart, „Introduction and Rondo Capriccioso“ von Saint-Saëns... Diese sehr unterschiedlichen Werke eint die Tatsache, dass sie mit der geschrieben wurden die gleiche musikalische Form. Viele berühmte Komponisten verwendeten es in ihren Werken. Doch was ist ein Rondo und wie lässt es sich von anderen Formen der Musikkunst unterscheiden? Beginnen wir mit der Definition dieses Konzepts und verstehen wir seine Feinheiten.

Poetische Kunst

Um Verwirrung zu vermeiden, sollte daran erinnert werden, dass sich dieser Begriff gleichzeitig auf zwei Bereiche bezieht – Literatur und Musik. Und das ist überhaupt nicht überraschend. Wenn wir über Poesie sprechen, dann ist Rondo eine der poetischen Formen.

Es hat einen besonderen Aufbau, der aus 15 Zeilen besteht, wobei die neunte und fünfzehnte Zeile die Anfangsworte der ersten Zeile darstellen. Diese Form entstand im 14. Jahrhundert in Frankreich und wurde in der russischen Poesie des 18. und frühen 20. Jahrhunderts aktiv verwendet.

Rondoform in der Musik

Jetzt können wir dazu übergehen, das Rondo direkt in der Musik zu beschreiben. Es tauchte erstmals im Mittelalter in Frankreich auf. Der Name der Form leitet sich vom Wort Rondeau – „Kreis“ ab. So nannten sie Round-Dance-Songs. Während ihres Auftritts trugen die Leadsänger ihre Fragmente des Werks vor und der Chor wiederholte den Refrain, wobei sowohl der Text als auch die Melodie unverändert blieben. Diese Lieder erwiesen sich als Prototyp der Rondo-Musikform.

Dabei handelt es sich um eine besondere Art, ein Werk zu schaffen, bei dem das Hauptthema – üblicherweise Refrain genannt – ständig (mindestens dreimal) wiederholt wird und sich mit anderen musikalischen Episoden abwechselt. Wenn wir den Refrain A und andere Fragmente mit anderen Buchstaben bezeichnen, dann sieht das vereinfachte Diagramm des Werkes so aus: AB-AC-AD und so weiter. Allerdings sollte das Rondo nicht zu lang werden. In der Regel umfasst es fünf bis neun Teile. Interessanterweise umfasste das längste Rondo 17 Fragmente. Dies ist eine Passacaglia des französischen Cembalisten François Couperin. Dieser wurde übrigens zum Begründer der heute populären elektronischen Musik. Es hat auch viel mit Hip-Hop gemeinsam, wo es üblich ist, dem Refrain andere Fragmente zu überlagern. Der einzige Unterschied besteht darin, dass das Hauptmotiv ständig spielt und sich nicht mit anderen Teilen des Werks abwechselt.

Sorten

Nachdem Sie nun definiert haben, was ein Rondo in der Musik ist, können Sie sich auf seine verschiedenen Variationen konzentrieren. Wenn wir über die Anzahl der Themen und die Struktur sprechen, werden folgende Typen unterschieden. Zunächst das kleine Rondo, das große und auch der Sonatentyp, der so genannt wird, weil er einige Merkmale der Sonate aufweist.

Verschiedene Kompositionsmöglichkeiten ermöglichen eine breite Verwendung dieser Form in der Musik. Historisch wird zwischen antikem Rondo, klassischem Rondo mit weniger, kontrastreicheren und größeren Abschnitten und postklassischem Rondo unterschieden. Es wird interessant sein zu verfolgen, wie sich diese Musikform im Laufe ihrer Entwicklung verändert hat.

Geschichte der Entwicklung des Formulars

Im Laufe der Jahrhunderte hat sich die musikalische Form des Rondo gegenüber seiner ursprünglichen Volksversion erheblich verändert. Von der Gesangs- und Tanzkunst geht es allmählich in die instrumentale Sphäre über. Rondo wird in ihren Werken von bedeutenden Cembalokomponisten verwendet, die im 17. und frühen 18. Jahrhundert in Frankreich wirkten: Francois Couperin, Jacques Chambonnière, Jean-Philippe Rameau. Zu dieser Zeit war der vorherrschende Kunststil das Rokoko, die Musik zeichnete sich durch große Anmut, Raffinesse und Fülle an Dekorationen aus. Und Rondo ist keine Ausnahme. Aber trotz der übertriebenen äußeren Anmut und Leichtigkeit der Musik dieses Stils hat sie immer eine tiefe innere Fülle und einen tiefen Inhalt.

Einfluss der Wiener Klassiker

Anschließend ändert sich die musikalische Form dieser Richtung erheblich. Dies ist auf einen globalen Wandel im Kunststil mit einer neuen Weltanschauung des Menschen zurückzuführen, der sich nur auf die Natur der Arbeit von Dichtern, Künstlern und natürlich Komponisten auswirken konnte. Es lohnt sich, auf die Besonderheiten der Entwicklung der Rondoform in der Musik der Wiener Klassiker zu achten. Einer der ersten, der es verwendete, war J. Haydn. Damals erhielt diese Musikform klassische Züge. Und im Werk von W. A. ​​​​Mozart erreicht es seinen höchsten Höhepunkt. Wenn man darüber spricht, kann man nicht umhin, sein berühmtes „Türkisches Rondo“ zu erwähnen.

Während ich dies schrieb, arrangierte ich traditionelle türkische Orchester-Militärmusik für Klavier. Anmutig, fröhlich, lebhaft, bei vielen sehr bekannt und beliebt. Ein weiterer berühmter Komponist, der diese Musikform verwendete, war L. Beethoven. Rondo verfügt in seinem Werk bereits über große Tiefe, Männlichkeit und Umfang. Er war es, der begann, gemischte Musikformen zu verwenden. Die Rede ist von einem Sonatenrondo. Sein humorvolles und verspieltes „Rage over a Lost Penny“, ebenfalls in dieser Form geschrieben, ist weithin bekannt.

Russische Vertreter

In der russischen Kunst wurde die musikalische Form dieser Richtung auch von vielen berühmten Komponisten verwendet. Mit Hilfe seiner Ausdrucksfähigkeiten erweiterten sie die Grenzen gängiger Musikgenres. Beispielsweise entsteht in A.P. Borodins Romanze „Die schlafende Prinzessin“ durch die Wiederholung des für das Rondo charakteristischen Refrains der Eindruck des unwiderstehlichen, unruhigen Schlafs der Heldin. Die Episoden folgen aufeinander und stehen im Kontrast zur konstanten und gemessenen Langsamkeit des Hauptthemas.

Die Rondoform wurde auch in der Musik der Sowjetzeit verwendet. Dies hatte mehrere Erscheinungsformen. Größtenteils wurden Elemente der rondaförmigen Struktur des Werkes verwendet. Zum Beispiel in der Oper „Semyon Kotko“ von S. S. Prokofjew, geschrieben nach der Geschichte „Ich bin der Sohn des Werktätigen“ von V. P. Kataev. Hier erreicht der Komponist, den Prinzipien der Rondo-Komposition folgend, eine wunderbare künstlerische Ausdruckskraft: Die Wiederholung dieser Form, ihre Fähigkeit, Verschiedenes zu vereinen und zu verbinden, dient dazu, die Gemeinsamkeit der Emotionen aller Charaktere zu vermitteln.

Die Zukunft der Form

Da wir nun mehr darüber wissen, was ein Rondo ist, können wir versuchen, einige Schlussfolgerungen und Annahmen zu ziehen. Wie wir sehen können, ermöglichen die Ausdrucksfähigkeiten dieser Form den Einsatz in verschiedenen Genres, wobei sie diese auf erstaunliche Weise transformieren und ergänzen. Und wahrscheinlich wird es in der modernen Kunst und sogar in der Musik der Zukunft einen Platz dafür geben. Bemerkenswert ist, dass Rondo vor nicht allzu langer Zeit sein Kinodebüt feierte. Dieser Begriff beschreibt die Handlung des Films „The Beginning“ am treffendsten.

Denn Rondo ist eine Verbindung des Beständigen mit dem Veränderlichen, des Vorübergehenden mit dem Unerschütterlichen, des Stürmischen mit dem Maßvollen und dennoch eine ewige Rückkehr zum Nullpunkt. Und darin ähnelt es unserem Leben und sogar der Natur selbst mit ihrer ständigen Zyklizität.