ルネッサンス時代の油彩の花のある静物画。絵画における静物画：種類と説明。図像的な伝統と静物画

絵画における静物画は、静的な無生物が単一のアンサンブルに結合されたイメージです。静物画は独立した絵画として表現することもできますが、風俗シーンや絵画全体の構成の一部となる場合もあります。

静物とは何ですか？

そのような絵は、世界に対する人の主観的な態度で表現されます。これはマスターの美に対する本質的な理解を示しており、それが具現化されています。公共の価値観そして当時の美的理想。絵画における静物画は、徐々に独立した重要なジャンルに変わりました。このプロセスには何百年もかかり、新しい世代のアーティストはそれぞれ、時代の傾向に応じてキャンバスと色を理解しました。

絵画の構成における静物の役割は、メインコンテンツにランダムに追加される単純な情報に決して限定されません。歴史的状況や社会的需要に応じて、オブジェクトは、構図や個々のイメージの作成に多かれ少なかれ積極的に関与し、何らかの目的を曖昧にすることがあります。独立したジャンルとしての静物画は、人を毎日取り囲むものの美しさを確実に伝えるように設計されています。

時々、個別の詳細や要素が突然深い意味を獲得し、それ自体の意味と音を受け取ります。

話

古くから尊敬されているジャンルである静物画には浮き沈みがありました。厳格で禁欲的かつミニマリストは、不滅で記念碑的で一般化された崇高な英雄的なイメージを生み出すのに役立ちました。彫刻家は、並外れた表現力で個々のオブジェクトを描写することを楽しみました。キャンバスは最初の教科書が書かれるずっと前から存在していましたが、絵画における静物の種類やあらゆる種類の分類は美術批評の形成中に生まれました。

図像的な伝統と静物画

古代ロシアのイコン絵画で大きな役割芸術家が彼の正典作品の厳密な簡潔さの中にあえて導入したこれらのいくつかのことを演奏しました。それらは、直接的なあらゆるものの表現に貢献し、抽象的または神話的な主題に捧げられた作品における感情の表現を示します。

絵画における静物のタイプは、イコン絵画とは別に存在しますが、厳格な規範は、このジャンルに固有のいくつかのオブジェクトの描写を禁止していません。

ルネッサンスの静物画

ただし、15 ～ 16 世紀の作品はルネサンス期に重要な役割を果たしました。画家はまず自分の周囲の世界に注意を向け、人類への奉仕における各要素の意味を判断しようとしました。

人気があり愛されているジャンルとしての近代絵画と静物画は、トリチェント時代に始まりました。日用品は、それらが仕えた所有者の特定の高貴さと重要性を獲得しました。大きなキャンバスでは、静物画は通常、非常に控えめで控えめに見えます-水の入ったガラス瓶、エレガントな花瓶に入った銀、または細い茎についた繊細なユリは、貧しい忘れられた親戚のように、しばしば画面の暗い隅に群がっています。。

それにもかかわらず、美しくて身近なもののイメージには、詩的な形の愛がたくさんありました。現代絵画、静物画とその中でのその役割は、風景の隙間やジャンルシーンの重いカーテンを通してすでにおずおずと見えていました。

転換点

17 世紀、花のある静物画が普及し優勢だった時代、主題は絵画における現実的な要素と新しい意味を獲得しました。この種の絵画は貴族や聖職者の間で多くのファンを獲得しました。文学性が際立った複雑な構成の場合ストーリーラインシーンは主人公と一緒にその場所を獲得しました。この時代の作品を分析するとすぐにわかります。重要な役割静物画も同様に、文学、演劇、彫刻の中に現れました。これらの作品では、物が「行動」し、「生き」始めました。それらは主人公として示され、物体の最も優れた最も有利な側面を示しました。

勤勉で才能のある職人によって作られた芸術品には、思想、願望、傾向の個人的な痕跡が刻まれています。特定の人。絵は最高です心理テスト精神的・感情的な状態を追跡し、内面の調和と完全性を達成するのに役立ちます。

物は人に忠実に奉仕し、日用品に対する喜びを引き継ぎ、所有者に新しく美しくエレガントな小さなものを手に入れるよう促します。

フランドル・ルネッサンス

人々はガッシュ画や静物画をジャンルとしてすぐには受け入れませんでした。さまざまなアイデアや原則の出現、発展、および広範な実施の歴史は、思想の絶え間ない発展を思い出させるのに役立ちます。静物画は 17 世紀半ばに有名になり、流行しました。このジャンルは、自然そのものが美しさと楽しさをもたらす、明るくお祭り気分に満ちたオランダのフランドル地方で始まりました。

ガッシュ絵画と静物画は、政治的、社会的、宗教的制度の完全な変化という大きな変化の時代に繁栄しました。

フランダース海流

フランダースにおけるブルジョワ的な発展の方向性は、ヨーロッパ全体にとって目新しいものとなり、進歩となりました。の変化政治生活文化においても同様の革新をもたらしました。アーティストに開かれた視野は、もはや宗教的な禁止によって制限されず、関連する伝統にも支えられていませんでした。

静物画は、自然、明るく、美しいものすべてを美化する新しい芸術の代表的なものになりました。カトリックの厳格な規範はもはや画家たちの想像力と好奇心の飛翔を制限しなくなり、そのため芸術とともに科学と技術も発展し始めました。

これまでは卑劣で言及する価値もないと考えられていた、ありふれた日常の物や物が、突然、綿密に研究される対象のレベルにまで上昇しました。装飾画、静物画、風景は、日常生活、食事、文化、美に関するアイデアなど、人生の真の鏡となっています。

ジャンルのプロパティ

ここから、周囲の世界を意識的に徹底的に研究した結果、別ジャンル家庭用塗装、風景、静物。

17世紀に特定の基準を獲得した芸術は、このジャンルの主な品質を決定しました。物の世界に捧げられた絵画は、人を取り巻く物体に固有の基本的な特性を説明し、示されているものに対する巨匠と彼の仮説上の現代人の態度を示し、現実についての知識の性質と完全性を表現します。芸術家は必然的に、物の物質的な存在、その体積、重量、質感、色、家庭用品の機能的目的、そして人間の活動との重要な関係を伝えました。

静物画の課題と問題

装飾画、静物画、日常の風景時代の新しい傾向、つまり規範からの脱却と、保守的な自然主義のイメージの保存を同時に吸収しました。

ブルジョワジーの完全な勝利の最中の革命時代の静物画は、新しい形式に対する芸術家の敬意を反映しています国民生活同胞、素朴な職人の仕事への敬意、美しい美のイメージへの賞賛。

17 世紀に定式化されたこのジャンル全体の問題と課題は、19 世紀半ばまでヨーロッパの学校で議論されませんでした。一方、アーティストは常に新しい課題を自分自身に設定し、既製の構成ソリューションや配色を機械的に再現し続けませんでした。

モダンなキャンバス

絵画用の静物画の写真。モダンなスタジオ、現代人と中世の人間による世界認識の違いを明確に示しています。今日の物体の動態は考えられる限界を超えており、当時は物体の静的な性質が標準でした。 17世紀の色の組み合わせは、その明るさと色の純度によって際立っています。豊かな色合いが構図に調和して調和し、アーティストの意図とアイデアを強調します。大砲が存在しないこと可能な限り最善の方法で 20 世紀から 21 世紀の静物画に影響を与え、その醜さや意図的な多彩さで想像力を揺さぶることもありました。

静物画の問題を解決する方法は 10 年ごとに急速に変化しており、手法やテクニックは、著名な巨匠とそうでない巨匠の想像力に追いついていません。

今日の絵画の価値は、現代芸術家の目を通して現実を表現することにあります。キャンバス上の具体化を通じて、未来の人々に創造者について多くを伝えることができる新しい世界が生まれます。

印象派の影響

静物画の歴史における次のマイルストーンは印象派でした。方向性の進化全体が、色、テクニック、空間の理解を通じて構成に反映されました。ミレニアム最後のロマン派は、命をそのままキャンバスに移し、素早く明るいストロークと表情豊かなディテールがスタイルの基礎となりました。

絵画、静物画現代アーティスト確かに、色、表現方法、技法を通じて印象派のインスピレーションの痕跡が残っています。

古典主義の標準的な規範からの脱却 - 3 つの計画、中心的な構成、歴史上の英雄-アーティストが色と光に対する独自の認識を開発できるようにするだけでなく、感情の自由な飛行を観客に明確かつ明確に示すことができます。

印象派の主な仕事は変化です塗装技術そしてその絵の心理的な内容。そして今日、当時の状況を知っていても、なぜ印象派の風景画が、詩と同じくらい楽しくて独創的であるにもかかわらず、うるさい批評家や啓発された大衆からの激しい拒絶と無礼な嘲笑を引き起こしたのかという疑問に対する正しい答えを見つけることは困難です。

印象派の絵画は一般に受け入れられている枠組みに当てはまらなかったため、静物画や風景画は、他の高度な芸術の無駄と同様に、下品で評価に値しないものとして認識されました。

ユニークになった美術展布教活動当時の有名な芸術家にとって、物や物のイメージは人々の心に届き、美しさと優雅さを示すことができました。ありふれた原則だけを主張する恐るべき組織の壁の中でも古典芸術。静物画の勝利の行列は 19 世紀末から止まらず、今日ではジャンルや技法が多様化しているため、色、質感、素材の実験を恐れることはありません。

ルネサンスの復活。

ルネッサンス時代（14～16世紀）、花の芸術の復活の時期が始まりました。
花の構図の豊富な素材が、絵画の古い巨匠のキャンバスに表示されます。 15世紀の祭壇の構成。花が入った花瓶の画像がよく見られます。このとき、静物画「花瓶-花」が宗教的なテーマに採用されました。宗教的なテーマを描いたハンスメムリンク (1433-1494) の絵画には、花瓶に入った花、つまりアイリス、ユリ、生けられた緑がよく描かれていました。白いユリは聖母マリアの純潔を象徴し、アイリスは天の女王マリアを象徴していました。イエス・キリストのモノグラムが描かれた十字架の花瓶の像は、聖霊の象徴として機能します。

15 ～ 16 世紀のオランダ学校の静物画は、フラワーアレンジ家にとって非常に興味深いものです。そしてその後の国内学校。
花は自由なスタイルで、または落ちる線のカスケードの形で配置されました。一見すると花の構図が混沌とした印象を受けますが、詳しく見てみると、この作品は線、比例性、色の調和に魅了されます。花束には、ケシ、アイリス、ユリ、バラ、チューリップ、カーネーション、牡丹など、30 ～ 40 種類の植物が含まれていました。パンジー、朝顔、ジャガイモの花、シリアルなど。

視覚的な要素を配置することで、果物、野菜、鳥のぬいぐるみ、乾燥した蝶や昆虫などを静物画に含めることが可能になりました。
最も特徴的な静物画は、ヤンヴァンホイスムの「花」、アブラハムミニョンの「果物」、ヤンダビデデヘームの「果物と花瓶」などです。後期の作品国内巨匠 F.P.トルストイ「花と蝶と鳥の花束」、I.F.フルツキー「花のある静物」など
歴史的発展人間の生活は、環境、伝統、宗教的儀式、そして最後にファッションの発展と密接に関係しています。自分を飾りたいという欲求は、衣服を発明したいという欲求よりも早く人間に現れました。社会が文明化するにつれて、衣服のスタイル、装飾のさまざまな手段、素材が統一されました。花は、何世紀にもわたって最も古くからあるファッション装飾品の 1 つであり、今日でも非常に人気があります。

14世紀に。 V 西欧フレグランスの流行が広がりました。そこで花には女子トイレを飾るだけでなく、香りの源としての役割も与えられました。髪型、コサージュ、襟足、帽子には香りの良い小花植物で作ったブートニエールを付けました。
男性はボタンホールに花をさしていました。ファッションはすぐに広まりましたヨーロッパ諸国。 XV の終わりに -- 16 世初期何世紀にもわたって熱帯植物を含むあらゆる種類の外来植物がヨーロッパに流入し始めました。船員たちは遠くの国から驚くべきエキゾチックな植物をもたらし、ヨーロッパ人を魅了しました。珍しい形、色と優雅さ - これらは蘭でした。ファンシーで、心地よく、洗練された香りがあり、装飾性の高い蘭は、ヨーロッパ人にすぐに評価され、愛されました。なぜなら、それらは本物の花には似ていないものの、いわばシルクやサテンでできていたからです。
16 世紀フラワーアレンジメントの歴史の中で、花束がインテリアとしてだけでなく、ギフトとしての性質を獲得したことも特徴的です。ゆるく集められた花束であり、贈り手の気持ちを表現するだけでなく、ある種の象徴性も備えているはずです。ルネッサンス時代には、芸術における構成の法則と役割についての見方が発展しました。
これはゴシック様式にも見られ、芸術家は作品の各部分が均等に強調されるシンプルな構成のスタイルに固執しました。
フラワーアレンジメントの芸術もさまざまな影響を受けましたスタイルの指示建築と絵画。それで、ゴシック様式そして後期ルネサンスはフラワーアレンジメントの新たな構造に一定の基礎を築き、後に花束とフラワーアレンジメントの両方で広く建設的に使用されるようになりました。ゴシック芸術的なスタイル中世後期に西ヨーロッパ全体に広がった建築様式は、建築形式が垂直のリズムに従属していることを特徴としています。
垂直基準線と内側現代美術フラワーアレンジメントは直立した構造の基礎を形成し、ダイナミクスと願望を表現します。

ルネサンス時代は人生を肯定する世界観を生み出し、ギリシャ・ローマ建築の要素を取り入れたルネサンス様式は、一般化された記念碑的なモデルやボリュームの造形的な表現に向けて普及しました。
ゴシックとは異なり、ルネッサンスの芸術家は作品の個々の部分や要素を主要なものに従属させ、それによって全体の構成の有機的かつ論理的なつながりを作成します。古典主義スタイルの後期ルネッサンスのフラワーアレンジメントでは、大量の花の詰め物と緑を備えた記念碑的な形式が目立ちます。花は大きく、つぼみが全開しています。磁器、大理石、金メッキの青銅でできた花瓶。
バロックの新しい芸術様式 (16 世後期 - 18世紀半ば何世紀にもわたって）、貴族と教会を美化するものであり、その特別な気取りと絵のような美しさによって区別されました。
このスタイルの進歩性は、世界の無限の多様性、永遠の変動性、そして人間と自然の関係についてのまったく新しいアイデアにありました。このスタイルは、その豊かな装飾性と優雅なフォルムで人間の想像力を驚かせました。内部は豊かな豪華さ、金メッキ、造形、彫刻によって際立っていました。バロック様式で作られた切り花の構成は、裕福な宮殿や世俗的なサロンの装飾に不可欠な要素でした。このような構図には、装飾的な効果とダイナミックなラインの妙技がありました。
世界の変動性の概念を反映して、庭師兼画家は、さまざまな程度のつぼみの開きを持つ植物を紹介します。フラワーアレンジメントは光と影の側面を強調し、精巧な絵付けと金箔で装飾された素晴らしい磁器製の花瓶に設置されました。

新しいロココ様式 (17 世紀から 18 世紀半ば) は、その時代の傾向を反映しています。文体の方向性は宮廷貴族文化に関連しており、敷地の絶妙な装飾が特徴です。インテリアデザインは親密さが特徴です。インテリアに花があると心を落ち着かせてくれます。フラワーアレンジメントに求められるのは、洗練された装飾性、優雅なフォルム、そして軽やかさです。線の方向は非対称になる傾向があります。磁器の花瓶 - 重要成分組成物、多くの場合シェルの形です。
フラワーアートの発展に一定の貢献を果たしたイギリス人アーティストそして彫刻家ウィリアム・ホガース。彼の「美のライン」もエレガントで新鮮で、花屋にインスピレーションを与え、芸術愛好家を喜ばせ続けています。
ロココ時代には、女性の衣服や髪型を花で飾るファッションが完成し、ある種の「ドラマ」に達しました。花とリボンがボールガウンと帽子を飾りました。
イギリスのファッション (1796 年) によれば、そのような装飾は生花または造花の花輪の形でした。この期間中に、ヘアスタイルは素晴らしいサイズと形状に達します。カールは貝殻の形にカールして配置され、全体の構造はブートニエール、花、羽、宝石で作られた小さな花輪で飾られていました。
高貴な女性は回想録の中でこう語っています。
「丸くて頭の形に合わせた平らな瓶がいくつかあり、その中に少量の水を注ぎ、茎に生花を挿し込みます。これは常に可能というわけではありませんが、可能であれば、とても美しく見えます。春よ。」真っ白な粉の中にある頭は魅力的な印象を与えました。」ロシアでは西側から取り入れたファッションが広まっている。フランスとドイツでは、衣類に最もファッショナブルな追加物として造花や造花を生産する工房が数多く誕生しました。

北ヨーロッパのルネサンスの終わりに、装飾的なジャンルの静物画が絵画における哲学的なステートメントに変わりました

16～18世紀 - ゴールデンタイムヨーロッパの静物画の歴史の中で。当時、主なものは 2 つありました美術学校、花、果物、物の描写を専門としています - フランドル語とオランダ語 - 他の国の巨匠がこれに続きました。フランドル（ベルギー）とオランダは隣接する州であったにもかかわらず、画家たちは「死んだ性質「（フランドル地方では静物画と呼ばれていた）、または」静かな生活「（オランダではそう呼ばれていました）。

主な目標オランダの巨匠 - 「虚栄心の虚栄心」、万物の弱さ、死の近さという考えを表現しました。これらのテーマはプロテスタント神学者を最も心配させました。したがって、静物画ではオランダの芸術家私たちは、頭蓋骨、消えたろうそく、止まった時計によく遭遇します。これらすべては、永遠の眠りの象徴であるケシ、人生の儚さの象徴である水仙、美のはかなさの象徴であるスミレなどによって囲まれています。

フランダースではその逆でした。プロテスタントのオランダとは異なり、ベルギーはカトリックの復興を経験しており、芸術家にふさわしい仕事は神の創造を否定することではなく、肯定し賛美することでした。ドイツの神秘家パラケルススはこう言いました。「言葉、植物、石など、神はあらゆるところに存在します。」したがって、フランドルの静物画は人生の賛美であり、完璧な自然の勝利です。ルーベンスの同僚で同志であるフランス・スナイダースは、このジャンルの巨匠とみなされています。 1618 年から 1621 年にかけて、彼は 4 枚のキャンバスを描きました。通称「店」：「魚店」、「鳥獣店」（殺処分された家禽）、「野菜店」、「果物店」。これらは現在エルミタージュに保管されています。美術館の職員で美術史の候補者であるオルガ・プロホロワ氏によると、これは「季節」、「五感」（味覚、聴覚、嗅覚、触覚、視覚）、「四大要素」（空気、水、火、土）。「果物屋」は最もシンボルが豊富です。『アラウンド・ザ・ワールド』はそれらを解き明かす。

店主さんとお姉さんオルガ・プロホロワによれば、彼らの数字は次のことを表しています。平和な生活（このサイクルの他の絵画では、この役割は耕す農民と桟橋によって演じられています）。
(1)アプリコットを持つ手触覚を象徴します。
アプリコット自給自足の象徴（自家受粉する木）。
(2) 天秤座「他の鍛造品と同じように、それらは火を象徴しています（魚は水を象徴し、叩かれた鳥は空気を象徴し、根は地球を象徴しています）」とオルガ・プロホロワは言います。
(3)イチジク寛大さの象徴（非常に豊かな実を結びます）。
(4) 吠える犬「聴覚の象徴（耳は吠え声を知覚します）」とオルガ・プロホロワは言います。「スナイダースの他の絵画にも、味（肉、魚）と匂い（犬の匂いを嗅ぐゲーム）のシンボルが見られます。」
(5) 猿味覚を象徴します。
(6) 松ぼっくり（イタリア松）。永遠の幸福を願う象徴（松は常緑樹）。
(7) アスパラガス平和の象徴（中世では鎮静剤として使用されていました）。
(8) リスこの豊かさを成長させるために必要な勤勉の象徴。
(9) アーティチョークのシンボル地上の愛（妊娠を助けると信じられていました）。

果物は夏を象徴します（ハーブは春の象徴、狩猟肉は秋の象徴、魚は冬の象徴でした。これらはスナイダースのサイクルの他の 3 つの絵画に描かれています）。
(10) レモン忠誠と愛の象徴（一年中実を結びます）。
(11) ザクロ普遍教会のシンボル（ザクロの果実の粒の数と同じくらい多くの人々を結びつける）。
(12) オレンジ純粋さと無邪気さの象徴 (その白い花は聖母マリアを飾ることがよくあります)。
(13) ブラックベリー聖母マリアの純粋さの象徴。「モーセに現れ、聖母マリアの母性と処女性の原型として機能するバーニング・ブッシュはブラックベリーだったと考えられています」とオルガ・プロホロワは言う。したがって、彼らは神の母について、「彼女は情欲に燃えることなく神の愛の炎を生み出した」と言いました。
(14) ラズベリー優しさの象徴（聖マーティンは貧しい人々にラズベリーを与えました）。
(15) リンゴ救いと救いの象徴（この意味で、中世では赤子イエスの手中に描かれることが多かった）。
(16) ブドウキリストの象徴 (「わたしはまことのぶどうの木、わたしの父はぶどう作りの者である」、ヨハネ 15:1)。
(17) チェリーイエスの血の象徴。
(18) 梅忠実の象徴と考えられていましたが、色に応じて追加の意味を持ちました。濃い紫の梅はキリストの苦しみと死を表し、黄色はイエスの純粋さを、赤はイエスの慈悲を、白はイエスの謙虚さを表しています。
(19) 桜天の恵みの象徴。
(20) カボチャ復活と救いの象徴（聖書によると、カボチャは預言者ヨナに日陰を与える神の意志によって成長したとされています）。
(21) 梨美徳の甘さの象徴。
(22) 桃三位一体のシンボル (果物、石、石の核の 3 つの部分で構成されます)。

当時は多くの人が気に入ってくれたし、私にとってもアーティストの作品は素晴らしいと思う視覚補助色の組み合わせを研究中。実際、偉大な巨匠が調和の原則、色合いの組み合わせを長い間研究し、絵画を描くときにそれらを積極的に使用してきたのであれば、なぜ車輪を再発明する必要がありますか。私はこのテーマについて一連の投稿を書く予定で、イッテンの著書「The Art of Color」を参考にさせていただきます。

組み合わせに問題が生じることが多い花が来る私たちは観察力が不足しており、目が成功した組み合わせを見るように訓練されていないため、無知のために特定の固定観念が押し付けられており、色を選択する勇気と自信がありません。私たちはこれと戦います:)

イッテンは、色彩に関する研究の中で、私たちに最も重要なことを教えてくれます。重要な時代色を使った芸術と作品の発展において、偉大な芸術家を例として挙げています。そして今日はルネサンスの芸術家から始めます。ヤン・ファン・エイク、ピエロ・デラ・フランチェスカ、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ティツィアーノ、グリューネヴァルト。

"ヤン・ファン・エイク絵を描き始めた構成ベース描かれた人物や物の実際の色によって決まります。これらの色の退色と純度、明るさと暗さを通じて、絵の音はますます現実的に似てきました。色は物事の自然さを伝える手段になりました。」

「アルノルフィーニ夫婦の肖像」は、暗い秋の落ち着いた暖かい色調で作られています

「ゲントの祭壇画」が書かれた暖かい色、でも色はすでにより鮮明で純粋で、春に近づいています

"ピエロデラフランチェスカ彼は人物を描き、独特の表情豊かな色で人物の輪郭をはっきりと描きながら、絵に絵画的なバランスを与える追加の色を使用しました。」

「フェデリーゴ・ダ・モンテフェルトロとバッティスタ・スフォルツァの肖像」も、秋の色を使った温かみのある色調で作られています。

「モンテフェルトロの祭壇」：非常に美しい色の組み合わせ、柔らかな色合い、春夏の範囲。

その結果、3 つの基本音と 2 つのアクセント音の組み合わせが得られます。

"レオナルド・ダ・ヴィンチ明るい色を放棄しました。彼は無限に微妙な色調の変化に基づいて絵画を構築しました。」

「モナ・リザ」

「賢者の崇拝」

"ティツィアーノ寒さと暖かさ、色あせたものと豊かさの絵のように美しい変化を追求し始めました。」

"素敵"

「彼の後期の絵画の色の特徴は、同じ色のさまざまな暗い色合いと明るい色合いに基づいて彼によって形成されました。」

「いばらの冠をかぶった戴冠式」。テーマも色彩も明るい絵です。一番いいのは11月です:))

ただし、同じ色の中の色の遷移は非常にはっきりと見えます。

"グリューネヴァルトある色を別の色と対比させた。いわゆる客観的に存在する色の実体から、彼は絵画のそれぞれのモチーフに対して自分の色を見つける方法を知っていました。」

「イーゼンハイムの祭壇」

グリューネヴァルトは 1 つの作品の枠組みの中でさまざまな手法を使用しました。カラースキーム意味を伝えるために全体的な調和を犠牲にした個々の部品動作します。

あなたが秋なら、ルネッサンスの芸術家による他の作品を見るべきだという結論はまだ残っています:)

果物と料理のある静物画

芸術家ウィレム・ファン・アールストは、1627 年 5 月にユトレヒトまたはデルフト市で生まれました。

ウィレム・ファン・アールストは叔父から絵画の基礎を学びました。有名なアーティストエベルト・ファン・アールスト。 1643 年 11 月、この若い芸術家はデルフト聖ルカ芸術家ギルドに入会しました。

1845 年から 1649 年までの 4 年間、芸術家はフランスに住んで制作し、その後さらに 7 年間イタリアに滞在しました。フィレンツェでは、ウィレムファンアールストがトスカーナ大公フェルディナンド 2 世デメディチから依頼された多くの作品を完成させました。

祖国に戻った後、芸術家はアムステルダムに定住し、スタジオを設立し、学生を受け入れました。その中には今日私たちが思い出すことができるレイチェル・ルイシュとマリア・ファン・オーステルウェイクが含まれます。

ウィレム・ファン・アールストは、生前、卓越した色彩感覚を持ち、布地、鳥の羽、金属などの絵画で特に成功を収めた傑出した静物画の巨匠として知られていました。絶妙なブルーベルベットは彼の静物画によく見られます。アーティストは非常に高価なラピスラズリ顔料を使用しています。この成分は遠く離れた中国から輸入されたもので、その使用により作者の絵画のコストが大幅に上昇しました。しかし、彼がどのようにプレーするか青静物画の中で。

画家は1683年に亡くなった。アムステルダムに埋葬された。

現在、偉大な芸術家の作品はさまざまな場所で見ることができます。最大の美術館そしてアートギャラリー平和。