Определение за костюм в театъра. Сценичен костюм - защо е нужен на един актьор и защо е важен за постановката. Театрален костюм в страните от Югоизточна Азия

Произходът на театралния костюм като такъв се връща в древността. От древни времена театралният костюм съществува в театъра на Древния Изток. В Китай, Индия и Япония класическият театрален костюм е символичен и конвенционален. В театъра е важна и символиката на декорациите, шарките върху плата и цвета.

Костюмите в театъра обикновено се създават за всяко представление и за определен актьор, но има и театрални костюми, които са непроменени и като цяло еднакви за всички трупи.

Европейският театрален костюм се появява за първи път през Древна Гърция, където, както всички знаят, театърът като такъв се заражда и впоследствие се развива и претърпява много промени, става модерен. Основното в гръцкия театър беше костюмът, повтарящ ежедневното облекло на гърците. Също така за театрални представления бяха необходими големи маски с различни изражения на лицата, така че зрителите отдалеч да могат да видят емоциите на актьорите и обувки на високи стойки - бускини. Всеки костюм в гръцкия театър имаше специален цвят, например, показващ принадлежност към определен вид дейност или позиция. Театрален костюмсе променя в зависимост от дизайна на пиесата.

Тук си струва да разкрием същността на понятието „театрален костюм“.

Великата съветска енциклопедия дава следното определение: „костюмът в театъра (от италиански костюм - обичай) е един от важните компоненти на дизайна на представлението - дрехи, обувки, шапки, бижута и други предмети, които се използват от актьора за характеризират сценичен образсъздадена от него на основата на общ намерението на режисьора; необходимо допълнение към костюма е гримът и прическата.” Костюмът в театъра е специална област на творчеството на художника, в която той може да въплъти огромен брой образи и да предаде характера на героя. Театралният костюм формира представата на зрителя за личността на героя, помага да се проникне в духа на онази епоха и да се разберат характерните черти, отразени във външния вид на актьора.

Театрален костюмспоред дефиницията на Р. В. Захаржевская, това е „компонент на сценичния образ на актьора, това са външни признаци и характеристики на изобразения герой, които помагат за трансформацията на актьора; средство за художествено въздействие върху зрителя”.



С течение на времето в театъра са се развили три основни типа театрален костюм: персонаж, игра и облекло актьор. Те съществуват от самото възникване на театъра, въпреки че не са им дадени ясни определения;

„Костюм на геройТова е визуално-пластична композиция, която е част от образа на актьора-изпълнител. Костюмът е неразделна част от героя, управляван и озвучаван от актьора.” Примитивните прототипи на персонажни костюми бяха неразделна част от обредите и ритуалите в много страни по света. Понякога костюмът може напълно да скрие фигурата на актьора.

Костюм за игра- Това е средство за трансформиране на външния вид на актьора и важен елемент при изиграването на ролята. В ритуални и фолклорни представления костюмът за игра най-често има гротесков пародиен характер, например когато е необходимо да се подчертае, осмие, парадира или посочи абсурдността на ситуацията. Мъжете бяха облечени като жени и обратното, хората изобразяваха различни животни. Всички материали, които биха могли да подчертаят образа на героя, са подходящи за направата на такъв костюм. Те използваха различни материали и елементи от облеклото: шапки с уши, палта от овча кожа, кожуси, различни изкуствени бижута, мъниста, камбани.



Костюм като облекло на героя, е основният в спектакъла; на базата на този костюм се създават костюми за герои и игри. Съвременната мода винаги е намирала отражение в театъра. Например, в театралната практика често се използват костюми, подобни на дрехите от времето, през което се показва представлението. Тази техника датира от времето на древногръцкия театър и присъства в театъра и до днес. Създаване от този типдизайнът на костюмите се извършва въз основа на движение от форма, близка до външния вид на облеклото (в ренесансовия театър) към по-голяма прилика с исторически, национални костюми, постигайки точност и автентичност. По-късно, в театъра на натурализма, костюмът започва напълно да съответства на характера на героя, предавайки неговото душевно състояние с най-голяма точност, външен видпредава компонентите на изображението все по-ясно. Костюмът винаги е бил и остава специална област на творчество за художници, които разработват и измислят не само фантастични костюми, но дори, изглежда, създават наистина произведения на изкуството от най-обикновените домашни дрехи.

Театралният костюм е важна и неразделна част от всяко театрално представление. Театърът е може би най-публичната форма на изкуство, което означава, че е предназначен повече за показност. Обикновено на излизане от залата публиката характеризира представлението по следния начин: беше зрелищно, отлична актьорска игра, прекрасна декорация, отлична постановка. От всичко това виждаме, че почти всеки аспект на театралното представление е повлиян от работата на артиста.

По време на фолклорни представления и ритуали майсторите на костюми бяха безименни майстори; често шутовете сами измисляха облекло за себе си и го оживяваха с импровизирани, евтини и достъпни средства. Театърът не винаги е бил публичен, отне много време, за да се развие в тази посока. Професионалните актьори са малко, а представленията се изпълняват предимно от самоуки актьори. Закони, които защитаваха богатите, благородниците и земевладелците, се бореха срещу скитниците, включително актьорите, за да спрат бягствата от нископлатена работа, което възпрепятства израстването на професионалистите в театъра.

В епохата на феодализма изкуството на театъра се отразява в представленията на пътуващи артисти. Костюмът, който си представяли, изглеждал същият като този на бедните им съвременници, но бил украсен с ярко оцветени панделки и звънчета. По това време се появяват представления, наречени мистерии; характерна черта на представленията е помпозността, яркостта и декоративността; Спектаклите се превръщат в придворен спектакъл, красив и вълнуващ. Имаше само един декор, който не се променяше през цялото представление, за разлика от съвременния театрален спектакъл. Основното изискване за театрален костюм в мистериозната пиеса е богатството, лукса, като няма значение за главните или второстепенните роли, костюмът е условен и избягва детайлите. Костюмът за моралната пиеса беше по-скромен поради назидателното си съдържание.

Както всички форми на изкуството, огромен скок в развитието на театъра настъпва през Ренесанса; в същото време театралният костюм също претърпява значителни промени, което е силно повлияно от модата на времето, както и от сценографията. Комедийните актьори осмиваха нарушителите и дадоха остроумни, подходящи и понякога зли характеристики на героите от представленията. По-късно, през втората половина на 16 век, костюмът в театъра се доближава до аристократичния стил на облекло, в зависимост от ролята може да бъде облекло с клоунско съдържание. Театралните костюми вече бяха изработени от квалифицирани занаятчии, които бяха получили образование: шивачи, художници, декоратори; имаше търсене на тези професии.

Основният жанр на класическия театър през 17 век е трагедията, актьорите са облечени в костюми, които копират ежедневните дрехи на придворните и слугите, а дизайнът на пиесата е повлиян от вкусовете и интересите на аристокрацията. Луи XIV през 1662 г. с речта си на фестивала във Версай се разпространява европейски театърнов тип костюм за трагични героисто години в бъдещето, появявайки се в стилизиран „римски“ костюм, създаден на базата на придворен костюм с добавяне на кираса и къса пола. Носиите на жените бяха отражение на модерността, но по-украсени и бродирани, отколкото в ежедневието.

Във всички произведения по история на костюма се подчертава периодът на Молиер и тъй като модата винаги е била отразена в театъра, този период стана важен за театралния костюм. Реалистичните тенденции започват да се появяват в театралния костюм; в неговите продукции Молиер облича актьори в модерни костюми от различни слоеве на населението. Важно постижениеПри разработването на театралния костюм актьорът Д. Гарик отхвърли претенциозността и помпозността, той се опита да намали костюма, за да отговаря на ролята, разкривайки характера на героя, помагайки да се разбере неговата същност.

За нашата работа е особено интересен приносът на Волтер в историята на театралния костюм - желанието за историческа, национална и етнографска точност. Отказ от напудрени перуки и масивни бижута, в които актрисата Клерън го подкрепи. По време на процеса на реформа стилизираният „римски“ костюм беше модифициран, изоставяйки традиционния тунел и прекомерната помпозност, която възпрепятстваше движението, беше елиминирана.

През 18-ти век костюмът най-накрая се променя, нарушавайки старите традиции, костюмът става исторически точен и се прави по скици на художници, много внимание се обръща на грима и прическата, но историческата точност се постига само в отделни детайли. Само за да 19 векВъв връзка с развитието на режисьорското изкуство те се стремят да свържат костюма с концепцията на пиесата и да съблюдават духа на епохата при създаването на представлението. Известно е, че драматурзите лично са участвали в постановката на пиесата и са се погрижили за следване на сюжета, те са поели и отговорността за скици на декори и костюми, като са привлекли за помощ известни артисти. Сред авторите на скици на костюми са Е. Делакроа, П. Гаварни, П. Деларош Л. и К. Буланже, А. Деверия и др. През този период те се отнасят с особено трепет към автентичността и точността, въпреки че не всички го постигат.

В Англия актьорът W.C. обърна голямо внимание на историческата точност на театралния костюм. Макреди, актриса Е. Вестрис. Някои режисьори в исторически представления се опитаха да изобразят точно сцената на действие, да пресъздадат костюми в точно съответствие с времето и обърнаха внимание на голямо вниманиегрим и прическа. Естествено, такова съсредоточено желание за автентичност, историчност и точност не може да не доведе до вълна на отричане. До края на 19-ти век много видни режисьори и художници се стремят да отхвърлят рутината на натурализма и се борят срещу реализма в изкуството, което води до завръщането на конвенциите и стилизацията. Това се случи, защото се смяташе, че театърът трябва да внесе нещо ново, приказно, нереално в живота, а не да повтаря ежедневието на човешкия живот.

По-късно, в началото на ХХ век, изтъкнати и известни художници започват да се занимават с театрални костюми, внасяйки отражение на своята креативност в този вид изкуство, формирайки законите на изпълнението на костюмите, работейки като пионери. На модерен етапВ развитието на театралното изкуство артистите се стремят не само да отразят концепцията на пиесата в творбите си, но и да направят театралните костюми самостоятелно произведение на изкуството, да изразят себе си, да дадат воля на въображението, да покажат своята визия на творчеството.

От историята на театралния костюм виждаме колко ревностно са се отнасяли художниците към този вид изкуство, така че значението на ролята на театралния костюм в изкуството не е под съмнение. В нашето изследване обърнахме специално внимание на следните художници, които създават скици за театрални представления: Л. Бакст, А. Беноа, Н. Рьорих, А. Екстер (виж Приложение № 1). По време на развитието на театралния костюм виждаме как известни художници и безименни майстори работят върху създаването на художествен образ, създавайки произведения на изкуството дори от обикновен костюм, работейки творчески, опитвайки се с всеки детайл да разкажат на зрителя за уникалността и важността на това характер. Театралният костюм е смесица от много изкуства; в създаването му участват много занаятчии от различни посоки, единият създава скица, вторият украсява с бродерия, третият се занимава с аксесоари и реквизит. Има определени етапи на работа по създаването на театрален костюм.

Преди да започне да създава театрален костюм, художникът трябва да се запита: какво трябва да създаде, за кого и как? Отговорите на тези въпроси изискват от опитен артист познаване на атмосферата и образа на представлението, отговорност към публиката и отлично познаване на публиката, както и познаване на всички техники и техники, с които може да изрази всичко. Въпреки факта, че театралният костюм е самостоятелно произведение на изкуството, той, както всичко останало в пиесата, е подчинен на общия сюжет. Идеята, замисълът е в центъра на всичко, диктува съдържанието на всеки герой, общественото му положение, моралната страна на личността му и съответно външния му вид, защото всичко това е взаимосвързано. В театралната практика има три етапа на работа по създаването на костюм: работа с литература, натрупване на материал по обща темаизпълнение, работа върху скицата и накрая изпълнение на скицата в материала, въплъщение в текстурата. При вземането на решение за цялостния дизайн на костюмите на представлението, при избора на техника при работа върху скици на костюми и дори при избора на материали и аксесоари, дизайнерът на костюми се ръководи от основната идея на представлението. Идеята, изразена в сценария, подчинява всичко: костюми, декори, характеристики на героите.

Важно условиев работата на дизайнер на костюми - за постигане на единство на идеята за представлението и неговото изпълнение. Важното в театралния костюм е създаването на сценичен образ. Сценичният образ в театрален костюм се състои от режисьорска концепция, драматична основа, динамика и ритъм. Динамиката на образа и еволюцията на характера на героя и всичко, което се случва на сцената, подтиква художника да промени няколко пъти външния вид на актьора на сцената, не само костюма, но и грима и прическата. Костюмът трябва да помогне да се предаде на зрителя и най-малката промяна в образа на актьора.

Костюмът е най-важната част от театралното представление, защото е най-близо до актьора. Не забравяйте, че костюмът е външен изразхарактер на героя, неразделна част от сценичния образ и създава специална атмосфера около актьорите, важна не само за изпълнението на ролята, но и за публиката. Често има черти на характера, които остават в подтекста на пиесата; публиката ще ги разпознае от костюма и отделните му детайли. Понякога костюмът трябва да се слее с образа, създаден от актьора, но се случва и да противоречи на героя. Например, в самото начало на пиесата виждаме актьор, който изобразява добър човек, той се държи прилично и високоморално, но неговият костюм тревожи зрителя и наистина до края на пиесата той се оказва злодей или предател. Също така, когато работите върху скици, не забравяйте за индивидуалността на актьора, гъвкавостта и сложността на неговия характер.

По този начин изразителните средства на театралния костюм са следните характеристики:

Художественият сценичен образ се състои от режисьорска концепция, драматургична основа, динамика и ритъм.

Е самостоятелно произведение на изкуството

Стреми се към историческа, национална и етнографска точност

Е външен израз на характера на героя;

Проектиран повече за ефективност.

Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу

Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.

  • 3
  • 2. Античен театрален костюм 5
  • 7
  • 9
  • 5. Театрален костюм на Европа от XVIV. до съвремието 13
  • 17

1. Какво е театрален костюм?

Театърът е форма на изкуство, която не може да съществува без публика, така че всичко в него е предназначено за външен ефект. Театрален костюм (включително изкуствени мустаци и брада, перуки, козметика, маски) е част от театралния грим. Гримът (от френски "grimer" - "оцветяване на лицето") е изкуството да промените външния вид на актьора за дадена роля и средствата, необходими за това.

Театърът (а с него и гримът) възниква в дълбините на магическия синкретичен ритуал на древността. Хората виждали в него лечебна сила, която очиства тялото от различни страсти.

От древни времена всички народи по света са имали празници, свързани с годишните цикли на смъртта и възраждането на природата. Тези празници дадоха живот на театъра.

Древните гърци обичали и почитали младия бог Дионис. Почитали върховното божество – Зевс – само веднъж на четири години (Олимпийски игри); Атина - веднъж на две години; Аполон - веднъж на две години; но Дионис - три пъти в годината. Това е разбираемо: Дионис беше богът на винопроизводството. През март, на Великата Дионисия, хора от всички гръцки градове-държави дойдоха в Атина. През седмицата те сключваха сделки, политически съюзи и просто се забавляваха.

Празникът започна с внасяне на дървен Дионис в лодка на колела. Тази лодка беше придружена от хор от сатирски кукери. Следователно появата на това божество винаги е била свързана с обличане и карнавални костюми.

Кулминацията на празника настъпи на третия ден. На този ден мъжките животни бяха принесени в жертва на Дионис, тъй като той, роден от бедрото на Зевс, беше свързан с чисто мъжки принцип. Жертвите могат да бъдат петли, бикове, но най-често кози. Когато такава „изкупителна жертва“ беше убита, те пееха тъжна „козя песен“ - трагедия. След това кошницата с червата и фалоса на козела се носеше на полето, за да се натори земята, като постепенно се пиеше вино, посветено на Дионис. Връщайки се у дома, носачите на кошници се скараха на някого (например местен политик). След като влязоха в града, те окачиха комос - кози черва - близо до къщата на мъжа. Това действие, тази тълпа и тези забавни песни. които тя пееше, се наричаха komos („гуляйджии“). Ето откъде идва комедията. Вярно е, че има и други версии за произхода на театъра.

Що се отнася до облеклото на участниците във фестивала, известно е, че те са били животински кожи (за да бъдат по-подобни на сатири с кози крака). По-късно, благодарение на състезанието на поетите на сцената, трагичните и комичните песни стават самостоятелни театрални жанрове.

2. Античен театрален костюм

За официална година на раждане на античния театър се смята 534 г. пр.н.е. д., когато трагедията на Теспис е поставена за първи път на Великата Дионисия.

По това време театралният костюм вече беше много различен от ежедневния. Художникът, който в началото беше само един, се появи на сцената в пищна и ярка рокля. На лицето му имаше маска, свързана с перука и оборудвана с метален гласов резонатор, разположен близо до устата му. Маската имаше отвори за очите. Актьорът беше облечен с бускини на висока платформа. Всичко това е проектирано за отдалеченост на зрителя, защото гръцкият театър е под на откритопобира до 17 000 души. Ярка рокля, голяма маска и високи обувки позволиха да се види по-добре изпълнителката. Резонаторът усилваше звука (въпреки че акустиката в древните театри беше такава, че дума, изречена шепнешком в центъра на сцената, достигаше до последните редове).

Имаше до седемдесет различни вида маски. Те също бяха необходими, защото тогава всички роли се изпълняваха от мъже. Актьорът смени маската си по време на екшъна, когато участва в нова роляи когато той показа на зрителя промяната в настроението на своя герой. Маските предаваха типични изрази на радост, скръб, измама и т.н. Те бяха направени от дърво или гипсов плат и след това боядисани.

Символиката на цвета играе важна роля. Владетелите имаха пурпурни дрехи: жените им бяха бели; изгнаници - черни или сини; млади мъже - червени; обикновените жени са жълти; hetaeras са пъстри.

Костюмите бяха придружени от постоянни атрибути, за да може публиката по-лесно да разпознае героя. Владетелят имал скиптър, скитникът имал жезъл, Дионис имал цъфтяща клонка от плюш (тирз), Аполон имал лък и стрели, Зевс имал светкавица и т.н.

Благодарение на дългите си дрехи и високи обувки, трагичните актьори изглеждаха монументални и се движеха плавно. Комедиантите носеха по-къси, по-вталени тоалети. Тези, които изобразяват сатири и силени, вързаха конска опашка зад себе си, сложиха животинска маска (или рога) и това беше краят на грима им. Такива дрехи ви позволяват свободно да скачате из сцената. В Рим предпочитаха леките жанрове, а трагедиите – комедията. Там пантомимата влезе на сцената. Цирковите номера бяха много популярни. Публиката по-лесно възприема флиаците (от гръцки "phlyax" - "шега") - пародии на трагедии и комедии; мимове - малки сценки на ежедневни теми; atellans - забавни импровизации.

Костюмът се доближи до ежедневните тоалети. Вярно, цветната символика все още беше запазена. Мимовете вече нямаха маски и публиката можеше да наблюдава израженията на лицата на актьорите. В тези представления играят не само мъже, но и жени, което засилва еротичния момент и създава поводи за публичен стрийптийз.

Гръко-римският театрален костюм продължава да оказва влияние върху сценичния костюм от по-късно време.

3. Театрален костюм от европейското средновековие

През Средновековието хората не са забравили забавленията на античността и почти всеки християнски празник е бил придружен от представление наопаки: корона за шута, шапка за краля.

Хистрионите (от латинското "histrio" - "актьор"), които се наричат ​​жонгльори във Франция и менестрели в Англия, бродят из Европа. в германия са шпилмани, а в русия са шутове. Те са моноспектакъл, защото могат да играят и да пеят. ходене по въже, жонглиране. Костюмът на тези хора беше подходящ за акробатика: чорапогащници, меки обувки, къса туника с колан, пътуващи до хистрионите бяха вагани - „скитници“: отпаднали ученици, семинаристи, отстранени свещеници. Все още нямаше граници като такива и езиците не се отклониха твърде далеч от една основа, което направи възможно разбирането навсякъде. Дрехите на вагантите не се различават от ежедневния костюм на средновековния човек.

Вагантите организираха забавни представления - кому, в които църквата беше осмивана в образа на майката глупак, поради което представители на официалната религия преследваха артистите.

Въпреки това, църквата също трябваше да увеличи развлекателната стойност на своите „представления“, така че литургична драма възниква точно вътре в храма. Епизоди от Библията бяха поставени от самите свещеници в техните униформи. Но колкото повече се увеличава моментът на действие в тези продукции, толкова по-„неприлични“ стават те в стените на църквата. Затова представлението беше преместено първо на верандата, а след това на площада. Появи се нов жанр-- чудо („чудо“), представляващо чудотворни събития, свързани с Дева Мария и Исус. В основата на чудото се появява мистерия (“тайна”) – театрално действие, смътно свързано с библейския сюжет.

Героите на мистериите могат да бъдат не само Дева Мария, Исус и библейски пророци, но и дяволи, дяволът и просто жители на града. Поради това костюмът стана по-разнообразен. Христос, апостолите и пророците се представиха в одежди на духовници. И самите изпълнители на тези роли можеха да бъдат свещеници или монаси (това не беше забранено). Търговци, занаятчии и други герои носеха дрехите на гражданите на своето време. Фантастични герои, облечени в сложен костюм с незаменими атрибути като рога, опашки и вълчи или овнешки кожи на дяволи. Персонифицирани болести (Чума, Шарка), грехове (Лакомия, Ласкателство), добродетели (Истинност, Надежда) могат да имат маски.

Често обаче не се правеха специални костюми (както и декори). Надписите „Рая“, „Ад“, „Бог Отец“ и т.н. бяха напълно достатъчни.

Светлината е била основната категория на средновековната естетика, така че най-важните божествени герои са били в бели и лъскави дрехи, а дяволските изчадия са били в черно. Вера облече бяла рокля. Надежда - в зелено. Любовта е в червено.

Както в древния театрален костюм, героите имаха постоянни атрибути: Вярата имаше кръст, Надеждата имаше котва, Любовта имаше сърце или роза, Алчността имаше портфейл, Удоволствието имаше портокал, Ласкателството имаше лисича опашка.

С течение на времето театралният костюм става все по-подобен на обикновения домашен, а ежедневният става все по-театрален.

4 Театрален костюм в страните Югоизточна Азия

Синкретизмът на примитивната култура (неразделността на различни видове културни дейности) се проявява в магическите градове, където танците, музиката, живописта, театралните представления и т.н. съжителстват рамо до рамо в дълбините на митологията още през 2-ро хилядолетие пр.н.е. д. Танците и пантомимата са били част от поклонението на боговете в древна Индия. Епосите "Махаб-Харап" и "Рамаяна", появили се през 1-во хилядолетие пр.н.е. д., формират основата на класическия театър на Индия и онези страни, където съществува индуизмът, тъй като тези епоси са свещените книги на тази религия. Под различни форми (всъщност театър, куклено шоу, театър на сенките, балет) все още съществуват постановки на епизоди от „Махабхарата“ и „Рамаяна“. И сега те използват много ярки, скъпи костюми, маски или грим, подобен на маска. Няма декори, всичко се случва в скута на величествена природа.

В Китай театърът също се развива от танцови и акробатични елементи, които са били част от свещените ритуали. През 7-10 век се разпространяват танци на исторически и героични теми, осеяни с малки театрални интерлюдии. За първи път се появиха специални театрални костюми.

През XIII-XIVв китайски театърдостигна своя връх под формата на заджу. Това смесено изпълнение включваше музика, пеене, танци и акробатика.

Нямаше декори, така че особено значение беше придадено на актьорската игра и външния им вид. Всички роли бяха изиграни от мъже. Най-жалките сцени се разиграваха на забавен каданс.

Всички движения бяха строго канонизирани. Самите актьори говореха за себе си като герои, определяха времето и мястото на действие.

През следващите векове заджу не умира, а се трансформира в различни форми. Както и преди, на сцената има малко реквизит, а наличното се използва многофункционално: масата е планина, олтар и площадка за наблюдение; черните знамена символизират вятър, червените - огън и т.н. Цветовата символика се използва в грима и костюма: червено - смелост, бяло - подлост, жълто - цветът на императора.

В Япония също са се развили няколко вида театрални представления, които са оцелели и до днес. Kan'ami Kpetsugu и неговият син Zeami в началото на 14-ти и 15-ти век създават театър Но от разпръснати песни и танцови номера. Самите те са били актьори, режисьори, автори и композитори (а Зеами е бил и теоретик на театъра Но). Тяхната работа се случи във време, когато японският начин на живот беше забележимо театрализиран: хора с нисък произход станаха владетели и, както всички неофити, те особено се придържаха към ритуала. Жаждата за забавление породи масови чаени церемонии или празненства на любуване на вишнев цвят (което само по себе си е абсурдно, защото за японците това е нещо много лично). Театралните представления на Но стават задължителна част от церемонии и приеми. Често многочасови (и дори многодневни) представления на исторически и героични теми започват да променят хода на реални събития (например хода на празник). Владетелите свикнаха с образите на сценичните герои. А шогунът (военен диктатор) Тойотоми Хидейоши от голям почитател на театъра Но се превръща в актьор и през 1593 г. по време на тридневно представление в чест на раждането на сина си участва в десет пиеси. Той изигра себе си.

Но театърът има характерните черти, които вече споменахме: липса на декори, бавни движения във важни части от представлението и актьори мъже. Сцените се разгръщаха пред изображение на бор на златен фон. Образът на бора се връща към най-древните аграрни магически символи, а златото олицетворява слънцето и богинята Аматерасу. В допълнение, такъв фон символизира сливането с природата, особено след като действията могат да надхвърлят сцената и да се присъединят към истинската атмосфера на прием или празник.

Актьорски костюм до 17 век. не се различава от ежедневния костюм на благородството (по-късно те започват да го правят според гравюри и проби от 14-15 век). Имаше традиция да се подаряват скъпи рокли на актьорите (особено се разпространи по времето на владетеля на театъра Тойотоми Хидейоши). В резултат на това театърът Но се превърна и в музей на луксозното облекло. Сега най-старото облекло, съхранявано в театъра, е костюмът на шогуна от 15 век.

През 1615 г. владетелят Иеяса Тоткугава издава кодекс, регулиращ цветовете и качеството на тъканите. Забраната за скъпи материали засегна и театър Но. Режисьорите започнаха да търсят различен образен израз, вече не за сметка на скъпи тоалети. Платът на костюма се превърна в символична книга, която можеше да бъде пълна с информация. Сега стилизираният каноничен костюм на театъра Но разкрива характерен образ. Всичко в него е символично - от кройката до бродерията.

Цветът играе важна роля. Бялото означава благородство, червеното принадлежи на боговете и красавиците, бледосиньото се свързва с уравновесеност, кафявото означава ниско потекло.

В театър Но актьорите са мъже, така че маските и ветрилата са важни. Размерът, оцветяването, дизайнът и движението на ветрилото характеризират героя. Маските са семпли, но много елегантни. Изработени са от кипарис, грундиран и шлайфан. Маската се поставя върху перуката и се закрепва с връзки. Най-малката промяна в осветлението или ъгъла му придава нов израз. Има маски от различен пол, възраст, герои и дори фантастични същества.

5. Европейски театрален костюм от 16 век. до съвремието

През Ренесанса в Европа започват да се появяват първите постоянни трупи, работещи на професионална основа. Те се лутат или се придържат към едно място. Хората обичат да се смеят повече, отколкото да плачат, затова актьорите поставят леки, комични изпълнения, фарсове и пародии. Скитащите комедианти продължиха средновековните традиции и (както цялата култура на Ренесанса) се обърнаха към античното наследство. Най-ранните подобни трупи възникват в Италия. Там се появява театърът commedia dell'arte, тоест "комедия на маските".

В commedia dell'arte имаше една обстановка - градска улица. Нямаше фиксиран сюжет: ръководителят на трупата (капокомико) го определяше, а актьорите импровизираха, както при древните ателани. Тези трикове и реплики, които предизвикаха одобрението на публиката, бяха повторени и затвърдени. Действието се въртеше около любовта на младите, на която старите пречеха и слугите помагаха.

Маската изигра най-важната роля в комедията. Черната маска може да покрие цялото лице или част от него. Понякога беше залепен нос или глупави очила. Основното нещо е да създадете типично лице, изострено до точката на карикатура.

Имаше две изисквания към костюма: удобство и комедия. Следователно, от една страна, тя приличаше на дрехите на средновековните хистриони, а от друга беше допълнена от характерни забавни детайли.

Например, Панталоне - скъперник търговец - винаги имаше своя портфейл. Дрехите му бяха подобни на тези на венецианските търговци: яке, завързано с пояс, къси панталони, чорапи, халат и кръгла шапка. Но един ден артистът се появи на сцената в широки червени панталони и публиката хареса този характерен детайл. В резултат Панталоне и панталоните му толкова се сляха в съзнанието на хората, че с течение на времето от личното име се формира общоприетото име за женско бельо панталони.

Докторът, друг герой от commedia dell'arte, беше пародия на учен и се появи в черна академична роба с дантелена яка и маншети. Той винаги имаше хартиени свитъци в ръцете си и широка шапка на главата си.

Капитанът беше военен авантюрист, носеше кираса, панталони, ботуши с огромни шпори, късо наметало и шапка с пера. Постоянният му атрибут беше дървен меч, който със сигурност се заби в ножницата, когато беше необходимо.

Най-многобройните и разнообразни герои бяха слугите (zanni), защото те бяха „двигателите на прогреса“ в любовен конфликт. Пулчинела имаше огромен крив нос; Арлекин има толкова много кръпки, че с течение на времето те са стилизирани в шахматна дъска; Brighella има широка бяла блуза и подходящи панталони.

Това народен театър, благодарение на леките си сюжети, беше много по-популярен от театрите на Шекспир или Лопе де Вега, които дадоха по-голямо предпочитание не на забавлението, а на дълбочината на съдържанието. За творбите на Лопе де Пега например се появява дори наименованието „комедии на наметалото и меча“, тъй като те всъщност се изпълняват от актьори само в ежедневни костюми, съвременни на автора.

Успоредно с пътуващите трупи имаше и придворни театри, чиито костюми бяха стотици и се отличаваха с високата си цена. Те бяха показани отделно от представлението на пиесата.

През 17-18 век се наблюдава спад в развитието на театралния костюм. Словото излиза на преден план, диалогът поглъща цялото внимание на публиката. На сцената се използва битов костюм, лишен от историзъм. Това е обичайният модерен костюм от онова време. Вярно е, че в пиесата няма да видите дрипав слуга или зле облечена овчарка. Костюмът е изискан. Това е следствие от театрализацията на живота. Театърът навлиза толкова дълбоко в ежедневието, че границата между „театрален и ежедневен” костюм се изтрива. Трябва да се отбележи, че в XVII--XVIII вектеатралният костюм често определя модата (както вече беше споменато в предишните глави). Художниците се обличаха по-добре и по-екстравагантно от останалите. През 17 век за Monsieur à la mode бяха подредени специални места за зрители на сцената, където те не само гледаха представлението, но обсъждаха артистите и техните костюми.

През 17-18 век процъфтяват синтетичните жанрове: опера, балет, цирк (въпреки че са били известни и преди). Тези жанрове включват драматичен екшън, каскади, музика, пеене и ярък, запомнящ се грим. Синтетичните жанрове включват елементи от ежедневието. Например балният танц канкан (френски канкан) с характерно високо ритане на краката възниква около 70-те години на 18 век. Постепенно се превръща в неразделна част от оперетата - музикален и танцов комедиен жанр.

През 19 век интересът към историята се възражда във всички области на културата. Благодарение на археологическите и литературни открития беше възможно да се научи повече за костюмите от древността, така че в историческите пиеси за първи път се правят опити за възпроизвеждане на автентичните костюми от миналото.

Развитието на критичния реализъм като метод на изкуство и начин на възприемане на света води до факта, че на сцената вече няма да видите селянки в пеньоари и колосани слуги. В театъра се появяват реквизити, които досега не са били споменавани на глас в учтивото общество. Търсенето на нови форми на изразяване води до натуралистичен грим. Ето какво пише В. А. Гиляровски в есетата си за Москва и московчани:

„През 1879 г., като момче в Пенза, малкият Митя беше ученик на пензенския предприемач В.П В. П. Далматов беше на бенефиса си „Записки на един луд“ и нареди на Митя да приготви плешива перука на представлението и започна да я слага върху добре поддържаната коса на Далматов... При вика на актьора. , актьорите изтичаха до тоалетната.

- Вие сте велик художник, Василий Пантелеймонович, но нека аз да бъда художник в моята област! - вдигайки глава към високия В. П. Далматов, момчето се оправдаваше. - Просто го пробвайте!

В. П. Далматов най-накрая се съгласи - и след няколко минути балонът беше поставен, намазан тук-там, а очите на Б. П. Далматов блестяха от удоволствие: напълно голият череп с черните му очи и изразителен грим направиха силно впечатление.

На началото на 19 веки 20 век тенденцията на модернизма поражда нови форми на театрален костюм. Тоалетите са стилизирани, превръщайки се в символи. Европейците откриват театрите на Изтока, което се отразява в сценичните костюми.

В първите години след Октомврийската революция театралният костюм напълно изчезна, той беше заменен от „облекло“, тъй като актьорите са „театрални работници“.

Постепенно всичко се нормализира и театралният костюм отново се върна на сцената. Освен това през 20в. се появи такъв нов спектакъл като модния театър. Шоутата на модели се превърнаха в музикални и драматични шоута. Така домашният костюм най-накрая открито се „комбинира“ с театъра.

Списък на използваната литература

2. Гелдерод М. де. Театър: Съб.: Пер. от фр. / Послеслов Л. Андрева, с. 653-694

3. Коментирайте. С. Шкунаева; Художник Н. Алексеев. -М .: Изкуство, 2003. -717 с.

4. Де Филипо Е. Театър: Пиеси: Прев. с него. /Послеслов Л. Вершинина, с. 759-775; Художник Н. Алексеев. -М .: Изкуство, 2007. -775 с.

Подобни документи

    Характеристики на театралния костюм. Изисквания към неговата скица. Анализ на изображението на човешка фигура; техники и инструменти, използвани в графичните източници. Използване на графични техники на театрален костюм при разработването на колекция от облекла.

    курсова работа, добавена на 28.09.2013 г

    Антропоморфологична характеристика на фигурата. Анализ на историческия костюм. Характеристики на мъжки костюм. Обосновка за избор на базов модел. Художествено-композиционен анализ на аналогови модели. Изчисляване и изграждане на чертежи на проектирания продукт.

    курсова работа, добавена на 28.04.2015 г

    Костюмът като обект на социокултурен анализ: история на развитие, значение, роля, функции и типология. Характеристика на семиотичните аспекти на костюма, атрибути, аксесоари, социална и психологическа основа. Анализ на символиката на костюма "денди".

    дисертация, добавена на 24.01.2010 г

    Концепцията за декоративното изкуство като средство за изразителност на театралното изкуство. Основните средства за изразителност на театралното изкуство: ролята на декорите, костюмите, грима в разкриването на образа на героите, визуалното и оптично оформление на представлението.

    тест, добавен на 17.12.2010 г

    История на европейския костюм от 19 век. Разлики между стила ампир и класицизма. Характеристики на композицията на костюма. Естетически идеал за красота. Основни видове облекла, техните дизайнерски решения. Уикенд рокли, обувки, шапки, прически, бижута.

    курсова работа, добавена на 27.03.2013 г

    Исторически характеристикиерата на династията Мин. Националното китайско облекло като част от китайската история. Орнамент, декоративни особености и символика на носията. Принципи на художествен дизайн на костюм, неговата оригиналност. Общ характерцветова гама.

    резюме, добавено на 23.05.2014 г

    Ролята и значението на костюма в Древен свят: Египет, Гърция, Рим, Индия и Византия. Костюми на Западна Европа през Средновековието. Ренесансов костюм: италиански, испански, френски, немски, английски. Имперски стил и романтизъм, рококо и барок.

    курсова работа, добавена на 26.12.2013 г

    Характеристики на развитието на костюма от епохата на барока, естетическия идеал за красота и особеностите на тъканите, цветовете и орнаментите. Особености на дамски и мъжки костюми, обувки и прически. Характеристики на системата за рязане на бароковата епоха, тяхното отражение в съвременната мода.

    курсова работа, добавена на 07.12.2010 г

    Обща характеристика на културата и изкуството на Япония. Описание на принципите на формиране на японски костюми. Видове кимона, кройки и аксесоари. Съвременна интерпретация на японския костюм в произведенията на известни дизайнери (J. Galliano, A. McQueen, I. Miyake, M. Prada).

    резюме, добавено на 01/07/2013

    Женски прически на Византийската империя. Характеристикимъжки прически от 15-16 век. Еволюцията на съдебния костюм в Русия през 18 век. "Романски" стил в модерния женски образ. Влиянието на благородническия костюм върху костюмите на други класи.

ТЕАТРАЛЕН КОСТЮМ,елемент от дизайна на изпълнението. В историята на театъра са известни три основни вида театрален костюм: герой, игра и персонажно облекло. Тези три основни вида костюми съществуват на всички етапи на сценичните изкуства – от ритуала и фолклорния предтеатър до съвременната художествена практика.

Костюмът на героя е вид визуално-пластична композиция върху фигурата на изпълнителя, задвижвана от него и озвучена (чрез произнасяне на текст или пеене), понякога напълно скриваща фигурата му, подобно на това как маска покрива лицето му. Примери за костюми на герои в ритуали и церемонии по света. Силуетът с форма на камбана на индийския костюм е парафраза на храма кула-шатра на Нагара Шахара и свещената планина Мену (центърът и оста на света в индуистката митология). Китайският - със своята форма, дизайн, орнаментика и цвят, изразява древната космологична символика на естественото редуване на Светлината и Мрака, сливането на Небето и Земята в акта на сътворението на света. Шаманският костюм на народите от Севера въплъщава образите на фантастична птица, свързана с „горния свят“ и звяр (обитател на „долния свят“). Южен руски е един вид модел на Вселената. В традиционните представления на Пекинската опера костюмът представляваше образа на страхотен дракон, в японския театър "Но" - мотиви на природата, а в бароковата епоха на 17 век. – Справедливост или мир. Ако за ритуални обредни и фолклорни действия костюмите на героите (както всички други елементи на сценографията) са плод на творчеството на анонимни народни художници, то през 20 век, от самото начало, художниците започват да ги композират: И. Билибин - в опера Златното петлеН. Римски-Корсаков (1909), К. Фрайч - ин БуреУ. Шекспир (1913), В. Татлин - в Цар Максимилиан, П. Филонов – в траг Владимир Маяковскинакрая, К. Малевич е в проекта Победа над слънцето(и трите постановки 1913 г.). И тогава, в края на 1910-те - първата половина на 1920-те. цяла поредица от костюми на герои е създадена от италианските футуристи Е. Прамполини, Ф. Деперо и др., О. Шлемер от немския Баухаус, а в балета - П. Пикасо, който показва гротескни мениджъри в ПарадЕ. Сати и Ф. Леже - негритянски божества в Сътворението на светаД. Мило. И накрая, кубистичната костюмна „архитектура“ на А. Веснин придоби характерно значение в спектаклите на А. Таиров - в Благовещение, неговите собствени супрематични композиции върху фигури на герои Федра.На други сцени - „костюми от раковини“ от Ю. Аненков в пиесата ГазГ. Кайзер и А. Петрицки - в Вий, както и фантастични колажи като костюми на персонажи за пиесата Инспектор,които са създадени от учениците на П. Филонов (Н. Евграфов, А. Ландсберг и А. Сашин) по темата за марки, гербове, печати, пликове и др. - персонаж на пощенския началник, рецепти, подписи, спринцовки, клизми, термометри - персонажът на Доктора, бутилки, колбаси, шунки, дини и др. - характерът на Кръчмаря. През втората половина на 20в. костюмите като самостоятелни визуални герои, показани отделно от актьорите, като елемент на сценографията, са създадени от М. Китаев и С. Ставцева, а като различни видове композиции върху фигурите на актьори - К. Шимановская, Д. Матайтен, Й. Хариков.

Актьорският костюм е средство за трансформиране на външния вид на актьора и един от елементите на неговото изпълнение. В обредните и фолклорни действия преобразяването най-често има гротесков пародиен характер, когато мъже се обличат като жени, жени като мъже, младежи като старци, красавици като вещици или когато изобразяват различни животни. В същото време беше използвано всичко, което беше под ръка: яке, палто от овча кожа, кожух, овча кожа - винаги обърната наопаки, по-смешна и по-забавна, както и всяко друго, донякъде нелепо, „обърнато“ облекло, например изключително скъсени панталони, прекалено широка риза, дупкови чорапи, всякакви парцали, парцали, парцали, чанти, въжета; Използвано е всичко, което природата е предоставила: трева, цветя, слама, листа. И накрая, различни изкуствени декорации се използват и за обличане: цветна хартия, брезова кора, фолио, стъкло, панделки, огледала, камбани, пера и др. Техниките на гротескните маскировки преминаха в изпълненията на древногръцките комедии и в традиционния театър на Изтока, където се комбинираха с разнообразното представяне на актьора с елементи от неговия костюм: дълги ръкави и пера от фазан в Пекинската опера, влакове, кърпа и фенове в японския No. Представленията на италианската commedia dell'arte, пиесите на Шекспир и Лопе де Вега се основаваха на безкрайни маскировки и маскировки. В края на 18в. Ема Харт (лейди Хамилтън) основава известния си танц на игра с шал, след което подобни техники (манипулации с шалове, покривала, воали и други подобни елементи на костюма) са широко използвани в балетния театър на 19 век, достигайки най-високата си стойност художествени висоти в творчеството на Л. Бакст, чиито скици на хореографски образи включват динамиката на различни летящи тъкани, колани, шалове, поли, шалове, наметала, пелерини, висулки, жартиери. На драматичната сцена традицията на игра на костюми заедно с движенията на актьора е продължена - чрез кубофутуристична изразителност - от А. Екстър в спектаклите на Камерния театър СаломеО. Уайлд и Ромео и ЖулиетаУ. Шекспир, а след нея нейният ученик П. Челишчев и други майстори от началото на 20-те години: В. Ходасевич и И. Нивински, И. Рабинович и Г. Якулов, С. Айзенщайн и Г. Козинцев, накрая отново на балетната сцена , в постановки на К. Голейзовски – Б. Ердман. Ако през този период игралните костюми формират цяла тенденция в сценографията, то през втората половина на 20 век. те също са използвани доста широко от художници и режисьори, но по необходимост, като елемент от „палитрата” от изразни средства, с които разполагат. Сред авторите на съвременни театрални костюми са грузинските художници Самеули, Г. Алекси-Месхишвили и Н. Игнатов; примери от подобен род могат да бъдат намерени в театри на други страни: в Полша, Чехия, Германия, Италия.

Костюмът, подобно на облеклото на герой, често е основата за съставяне на видовете костюми, обсъдени по-горе (характер и игра), във всички периоди историческо развитиетеатърът е в по-голяма или по-малка степен въплъщение на сцената на това, което хората са носили в даден период. Такъв беше случаят в антична трагедия, това остава така и в представленията на наши дни. В същото време общата еволюция на този тип костюм се характеризира с движение от конвенционалните форми на истинско облекло (в епохата на барока и класицизма) към нарастващата му историческа, географска, национална автентичност, точност и автентичност. В театъра на натурализма и психологическия реализъм костюмът става напълно адекватен на характера на героя, изразявайки не само неговия социален статус, но и неговото душевно състояние. В същото време, както днес, така и през миналите векове, костюмът остава обект на специално творчество на художниците (сред които са най-изявените майстори на изобразителното изкуство и сценографията) и те го композират (дори привидно ежедневни костюми за ежедневна употреба, не да спомена фантастично), не само като отделна творба, но и като съществен компонент на представлението.

Изкуството на театралния костюм

„Частта от декора, която е в ръцете на актьорите, е неговият костюм.“
Френска енциклопедия.

„Костюмът е втората обвивка на актьора, той е нещо неотделимо от неговата същност, той е видимото лице на сценичния му образ, който така пълно трябва да се слее с него, за да стане неразделен...“
А. Я. Таиров.

Театърът е синтетична форма на изкуство, която ни позволява не само да чуваме, не само да си представяме, но и да гледаме и виждаме. Театърът ни дава възможност да станем свидетели на психологически драми и да участваме в исторически постижения и събития. Театърът, театралното представление се създава чрез усилията на много творци, от режисьора и актьора до художника на постановката, тъй като представлението е „съединение различни изкуства, всяка от които в този план се трансформира и придобива ново качество...”

Театралният костюм е компонент на сценичния образ на актьора; това са външни признаци и характеристики на изобразения герой, които спомагат за трансформацията на актьора; средство за художествено въздействие върху зрителя. За един актьор костюмът е материя, форма, вдъхновена от смисъла на ролята.
Както актьорът със слово и жест, движение и тембър на гласа създава ново битие на сценичния образ, изхождайки от даденото в пиесата, така и артистът, ръководен от същите данни от пиесата, въплъщава образа. чрез средствата на своето изкуство.

През вековната история на театралното изкуство сценографията последователно претърпява еволюционна трансформация, причинена не само от усъвършенстването на сценичната техника, но и от всички превратности на стиловете и модата на съответните времена. Това зависеше от характера на литературната структура на пиесата, от жанра на драмата, от социалния състав на зрителя, от нивото на сценичната техника.

Периодите на стабилни архитектурни структури на античността отстъпиха място на примитивния етап на Средновековието, който от своя страна отстъпи място на кралските придворни театри със самодостатъчния лукс на представленията. Имаше спектакли в плат, в сложни конструктивни декорации, само в светлинен дизайн, без декорация - на гола сцена, на платформа, само на тротоара.

Ролята на костюма като „подвижен“ декор винаги е била доминираща. Промени се гледната точка на неговата „връзка“ с актьора, времето и историята и накрая с неговия пряк „партньор“ - художественото оформление на сцената.

В процеса на прогресивно развитие на изкуството на съвременния театър, иновация на режисурата, трансформация на метода на художествен дизайн, ролята на изкуството на костюма не намалява - напротив. С израстването на своите по-малки и по-гъвкави братя – киното и телевизията – театърът несъмнено придобива в своите търсения и терзания нови форми на зрелищни техники, именно такива, които да защитават и определят позицията на театъра като непреходна ценност на независимо изкуство. форма. Костюмът, като най-подвижният елемент от театралната декорация, е поставен на първо място в това търсене.

Високата съвременна култура на театралното изкуство, фината и дълбока режисьорска работа върху пиесите и спектаклите, талантливите актьорски изпълнения изискват от художника на костюмите, който проектира представлението, внимателно проникване в драматургията на представлението и близък контакт с режисьора. Модерният дизайн не е канонизиран от правилата. То е индивидуално и специфично за всеки отделен случай. „Работата на режисьора е неделима от работата на художника. Първо, режисьорът трябва да намери собствен отговор на основните проблеми на снимачната площадка. Художникът от своя страна трябва да усети задачите на постановката и упорито да търси изразни средства...”
Театралният костюм първо се създава с помощта на визуални средства, тоест скица.
Дизайн на театрални костюми

Театралният костюм играе важна роля за формирането на положителен имидж на театъра сред целевата аудитория.

Театралният костюм е широко понятие и включва всичко, което изкуствено променя външния вид на човек, като се придържа към тялото му - това е цял комплекс от неща: прическа, грим, обувки, прическа и самата рокля. Семантично значениекостюм като телесна маска се потвърждава и от лексикалното значение на думата „костюм“: „думата е заимствана от италианския „костюм“, което означава „обичаен“, „обичай“, „навик“, а в множествено число - “Mores” Кокуашвили Н. Б. Облекло като феномен на културата // Знаци на ежедневието - Ростов на Д., 2001. - стр. 38-44.

Театралният костюм винаги отразява епохата, в която се развива пиесата. За да създадат театрален костюм, декоративните художници използват различни източници на информация: фрески, скулптури, картини, писмени източници.

Театралният костюм е единствената система, способна изкуствено да промени външния вид на човека, да подчертае или разруши хармоничното единство на тялото или определени части от него и да създаде художествен образ. Да приемем тази реална ситуация: виждайки момиче в рокля, която придава на фигурата й форма, близка до идеалната, можем да възкликнем „Какво красиво момиче!“, Което ще означава, че този костюм е изпълнил своята „естетическа функция“, той направи човека красив. Множество нефункционални детайли, например модел, дизайн на тъканта, нейният цвят, текстура, дантела, събирания, декоративни копчета, бродерии, апликации, изкуствени цветя и др., На пръв поглед са само декоративни елементи на детайлите на костюма, но при внимателен анализ се оказва, че те помагат за оформянето на образа, а съвършенството на въображението е един от мощните източници на красота. В този случай един естетически аспект на театралния костюм неусетно се трансформира в друг, който може да се нарече художествена функциякостюм, предназначен да създаде индивидуален образ и стил.

Без съставянето на типология на театралния костюм е невъзможно да се изследва ролята му във формирането на облика на театъра. Разнообразието на театралния костюм може да се сравни с разнообразието житейски ситуацииили човешки герои, които са въплътени чрез този костюм на сцената. Основният начин за разбиране на неговата същност е типологията, разделянето на класове, групи, типове и т.н. в различни равнини.

Няма завършени проучвания по този въпрос. Въпреки че си струва да се отбележи, че всеки автор, който започва да изучава театрален костюм и костюм като цяло, го класифицира според някакъв критерий. Повечето отлитературата за костюма са исторически и етнографски изследвания, следователно в тях костюмът е разделен на географски или времеви признак. В литературата, посветена на появата на елементите на облеклото, тяхното развитие и методите за формиране на изображение, костюмът обикновено се разделя по отношение на тялото, дизайна и функциите.

Всеки тип класификация отваря нови области на изследване, разкривайки неочаквани проблеми и нови аспекти на костюма.

Вече казахме, че под театрален костюм трябва да се разбира всичко, което изкуствено променя външния вид на човек чрез прилепване към тялото му, това включва дрехи, прическа, обувки, прическа, бижута, аксесоари, грим. Дефиницията вече съдържа първата и основна класификация - изброени са подсистемите на костюма.

Основните равнини на типологията:

1. Антропологичен

а) по отношение на тялото

Основата на класификацията е степента на близост до тялото и в резултат на това степента на влияние върху тялото.

Нека ги изброим от най-близкия до най-далечния: боя за тяло (татуировка, грим, грим), дрехи, обувки, шапки, бижута, аксесоари (също имат различен ефект: например очилата са по-близо от чантата).

Много системи, като облекло, също имат разлики в себе си (бельо и връхни дрехи).

Тази основа трябва да се има предвид при създаването и потреблението на театрални костюми, тъй като човешкото тяло може да приеме само определени материали, текстури и вещества. Цялата история на производството на костюми се развива в посока на създаване на най-удобните и безопасни за здравето материали и вещества (грим, грим).

б) по отношение на части от тялото (видове облекло, шапки, обувки и др.)

Вече срещнахме тази класификация в дефиницията и следователно тя може да се нарече определяща кога Систематичен подходза изучаване на костюма. Да изградим пълна йерархия от системи и подсистеми на театралния костюм.

Плат. Според метода на закрепване към тялото облеклото се разделя на талията (поли, панталони, къси панталони, бикини и др.) и през рамото (ризи, рокли, сарафани, дъждобрани, палта, кожени палта, якета, тениски, пуловери , и др.) Конфигурацията и пластиката на тялото диктуват разликите в елементите на костюма. Дрехите са поставени върху три части на тялото - торс, ръце и крака.

Всички дрехи също са разделени на три слоя: бельо, бельо и горно облекло.

спално бельо. Производителите разделят бельото на три вида: ежедневно (практично, от плътни естествени или смесени материали, гладко), празнично (елегантно, с всякакви декорации, подходящи дрехи за специални поводи) интимно бельо (отворено, прозрачно, с всякакви декорации). , детайли над главата (волани, лъкове, дантела, мъниста), често с нотка на шега.

През 12 век се появяват елегантни интимни домашни дрехи (обикновено за сутрешно обличане): неглиже, полонеза, пеньоар, шмиц, които съществуват и до днес. IN Европа XIXБлагодарение на пътуването до тропиците, пижамите станаха известни.

Бельо. Това е най-многобройната част от облеклото, изброяването на всички негови видове е трудно и непрактично, целият този набор се намира между бельото и горното облекло. Трябва обаче да обърнете внимание на следната особеност, която зависи от климата. В горещите страни бельото и бельото често се комбинират, за да образуват доста открити дрехи, носени всеки ден, за да се сведат до минимум материалите, присъстващи по тялото. Докато дрехите на северняците са многопластови, което увеличава броя на видовете облекло.

Секция блейзъри: блейзър, пуловер, сако, жилетка, сако, пуловер, смокинг, фрак, костюм (от две части, три части, с пола или панталон), риза (блуза).

Облекло за крака: панталони, шорти, чорапи, чорапи, чорапогащи.

Отделно подчертаваме роклята (сарафан) и полата.

Връхни дрехи. Разнообразието от видове връхни дрехи не е толкова голямо, разделението се основава преди всичко на сезоните и, разбира се, на дизайна и материала. Нека изброим основните видове връхни дрехи: палто от овча кожа, кожено палто, палто, яке, палто, дъждобран.

Историците на костюмите идентифицират около седемнадесет вида палта.

Трябва също да обърнете специално внимание на отделни елементи от облеклото, които по правило имат специална символична сила - яки, маншети, връзки (шалове, шалове), чорапи (чорапи), колани (колани), ръкавици (митенки). Тези незначителни детайли могат напълно да променят информационното натоварване на костюма като цяло.

Обувките се делят на: шити, кроени и прикрепени към крака с различни паласки, плетени.

По дизайн обувките са разделени на сандали и сабо, обувки, ботуши и обувки.

Шапки. Шапката винаги е била свързана с главата, така че има силно символично значение. В произведенията на изкуството украшението за глава може да служи като заместител на главата.

Цялото разнообразие от бижута се разделя на: дрехи (брошки, копчета за ръкавели, катарами, закопчалки, игли), бижута за тяло (обеци, колиета, верижки, висулки, пръстени, гривни) и бижута за коса (фиби, диадеми и др.).

Според метода на закопчаване светът на бижутата се състои от следните подсистеми: врата (вериги, висулки, колиета, чокъри, панделки, висулки, мъниста, медальони); ухо (обеци, щипки, копчета); Гривни (за ръце и крака); пръст (пръстени, пръстени с печат); украса за коса (фиби, шии, венци, диадеми, храмови пръстени, панделки и др.).

Прическа - украса на главата, до голяма степен символизира нейната структура вътрешно съдържание, мирогледа на всеки човек и епохата като цяло.

Косата на главата, тъй като покрива горната част на човешкото тяло, символизира духовни сили, висши сили и олицетворява духовното състояние на човека. Космите по тялото се свързват с влиянието на ирационални, низши сили, биологични инстинкти. Косата също означава плодовитост. В индуистката символика те означават „силовите линии“ на Вселената. Гъстата коса е олицетворение на импулса на живота, свързана с желанието за успех. важноима цвят на косата. Тъмната коса има тъмна, земна символика, докато светлата (златна) коса се свързва със слънчевите лъчи, чистота и доброта, а всички положителни митологични и приказни герои са имали руси коси (Снежанка, Снежанка, Златокоска). Медночервената коса показва демоничен характер и се свързва с Венера. От векове съществува идеята, че вещица трябва да е червенокоса и че такива хора винаги са късметлии. Много магьоснически ритуали са свързани с косата, като човешка духовна енергия. Когато загубим косата си, ние губим силата си, като библейския Самсон. Лоша странакосопадът е доброволна жертва. Всеки, който отхвърли земния живот, за да поеме по пътя на абсолютния аскетизъм, е длъжен да се подстриже (монашески постриг). От древни времена хората са обръщали голямо внимание на прическата. Според Дидро прическата прави жената по-привлекателна, а в мъжа подчертава чертите на характера му.

Грим. Чрез грима актьорът може да промени лицето си, да му придаде такава изразителна форма, която ще помогне на актьора най-пълно и изчерпателно да разкрие същността на образа и да го предаде на зрителя в най-визуалната форма. Но гримът е важен не само като външен чертеж на характера на героя, изобразен от актьора. Дори в творческия процес на работа върху роля, гримът е определен тласък и стимул за актьора да разкрие образа по-нататък.

Първоначалните форми на театралния грим възникват на базата на магическа рисунка по тялото и ритуални маски, пряко свързани с магическите и анимистично-религиозни представи на първобитния човек.

2. Демографски

Има очевидно разделение на мъжки и женски костюмни елементи, цветове, текстури и материали.

Мъжки - сдържани нюанси, обикновено тъмни, с преобладаване на черно, често има строги контрасти, твърди текстури, плътни, тежки, непрозрачни тъкани, геометрични и технически модели и текстури.

Дамски - пастелни нюанси, цялата розова палитра, леки, меки текстури, лесно драпирани, прозрачни, с искри, бродерии, гипюр, флорални, растителни мотиви, полка точки и меки линии в текстура и шарки, перли и седеф - материал за аксесоари и бижута.

Театралният костюм може да се различава по пол или в незначителни детайли (например: страната на закопчалката), или като цяло в цялата форма. И така, през 17 век мъжете широко използват шик дантела, но сега това е прерогатив на дамите, един от символите на женствеността. Признаците на женственост и мъжественост, разбира се, се промениха между тях различни нациии в различни епохи, но винаги са присъствали. Изключение може би е краят на 20 век с идеята за унисекс.

Дълго време има разлики между детските и възрастни костюми. В рамките на тези групи има градации: малки деца, юноши, младежи, зрели хора, възрастни хора, стари хора. Костюмът съдържа специални детайли за по-старото поколение и специални за по-младото поколение. Ето няколко примера: лък или лигавник винаги е символ на детинство за нас, шал, вързан на главата на жената, обикновено се свързва със старостта, костюм с очевидни признаци на еротика може да се носи само от млади хора. Такива стереотипни символи стават здраво вкоренени в културата.

Както и в случая с пола, се приема разделение на детски и възрастни дизайни, цветове, текстури и материали.

Концепцията за детски костюм като самостоятелна група възниква едва през втората половина на 18 век в Англия. До този момент детското облекло беше само по-малко копие на облеклото за възрастни. Това разделение до голяма степен се дължи на драматичното усложняване на костюма, което го прави твърде неудобен за децата.

Основните екологични равнини на театралния костюм.

1. Исторически (времеви) - епохи, векове, периоди, години...

Тази класификация, приложена към костюма, е най-разпространената в историческата наука. С този подход историята на нещата и явленията се изучава от гледна точка на тяхната принадлежност към определено време. Най-общопризнатите големи градации: примитивност, античност, Средновековие, Ренесанс, XVII, XVIII, XIX, XX век. Развитието на костюма в този случай се разглежда като линеен процес, фокусът е върху характеристиките, които отличават една епоха от друга. Вниманието на изследователя е насочено към стилистични особеностикостюми, общи за всички архитектурни изкуства от всеки период.

Във всяка епоха е обичайно да се разграничават по-малки периоди, имената им са общоизвестни.

2. Естествен.

Пространствено-географски. Тук се получава най-яркото разделяне на два полюса - изток-запад. Разбира се, разликите далеч надхвърлят географията. Много произведения са посветени на проблема „Изток-Запад“ и всички проблеми, обсъждани в тях, се отразяват по един или друг начин в костюма. По-нататъшното разделение става по проста схема: континенти, държави, региони, градове, села, градски квартали.

Климатичен. Поради факта, че една от първите функции на костюма беше да предпазва тялото от природни влияния, костюмът, на първо място, започна да се различава по своята адаптивност към различни климатични и природни условия.

Разбира се, равнините се пресичат в действителност, образувайки широка гама от природни условия, които изискват специален костюм. Зимна нощ в южната гора и летен ден в северните планини, северно и южно слънце, дъжд и вятър в степта и в гората и т.н. до голяма степен определят разнообразието от костюми на народите, населяващи нашата планета.

С развитието на човешката дейност и индустрията постоянно се появяват нови костюми, специално пригодени за излагане на екстремни природни условия, което позволява на хората да си проправят път до най-недостъпните кътчета на Земята и неизследвани среди. Човечеството е разработило оборудване за покоряване на планински върхове, морски дълбини, непроходими тропически гори, пустини и полюси.

3. Етнографски – етноси, народи, племена (обреди, обичаи). Това е една от често срещаните класификации на театралния костюм. По-голямата част от цялата литература за костюма е етнографски произведения, съдържащи подробни описаниякостюми от един или друг вид етнически общностии свързаните с тях обичаи и ритуали. Въз основа на такива изследвания е добре да се изследва такъв феномен като националната носия.

4. Отделни ритуали на определени етнически общности.

Много произведения, посветени на театралния костюм от определена епоха, се основават на класово разделение. Облеклото на различните класи първоначално се определя от присъщия им начин на живот; неговата фиксирана форма работи като знак, обозначаващ определен слой на обществото. Лидерът се открояваше сред своите съплеменници; той беше почитан като специален човек. Кройката и детайлите на костюма показват положение в обществото, семейни традиции и др. И в съвременния свят тази функция на костюм съществува (например в бизнес костюм - колкото по-тънка е лентата, толкова по-висок е статусът на нейния собственик). Грешките тук винаги бяха изключително нежелателни и можеха да причинят обида. Хората бяха много чувствителни към позицията си в обществото и винаги се опитваха да го подчертаят по някакъв начин в костюм. Често различните класи имат различни етични, естетически и т.н. норми, което се отразява и в костюма. В едно класово общество външните знаци са просто необходими, за да се установи естеството на взаимоотношенията и комуникацията.

По време на прехода от натурална икономика към пазарна структура, с нейното разделение на труда и обмен на стоки, всеки бизнес имаше свои собствени професионалисти и в резултат на това един и същи тип костюми. Формата му до голяма степен зависи от спецификата на дейността и съдържа елементи, които обединяват хората от една и съща професия в определена корпорация, като по този начин подчертават общността на професиите, които оставят отпечатък върху техния характер, мироглед и отношение към другите. Дори характеризираме групи от хора, като назоваваме знаци или елементи от облеклото им, например: „хора в бели престилки“, „хора в униформи“, „бели якички“ и всеки веднага разбира за кого говорим.

Следните професии имат най-ясно изразени и лесно различими костюми: военни, медицински работници, транспортни работници, работници в общественото хранене и др.

Изповед. Тази типология включва изучаване на костюмите на представители на различни религии, както и техните клонове и еретически движения. Всяка религия установява и определя определени форми на костюм, специална кройка, силует, цветове, аксесоари и детайли.

В зависимост от степента на влияние на религията върху живота на обществото в даден период, тези характеристики по един или друг начин засягат всички форми и видове костюми.

5. Естетически - йерархия на стиловете, смяна на модата и др.

Доста обширна литература, посветена на театралния костюм, се основава на тази класификация. Историята на театралния костюм, като правило, се основава на разглеждането на различни стилове и моди на костюми, които са успели един друг през цялото съществуване на човечеството. Изследователите на модерността също активно използват тази йерархия в своите произведения, като имат предвид палитрата от стилове, които присъстват в нашето време и лежат в основата на науката за изображението. В тази връзка трябва да се отбележи, че изучаването на стила на костюма е изградено в две посоки: исторически стиловеи модерен. Понятието „модерно“ включва не само стилове, възникнали през последните десетилетия на настоящия век, но и цялото разнообразие от стилове на костюми, с които разполагат нашите съвременници, както и самото отношение към стила като инструмент. Това се дължи на факта, че на сегашния етап от развитието на човечеството стилът на настоящата епоха може да се определи като поливариантност, т.е. не може да се определи еднозначно, зависи от много причини и лесно се променя в зависимост от ситуацията, настроението и т.н. Затова ще изброим основните исторически стилове, които са се формирали в определена епоха, а след това и основните стилове, в които съвременният човек може да се изрази. Разбира се, много модерни стилове се основават на определени исторически стилове.

Изброяваме основните исторически стилове:

антични. Тялото се смяташе за огледало, което трябваше да отразява съвършенството на света. Костюмът се подчиняваше на законите на логиката и хармонията. Античният стил е образ на „гръцка колона“, стремяща се нагоре към светлина и съвършенство. Използват се тъкани с определена ширина, съобразена с размерите на стана, дрехите не се разкрояват, а се събират на вертикални гънки, облеклото е проектирано в съответствие с структурата на човешката фигура, обувките са на практика една подметка.

романски. Носеше наследството от античността, но с известни излишъци. Простата, прилепнала рокля (ушита от две части) беше обшита с широк бордюр.

готически. По това време се появи рязане, което стана необичайно сложно и майсторско. Дрехите са съобразени с вашата фигура. Костюмът от тази епоха е подобен на готическата архитектура. Преобладаване на вертикални линии и заострени детайли.

Възраждане. Желанието за хармония, изразено в симетрия и липса на излишъци. Във всичко има само естествени пропорции. Съвременниците се опитаха да създадат богат и елегантен костюм, който да подчертае достойнството на човек. За първи път женската рокля е разделена на дълга пола и елече. Дрехите се отличават с използването на скъпи материи, сложни орнаменти, необичайни дизайни на ръкавите и комбинация от два цвята и материали.

Барок. Появата на нови материали, най-популярни са кадифе и метал. Желанието за лукс и ексцентричност. Официалност, скованост на тежките тоалети.

Рококо. Роклите стават по-елегантни, огромните тоалети са намалени до по-човешки размери. Изобилие от гънки и връзки с използването на сатен, най-богато бельо. Преобладаването на пастелни цветове в тоалетите и изобилие от аксесоари.

Стил империя Той следва стъпките на древната мода (това се отнася само за женските костюми). Характеристики: простота на линиите, вертикални гънки, изместване на талията под гърдите, буф ръкави, дълбоко деколте. В мъжкия гардероб се появи тъмен фрак, който се носеше с вратовръзка, шарена жилетка и цилиндър.

Денди. IN началото на XIXвек се създава тип на скромно, но перфектно облечен джентълмен - дендито. Основната характеристика е външната простота на костюма, съчетана с висока цена и перфектна кройка. Повишена роля на вратовръзката, която се превръща в единствената привлекателна украса на снежнобяла риза.

Романтизъм. Най-ярко този стил се проявява в дамски костюм, отличителните черти на който са втален корсаж, широки ръкави, много волани, волани и лъкове, светли цветови нюанси, което създава усещане за ефирност и нежност.

Модерен. Егото се характеризира с отхвърляне на всички стари норми в костюма. Art Nouveau се отличава с S-образен силует на дамски костюм, свободни, прозрачни рокли, декоративност и екстравагантност, съчетани с фантастични образи.

Днес някои стилове се развиват в костюма, други се раждат и умират, просто е невъзможно да се опишат всички. Но все още е възможно да се идентифицират няколко от тях, които имат характерни черти и последователно съществуват в съвременния костюм. Нека да разгледаме всеки от тях и в същото време да обясним какви психологически характеристики можем да получим с костюм от определен стил.

Бизнес стил. Често се вписва в определението „класически“, а също така носи много елементи от спортен стил. Основните характеристики са делови, почтен, сериозен, самоуверен, приличен, надежден, строго елегантен, удобен. Този стил се отличава със строги силуети, предимно тъмни или светли, сдържани, приглушени цветове, обикновени материали (разрешени са само неконтрастни карета и райета). Основна роля играе деловият костюм в комбинация с умело подбрана риза (блуза), често бяло. работници умствена работаНе напразно се нарича "бели якички". Особено внимание се обръща на качеството на материалите и изработката. Строгите линии и приглушените синьо-сиво-кафяви цветове присъстват във всички аксесоари и други костюми (прическа, грим). Олицетворява и подчертава рационалност, логика, воля, решителност, сдържаност.

Стил за всеки ден - за работа, бизнес посещения, официални пътувания.

Романтичен. Може да се нарече пълна противоположност на бизнес стила, като олицетворение на емоционалност, чувствителност, мечтателност, нежност и сантименталност. Разбира се, най-разпространен е сред жените. Можем да кажем, че той е олицетворение на женствеността, подчертавайки всички предимства на женската фигура. Линиите на силуета са меки, плавни, изобилие от драперии, разнообразие от характерни финиши (волани, панделки, волани, волани, дантели, калъпи, волани, бродерии. Цветовете са нежни, меки, всички нюанси на розово и синьо , Рисунки и текстури - флорални, растителни, деликатни фантазийни аксесоари, прически и грим са изискани, изискани.

Стил за срещи, почивка, вечер, кафене, театър и др.

Спорт. Различните спортове са дали на света различни видове костюми - шорти, тениски, бейзболни шапки, клинове. Друг източник на спортен стил беше облеклото за военни операции (топли удобни якета, гащеризони, каски, метални фитинги, джобове, реглан ръкави). Силуетите на този стил са прави, трапецовидни, по-рядко - полуприлепнали и монтирани.

Богата цветова палитра, чести контрасти в цвят и текстура, изобилие от фитинги, ивици, емблеми, зашити наслагвания. Основните характеристики на стила: удобство, функционалност, свобода, динамика.

Разновидности на стил - "сафари", деним, морски.

Стил за пътуване, почивка извън града, у дома, за активни, динамични хора, които ценят преди всичко практичността и удобството в костюма.

фолклор. Формирана е на основата на народната носия. Основни психологически характеристики – ясна връзка с определени хора, традиция, народна мъдрост, спокойствие, асоциации с вечни ценности. Силуетите обикновено са семпли, с изразителни детайли на народните носии. Естествени материали и цветове, като най-разпространеният десен е геометричен, който се съчетава добре със структурата на материята. Използването на такива покрития като бродерия, шевове, дантела, тъкане, апликации, пачуърк техника, ресни, мъниста, метални части.

Стилът е приложим за отдих, театрални и концертни събития, както и за приятелско общуване с чужденци.

"Държава". В много отношения близки до фолклорен стил, въпреки че не изразява ясно белезите на една или друга народна носия. Този стил е по-скоро фантазия, вариация на темата за селския живот, в която понякога могат да се различат чертите на много хора. народни носии. от психологическо въздействиеТози стил е подобен на пасторалния, излъчващ лекота, приятна релаксация, безгрижие, мечтателност, простота, романтична представа за живота и природата. Цветовете, дизайните и материалите са естествени: канаваца, слама, камбрик, цветя, пастелни цветове, весели флорални мотиви, ярко каре, предимно сиво-кафяви тонове.

6. Производство.

На първо място, трябва да подчертаем изкуствените и естествените материали, които имат различни методи на обработка и потребителски качества.

В повечето случаи материалът влияе коренно върху цялостната посока и характер на оформянето. Тук е основата физически свойстваматериал, предопределящ структурно-пространственото и пластично решение на вещта. Разнообразието от форми се увеличава драстично при комбиниране на различни материали.

По технология.

Обработката на материала определя и формата. Постоянно подобряващите се технологии позволяват извършването на изключителни чудеса на настоящия етап. Но имаше моменти, когато дизайнът и размерите на костюма се определяха от ширината на тъкачния стан. В историята на човечеството за изследователски цели могат да се разграничат три основни периода: ръчни, машинни и методи за производство на информация.

Предвид материалите и технологиите, разположението на материала в пространството (дизайн) определя и разнообразието от форми.

Горните класификации се пресичат, образувайки сложна мрежа. Но те не разкриват същността на обектите - дълбоките принципи на тяхното създаване, функциониране и оценка.

Всеки вид създаване на костюми предполага свои собствени цели, собствено разбиране за съвършенството и красотата на нещата и се основава на собствена мярка и система от принципи. Ако полюсът на практическата полезност е изцяло доминиран от рационалното пресмятане и разчитането на обективните закони на природата, то на противоположния, художествен полюс доминира ирационалното начало - интуиция, субективни асоциации, подсъзнание, конвенционални представи и т.н.

Всеки от тези принципи може да играе различна роля, от доминиране до пълно подчинение. В зависимост от разположението на формите на костюма по тази ос се разграничават шест основни вида предметно творчество и съответно шест вида формиране на костюми.

1. Рационално-утилитарен. Тук практическата функция на костюма като полезно нещо е въплътена максимално. С този подход се преследва една цел - осигуряване на защита от външни влияния и лекота на използване. Тук включваме блатове, каски, войнишки униформи и др.

2. Рационално-естетически. Тук, наред с предишната функция, се появява настроение за красотата на вещта, разбирана като следствие от нейното цялостно практическо съвършенство. Тук можем да включим работно облекло, много видове ежедневно облекло и т.н.

3. Холистичен. Този вид творчество е насочено към създаване на форма, която хармонично съчетава крайности, придавайки на нещата артистична и практическа цялост. Този тип включва повечето видове костюми, които едновременно действат като съвършено нещо и като знак.

В следващите видове водеща роля заема художественото начало в театралния костюм.

4. Стилизиране. При този тип изразителната форма на обект често губи връзка със своята практическа основа. В петия тип творческите предмети вече не са полезни практически и материално, а духовно. Красотата в декоративния костюм вече не е пряко свързана с практическите принципи. С помощта на формата на добре познати стилове нещата получават характеристиките на прототипа, аура от асоциации, свързани с него. Този тип костюм действа главно като набор от знаци, които формират образа на собственика. Също така често използваме такива дрехи в ежедневието, използвайки различни стиловекостюм в зависимост от ситуацията и модата.

5. Декоративни. Костюмът до голяма степен губи практическото си значение, а формата му е подчинена на някаква художествена идея, за чието въплъщение се използват различни визуални средства. Това включва предимно карнавални и ритуални костюми.

6. Артистичен. Последният тип прониква в самата сърцевина на илюзорния свят на образните модели на реалността. Практическите аспекти се появяват само по време на производството на произведението, за да се гарантира неговото съществуване. Този тип е проявление" високо изкуство", където красотата може да отстъпи място на други естетически отношения. Костюмът действа като произведение на изкуството и изпълнява всички функции, присъщи на изкуството, особено когато се слива с лицето, което го е облякло. Този тип включва сценични костюми, колекции на известни дизайнери. Те са концентрации на идеи и образи, а създателите им се наричат ​​дизайнери на костюми.

Както показа анализът, класификациите на театралния костюм могат да бъдат направени на различни равнини. Изборът на равнина на разглеждане зависи от целите на изследването всеки път.

Сподели с приятели:
Свързани публикации