Rene Magritte: Gemälde mit Namen und Beschreibungen. Gemälde „Menschensohn“ von Rene Magritte. Gemälde „Liebhaber“ von Rene Magritte. Warum Rene Magritte von Hüten besessen war. Charakteristische Merkmale des Surrealismus

Belgier surrealistischer Künstler Rene Magritte– einer der geheimnisvollsten und umstrittensten Künstler, dessen Werk schon immer viele Fragen aufgeworfen hat. Eines seiner berühmtesten Werke ist „Menschensohn“. Derzeit gibt es viele Versuche, den symbolischen Subtext des Gemäldes zu interpretieren, was Kunstkritiker oft als intellektuelle Provokation bezeichnen.

Jedes Gemälde von Magritte ist ein Rätsel, das zum Nachdenken anregt verborgene Bedeutungen. Ihre Anzahl hängt allein von der Vorstellungskraft und Gelehrsamkeit des Betrachters ab: Kombinationen von Bildern und die Namen der Gemälde veranlassen den Betrachter, nach einer Lösung zu suchen, die möglicherweise nicht tatsächlich existiert. Wie der Künstler selbst sagte, besteht sein Hauptziel darin, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen. Alle seine Werke erzeugen eine ähnliche Wirkung, weshalb Magritte sich selbst als „magischen Realisten“ bezeichnete.

Magritte ist ein Meister der Paradoxien; er stellt Probleme, die der Logik widersprechen, und überlässt es dem Betrachter, Wege zu ihrer Lösung zu finden. Das Bild eines Mannes mit Melone ist eines der zentralen Motive in seinem Werk; es ist zum Symbol des Künstlers selbst geworden. Das paradoxe Objekt im Bild ist ein Apfel, der direkt vor dem Gesicht eines Mannes in der Luft hängt. „Der Menschensohn“ ist die Quintessenz des Konzepts des „magischen Realismus“ und der Höhepunkt von Magrittes Werk. Jeder, der sich dieses Bild anschaut, kommt zu sehr widersprüchlichen Schlussfolgerungen.

Magritte malte „Der Menschensohn“ 1964 als Selbstporträt. Der Titel der Arbeit bezieht sich auf biblische Bilder und Symbole. Wie Kritiker schrieben, „verdankt das Bild seinen Namen dem Bild eines modernen Geschäftsmannes, der der Sohn Adams blieb, und einem Apfel, der die Versuchungen symbolisiert, die einen Menschen auch im Leben weiterhin verfolgen.“ moderne Welt».

Das Bild eines Mannes in Mantel und Melone taucht erstmals 1926 in „Spiegelungen eines einsamen Passanten“ auf und wird später im Gemälde „Die Bedeutung der Nacht“ wiederholt. In den 1950er Jahren Magritte kehrt noch einmal zu diesem Bild zurück. Seine berühmte „Golconda“ symbolisiert die einseitige Menschenmenge und die Einsamkeit jedes einzelnen Menschen darin. „Der Mann mit der Melone“ und „Der Menschensohn“ reflektieren weiterhin den Verlust der Individualität des modernen Menschen.

Das Gesicht des Mannes auf dem Bild ist von einem Apfel bedeckt – einem der ältesten und polysemantischsten Symbole der Kunst. In der Bibel ist der Apfel die Frucht des Baumes der Erkenntnis von Gut und Böse, ein Symbol für den Sündenfall des Menschen. In der Folklore wurde dieses Bild oft als Symbol für Fruchtbarkeit und Gesundheit verwendet. In der Heraldik symbolisiert der Apfel Frieden, Macht und Autorität. Aber Magritte beruft sich offenbar auf die ursprünglichen Bedeutungen und verwendet dieses Bild als Symbol für die Versuchungen, die den Menschen heimsuchen. In einem hektischen Rhythmus modernes Leben ein Mensch verliert seine Individualität, verschmilzt mit der Masse, kann aber Versuchungen nicht loswerden, die die reale Welt blockieren, wie ein Apfel auf einem Bild.

Variationen zum Thema *Sohn des Menschen* | Foto: liveinternet.ru

Heutzutage ist Magrittes „Menschensohn“ zu einem Artefakt geworden Populärkultur, dieses Bild wird in Werbung und Medien endlos repliziert, parodiert, transformiert Massenmedien. In der Malerei fand Magrittes Werk viele Anhänger:

Menschensohn (Bild)

Handlung

Magritte malte dieses Gemälde als Selbstporträt. Es zeigt einen Mann in Mantel und Melone, der an einer Mauer steht, hinter der man das Meer und einen bewölkten Himmel sehen kann. Das Gesicht des Mannes ist fast vollständig von einem vor ihm schwebenden grünen Apfel verdeckt. Es wird angenommen, dass das Gemälde seinen Namen dem Bild eines modernen Geschäftsmannes, der der Sohn Adams blieb, und einem Apfel verdankt, die Versuchungen symbolisieren, die die Menschen in der modernen Welt weiterhin verfolgen.

Das Bild ist im Film „The Thomas Crown Affair“ () vorhanden.
Das Bild des Gemäldes ist in der Zeichentrickserie „Die Simpsons“ (Staffel 5, Folge 5) präsent.
Eine bearbeitete Kopie des Gemäldes erscheint auf den Plakaten der Fernsehserie „Impact“.
Der Film „Character“ enthält einen Verweis auf den Film.
Im Film Little Shop of Wonders hängt eine unvollendete Version des Gemäldes an der Wand eines Spielzeugladens.
Im Video „70 millions“ von Hold Your Horses! enthält eine Parodie auf dieses Bild.
In der Serie „White Collar“ gibt es einen Hinweis auf das Gemälde (Staffel 3, Folge 1).
In der Sketch-Show „Noel Fielding’s Luxury Comedy“ gibt es eine Figur, die eine Anspielung auf das Gemälde darstellt.
Das Bild erscheint im Video zu Michael Jacksons „Scream“

Wikimedia-Stiftung.

2010.

Sehen Sie in anderen Wörterbüchern, was „Menschensohn (Bild)“ ist: Der Ausdruck Menschensohn wird in religiösen Texten verwendet. „Son of Man“ ist der Titel von: Books Son menschliches Buch

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Handlung

Ein Mann unbestimmten Alters in einem gut geschnittenen, aber unauffälligen Anzug und einer Melone steht an einem niedrigen Zaun. Hinter ihm ist eine Wasseroberfläche. Anstelle eines Gesichts gibt es einen Apfel. In diesem surrealen Rebus hat er mehrere Themen kodiert, die sich durch sein gesamtes Werk ziehen.

„Menschensohn“, 1964. (wikipedia.org)

„Incognito in a bowler hat“ ist ein Bild, das aus einer widersprüchlichen Kombination von Magrittes Leidenschaften entstanden ist. Einerseits hielt er sich an die Regeln des klassischen Bürgertums, zog es vor, unauffällig zu wirken, wie alle anderen auch. Andererseits habe ich es geliebt Detektivgeschichten, Abenteuerfilme, insbesondere über Fantômas. Die Geschichte eines Kriminellen, der sich als Opfer ausgab, Falschmeldungen inszenierte, die Polizei täuschte und sich stets vor der Strafverfolgung versteckte, regte Magrittes Fantasie an.

Am Schnittpunkt des Verlangens nach Ordnung und Unordnung wurde dieser Mann geboren, der respektabel erscheint, hinter dessen Gesicht jedoch Geheimnisse lauern, die selbst ihm unbekannt waren. Derselbe ruhige Pool mit seinen Teufeln.

Die Anspielung auf die Geschichte vom Sündenfall kann im gleichen Kontext gesehen werden. Adam wurde aus dem Paradies vertrieben, nicht weil er sich bereit erklärte, die Frucht des verbotenen Baumes zu essen, sondern weil er keine Verantwortung für die begangene Straftat trug und daher den Namen des Menschen als göttliche Schöpfung nicht rechtfertigte.

Ein weiteres Motiv, das auf die eine oder andere Weise in vielen seiner Werke auftaucht, ist die Erinnerung an seine Mutter, die Selbstmord beging, als Rene 14 Jahre alt war. Sie ertrank im Fluss, und als ihr Körper einige Zeit später aus dem Wasser gezogen wurde, war ihr Kopf in ein Nachthemd gehüllt. Und obwohl Magritte später sagte, dass ihn dieses Ereignis in keiner Weise berührt habe, ist das kaum zu glauben. Erstens: Um dem Selbstmord Ihrer Mutter im Alter von 14 Jahren gegenüber gleichgültig zu bleiben, müssen Sie eine verkümmerte Seele haben (was bei Magritte sicherlich nicht der Fall ist). Zweitens tauchen in Gemälden sehr oft Bilder von Wasser, einem erstickenden Vorhang oder einer Frau auf, die mit dem Wasserelement verbunden ist. In „Son of Man“ gibt es also Wasser hinter dem Rücken des Helden, und die Barriere, die ihn davon trennt, ist äußerst niedrig. Das Ende ist unvermeidlich, aber seine Ankunft ist unvorhersehbar.

Kontext

Nach Magrittes Definition schuf er magischen Realismus: Aus vertrauten Objekten schuf er ungewohnte Kombinationen, die beim Betrachter Unbehagen auslösten. Die Titel für die meisten – all diese geheimnisvollen, umhüllenden Formulierungen – wurden nicht vom Künstler selbst, sondern von seinen Freunden erfunden. Nachdem die nächste Arbeit abgeschlossen war, lud Magritte sie ein und bot ihnen eine Brainstorming-Sitzung an. Der Künstler selbst ist ganz gegangen ausführliche Beschreibung die Philosophie seiner Kunst und Wahrnehmung der Welt, sein Verständnis der Beziehung zwischen einem Objekt, seinem Bild und seinem Wort.

„Vervielfältigung verboten“, 1937. (wikipedia.org)

Eines der Lehrbuchbeispiele ist das Gemälde „Der Verrat der Bilder“ aus dem Jahr 1948. Dargestellt ist eine jedem bekannte rauchende Pfeife, die an sich keine Störung in der feinorganisierten Seele künstlerischer Natur hervorruft. Wäre da nicht die Signatur: „Das ist keine Pfeife.“ „Wie kann es sein, dass das keine Pfeife ist“, fragten die Zuschauer, „wo doch deutlich zu erkennen ist, dass es nichts anderes als eine Pfeife sein kann.“ Magritte erwiderte: „Können Sie es mit Tabak füllen? Nein, es ist nur ein Bild, nicht wahr? Wenn ich also unter das Gemälde schreiben würde: „Das ist eine Pfeife“, würde ich lügen!“

„Der Verrat der Bilder“, 1928–1929. (wikipedia.org)

Jedes Werk von Magritte hat seine eigene Logik. Dabei handelt es sich nicht um eine Aneinanderreihung von Albträumen und Träumen, sondern um ein System von Verbindungen. Der Künstler war im Allgemeinen skeptisch gegenüber dem Eifer, mit dem die Surrealisten Freud studierten, und versuchte, kaum aufzuwachen, so detailliert wie möglich festzuhalten, was sie in ihren Träumen sahen.

Der Künstler hat eine Reihe von Werken – „Perspektiven“, in denen die Helden der Gemälde berühmter Meister sterben. Das heißt, Magritte interpretiert die auf den Leinwänden Dargestellten als lebende Menschen, die früher oder später sterben werden. Magritte nahm beispielsweise Porträts von Madame Recamier von David und François Gerard auf und malte darauf basierend zwei Perspektiven. Und Sie können nicht bestreiten: Egal wie schön Prominenter, aber das gleiche Schicksal erwartete sie wie die letzte Kleinigkeit.

Magritte tat dasselbe mit Edouard Manets „Balkon“, in dem er Menschen durch Särge ersetzte. Manche Menschen empfinden den Kreislauf der „Perspektiven“ als Kunstblasphemie, andere als Witz, aber wenn man darüber nachdenkt, ist dies nur eine nüchterne Betrachtung der Dinge.

Das Schicksal des Künstlers

Rene Magritte wurde in der belgischen Wildnis geboren. Da wir drei Kinder in der Familie hatten, war es nicht einfach. Im nächsten Jahr nach dem Tod seiner Mutter lernte Rene Georgette Berger kennen. Nach 9 Jahren werden sie sich wiedersehen und sich nie wieder trennen.

Nach der Schule und einem Kurs an der Royal Academy of Arts malte Magritte Rosen auf Tapeten – er bekam einen Job als Künstler in einer Fabrik. Dann begann er mit der Herstellung von Werbeplakaten. Nach seiner Heirat mit Georgette widmete Magritte immer mehr Zeit der Kunst. (Obwohl er von Zeit zu Zeit zu kommerziellen Aufträgen zurückkehren musste – das Geld reichte nicht aus, musste Georgette von Zeit zu Zeit arbeiten, was Rene äußerst deprimierte – er glaubte wie ein richtiger Bürger, dass eine Frau überhaupt nicht arbeiten sollte .) Gemeinsam gingen sie nach Paris, wo sie die Dadaisten und Surrealisten trafen, insbesondere André Breton und Salvador Dali.

Als Magritte in den 1930er Jahren in seine Heimat zurückkehrte, blieb er seinem nach künstlerischen Maßstäben asketischen Lebensstil treu. In seinem Haus gab es keine Werkstatt – er schrieb direkt in seinem Zimmer. Kein zügelloses Trinken, keine sexuellen Skandale, keine unkonventionellen Ausschweifungen. Rene Magritte führte das Leben eines unauffälligen Angestellten. Sie hatten keine Kinder – nur einen Hund.

Nach und nach wird er in Europa und den USA immer bekannter, er wird mit Ausstellungen und Vorträgen nach Großbritannien und in die USA eingeladen. Ein unauffälliger Bürger wird gezwungen, seine stille Ecke zu verlassen.

Während der Kriegsjahre wandte sich Magritte dem Impressionismus zu, um seine Mitbürger im besetzten Vaterland zu ermutigen. Er wählt Renoir als Vorbild und wählt leuchtendere Farben. Am Ende des Krieges wird er zu seinem gewohnten Verhalten zurückkehren. Darüber hinaus wird er mit Kinoexperimenten beginnen: Magritte hat sich in den 1950er Jahren eine Kamera gekauft und dreht mit Begeisterung Kurzfilme unter Beteiligung seiner Frau und seiner Freunde.

1967 starb Magritte an Bauchspeicheldrüsenkrebs. Es blieben mehrere unvollendete Projekte übrig, an denen der Künstler bis zu seinen letzten Tagen arbeitete.

Quellen

museum-magritte-museum.be
Vortrag von Irina Kulik „René Magritte – Christo“
Alexander Tairov – über Künstler. René Magritte
Foto der Ankündigung und Lead: wikipedia.org

Jedes Gemälde von Magritte ist ein Rebus, der Sie über mehrere verborgene Bedeutungen nachdenken lässt. Ihre Anzahl hängt allein von der Vorstellungskraft und Gelehrsamkeit des Betrachters ab: Kombinationen von Bildern und die Namen der Gemälde veranlassen den Betrachter, nach einer Lösung zu suchen, die möglicherweise nicht tatsächlich existiert. Wie der Künstler selbst sagte, besteht sein Hauptziel darin, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen. Alle seine Werke erzeugen eine ähnliche Wirkung, weshalb Magritte sich selbst als „magischen Realisten“ bezeichnete.
Magritte ist ein Meister der Paradoxien; er stellt Probleme, die der Logik widersprechen, und überlässt es dem Betrachter, Wege zu ihrer Lösung zu finden. Das Bild eines Mannes mit Melone ist eines der zentralen Motive in seinem Werk; es ist zum Symbol des Künstlers selbst geworden. Das paradoxe Objekt im Bild ist ein Apfel, der direkt vor dem Gesicht eines Mannes in der Luft hängt. „Der Menschensohn“ ist die Quintessenz des Konzepts des „magischen Realismus“ und der Höhepunkt von Magrittes Werk. Jeder, der sich dieses Bild anschaut, kommt zu sehr widersprüchlichen Schlussfolgerungen.
Magritte malte „Der Menschensohn“ 1964 als Selbstporträt. Der Titel der Arbeit bezieht sich auf biblische Bilder und Symbole. Wie Kritiker schrieben, „verdankt das Bild seinen Namen dem Bild eines modernen Geschäftsmannes, der der Sohn Adams bleibt, und einem Apfel, der die Versuchungen symbolisiert, die den Menschen in der modernen Welt weiterhin heimsuchen.“
Das Bild eines Mannes in Mantel und Melone taucht erstmals 1926 in „Spiegelungen eines einsamen Passanten“ auf und wird später im Gemälde „Die Bedeutung der Nacht“ wiederholt. In den 1950er Jahren Magritte kehrt noch einmal zu diesem Bild zurück. Seine berühmte „Golconda“ symbolisiert die einseitige Menschenmenge und die Einsamkeit jedes einzelnen Menschen darin. „Der Mann mit der Melone“ und „Der Menschensohn“ reflektieren weiterhin den Verlust der Individualität des modernen Menschen.

Das Gesicht des Mannes auf dem Bild ist von einem Apfel bedeckt – einem der ältesten und polysemantischsten Symbole der Kunst. In der Bibel ist der Apfel die Frucht des Baumes der Erkenntnis von Gut und Böse, ein Symbol für den Sündenfall des Menschen. In der Folklore wurde dieses Bild oft als Symbol für Fruchtbarkeit und Gesundheit verwendet. In der Heraldik symbolisiert der Apfel Frieden, Macht und Autorität. Aber Magritte beruft sich offenbar auf die ursprünglichen Bedeutungen und verwendet dieses Bild als Symbol für die Versuchungen, die den Menschen heimsuchen. Im hektischen Rhythmus des modernen Lebens verliert ein Mensch seine Individualität, verschmilzt mit der Masse, kann sich aber den Versuchungen nicht entziehen, die die reale Welt blockieren, wie ein Apfel auf einem Bild.

Bella Adtseeva

Der belgische Künstler Rene Magritte stand trotz seiner unbestrittenen Zugehörigkeit zum Surrealismus immer für eine Sonderstellung in der Bewegung. Erstens war er skeptisch gegenüber dem vielleicht größten Hobby der gesamten Gruppe von Andre Breton – Freuds Psychoanalyse. Zweitens ähneln Magrittes Gemälde selbst weder den verrückten Plots von Salvador Dali noch den bizarren Landschaften von Max Ernst. Magritte verwendete hauptsächlich alltägliche Bilder – Bäume, Fenster, Türen, Früchte, menschliche Figuren – aber seine Gemälde sind nicht weniger absurd und geheimnisvoll als die Werke seiner exzentrischen Kollegen. Ohne fantastische Objekte und Kreaturen aus den Tiefen des Unterbewusstseins zu erschaffen, Belgischer Künstler Er tat, was Lautreamont Kunst nannte – er arrangierte „ein Treffen eines Regenschirms und einer Schreibmaschine auf dem Operationstisch“ und kombinierte banale Dinge auf ungewöhnliche Weise. Kunstkritiker und Kenner bieten immer noch neue Interpretationen seiner Gemälde und ihrer poetischen Titel an, die fast nie einen Bezug zum Bild haben, was einmal mehr bestätigt: Magrittes Einfachheit täuscht.

Rene Magritte selbst nannte seine Kunst nicht einmal Surrealismus, sondern magischer Realismus, und war sehr misstrauisch gegenüber jeglichen Interpretationsversuchen, geschweige denn der Suche nach Symbolen, und argumentierte, dass das Einzige, was man mit Gemälden anfangen könne, darin bestehe, sie anzuschauen.

Von diesem Moment an kehrte Magritte regelmäßig zum Bild eines mysteriösen Fremden mit Melone zurück und stellte ihn entweder am sandigen Ufer des Meeres, auf einer Stadtbrücke, in einem grünen Wald oder mit dem Gesicht dar Berglandschaft. Es könnten zwei oder drei Fremde sein, sie standen mit dem Rücken zum Betrachter oder halb seitwärts, und manchmal – wie zum Beispiel im Gemälde High Society (1962) (kann übersetzt werden als „ High Society„—Anmerkung des Herausgebers) – der Künstler skizzierte nur die Umrisse eines Mannes mit Melone und füllte sie mit Wolken und Laub. Das meiste berühmte Gemälde, das einen Fremden darstellt – „Golconda“ (1953) und natürlich „Son of Man“ (1964) – Magrittes am häufigsten reproduziertes Werk, dessen Parodien und Anspielungen so häufig vorkommen, dass das Bild bereits getrennt von seinem Schöpfer lebt. Ursprünglich malte Rene Magritte das Bild als Selbstporträt, das die Figur eines Mannes symbolisierte moderner Mann, der seine Individualität verloren hat, aber der Sohn Adams bleibt, der den Versuchungen nicht widerstehen kann – daher der Apfel, der sein Gesicht bedeckt.

„Liebhaber“

Rene Magritte kommentierte seine Gemälde ziemlich oft, ließ jedoch eines der geheimnisvollsten – „Lovers“ (1928) – ohne Erklärung und ließ Kunstkritikern und Fans Raum für Interpretationen. Die ersten sahen in dem Gemälde wiederum einen Bezug zur Kindheit der Künstlerin und zu den Erlebnissen im Zusammenhang mit dem Selbstmord ihrer Mutter (als ihr Körper aus dem Fluss geborgen wurde, war der Kopf der Frau mit dem Saum ihres Nachthemds bedeckt – Anm. d. Red.). Die einfachste und offensichtlichste der bestehenden Versionen – „Liebe macht blind“ – weckt bei Experten kein Vertrauen, die das Bild oft als Versuch interpretieren, Isolation zwischen Menschen zu vermitteln, die selbst in Momenten der Leidenschaft nicht in der Lage sind, die Entfremdung zu überwinden. Andere sehen hier die Unmöglichkeit, nahestehende Menschen bis zum Schluss zu verstehen und kennenzulernen, andere verstehen „Liebende“ als verwirklichte Metapher für „den Kopf vor Liebe verlieren“.

Im selben Jahr malte Rene Magritte ein zweites Gemälde mit dem Titel „Lovers“ – darin sind die Gesichter des Mannes und der Frau ebenfalls geschlossen, aber ihre Posen und der Hintergrund haben sich verändert, und allgemeine Stimmung wechselte von angespannt zu friedlich.

Wie dem auch sei, „The Lovers“ bleibt eines der bekanntesten Gemälde von Magritte, dessen geheimnisvolle Atmosphäre von heutigen Künstlern übernommen wurde – zum Beispiel bezieht sich das Cover darauf Debütalbum Britische Gruppe Beerdigung eines Freundes, lässig gekleidet und in ein Gespräch vertieft (2003).

„Der Verrat der Bilder“, oder das ist nicht...

Die Namen der Gemälde von Rene Magritte und ihre Verbindung mit dem Bild sind Gegenstand einer gesonderten Untersuchung. „Der gläserne Schlüssel“, „Das Unmögliche erreichen“, „Das menschliche Schicksal“, „Das Hindernis der Leere“, „ Wunderbare Welt„, „Empire of Light“ – poetisch und geheimnisvoll, sie beschreiben fast nie, was der Betrachter auf der Leinwand sieht, sondern welche Bedeutung der Künstler dem jeweiligen Namen geben wollte Sonderfall wir können nur raten. „Die Titel sind so gewählt, dass sie es nicht zulassen, meine Bilder in den Bereich des Vertrauten einzuordnen, wo der Automatismus des Denkens sicherlich dazu beitragen wird, Ängste zu verhindern“, erklärte Magritte.

Im Jahr 1948 schuf er das Gemälde „Der Verrat der Bilder“, das zu einem der bekanntesten wurde berühmte Werke Magritte bedankt sich bei der Inschrift darauf: Von der Inkonsistenz gelangte der Künstler zur Verleugnung, indem er unter das Bild einer Pfeife schrieb: „Dies ist keine Pfeife.“ „Diese berühmte Pfeife. Wie die Leute mir damit Vorwürfe gemacht haben! Und doch kann man sie mit Tabak füllen? Nein, es ist nur ein Bild, nicht wahr? Wenn ich also unter das Bild schreiben würde: ‚Das ist eine Pfeife‘, dann würde ich... würde lügen!" - sagte der Künstler.

Magrittes Himmel

Der Himmel mit den darüber schwebenden Wolken ist ein so alltägliches und verwendetes Bild, dass es „ Visitenkarte„eines bestimmten Künstlers scheint unmöglich. Magrittes Himmel kann jedoch nicht mit dem eines anderen verwechselt werden – meistens aufgrund der Tatsache, dass er sich in seinen Gemälden in schicken Spiegeln und riesigen Augen spiegelt, die Konturen von Vögeln ausfüllt und zusammen mit Die Horizontlinie der Landschaft wandert unmerklich zur Staffelei (Serie „Human Lot“). Der heitere Himmel dient als Hintergrund für einen Fremden mit Melone („Decalcomania“, 1966) und ersetzt die grauen Wände des Raumes („ Persönliche Werte“, 1952) und wird in dreidimensionalen Spiegeln gebrochen („Elementare Kosmogonie“, 1949).

Das berühmte „Empire of Light“ (1954) scheint den Werken von Magritte überhaupt nicht ähnlich zu sein – in der Abendlandschaft war auf den ersten Blick kein Platz für ungewöhnliche Objekte und mysteriöse Kombinationen. Und doch gibt es eine solche Kombination, und sie macht das Bild „Magritte“ aus – ein klarer Tageshimmel über einem See und ein in Dunkelheit getauchtes Haus.