イタリアの民族楽器。 イタリアの楽器マンドリン イタリア民謡「サンタ・ルチア」 ナポリ音楽の誕生
文化的にパッチワーク的なイタリアは、芸術の分野で比類のない巨匠を世界に与えてきました。 しかし、イタリアの天才クリエイター自身も、民族文化の影響を受けていました。 メロディックなイタリアの歌。 それらのほとんどすべてに作者がいますが、それがフォークと呼ばれることを妨げるものではありません。
これはおそらくイタリア人の自然な音楽好きによるものでしょう。 この声明は、ナポリ南部からヴェネツィア北部に至るイタリアのすべての地域に当てはまり、国中で開催される多くの歌謡祭によって確認されています。 イタリアの歌は世界中で知られ、愛されています。私たちの両親は今でも「ベラ・チャオ」と「オン・ザ・ロード」を覚えています。この国で最も優れた歌の演奏者として知られるムスリム・マゴマエフが歌ったイタリア民謡です。
古くから伝わるイタリア民謡
イタリア語が10世紀までに発展したとすれば、研究者らはイタリア民謡の出現は13世紀初頭であると考えています。 これらは、休日に街の広場で旅をする手品師や吟遊詩人によって歌われた歌でした。 彼らにとっての主題は愛や家族の物語でした。 彼らのスタイルはやや荒々しく、中世としてはごく自然なものでした。
私たちに伝わる最も有名な曲は、シチリアのシウッロ・ダルカモによる「Contrasto」（「愛の議論」）です。 少女と彼女に恋する少年との対話についての物語です。 さらに、同様の対話歌も知られています：「魂と肉体の論争」、「ブルネットとブロンドの論争」、「軽薄な人と賢者の論争」、「冬と夏の論争」 。
ルネッサンス時代、家庭で音楽を演奏するというファッションがイタリアの住民の間に広がりました。 普通の町民が音楽愛好家のサークルに集まり、そこでさまざまな楽器を演奏し、言葉やメロディーを作曲しました。 それ以来、この歌は国民のあらゆる層に広まり、イタリアのいたるところで聞かれるようになりました。
楽器とイタリア民謡
民間伝承について語るとき、伴奏に合わせて演奏された楽器について触れずにはいられません。 その一部を次に示します。
- 15世紀に現代的な姿になったヴァイオリン。 民族起源のこの楽器はイタリア人にとても愛されています。
- リュートとそのピレネーの変種であるビウエラ。 14世紀にイタリア全土に広まった撥弦楽器。
- タンバリン。 イタリアのプロヴァンス地方から伝わったタンバリンの一種。 ダンサーはタランテラを踊るときに彼らに同行しました。
- フルート。 11世紀に広まりました。 演奏者がタンバリンと一緒に使用することが非常に多いです。
- バレルオルガンは、17世紀にイタリアで普及した機械式管楽器です。 パパ・カルロのことを思い出してください。彼女は旅する音楽家の間で特に愛されていました。
イタリア民謡「サンタ・ルチア」～ナポリ音楽の誕生～
ナポリはカンパニア州の首都であり、イタリア南部で最も有名な都市であり、驚くほど叙情的なナポリ民謡、美しい「サンタ ルチア」の本拠地です。
その並外れた自然の美しさ、穏やかな気候、そして同じ名前の湾の海岸の便利な立地により、この都市とその周辺地域は、数多くの征服者や単純な入植者にとって非常に魅力的なものとなっています。 2,500 年以上にわたり、この都市は多くの文化を受け入れ、再解釈してきましたが、それらは地域の音楽の伝統に反映されずにはいられません。
ナポリ民謡の誕生は、「太陽は昇る」という曲が非常に人気だった13世紀初頭と考えられています。 これがイタリア・ルネッサンスの幕開けです。 イタリアの都市が急速に発展し、暗黒時代から人類の意識が現れ始めた時代。 この時期までに、人々は踊ったり歌ったりすることを罪深いことだと考えるのをやめ、人生を楽しむことを許容し始めました。
XIV-XV世紀。 人々の間では、その日の話題に基づいて作られたユーモラスな対句が人気でした。 15 世紀後半、ナポリでヴィラネッレ (イタリアの村歌) が生まれました。これは、リュートの伴奏に合わせていくつかの声で演奏される対句です。
しかし、私たちが知っているナポリ民謡の全盛期は 19 世紀にまで遡ります。 最も有名なイタリアの歌「サンタ・ルチア」がテオドロ・コットラウによって出版されたのもこの時期でした。 この曲は「船頭の歌」または「水上の歌」を意味するバルカロール（バルカという言葉から）というジャンルで書かれています。 この曲はナポリの方言で歌われ、海岸沿いの町サンタ・ルチアの美しさに捧げられました。 これは、方言からイタリア語に翻訳された最初のナポリ作品です。 エンリコ・カルーソ、エルヴィス・プレスリー、ロベルティーノ・ロレッティ、その他多くの世界的に有名なアーティストによって演奏されました。
ナポリ語の原文
Comme se fr?cceca la luna chiena…
馬に乗って、ラリア？ セレナ…
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
サンタ・ルチア！ サンタ・ルチア！
II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… サンタ ルチア!
サンタ・ルチア！ III ラ・ティナ？ ポスト・ペ・フ？ な価格…
e quanno stace la panza chiena、non c’? ラ・ム・ネマ・メランコニア！
サンタ・ルチア！ サンタ・ルチア！
P?zzo accostare la varca mia?
サンタ・ルチア！
サンタ・ルチア！
古典イタリア語のテキスト (エンリコ・コソヴィッチ、1849 年)
アストロ・ダルジェントのルッチカ・ラルジェント。
アストロ・ダルジェントのルッチカ・ラルジェント。
プラシーダ？ ロンダ、プロスペロー？ イルベント。
サンタ・ルチア！ Venite all'agile barchetta mia、サンタ ルチア! サンタ・ルチア！
コンクエスト・ゼフィーロ、だって？ ソアーヴェ、ああ、コム？ ベロスタースッラナベ！
ス・パセギエリ、ヴェニテ・ヴィア！
サンタ・ルチア！
サンタ・ルチア！
ス・パセギエリ、ヴェニテ・ヴィア！
サンタ・ルチア！
サンタ・ルチア！
In fra le tende、bandir la cena In una sera cos? セレナ、
サンタ・ルチア！
サンタ・ルチア！
チ・ノン・ディマンダ、チ・ノン・デシア。
サンタ・ルチア！
サンタ・ルチア！
メアさん？ プラシーダ、ベントス? カロ、
スコルダル・ファ・イ・トリボリ・アル・マリナロ、
エ・ヴァ・グリサンド・コン・アレグリア、
サンタ・ルチア！ サンタ・ルチア！
エ・ヴァ・グリサンド・コン・アレグリア、
サンタ・ルチア！ サンタ・ルチア！
おおドルチェ・ナポリ、おおスオル・ベアト、
オーヴェ・ソリデール・ヴォレ・イル・クリアート、
トゥ・セイ・リンペロ・デル・アルモニア、
サンタ・ルチア！ サンタ・ルチア！
トゥ・セイ・リンペロ・デル・アルモニア、
サンタ・ルチア！ サンタ・ルチア！
それともチェ・タルデート？ ベラ？ ラ・セラ。
Spira un'auretta fresca eleggiera。
Venite all'agile barchetta mia、サンタ ルチア!
サンタ・ルチア！
Venite all'agile barchetta mia、サンタ ルチア!
サンタ・ルチア！
ロシア語のテキスト
海は少し呼吸する
眠い平和の中で、
遠くから波のささやきが聞こえます。
大きな星が空に輝きました、サンタ・ルチア、サンタ・ルチア！
ああ、なんて夜だろう - 星と海!
麓からは優しい風が吹きます。
彼は黄金の夢を呼び起こします、
サンタ・ルチア、サンタ・ルチア！
白鳥のようなボート
遠くに浮かんでいく
空の星たち
明るく輝いている。
ステキな歌
夜に聞こえます
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
海の向こうの夕方
だるさでいっぱい
静かに僕らは響く
曲はおなじみです。
ああ、私のナポリ
親戚がくれた
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
月光
海が輝いています。
順風
帆が波打つ。
私のボートは軽いです
オールが大きいですね…
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
カーテンの後ろで
人里離れたボート
回避可能
不謹慎な視線。
閉じ込められる方法
こんな夜に？
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
私の素晴らしいナポリ、
ああ、素敵な土地よ、
彼が微笑む場所
天国の金庫は私たちのためにあります。
魂の喜び
不気味な雨が降っています...
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
私たちは軽いマシュマロです
遠くへ突進しましょう
そしてカモメのように水の上を飛び立ちましょう。
ああ、失くさないでね
金の時計…
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
海は穏やかです
誰もが憧れる
そして悲惨なのは船員たちだ
彼らはすぐに忘れてしまいます
彼らはただ歌うだけです
歌は疾走感があります。
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア
他に何を待っていますか?
海の上は静か。
月が輝いています
青い広がりの中で
私のボートは軽いです
オールが大きいですね…
サンタ・ルチア、
サンタ・ルチア！
***
アナスタシア・コジュホワが歌うイタリア民謡「サンタ・ルチア」を聴いてください。
さらに、別のナポリの歌「Dicitencello vuie」も我が国では有名で、「女の子にガールフレンドに伝えてください」としてよく知られています。 この曲は 1930 年に作曲家ロドルフォ ファルボによって書かれ、作詞はエンツォ フスコによって行われました。 ロシア語バージョンは、セルゲイ・レメシェフからワレリー・レオンチェフまで、ほとんどの国内アーティストによって演奏されました。 この曲はロシア語に加えて、他の多くの言語に翻訳されています。
ナポリの歌は前例のないほど知られており、世界中で愛されています。 これは、1920 年のアントワープオリンピックで起こった事件によって証明されています。 イタリアチームの表彰式中に、ベルギーのオーケストラがイタリア国歌の音符を持っていないことが判明した。 そしてオーケストラが「オー・マイ・サン」（「オー・ソレ・ミオ」）を歌い上げた。 メロディーの最初の音で、スタジアムにいた観客はその曲の歌詞に合わせて歌い始めました。
ナポリとその周辺地域の歌の伝統といえば、毎年 9 月初旬に開催されるピエディグロッタ フェスティバルに触れずにはいられません。 ピエディグロッタはナポリ近郊にある洞窟で、かつては異教の聖地として機能していました。 1200 年、この場所を聖化するために聖マリア教会がここに建てられ、「洞窟のふもと」を意味するピエディグロッタとして知られるようになりました。
時が経つにつれて、聖母マリアへの宗教的崇拝と彼女を讃える祭りは、歌の競い合い祭りに変わりました。 この音楽祭では、ナポリの最高の民俗詩人や歌手が競い合います。 場合によっては、2 つの曲が同じポイントを獲得することがあります。 そして観客は 2 つの陣営に分かれ、それぞれがお気に入りのメロディーを拳で守る準備ができています。 両方の曲が本当に優れていれば、友情は勝ち、街全体がこれらのお気に入りの曲を口ずさみます。
イタリア民謡「ハッピー」
この作品は愛の歌詞に関連していますが、テキストの言葉は若者の裏切りと軽薄さに気づきます。 ナレーションは、友人の方を向いているように見える少女の視点から語られ、「彼は舞踏会の美女たちの軽薄な視線の裏に何が隠されているか知っているだろうか？」と尋ねている。 少女自身はまだ誰にも恋をしていないため、自分が最も幸せで「すべての女王よりも魅力的」であると考えています。 若いイタリア人女性がヒナギクやスミレの花の間を歩き、鳥のさえずりに耳を傾け、自分がどれほど幸せであるか、永遠に彼らだけを愛したいと歌う。
本当に、他人への愛が苦痛な執着にならない限り、人生、自然、そしてあなたを取り巻くすべての人たちを楽しむ時間はあるということが正確に指摘されています。 嫉妬と不安に燃えているとき、どこでこのようなことに気づくことができますか？
アナスタシア・テプリャコワが歌うロシア語のイタリア民謡「ハッピー」を聴いてください。
イタリア民謡のユーモア: 「パスタ」について歌います
明るく陽気なイタリア人の性格は、ユーモラスな歌の普及に貢献しました。 そのような作品の中で、この真のイタリア料理に捧げられた曲「Pasta」に注目する価値があります。 孤児や貧しい家庭の子供たちは、この歌を歌うことで、通行人に施しを乞い、生計を立てていました。 出演者の性別に応じて、男性版と女性版のテキストがあります。 この曲はタランテラのリズムで作られています。
タランテラは15世紀から踊られている民族舞踊です。 原則として、タランテラは、リズミカルに繰り返される 1 つのモチーフに基づいています。 興味深いことに、この曲に合わせて踊ることは、タランチュラに噛まれた人の治療法と考えられていました。 古くから、特に「タランティズム」に苦しむ人々のために、音楽家たちがこのメロディーを演奏しながらイタリア中を歩き回ってきました。
パスタ（男性版） 翻訳：M. Ulitsky
1. 私は廃墟の中に住んでいます。
悲しいよりも陽気なことが多いです。
私は廃墟の中に住んでいます。
悲しいよりも陽気なことが多いです。
パスタ用のテーブル、ベッド、バルコニー付きの家を喜んで差し上げます。
2. このおいしい料理は庶民の味方です。
このおいしい料理は庶民の味方です。
でも偉い人もソースパスタを食べるんです。
3. 瀕死の赤いピエロがどうやって生き残ったのか知りたいですか?
瀕死の赤いピエロがどうやって生き残ったのか知りたいですか?
シュトフスカヤは王冠を脱いでパスタと交換した。
4. 私たちのタランテラが歌われています、誰と夕食に行きましょう?
私たちのタランテラが歌われています、誰と夕食に行きましょうか?
「パスタ！」と叫んでみます。 - すぐに仲間が現れます。
パスタ（女性版）
私はオリーブより黒いです
ホームレスで一人徘徊してる
そしてタンバリンの音に合わせて
一日中踊る準備はできています
あなたの為にタランテラを踊ります、
ただサポートしてください
ソルドをくれたら買ってあげる
パスタ、パスタ。
私の友人プルチネッロ
彼は矢で心に傷を負い、
ただ私はプルチネッロの妻にはなりたくなかった。
彼は危うく自殺するところだった
バルコニーから身を投げそうになった
しかし、私は情熱から解放され、
ただパスタを飲み込むだけ。
私は兄弟をハイキングに集めました。
彼の最愛の人は彼に残されました、
兵士はどうすれば作れますか
みんな無傷でしたか？
銃が発砲しないように、
カートリッジをすべて取り出す必要があるので、
弾丸の代わりに飛び出させて
パスタ、パスタ。
少し悲しいなら、
病気があなたを圧迫するなら、
あるいはお腹が空いているときもありますが、
パスタは体にいいですよ！
さようなら、セニョリータたち、
ボン・ボヤージュ、シニョーリ・ドンナ、
とてもお腹がいっぱいになったはずです
そしてパスタも待ってます！
マッケローニ
1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto。
Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni。
2. プルチネッラ メッゾ スペード ヴォレ ア フェア イル テスティメント。
プルチネッラ メッツォは、ハタネズミをその証として費やしました。
マッケローニのグロッソ ピアットを購入します。
3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava Col Sergente。
Ho veduto un buon Tenente che cambiava Col Sergente。
Le spalline pe’galloni per un sol piatto di maccheroni.
4. タランテラ・シ・エ・カンタータ、
ドゥエ・カルリーニ・シ・エ・パガタ。
タランテラ・シ・エ・カンタータ、
ドゥエ・カルリーニ・シ・エ・パガタ。
そのアレグロ、オ・コンパニョーニ、
ネ・コンペレーモ・デ・マッケローニ。
そのアレグロ、オ・コンパニョーニ、
ネ・コンペレーモ・デ・マッケローニ。
***
アンナ・ジハレンコが歌うロシア語のイタリア民謡「パスタ」を聴いてください。
水上のベネチアの歌
南ナポリに加えて、イタリアの北の真珠、ヴェネツィアにも壮大で素晴らしい歌の伝統があります。 まず第一に、ゴンドラの船頭の歌について話します。 これらの愛のモチーフはバルカロールのジャンルに属します。 とてもメロディックでゆったりとした演奏です。
ゴンドラの船頭の力強く美しい声が、水面をゆっくりと漕ぐオールの響きに響くようです。 奇妙なことに、18 世紀までバルカロールはプロの音楽家から十分な注目を集めていませんでした。 しかし、次の世紀には、この省略は補われる以上のものになりました。 チャイコフスキー、メンデルスゾーン、ショパン、グリンカは、ヴェネツィアの民謡に魅了され、そのモチーフを不滅の作品に取り入れた少数の音楽の天才です。
残念なことに、現代性はバルカロールを含むヴェネツィアの伝統に悪影響を及ぼしています。 たとえば、観光客のリクエストに応じて、ゴンドラの船頭たちはナポリの歌「オー・ソレ・ミオ」を歌うことがよくありますが、ゴンドラ船頭協会は、ヴェネツィアのものではないため、その演奏に反対しています。
イタリアのパルチザンの歌「ベラ・チャオ」
有名なパルチザンソング「Bella Ciao」（「Farewell Beauty」）も非常に人気があります。 第二次世界大戦中にレジスタンスのメンバーによって歌われました。 確かに、それはイタリア全土に広まったわけではなく、国の北部、アペニン山脈にのみ広まりました。
歌詞は救急隊員か医師が書いたと考えられている。 そしてメロディーは明らかに古い童謡「スリーピング・ポーション」から取られています。 ただし、カターニア大学の現代史教授ルチアーノ・グラノッチによれば、「ベッラ・チャオ」は1945年までボローニャ近郊の一部のパルチザングループによってのみ行われていたという。
E ピッキア ピッキア
ラ・ポルティセラ
E ピッキア ピッキア
E ピッキア ピッキア
la porticella dicendo: 「おい、ベラ、4 月の私。」
4月にコン・ウナ・マノ?
ラ ポルタ エ コン ラ ボッカ
ラ・グリ・ド？ アンバシン。
La gh'ha dato un bacio cos? タントフォルテ
ラ・スオイ・マンマ・ラ・ラ・ハ・センド？
マ・コザイ・ファット、フィリオラ・ミア、
チェ・トゥット・イル・モンド・パルラ・マル・ディ・テ?
レイシャ・ピュア・チェ
イル モンド ル ディーガ: イオ ヴォーリオ アマレ チ ミ アマ ミー。
イオ ヴォーリオ アマレ ケル ジョヴァノット チャラ
私にとってファット・セッタンニ・ディ・プリジオン。
L'ha fatt sett'anni e sette
私は私にセッテ・ジョルニ・ディ・プリジオンを与えます。
プリジョーネ
え？ タントスクラ、
ミ・ファ・パウラ、
ラ・ミ・ファ・モリル
ベラチャオ (オプションの 1 つ)
今朝、目が覚めました
今朝、目が覚めました
そして窓から敵が見えました！
ああ、パルチザンよ、私を連れてってください
ああ、ベラチャオ、ベラチャオ、ベラチャオ、チャオ、チャオ！
ああ、パルチザンたちよ、私を連れて行ってください、
自分の死が近い気がする！
もし私が戦いで死ぬ運命にあるなら
ああ、ベラチャオ、ベラチャオ、ベラチャオ、チャオ、チャオ！
もし私が戦いで死ぬ運命にあるなら、私を埋めてください。
あなたを山の高いところに埋めてください
ああ、ベラチャオ、ベラチャオ、ベラチャオ、チャオ、チャオ！
あなたを山の高いところに埋めてください
赤い花の影で！
ああ、ベラチャオ、ベラチャオ、ベラチャオ、チャオ、チャオ！
通行人が通り過ぎてその花を見るでしょう
「きれいですね」と彼は言います、「花です！」
それはパルチザンの記憶となるだろう
ああ、ベラチャオ、ベラチャオ、ベラチャオ、チャオ、チャオ！
それはパルチザンの記憶となるだろう
果敢に倒れるなんてなんと自由なことでしょう！
***
ピャトニツキー合唱団が演奏するイタリアのパルチザンの歌「ベラ、チャオ」を聴いてください。
誰もが気に入った党派の歌は「Fischia il vento」（「風が吹く」）で、共産主義的な性格が顕著でした。 そのため、終戦後、イタリア政府はイデオロギー的な目的で「Bella Ciao」という歌を宣伝し始めました。 そのことに関しては、私たちは彼に感謝するしかありません。 いずれにせよ、この曲は 1947 年の夏にプラハで開催された第 1 回国際青少年学生フェスティバルの後、40 年代後半に世界的に有名になりました。 その後、世界中の有名な歌手やそれほど有名ではない歌手によって何度もカバーされました。
イタリア民俗音楽のテーマは非常に膨大なので、一度の記事で伝えることは不可能です。 これは、イタリアの歴史全体が民謡に反映されているという事実によるものです。 信じられないほどメロディックな言語、贅沢な自然、そして国の発展の激動の歴史は、イタリア民謡のような文化現象を世界に与えました。
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イタリア音楽の起源は古代ローマの音楽文化に遡ります（古代ローマ音楽を参照）。 音楽は生き物を奏でました。 社会、国家における役割 ローマ帝国の生活、日常生活のさまざま。 人口の層。 音楽は豊かで変化に富んでいました。 ツール。 古代ローマ音楽のサンプルは私たちに届いていませんが、 その要素は中世まで生き残りました。 キリスト 賛美歌と民謡 音楽 伝統。 キリスト教が国家として宣言された4世紀。 宗教の中心であるローマは、ビザンチウムと並んで典礼発展の中心地の一つとなった。 まず歌うこと その基礎となったのはシリアとパレスチナ発祥の詩篇だった。 ミラノ大司教アンブローズは、賛美歌を対声的に歌う習慣を強化し（「アンティフォニー」を参照）、そのメロディーをナレーションに近づけました。 起源。 彼の名前には、特別な西洋キリスト教の伝統が関連付けられています。 教会 アンブロジアンと呼ばれる歌（アンブロジアンの歌を参照）。 最後に 6 世紀、教皇グレゴリウス 1 世のもとで、キリストの立体的な形が開発されました。 典礼とその音楽が命じられています。 側。 同時期にローマで誕生した歌手。 この学校（「スコラ・カントルム」）は、教会歌唱のための一種のアカデミーとなりました。 訴訟と上級議員。 この分野の権威。 グレゴリー 1 世は、基本原則を統一し修正したと評価されています。 典礼聖歌。 しかし、その後の研究により、そのメロディアスさが証明されました。 いわゆるスタイルと形式 グレゴリオ聖歌は8世紀から9世紀になってようやく形になりました。 カトリックローマン。 教会は礼拝の統一を目指して、このスタイルのモノゴールを広めました。 コーラス キリストに改宗しつつあるすべての国民の間で歌うこと。 信仰。 このプロセスは最後まで完了しました。 11 世紀、グレゴリオ典礼とそれに対応する聖歌が制定されました。 中西部諸国では規制が制定されました。 そしてユジ。 ヨーロッパ。 同時に、不変に凍結されたグレゴリオ聖歌のさらなる発展も止まりました。 フォーム。
端から 西暦1千年紀 これは、イタリア領土への敵の頻繁な侵略と、創造性の自由な表現を妨げる教皇制への抑圧の増大の結果でした。 I.m.の取り組みには長い期間がかかります。 停滞すると、音楽全般において目立った役割を果たさなくなります。 ヨーロッパの発展 国 ヨーロッパで起こった最も重要な変化。 西洋の学者兼音楽家たちは、1000 年から 2000 年にかけての音楽を歴史音楽に弱く、そして遅ればせながら反映しています。 そして北西 ヨーロッパはすでに9世紀。 イタリアで最も有名なポリフォニーの初期の形式の理論的根拠を示しました。 音楽 中世の理論家グイド・ダレッツォ（11 世紀）は主に単頭グレゴリオ聖歌に注目しましたが、オルガヌムについてはほんの少し触れただけです。12 世紀には、いくつかのイタリアの教会で多声歌唱が典礼実践に取り入れられましたが、その方法が知られているものはほとんどありません。封建領主の権力が弱まり、初期の資本主義関係が形成された時代に、イタリアがより自由で直接的な世界認識を発展させたことについては、これらの例は示していない。これらの都市は、封建的関係がまだしっかりと残っていた南部地域よりも社会制度と文化が進んでおり、最も才能のある作曲家や音楽家を惹きつけました。 ここで新しいジャンルと文体のトレンドが生まれました。
表現力を高めたいという欲求が歌詞に現れました。 自由に解釈された宗教についての賛美歌。 テーマは、日常生活や宗教の中で歌われた「ラウダ」です。 行列。 もう終わりです。 12世紀 「ラウディスト同胞団」が誕生し、その数は13世紀、特に14世紀に増加した。 ラウダは、当局に反対するフランシスコ会の修道士の間で栽培されました。 ローマの教会では、時には社会的抗議の動機が反映されていました。 ラウドのメロディーはナールを連想させます。 原点、リズムが違います。 明瞭さ、構造の明瞭さ、主要なカラーリング。 中にはダンスに近い性格のものもあります。 曲。
フィレンツェでは、世俗的な多角形の新しいジャンルが生まれました。 中華鍋 家庭でのアマチュア演奏を目的とした音楽：マドリガル、カッチャ、バラタ。 2ゴールか3ゴールだった。 ストロフィックな メロディー優先の曲。 リズムによって区別された上の声。 機動性、豊富なカラー通路。 マドリガル - 貴族。 洗練された詩と音楽を特徴とするジャンル。 建物。 微妙なエロティシズムが支配的でした。 テーマも風刺的に具体化されています。 動機は、時には政治的なものもあります。 カッチャの内容は、当初は狩猟の絵で構成されていましたが（そのため、名前自体が「カッチャ - 狩猟」となりました）、その後、そのテーマは拡大し、さまざまなジャンルのシーンをカバーしました。 アルス ノヴァの世俗的なジャンルの中で最も人気のあるのはバラータ (内容がマドリガルに似た舞曲) です。
14世紀イタリアで広く発展。 指示を受け取ります。 音楽。 基本 当時の楽器は、リュート、ハープ、フィデル、フルート、オーボエ、トランペット、およびさまざまなオルガンでした。 タイプ（ポジティブ、ポータブル）。 それらは歌の伴奏やソロまたはアンサンブルの演奏に使用されました。
イタリアの台頭。 中盤にアルス・ノヴァが発生。 14世紀 40代 創造性が広がります。 最も著名な巨匠、フィレンツェのジョバンニとボローニャのヤコポの活動。 盲目のオルガニスト兼作曲家の名手は特に有名になりました。 F. ランディーノは多才な人物であり、詩人、音楽家、科学者であり、イタリアのサークルで尊敬されていました。 人文主義者。 仕事を通じて人々とのつながりが深まりました。 メロディーはより自由な表現を獲得し、時には絶妙な洗練さ、華やかさ、リズムを獲得しました。 多様性。
盛期ルネサンス (16 世紀) の時代、歴史芸術はヨーロッパ人の間で主導的な地位を占めました。 音楽 作物 芸術全般の盛り上がりの雰囲気の中で。 さまざまな分野で集中的に発展した文化、音楽制作 社会の層。 その中心は教会とともにありました。 工芸品のチャペル。 ギルド協会、文学と芸術の啓蒙された愛好家のサークルであり、時には古代にちなんで名乗ることもあります。 アカデミーをモデルにしています。 複数形で 独立に貢献する学校が都市に設立されました。 歴史芸術の発展に貢献したのは、ローマ学派とヴェネツィア学派です。 カトリックの中心地であるローマでは、ルネサンス運動によって生み出された新しい芸術形式がしばしば教会の抵抗に遭いました。 当局。 しかし、禁止と非難にもかかわらず、15世紀を通じて。 ローマカトリックで 多目的は礼拝においてしっかりと確立されました。 歌うこと。 これは、さまざまな時期に教皇礼拝堂で奉仕した、フランコ・フランドル派の代表者であるG.デュファイ、ジョスカン・デプレ、その他の作曲家の活動によって促進されました。 システィーナ礼拝堂（1473年創立）と聖歌隊にて。 聖ペテロ大聖堂の礼拝堂 ペテロ、教会の最高の師たちが集結しました。 イタリアだけでなく他の国からも歌っています。 教会の問題 歌には特別な注意が払われました。 トリエント公会議 (1545-63) で注目を集め、その決定は「比喩的な」ポリフォニーへの過度の情熱を非難しました。 音楽は「神聖な言葉」を理解することを困難にし、単純さと明瞭さへの要求が提起されました。 典礼への世俗的な旋律の導入は禁止された。 音楽。 しかし、教会の願いに反して。 当局はカルト歌唱からすべての革新を追放し、可能であればグレゴリオ聖歌の伝統に戻すよう求め、ローマ楽派の作曲家たちは高度に発達したポリフォニーを創作した。 フランコ・フランドルのポリフォニーの最高の成果が実装され、ルネサンスの美学の精神で再解釈された芸術。 生産中 この派の作曲家は複雑な模倣をしています。 テクニックとコードハーモニックを組み合わせたものです。 倉庫、多頭 テクスチャーは調和のとれたユーフォニーの特徴を獲得し、メロディーの始まりはより独立し、上声部がしばしば前面に出てきました。 ローマ学派の最大の代表者はパレストリーナです。 彼の完璧にバランスのとれた、啓蒙された気分、調和のとれた芸術は、ラファエロの作品と比較されることがあります。 合唱団の頂点に立つ。 厳密なスタイルのポリフォニーであるパレストリーナの音楽には、同音異義語的思考の発展した要素も含まれています。 水平原理と垂直原理のバランスを求める姿勢は、同じ学派の他の作曲家、C. フェスタ、G. アニムッチ (聖ペテロ礼拝堂の首席に立っていた) にも特徴的でした。 1555 年から 1571 年のピョートル、教皇クレメンス、パレストリーナの生徒や信奉者、G. ナニーノ、F. アネリオなどのスペイン人もローマ学派に加わりました。 教皇礼拝堂で働いた作曲家：C.モラレス、B.エスコベド、T.L.デ・ヴィクトリア（「スペインのパレストリーナ」というあだ名が付けられた）。
ヴェネツィア派の創設者は、1527 年に聖ペテロ大聖堂の礼拝堂長を務めた A. ウィラールト (オランダ人出身) でした。 マークは 35 年間そのリーダーでした。 彼の後継者はC.デ・ポープとスペイン人のC.メルロでした。 この学派は、A. ガブリエリと彼の甥の G. ガブリエリの業績によって最大の開花を迎えました。 パレストリーナや他のローマ楽派の作曲家の厳格で抑制された文体とは対照的に、ヴェネツィア人の芸術は豊かな音のパレットと豊富な明るい色彩を特徴としていました。 効果。 多共性の原理は彼らにとって特に重要でした。 対照的な2つの合唱団をアレンジ。 教会のさまざまな側面で、ダイナミックな基盤として機能しました。 そしてカラフルなコントラスト。 常に変化する声の数は、G. ガブリエリ合唱団では 20 に達しました。 響きは楽器の変更によって補完されました。 音色や楽器は合唱団の声を複製するだけでなく、独立して演奏することもできました。 そして繋がるエピソード。 高調波 この言語には、当時としては大胆な色彩が数多く取り入れられており、表現力が向上しました。
ヴェネチア楽派の巨匠たちの創造性は、新しい形式の楽器の開発に大きな役割を果たしました。 音楽。 16世紀に 楽器自体の構成が大幅に充実し、表現力が広がりました。 可能性。 メロディアスで温かみのあるサウンドを持つ弓楽器の重要性が高まっています。 古典が形成されたのはこの時代でした。 ヴィオラタイプ。 以前は広く普及していたヴァイオリン。 人気のある生活の中で、教授になります。 音楽 道具。 独奏楽器としては、リュートとオルガンが主導的な地位を占め続けました。 1507年から1509年にかけて音楽出版社O.ペトルッチが出版した。 リュートの小品集が 3 冊あり、現在も保存されています。 中華鍋中毒の兆候。 モテットタイプのポリフォニー。 将来的には、この依存性は弱まり、特定のツールが開発されます。 プレゼンテーションのテクニック。 16世紀の特徴。 ジャンル ソロ楽器 音楽 - リチェルカー、ファンタジア、カンツォーナ、カプリッチョ。 1549年にオルグが登場しました。 リチェルカース・ビジャルタ。 彼に続いて、このジャンルは G. ガブリエリによって開発され、そのプレゼンテーションがフーガに近いいくつかのリカーカーが開発されました。 組織内。 ヴェネツィアの巨匠のトッカータは、想像力を自由に働かせる妙技と傾向を反映しています。 1551年にヴェネチアで書籍集が出版されました。 キーボードダンス作品 キャラクター。
最初の独立国家の出現は、A. ガブリエリと J. ガブリエリの名前に関連付けられています。 室内アンサンブルとオーケストラのサンプル。 音楽。 さまざまな楽器のための彼らの作品。 構成 (3 ～ 22 パーティー) が 1 つのコレクションにまとめられました。 「カンツォーネとソナタ」（「カンツォーニとソナタ...」、作曲家の死後1615年に出版）。 これらの演劇は、異なるものを対比させるという原則に基づいています。 指導者 グループ（弓楽器、木管楽器、金管楽器、混合楽器の両方の同種）が次々と集まりました。 コンサートジャンルの具現化。
ルネッサンスの思想を音楽において最も完全かつ鮮やかに表現したのはマドリガルであり、16 世紀に新たに開花しました。 ルネサンス時代には、多くの人々が世俗音楽制作のこの最も重要なジャンルに注目しました。 作曲家。 マドリガルは、ヴェネツィアの A. ウィラート、C. デ ポープ、A. ガブリエリ、ローマ学派の巨匠 C. フェスタとパレストリーナによって書かれました。 マドリガリストの学校はミラノ、フィレンツェ、フェラーラ、ボローニャ、ナポリに存在しました。 マドリガル 16世紀 アルス・ノヴァ時代のマドリガーレとは、より豊かで詩的な洗練が異なっていた。 内容は基本的ですが、 彼の領域は、自然の美しさの熱狂的な賛美と組み合わされた、しばしば牧歌的な色合いの愛の歌詞のままでした。 F. ペトラルカの詩はマドリガーレの発展に大きな影響を与えました（彼の詩の多くはさまざまな作者によって音楽が付けられました）。 マドリガリストの作曲家たちは、L. アリオスト、T. タッソ、その他のルネサンスの主要な詩人の作品に注目しました。 16世紀のマドリガルにて。 4 ゴールまたは 5 ゴールの得点が優勢でした。 ポリフォニーとホモフォニーの要素を結び付ける倉庫。 一流のメロディックプレイヤー その声は表現の繊細さによって際立っていた。 色合い、詩的なディテールの柔軟な伝達。 文章。 全体的な構成は自由であり、ストロフィックな線には従わなかった。 原理。 16世紀のマドリガルの巨匠の一人。 ローマとフィレンツェで活躍したオランダ人J・アルカデルトが目立った。 1538 年から 1544 年にかけて出版された彼のマドリガーレ (6 冊) は何度も再版され、さまざまな版で再版されました。 印刷されたものと手書きのもの 会議。 このジャンルの最高の開花は創造性に関連しています。 最後にL. マレンツィオ、C. モンテヴェルディ、C. ジェズアルド ディ ヴェノーザの活動。 16 - 始まり 17世紀 マレンツィオの特徴は洗練の領域にあると言えます。 抒情的な その後、ジェズアルド・ディ・ヴェノーザとモンテヴェルディでは、マドリガルがドラマ化され、深い心理学に恵まれています。 表現において、彼らは調和を図るための新しい、珍しい手段を使用しました。 言葉遣い、研ぎ澄まされたイントネーション。 中華鍋の表現力。 鍵盤ハーモニカ。 I.m.の富裕層は人々です。 歌と踊りは、メロディーのメロディアスさ、活気、そして燃えるようなリズムによって区別されます。 イタリア人向け 踊りの特徴は、6/8 拍子、12/8 拍子と、速く、しばしば速いテンポです。サルタレッロ (13 世紀から 14 世紀の記録が保存されています)、関連するロンバルダ (ロンバルディアの踊り)、フォルラナ (ヴェネツィア、フリウリの踊り) です。 ）、タランテラ（国民的になった南イタリアのダンス）。 タランテラと並んで、シチリアーナも人気があります（サイズは同じですが、テンポは中程度で、メロディーの性質は異なります-牧歌的です）。 シチリア人はバルカローレ (ヴェネツィアのゴンドラの船頭の歌) やトスカーナのリスペット (賛美の歌、愛の告白) に近いです。 ラメントソング（嘆きの一種）は広く知られています。 メロディーの可塑性とメロディアスさ、明るい抒情性、そしてしばしば強調される感性は、イタリアで広く普及しているナポリの歌の典型です。
ナル。 音楽も教授に影響を与えました。 音楽 創造。 最高のシンプルさと人々への親近感。 フロットラとヴィラネルのジャンルは、その起源が異なります。
ルネサンスは音楽理論の発展に刺激を与えました。 イタリアでの思い。 基礎は現代的です。 調和の教義は G. ザルリーノによって定められました。 中世紀 彼はモードの教義を、2 つの基本要素を備えた新しい調性システムと対比させました。 モーダルなムード - メジャーとマイナー。 ザルリーノは、判決において、抽象的な学術計算や数値演算ではなく、主に直接的な聴覚に依存しました。
16 世紀から 17 世紀にかけての I.M. 最大のイベント。 オペラの出現がありました。 オペラはルネサンス末期に登場したにもかかわらず、その思想や文化と完全に結びついています。 スタンドアロンとしての Opera。 一方で、このジャンルは演劇から発展しました。 音楽を伴った16世紀のパフォーマンス、もう一方はマドリガルです。 多くの人がテレビ用の音楽を作成しました。 16世紀の有名な作曲家。 したがって、A. ガブリエリはソフォクレスの悲劇「オイディプス」（1585 年、ヴィチェンツァ）の合唱曲を書きました。 オペラの前身の 1 つは、A. ポリツィアーノの演劇「オルフェウスの物語」（1480 年、マントヴァ）でした。 マドリガルは柔軟な表現手段を開発しました。 詩的な具現化 音楽の中のテキスト。 一人の歌手が楽器を持ってマドリガーレを演奏するのが一般的です。 抵抗 中華鍋型に近づけました。 最初のイタリア語の基礎となったmonody。 オペラ。 最後に 16世紀 ミミッヒというマドリガルコメディのジャンルが生まれました。 演技には中華鍋が伴われました。 マドリガル風のエピソード。 このジャンルの典型的な例は、O. Vecchi の「Amphiparnassus」（1594 年）です。
1581年に一人の論客が現れた。 V. ガリレイの論文「古代と現代の音楽に関する対話」（「Dialogo della musica antica et délia moderna」）には、聖歌の声が記されています。 （古代のモデルに従う）宣言は、中世の「野蛮行為」に反対しました。 ポリフォニー。 彼が音楽を付けたダンテの『神曲』からの抜粋は、この概念の実例として役立つはずでした。 スタイル。 ガリラヤの思想は、啓蒙されたフィレンツェの G. バルディ伯爵 (いわゆるフィレンツェのカメラータ) の主導で 1580 年に団結した詩人、音楽家、人文主義科学者のグループの間で支持を集めました。 このサークルのメンバーは、O. リヌッチーニのテキストによる J. ペリ作の最初のオペラ「ダフネ」 (1597-98) と「エウリュディケ」 (1600) を作成しました。 ソロ中華鍋。 これらのオペラの一部とop. 通奏低音は宣言で持続されます。 このように、マドリガルの構造は合唱団にも保存されています。
いくつかの 数年後、「Eurydice」の音楽は歌手と編纂者によって独立して書かれました。 G. カッチーニはコレクションの著者でもありました。 伴奏付き室内ソロ曲 「新しい音楽」（「Le nuove musiche」、1601年）、メイン。 同じ文体で。 原則。 この書き方は「新しいスタイル」（Stile nuovo）、または「比喩的なスタイル」（Stile rарpresentativo）と呼ばれました。
製品。 フィレンツェ人はある程度合理的ですが、その意味は主に次のようなものです。 実験的な。 音楽の天才がオペラに本物の命を吹き込みました。 劇作家、強力な悲劇的才能の芸術家、K. モンテヴェルディ。 彼は成人してからオペラのジャンルに転向し、すでに多くの作品の作者となっています。 精神的な作品。 そして世俗的なマドリガル。 彼の最初のオペラ「オルフェウス」（1607）と「アリアドネ」（1608）はポストされました。 マントヴァで。 長い休息を経て、モンテヴェルディは再びヴェネツィアでオペラ作曲家として活動した。 彼のオペラの創造性の頂点は、『ポッペアの戴冠』（1642 年）です。 まさにシェイクスピアの力であり、ドラマの深さによって際立っています。 表現、見事なキャラクター造形、紛争状況の鋭さと激しさ。
ヴェネツィアでは、オペラは狭い貴族の枠を超えていました。 愛好家の間で注目を集め、大衆の見世物となった。 1637 年に、最初の公立オペラ ハウス「サン カッシアーノ」がここにオープンしました (1637 年から 1800 年の間に少なくとも 16 のそのような劇場が設立されました)。 もっと民主的。 観客の構成も作品の性格に影響を与えました。 神話的 主題は歴史の支配的な場所に取って代わられた。 実際のアクションを伴うストーリー。 顔、ドラム そして英雄的。 始まりはコメディー、そして時には粗雑な茶番劇と絡み合っています。 中華鍋。 朗読シーンではメロディーがさらにメロディアスになり、セクションが現れました。 さまざまなタイプのエピソード。 モンテヴェルディの後期オペラの特徴であるこれらの特徴は、42 のオペラの作者である F. カヴァリの作品でさらに発展し、その中でもオペラ「ジェイソン」（1649 年）が最も人気を博しました。
ローマのオペラは、ここを支配していたカトリック教徒の影響を受けて、独特の色彩を帯びるようになりました。 トレンド。 アンティークと一緒に 神話的な ストーリー（「オルフェウスの死」-「オルフェオの死」S.ランディ作、1619年、「アドニスの鎖」-「アドニスの鎖」D.マゾッキ作、1626年）このオペラには宗教的な要素が含まれていた。 キリストにおいて解釈されたテーマ。 道徳的な用語。 ほとんどの意味です。 製品。 ローマ派 - ランディのオペラ「聖アレクセイ」（1632年）は、その旋律の美しさによって区別されました。 音楽の豊かさとドラマ、発展した合唱の質感の豊かさ。 エピソード。 漫画本の最初の例はローマに現れました。 オペラのジャンル：V. マッツォッキとM. マラッツォーリによる「苦しむ人に希望を持たせてください」（「Che sofre, speri」、1639年）およびA. M. アバッティーニとM. マラッツォーリによる「すべての雲には銀の裏地がある」（「Dal Male il bene」、1653年）マラッツォーリ。
Kさん。 17世紀 オペラは、フィレンツェのカメラータが提唱したルネサンスの美学の原則からほぼ完全に逸脱していました。 これは、ヴェネツィアのオペラ学校に関連する M. A. チェスティの作品によって証明されています。 彼の著作には、興奮に満ちたドラマがあります。 レチタティーヴォは柔らかなメロディアスさと対照的で、丸い中華鍋の役割が増えています。 多くの場合、行動の劇的な正当化が損なわれることになる）。 オナーのオペラ「黄金の林檎」（「イル ポルノ ドーロ」、1667 年）は、皇帝レオポルド 1 世の結婚式の際にウィーンで華やかに上演され、当時から広く普及した宮廷儀式公演の原型となりました。ヨーロッパでは「これはもはや純粋なイタリアのオペラではなく、一種の国際的な宮廷オペラだ」とR・ロランは書いている。
端から 17世紀 イタリアの発展に主導的な役割を果たした。 オペラはナポリに行きました。 ナポリのオペラ学校の最初の主要な代表者は F. プロヴェンツァーレでしたが、その真の指導者は A. スカルラッティでした。 数多くのオペラ作品（100以上）の作者である彼は、イタリア語の典型的な構造を確立しました。 オペラセリア、生き物なしで保存。 最後まで変わる 18世紀 チーフ このタイプのオペラの場所はアリアに属し、通常は 3 部構成のダ・カーポです。 レチタティーヴォには奉仕的な役割が与えられ、合唱団やアンサンブルの重要性は最小限に抑えられる。 でも明るいメロディック。 スカルラッティの賜物、ポリフォニーの技術。 間違いなくドラマチックな手紙。 本能のおかげで、あらゆる制限にもかかわらず、作曲家は強く印象的なインパクトを達成することができました。 スカルラッティは声楽と楽器の両方を発展させ、豊かにしました。 オペラの形式。 彼は典型的なイタリアの構造を開発しました。 速い外側部分と遅い中間部分からなるオペラ序曲（当時の用語によれば交響曲）であり、独立した交響曲としての原型となった。 濃度 動作します。
オペラと密接に関連して、典礼以外の新しいジャンルが発展しました。 宗教的 訴訟 - オラトリオ。 宗教から出てくるもの。 ポリゴンの歌声を伴う朗読。 称賛に値します、彼女は独立性を獲得しました。 終了した G.カリッシミの作品に登場する形。 主に聖書のテーマで書かれたオラトリオの中で、彼は中期までに発達したオペラの形式を豊かにしました。 17世紀、合唱団の功績。 濃度 スタイル。 カリッシミの後にこのジャンルを発展させた作曲家の中で、A. ストラデッラは際立っていました（彼の性格は冒険的な伝記により伝説になりました）。 彼はオラトリオに演劇の要素を導入しました。 哀愁と特徴づけ。 ナポリ楽派のほとんどすべての作曲家はオラトリオのジャンルに注目しましたが、オペラと比較すると、オラトリオは彼らの作品の中で二番目の位置を占めていました。
オラトリオに関連するジャンルとして、伴奏付きの 1 声、場合によっては 2 声または 3 声の室内カンタータがあります。 通奏低音。 オラトリオとは異なり、世俗的なテキストが主流でした。 このジャンルの最も著名な巨匠はカリッシミとL.ロッシ（ローマ歌劇場派の代表の一人）です。 オラトリオと同様に、カンタータも演奏されます。 中華鍋の開発における役割。 ナポリのオペラの典型となった形式。
17世紀の宗教音楽の分野。 外面的でこれ見よがしな偉大さへの欲望に支配され、ch. ああ。 量のせいで。 効果。 ヴェネツィア学派の巨匠たちによって開発された多共性の原理は双曲的となった。 規模。 いくつかの作品では。 最大 12 個の 4 ゴールが使用されました。 合唱団 巨大な合唱団。 組成物は多数によって補われました。 そして多様な楽器群。 この豊かなバロック様式は、パレストリーナとその追随者の厳格で抑制された様式に代わって、特にローマで発展しました。 後期ローマ楽派の最も著名な代表者は、G. アレグリ (W. A. モーツァルトが耳で録音した有名な「ミゼレーレ」の作者)、P. アゴスティーニ、A. M. アバッティーニ、O. ベネヴォリです。 同時に、いわゆる 「コンサートスタイル」、初期のイタロのアリオソ・レチタティーヴォの歌唱に近い。 オペラ、その例としては、A. バンキエーリ (1595 年) と L. ヴィアダーナ (1602 年) の精神的なコンサートがあります。 （後で判明したことですが、デジタルベースの発明は十分な根拠もなくヴィアダーナの功績とされています。）C. モンテヴェルディ、マルコ ダ ガリアーノ、F. カヴァッリ、G. レグレンツィ、その他の作曲家も同様の方法で作曲し、教会。 オペラや室内カンタータの音楽要素。
音楽の新しい形式と手段を集中的に探求する。 表現力は、豊かで多才な人間性を体現したいという欲求によって決まります。 ツールの分野で行われるコンテンツ。 音楽。 組織の偉大なマスターの一人。 そしてバッハ以前の時代の鍵盤音楽は、輝かしい創造性を持った作曲家、G. フレスコバルディでした。 個性的で、オルガンとチェンバロの素晴らしい名手であり、祖国だけでなく他のヨーロッパでも有名です。 国々。 彼は伝統を持ち込んだ。 チェルカー、ファンタジー、トッカータの形式、激しい表現力と自由な感情が特徴で、メロディー主義が豊かです。 そして調和のとれた 言語、発達したポリフォニー。 請求書。 彼の製品で。 古典的な結晶化。 明確に特定された音の関係と全体的な計画の完全性を備えたフーガの一種。 フレスコバルディの創造性はイタリアの最高峰です。 組織。 訴訟 彼の革新的な業績はイタリア国内では傑出した支持者を見つけることができず、他の国の作曲家によって継続され、発展させられました。 イタリア語で 指導者 後半からの音楽。 17世紀 主役の座は擦弦楽器、そして何よりもヴァイオリンに移りました。 これはヴァイオリンという芸能の隆盛と楽器自体の改良によるものでした。 17～18世紀。 イタリアでは、有名なヴァイオリン製作家の王朝が出現し（アマティ家、ストラディヴァリ家、グアルネリ家）、その楽器は今日まで卓越したものであり続けています。 優れたヴァイオリンの名手は、ほとんどが作曲家でもあり、その仕事の中で、独奏ヴァイオリン演奏のための新しいテクニックが統合され、新しいミューズが開発されました。 フォーム。
16世紀から17世紀の変わり目。 ヴェネツィアでは、複数のパートからなる作品であるトリオ・ソナタのジャンルが発展しました。 2つのソロ楽器（通常はヴァイオリンですが、対応するテッシトゥーラの他の楽器で置き換えることもできます）とベースのための。 このジャンルには 2 つの種類がありました (どちらも世俗室内楽の分野に属していました)。「教会ソナタ」 (「ソナタ ダ キエーザ」) - 遅い部分と速い部分が交互に並ぶ 4 部構成のサイクル、および「室内ソナタ」 （「ソナタ・ダ・カメラ」）、いくつかから構成されています。 ダンスをする スイートに近いキャラクター。 これは、これらのジャンルのさらなる発展において特に重要です。 ボローニャ楽派は、ヴァイオリン芸術の巨匠たちの輝かしい銀河系を推し進める役割を果たしました。 その上級代表には、M. カッカティ、G. ヴィターリ、G. バッサーニが含まれます。 ヴァイオリンと室内アンサンブル音楽の歴史における一時代は、A. コレッリ (バッサーニの弟子) の作品によって特徴づけられました。 彼の活動の成熟期はローマと関連しており、そこで彼は、P. ロカテッリ、F. ジェミニアーニ、G. ソミスなどの名前に代表される独自の学校を設立しました。 コレッリの作品によってトリオ・ソナタの形成が完了しました。 彼は充実感を拡大し、豊かにしました。 弓楽器の能力。 彼はまた、作品付きの独奏ヴァイオリンのためのソナタのサイクルを所有しています。 チェンバロ 後期に生まれたこの新しいジャンルは、 17世紀、終わりを告げる。 承認モノディッチ。 指導上の原則。 音楽。 コレッリは、同時代の G. トレッリとともに、18 世紀半ばまで室内オーケストラの音楽制作の最も重要な形式であったコンチェルト グロッソを作成しました。
Kコン。 17 - 始まり 18世紀 国際的な増加 栄光と権威 I.M. 外国 音楽家たちは教育を終えて資格を取得するためにイタリアに集まり、母国での知名度を確保しました。 教師としての彼は、非常に博学な音楽家、コンプ奏者として特に有名でした。 そして理論家のJ.B.マルティーニ（神父マルティーニとして知られる）。 彼のアドバイスは、K. V. グルック、W. A. モーツァルト、A. グレトリーによって使用されました。 彼のおかげで、ボローニャ・フィルハーモニー管弦楽団。 このアカデミーはヨーロッパ最大の音楽の中心地の一つとなっています。 教育。
イタリアの 18世紀の作曲家 基本的な オペラに注目が集まりました。 彼らのうち、社会のあらゆる階層から幅広い聴衆を魅了したオペラ劇場から距離を置いている人はほんのわずかでした。 今世紀のオペラ作品は膨大な量であり、さまざまなタイプの作曲家によって創作されました。 才能の規模、その中には才能のあるアーティストがたくさんいました。 このオペラの人気は、高いレベルの声楽パフォーマンスによって促進されました。 文化。 歌手たちは準備をしていました。 ああ。 温室 - 16世紀に設立された孤児院。 イタリアの主要中心地であるナポリとヴェネツィアで。 18世紀のオペラ生活。 4つの音楽院があり、そこにはミューズがいました。 教育は主要な作曲家によって主導されました。 歌手と作曲家。 F. ピストッキはボローニャに特別な会社を設立しました (1700 年頃)。 歌手 学校。 優れた中華鍋。 教師は、ナポリ楽派で最も多作なオペラ作曲家の一人、N. ポルポラでした。 18世紀のベルカント芸術の有名な巨匠の一人です。 - 主な夫の出演者。 オペラ・セリアで役を演じたのは、カストラート歌手の A. ベルナッキ、カファレッリ、F. ベルナルディ (愛称セネーシーノ)、ファリネッリ、G. クレセンティーニで、いずれも名声の技術を持っていました。 テクニックと柔らかく軽い声の音色を組み合わせたもの。 歌手 F. ボルドーニ、F. クッツォーニ、C. ガブリエリ、V. テシ。
イタリアの オペラは特権を享受した。 ヨーロッパの大部分の状況。 大文字 彼女は惹かれるでしょう。 強さは、多くの 他の国の作曲家はイタリア語でオペラを創作しました。 ナポリ学校の精神と伝統に基づいたテキスト。 スペイン人のD.ペレスとD.テラデラス、ドイツ人のI.A.ハッセ、チェコ人のJ.ミスリヴェチェクが参加した。 同じ流派の流れで流れたということですね。 G.F.ヘンデルとK.W.グルックの活動の一部。 イタリア人向け オペラのシーンはロシア人によって書かれました。 作曲家 - M. S. ベレゾフスキー、P. A. スココフ、D. S. ボルトニャンスキー。
しかし、オペラ・セリアの創始者であるナポリのオペラ学校の校長であるA.スカルラッティの生涯の間に、すでにその固有の芸術的特質が明らかになっていました。 矛盾があり、それが厳しい批判の原因となった。 彼女に対して声を上げている。 初めに。 20代 18世紀 風刺家が現れた。 音楽パンフレット 理論家B.マルチェッロは、オペラ図書館員の不条理な慣例と劇作家の軽蔑を嘲笑した。 行為の意味、プリマドンナやカストラート歌手の傲慢な無知。 深い倫理観が欠如しているため、 コンテンツと外部効果の乱用は現代的に批判されています。 私はオペライタリアです。 教育者 F. アルガロッティの「オペラエッセイ」（「Saggio sopra l”opera in musica...」、1754 年）と百科事典学者の E. アルテアガの著書「イタリア音楽劇場の革命」（「Le rivoluzioni del teatro」） musice italiano dalla sua origine fino al presente」、v. 1-3、1783-86)。
台本主義の詩人 A. ゼノンと P. メタスターシオは、歴史と神話の安定した構造を開発しました。 オペラ・セリアでは、劇の性質が厳しく規制されていました。 陰謀、登場人物の数と関係、一人鍋の種類。 番号とステージ上の位置。 アクション。 古典主義の演劇の法則に従って、彼らはオペラに構成の統一性と調和を与え、悲劇的な要素の混乱から解放しました。 コメディと茶番の要素。 同時に、これらの劇作家のオペラのテキストには貴族的な特徴が見られます。 人工的で礼儀正しく洗練された言葉で書かれた勇敢さ。 オペラ・セリア、スペイン語 カットは多くの場合、出現と同時に行われました。 祝賀行事は必ず成功裏に終わる必要があり、その英雄たちの感情は条件付きであり、信じられないものでした。
全部R。 18世紀 オペラ・セリアの確立された常套句を克服し、音楽と演劇をより密接に結びつけようとする傾向があります。 アクション。 これにより、伴奏レチタティーヴォの役割が増大し、オークが強化されました。 合唱団の色彩、展開、ドラマ化。 シーン これらの革新的な傾向は、グルックのオペラ改革を部分的に準備した N. ジョメッリと T. トラエッタの作品に最も明確に表現されました。 オペラ「タウリスのイピゲニア」では、G. アベルトの言葉を借りれば、トラエッタは「グルックの音楽劇のまさに入り口まで」進むことができました。 いわゆる作曲家たちも同じ道をたどりました。 「新ナポリ学派」G. サルティ、P. グリエルミ、A. サッキーニ、A. サリエリらはグルック改革の熱心な信奉者でした。
最強の反対派は条件付きで英雄的だ。 オペラ・セリアは新しい民主主義者によって編纂された オペラ・ブッファというジャンル。 17歳から始めて 18世紀 漫画 オペラは孤立した例によってのみ表現されていました。 彼らはどのように独立しているのか。 このジャンルは、ナポリ派の上級マスター、L. ヴィンチと L. レオによって形を作り始めました。 最初のクラシック。 オペラ ブッファの例としては、ペルゴレージの「召使いと愛人」があります (元々は彼のオペラ シリーズ「誇り高き捕虜」、1733 年の幕の間の間奏曲として使用されました)。 映像のリアルさ、音楽の活気と感動。 この特徴は、G.B. ペルゴレージの間奏曲の幅広い人気に貢献しました。 各国、特に彼女のポストがあるフランスで。 1752 年のこの作品は、激しい美学が出現するきっかけとなりました。 論争を巻き起こし（「ビュフォンの戦争」を参照）、フランス人の結成に貢献した。 全国 一種の漫画 オペラ。
人々とのつながりを失わずに。 ルーツ、イタリア語 オペラ ブッファはその後、より発展した形式を開発しました。 オペラセリアとは異なり、ソロボーカルが優勢でした。 始まり、漫画で オペラではアンサンブルが非常に重要になっています。 最も発達したアンサンブルは、喜劇的な陰謀の結節点のような活気に満ちた急速に展開するフィナーレに配置されました。 N. ログロシーノは、この種の効果的な最終アンサンブルの創始者であると考えられています。 C. ゴルドーニはイタリアの著名人で、オペラ ブッファの発展に多大な影響を与えました。 18世紀のコメディアンで、教育的リアリズムの考えを作品に反映させた。 彼は数多くのオペラ図書館の著者であり、そのほとんどは傑出したイタリアの巨匠の一人によって作曲された音楽を持っていました。 漫画 ヴェネツィアのB.ガルッピによるオペラ。 60年代 18世紀 オペラでは、ブッファ感傷主義的な傾向が現れます（たとえば、ゴルドーニのテキストに基づいたN.ピッチンニのオペラ「チェッキーナ、または良い娘」、1760年、ローマ）。 オペラ ブッファは、道徳を反映した「俗物劇」または「泣ける喜劇」のタイプにアプローチします。 偉大なフランス人前夜の第三身分の理想。 革命。
N. ピッチーニ、G. パイジエロ、D. チマローザの作品は、18 世紀のオペラ ブッファの発展における最後の最高段階です。 彼らの作品はコメディ要素と感性を組み合わせています。 哀れな、メロディックな。 音楽のさまざまな形式の豊かさ、活気、優美さ、機動性はオペラのレパートリーに保存されています。 これらの作曲家たちはさまざまな方法でモーツァルトに近づき、最も偉大なイタリア人の一人であるモーツァルトの作品を準備しました。 次世紀のオペラ作曲家G.ロッシーニ。 オペラ ブッファの特定の特徴は後のオペラ セリアに採用され、その結果、形式の柔軟性、メロディーの単純さ、自発性が高まりました。 表現。
手段。 イタリア人による寄稿でした。 18世紀の作曲家 さまざまな開発の中で 楽器のジャンル 音楽。 ヴァイオリン製作の分野において、コレッリに次ぐ偉大な巨匠は G. タルティーニでした。 先人に倣い、独奏ヴァイオリン・ソナタ、トリオ・ソナタというジャンルを開拓し、新たな明るい表現力で満たし、ヴァイオリン演奏の技術を豊かにし、当時の常識的な音の幅を広げました。 タルティーニは、パドヴァと呼ばれる自分の学校を設立しました（名前は彼が人生のほとんどを過ごしたパドヴァの街にちなんで付けられました）。 彼の生徒はP.ナルディーニ、P.アルベルギ、D.フェラーリでした。 後半。 18世紀 見事に展開して演奏しました。 そしてクリエイティブな イタリア最大の人物、G. プニャーニの活動。 クラシックヴァイオリニスト 時代。 その多くの中に。 学生たちの中では、J.B. ヴィオッティが特に有名になり、その作品には時折ロマンチシズムの感覚が漂っています。 トレンド。
オークジャンルでは。 大胆かつ独創的なコンチェルト・グロッソ。 革新的なアーティストはA. ヴィヴァルディでした。 彼はこの形式をドラマチックに表現し、ダイナミックさを伴って導入しました。 テーマ別に大小の楽器グループ（トゥッティとコンチェルティーノ）を対比させます。 部門内の対立 パーツは、サイクルの 3 つの部分の構造を確立し、古典的に保存されています。 指導者 コンサート。 (ヴィヴァルディのヴァイオリン協奏曲は、J.S.バッハによって高く評価され、バッハはその一部をクラヴィーア用に、またオルガン用に編曲しました。)
G.B. ペルゴレージのトリオソナタでは、古典以前の特徴が顕著です。 「凛々しい」スタイル。 その軽くて透明な質感はほぼ完全に同音的であり、メロディーは柔らかい旋律と優雅さによって際立っています。 クラシック音楽の開花を直接的に準備した作曲家の一人。 指導者 音楽担当者は G. サンマルティーニ (78 の交響曲、さまざまな楽器のための多くのソナタと協奏曲の作者) で、彼の創造性の性質はマンハイムおよび初期のウィーン楽派の代表者に近かった。 L. ボッケリーニは、その作品の中で、勇敢な感受性とロマン主義以前の要素を組み合わせました。 哀愁と人々への親近感に興奮する。 ソース。 彼らは気づくでしょう。 チェロ奏者であり、ソロチェロ文学を豊かにし、クラシック音楽の創造者の一人でした。 弓四重奏の一種。
アーティストは生き生きとしていて、豊かな創造性を持っています。 ファンタジー、D. スカルラッティは、クラヴィーア音楽の比喩的な構造と表現手段を拡張し、更新しました。 彼のチェンバロのためのソナタ（著者はそれらを「練習曲」、つまり「Essercizi per gravicembalo」と呼んでいます）は、その性格と表現技法の多様性に際立っており、当時のクラヴィーア芸術の一種の百科事典です。 スカルラッティの明確で簡潔なソナタでは、主題が鮮明になっています。 コントラストが明確に定義されています。 ソナタ解説のセクション。 スカルラッティの後、鍵盤ソナタは、B. ガルッピ、D. アルベルティ (アルベルティアン ベースの定義にその名前が関連付けられています)、G. ルティーニ、P. パラディシ、D. チマローザの作品で開発されました。 M. クレメンティは、D. スカルラッティの作法のある側面を習得し（特に、「スカルラッティのスタイルで」12 のソナタを創作する際にそれが表現されました）、発展したクラシック音楽の巨匠に近づきました。 スタイル、そしてロマンティックの起源に至ることもあります。 妙技。
ヴァイオリン製作の歴史における新たな時代は、N. パガニーニによって開かれました。 演奏家および作曲家として、彼は典型的にロマンチックな芸術家でした。 倉庫 彼の演奏は、途方もない技巧と、燃えるような想像力と情熱の組み合わせで、抗しがたい印象を残しました。 さん 製品。 パガニーニ（独奏ヴァイオリンのための「24のカプリース」、ヴァイオリンとオーケストラのための協奏曲など）は、今でもヴァイオリンの名手文学の比類のない例として残っています。 彼らは、19 世紀のヴァイオリン音楽のその後の発展だけでなく、ロマン派運動の最大の代表者の作品にも影響を与えました。 ピアニズム - F. ショパン、R. シューマン、F. リスト。
パガニーニは最後の偉大なイタリア人でした。 ツールの分野で働くマスター。 音楽。 19世紀に 作曲家と大衆の関心はほぼ完全にオペラに集中していました。 18世紀から19世紀の変わり目。 イタリアのオペラは、知られている停滞期を経験していました。 伝統的 オペラ・セリアとオペラ・ブッファのタイプは、その時までにすでにその能力を使い果たしており、開発できませんでした。 イタリア最大の創造性。 この時のオペラ作曲家G. スポンティーニはイタリア国外（フランスとドイツ）で上演されました。 S. マイヤー (国籍はドイツ人) によるオペラ セリアの伝統を (借用した要素を接木することによって) サポートしようとした試みは、折衷的なものであることが判明しました。 オペラ ブッファに引き寄せられた F. パールは、パイジエッロやチマローザの作品と比較して、このジャンルに目立った新しい貢献は何もしませんでした。 （音楽史において、パエルの名前は、ライブラリーの出典となった J. ブイイのテキスト「レオノーラ、あるいは夫婦の愛」に基づくオペラの作者として残されています。 ベートーヴェンの「フィデリオ」 。）
イタリアの高度な繁栄。 19世紀のオペラ 無尽蔵の旋律に恵まれた作曲家、G. ロッシーニの活動に関連したものです。 創意工夫、生き生きとした陽気な気質、そして紛れもないドラマツルギー。 本能。 彼の作品はイタリアの全般的な台頭を反映していました。 愛国心の成長によって引き起こされた文化。 民族解放 願望。 実に民主主義的なのです、皆さん。 その起源によれば、ロッシーニのオペラ作品は幅広い聴衆に向けられていました。 彼は国家を復活させた オペラ ブッファのタイプに新しい命を吹き込み、アクションの特徴を研ぎ澄まし、深めました。 人々を現実に近づけます。 彼の「セビリアの理髪師」(1816) はイタリアの最高峰です。 漫画 オペラ。 ロッシーニは、コメディ的な始まりと風刺的で自由な雰囲気を組み合わせています。 彼のオペラの中には社会への直接的な言及が含まれているものもあります。 そして政治的な その時の状況。 オペラには英雄的なドラマがあります。 このキャラクターのおかげで、彼はオペラ・セリアの凍てついた常套句を克服し、特にコーラスを特に重視した。 始まり。 物語は幅広く開発されています。 ロッシーニ最後のオペラ「ウィリアム・テル」（1829年）の民族解放に関するシーン。 プロットはロマンチックな方法で解釈されました。 プラン。
ロマンチシズムが鮮やかに表現されます。 30年代から活動を始めたV.ベッリーニやG.ドニゼッティの作品の動向。 19世紀、民族運動が起こったとき イタリアのルネサンス（リソルジメント）は、政治的統一を求める闘争の決定的な段階に入った。 国の独立。 ベッリーニのオペラ「ノルマ」（1831 年）と「清教徒」（1835 年）では、民族解放の声がはっきりと聞こえます。 作曲家は主に登場人物の個人的なドラマに重点を置いていますが、動機は異なります。 ベッリーニは表現の達人でした。 ロマンチック M. I. グリンカと F. ショパンの賞賛を呼び起こしたカンティレーナ。 ドニゼッティは力強いドラマを求めている。 影響や深刻な状況により、堅苦しいメロドラマが生じることもありました。 したがって、彼の偉大なロマンチシズム。 オペラ（V. ユーゴーによれば「ルクレツィア・ボルジア」、1833 年、V. スコットによれば「ルシアディ・ランメルモール」、1835 年）は、制作よりも実現可能性が低いことが判明した。 コメディのジャンル（「愛の妙薬」、1832年、「ドン・パスクアーレ」、1843年）の伝統。 イタリアンタイプ オペラ・ブッファは新しい特徴を獲得しました。ジャンルの背景の重要性が増し、メロディーが日常のロマンスと歌のイントネーションで豊かになりました。
J. S. メルカダンテ、G. パチーニ、および同時期の他の作曲家の作品は、それぞれ独立して異なるものではありませんでした。 個々の特徴はありますが、オペラ形式の劇化と音楽表現の豊かさへの一般的な傾向を反映しています。 資金。 この点に関して、彼らは直接的でした。 G. ヴェルディの前任者 - イタリアだけでなく世界音楽界でも最も偉大なオペラ劇作家の一人。 てら。
40年代に舞台に登場したヴェルディの初期オペラ。 19世紀、文体的にまだ完全に独立していなかった（「ナブッコ」、「第一回十字軍のロンバルディア人」、「エルナーニ」）は、愛国心で聴衆の熱狂的な熱意を呼び起こしました。 哀愁、ロマンチック 感情の高揚感、英雄的な精神、そして自由への愛。 生産中 50代 （「リゴレット」、「イル・トロヴァトーレ」、「椿姫」）彼は心理的に素晴らしい成果を上げました。 イメージの深さ、急性で激しい精神的葛藤の具現化の強さと真実性。 中華鍋。 ヴェルディの作品は外部の妙技やパッセージの装飾から解放され、旋律の有機的に不可欠な要素となっています。 ラインを取得して表現します。 意味。 60～70年代のオペラで。 （「ドン・カルロス」、「アイーダ」）彼は、幅広い層のドラマをさらに特定しようと努めています。 音楽におけるアクション、オーケストラの役割の強化、ミューズの豊かさ。 言語。 最後のオペラのひとつである「オテロ」（1886年）で、ヴェルディは結論に達しました。 音楽 音楽がアクションと密接に結びつき、その心理的側面をすべて柔軟に伝えるドラマ。 色合い。
ヴェルディの信奉者、含む。 人気オペラ「ラ・ジョコンダ」（1876年）の作者であるA.ポンキエリは、新しい生き物でオペラの原則を豊かにすることができませんでした。 成果。 同時に、ヴェルディの作品はワーグナー音楽劇の支持者からの反対に遭いました。 改革。 しかし、ワーグナー主義はイタリアに深く根ざしたものではなく、一部の作曲家の間では、オペラ劇の原理ではなく、和声のテクニックにワーグナーの影響が感じられました。 そしてオーク。 手紙。 ワーグナーの傾向はボイトのオペラ「メフィストフェレス」（1868年）に反映されており、ボーイトはその後ワーグナーへの極端な情熱から遠ざかりました。
最後に 19世紀 イタリアではヴェリズムが広まりました。 マスカーニの「田舎の名誉」（1890 年）とレオンカヴァッロの「パリアッチ」（1892 年）の大成功は、この運動がイタリアで支配的なものとして確立されるのに貢献しました。 オペラ的な創造性。 ヴェリズムは U. ジョルダーノ (彼の作品の中で最も有名なのは 1896 年のオペラ アンドレ シェニエ) と F. チレアによって支援されました。
最大のイタリア人の取り組みもこの傾向に関連していました。 ヴェルディに続くオペラ作曲家、G.プッチーニ。 彼の推しだ。 通常は専用の カラフルな日常を背景に描かれる市井の人々のドラマ。 同時に、プッチーニのオペラは、ヴェリズムに固有の自然主義的な性質から解放されています。 特徴としては、より心理的な繊細さによって区別されます。 分析、ソウルフルな叙情性、文章の優雅さ。 イタリアの最高の伝統に忠実であること。 ベルカント、プッチーニは宣言を鋭くしました。 中華鍋の表現力。 メロディックでは、歌唱時の音声ニュアンスのより詳細な再現を追求しました。 カラフルな調和 そしてオーク。 彼のオペラの言語には印象派の要素が含まれています。 彼らの最初の成熟した作品で。 （「ラ・ボエーム」、1896年、「トスカ」、1900年） プッチーニはイタリアとも関係があります。 19 世紀のオペラの伝統を受け継いだ後、彼のスタイルはより複雑になり、表現手段はさらに鋭敏さと集中力を獲得しました。 イタリア特有の現象。 オペラ芸術 - 古典を現代化しようとしたE.ヴォルフ＝フェラーリの作品。 伝統を組み合わせたオペラ ブッファの一種。 文体の形 後期ロマン主義の手段を使用した（ゴルドーニの物語に基づく「Curious Women」、1903年、「Four Tyrants」、1906年）。 R. ザンドナイは主にヴェリズムの道を歩み、何人かの新しいミューズと親しくなりました。 20世紀の潮流。
イタリアで高い実績を誇る。 19歳のオペラ - 早い時間 20世紀 ボーカルパフォーマーの輝かしい開花と関連していました。 文化。 イタリアの伝統 19 世紀に発展したベルカントは、いくつかの芸術においてさらに発展しました。 世界的な名声を享受した何世代もの歌手。 同時に、彼らのパフォーマンスは新たな特徴を獲得し、より叙情的でドラマティックな表現力を獲得しています。 ドラマ性を犠牲にした純粋な名手スタイルの最後の傑出した代表者。 音の美しさと技術性を追求した内容です。 音声モビリティ、A. Catalani でした。 マスターの中にはイタリア人もいます。 中華鍋 学校前半 19世紀、ロッシーニ、ベッリーニ、ドニゼッティのオペラ作品に基づいて結成。歌手のジュディタとジュリア・グリシ、G.パスタ、歌手のG.マリオ、G.B.ルビーニ。 後半。 19世紀 歌手 A. ボジオ、B. マルキジオ、C. マルキジオ、A. パティ、歌手 M. バティスティーニ、A. マシーニ、G. アンセルミ、F. タマニョ、E. タンベリックなど、「ヴェルディ」歌手の銀河系が台頭しています。 20世紀。 イタリアに栄光を このオペラは、歌手 A. バルビ、G. ベリンチョーニ、A. ガリ クルチ、T. ダル モンテ、E. および L. テトラッツィーニ、歌手 G. デ ルーカ、B. ジッリ、E. カルーソ、T. スキパ、ティッタ・ルッフォなど
端から 19世紀 イタリアの創造性におけるオペラの重要性。 作曲家の力が弱まり、楽器の分野に注目が移る傾向にあります。 ジャンル。 アクティブな創造性の復活。 道具への興味 音楽は G. スガンバティ (ピアニスト兼指揮者としてヨーロッパで認められている) と G. マルトゥッチの活動によって促進されました。 しかし、F. リストと R. ワーグナーの影響下で発展した両作曲家の作品は、十分に独立していませんでした。
新しい美学の先駆けとして。 アイデアと文体の原則はヨーロッパ全体の発展に大きな影響を与えます。 20世紀の音楽 この作品は、当時最も偉大なピアニストの一人であり、主要な作曲家であり芸術理論家でもある F. ブゾーニによって制作されました。 彼は「新しい古典主義」という概念を提唱し、一方ではそれを印象派と対比させました。 イメージの流動性、陰影の捉えどころのなさ、一方でシェーンベルクの無調性の「無秩序さ」と「恣意性」。 あなたの創造性 ブゾーニはこの原理を、「対比幻想」（1921年）、2部作の「バッハ・コラールの主題による即興演奏」などの作品に取り入れました。 （1916年）、またオペラ「ハーレクイン、または窓」、「トゥーランドット」（どちらも1917年以降）では、開発された中華鍋を放棄しました。 彼らのイタリア人のスタイル。 先人たちを研究し、古代人のタイプに近づこうとしました。 コメディとか茶番とか。
イタリアの創造性は新古典主義に沿って発展しました。 作曲家は、その名前の下に団結することもあります。 「1880年代のグループ」 - I. ピッツェッティ、J. F. マリピエロ、A. カセラ。 彼らは偉大な国民の伝統を復活させようとした。 音楽 過去を振り返り、形式と文体に目を向けます。 イタリアのテクニック バロック様式とメロディックなグレゴリオ聖歌。 古楽の推進者および研究者、マリピエロ出版社。 コレクション C. モンテヴェルディ指導者の作品。 製品。 A. ヴィヴァルディと多くの人々の忘れ去られた遺産。 イタリアの 17世紀から18世紀の作曲家。 彼の作品では、古代バロックのソナタ、リチェルカルなどの形式が使用されています。彼のオペラが主です。 急行で。 中華鍋 オークの宣言とケチな手段。 結論としては、20 年代に起こったことを反映しています。 正論に対する反応。 カセラの作品の新古典派の傾向は、FP の「パルティータ」に現れました。 オーケストラ（1925年）、組曲「スカルラッティアーナ」（1926年）、音楽劇場付き。 製品。 （例：室内オペラ「オルフェウスの物語」、1932年）。 同時にイタリア語にも目を向けた。 フォークロア（オーケストラのための狂詩曲「イタリア」、1909年）。 カラフルなオークです。 この手紙は大部分がロシア語の影響を受けて発展しました。 そしてフランス語 学校（バラキレフの「イスラム」のオーケストレーションはロシア音楽への情熱への賛辞でした）。 ピッツェッティは宗教的および道徳的な要素をオペラに導入し、ミューズを魅了しました。 イタロの伝統を破ることなく、グレゴリオ聖歌のイントネーションを備えた言語を使用しています。 19世紀のオペラ学校 いくつかの この作曲家グループの中で特別な位置を占めているのは、オークの巨匠、O. レスピーギの作品です。 サウンドレコーディング（彼の創造性の形成はN.A.リムスキーコルサコフの授業の影響を受けました）。 交響曲の中で レスピーギの詩（「ローマの噴水」、1916 年、「ローマのピニアス」、1924 年）は、人々の生き生きとした描写を与えています。 人生と自然。 新古典主義の傾向は、彼の後の作品には部分的にしか反映されませんでした。 I.m.の前半で注目すべき役割。 20世紀 正論運動（L. N. トルストイの小説に基づくオペラ「復活」、1904 年）の最も著名な代表者である F. アルファノが演じ、その後印象派に発展しました。 M.カステルヌオーヴォ＝テデスコとV.リエティ、最初は。 政治的観点から見た第二次世界大戦 1939 ～ 1945 年 彼らは故国を離れ、米国に定住した。
40代の変わり目。 20世紀 I. m. では顕著な文体の変化が発生します。 新古典主義の傾向は、何らかの形で新しいウィーン学派の原則を発展させる運動に取って代わられます。 この点では、創造的な創造性が示唆されます。 G. ペトラッシの進化。ペトラッシは、A. カゼッラと I. F. ストラヴィンスキーの影響を経験し、最初に自由な無調性の立場に移行し、次に厳格な十二声音に移行しました。 この時期の最大の作曲家 I.M. は L. ダラピッコラで、彼の作品は第二次世界大戦後広く注目を集めました。 彼の製品で。 40代と50代 表現主義と親族関係の特徴が現れます。 A. バーグの創造性。 それらの最高のものはヒューマニズムを体現しています。 圧制と残虐行為に対する抗議（合唱三部作「囚人の歌」、1938年から1941年、オペラ「囚人」、1944年から1948年）、それが彼らにある種の反ファシスト志向を与えた。
第二次世界大戦後登場した若い世代の作曲家では、L. ベリオ、S. ブソッティ、F. ドナトーニ、N. カスティリオーニ、B. マデルナ、R. マリピエロなどが有名になりました。 前衛主義の潮流 - ポスト・ウェーバーの連続主義、ソノリズム (連続音楽、ソノリズムを参照)、偶然主義であり、新しい音響手段の正式な探求へのオマージュです。 ベリオとマデルナ基地。 1954年にミラノに「音韻学スタジオ」が設立され、電子音楽の分野で実験が行われました。 同時に、これらの作曲家の中には、いわゆるものを組み合わせようと努めている人もいます。 音楽の新しい表現手段。 16 世紀から 17 世紀の音楽のジャンル形式とテクニックを取り入れた前衛的な作品。
現代において特別な場所。 I.m.は共産主義の作曲家であり、平和のために活動しているL.ノノに属しています。 彼の作品では、国際的な考え方を体現しようとしながら、現代の最も差し迫ったトピックに取り組んでいます。 労働者の兄弟愛と団結、帝国主義に対する抗議。 抑圧と侵略。 しかし、ノノが使用する前衛芸術の手段は、しばしば彼の即時性への欲求と矛盾します。 宣伝 幅広いリスナーに影響を与えます。
前衛的な傾向とは一線を画すのが、イタリア人の G.C. メノッティです。 アメリカに在住し活動する作曲家。 主にオペラに関連した彼の作品では、ヴェリズムの要素が表現主義的な色彩を帯びる一方、真実の音声イントネーションの探求が彼をM. P. ムソルグスキーとの部分的な接近に導きます。
音楽において オペラはイタリアの生活において重要な役割を果たし続けています。 世界の優れたオペラ劇団の 1 つは、1778 年から存在するミラノのスカラ座です。イタリアで最も古いオペラハウスには、ナポリのサン カルロ (1737 年設立)、ヴェネツィアのフェニーチェ (1792 年設立) もあります。 大きなアート。 ローマ オペラ劇場の重要性が増しました (1880 年にコスタンツィ劇場という名前でオープンし、1946 年からはローマ オペラになりました)。 最も著名な現代の中で、 イタリアの オペラアーティスト - 歌手 G. シミオナート、R. スコット、A. ステラ、R. テバルディ、M. フレーニ。 歌手 G. ベッキー、T. ゴッビ、M. デル モナコ、F. コレッリ、G. ディ ステファノ。
オペラや交響曲の発展に多大な影響を与えた。 イタリアの文化は、20 世紀の最も偉大な指揮者の一人である A. トスカニーニの活動の影響を受けました。 演奏する音楽の著名な代表者 アーティストは、指揮者 P. アルジェント、V. デ サバタ、G. カンテッリ、T. セラフィン、R. ファサーノ、V. フェレーロ、C. ゼッキです。 ピアニストA.ベネデッティ・ミケランジェリ。 ヴァイオリニストのJ.デヴィート。 チェリストのE.マイナルディ。
最初から 20世紀 音楽研究はイタリアで集中的に発展しました。 そして重要な 考え。 手段。 音楽研究への貢献。 この遺産は、音楽学者の G. バーブラン (イタリア音楽学会会長)、A. ボナベンチュラ、G. M. ガッティ、A. デラ コルテ、G. パナン、G. ラディシオッティ、L. トーキ、F. トレフランカ、その他によって寄稿されました。ザフレッドとM. ミラは抜群に働きます。 音楽の分野で。 批評家。 イタリアでは数多くのミューズが出版されています。 雑誌など 「Rivista Musicale italiana」（トリノ、ミラノ、1894-1932、1936-1943、1946-）、「Musica d"oggi」（ミラノ、1919-40、1958-）、「La Rassegna Musicale」（トリノ、1928-40） ; ローマ、1941-1943、1947-62）、「ボッレティーノ・ビブリオグラフィコ・ミュージカル」（ミラノ、1926-33、1952-）、「イル・コンヴェーニョ・ミュージカル」（トリノ、1964-）など。
に特化した多くの百科事典が出版されています。 音楽とてーる、含む。 「音楽百科事典」（1-4 節、ミル、1963-64 年）、「スペッタコロ百科事典」（1-9 節、ローマ、1954-62 年）。
特別なものの中には 音楽 うーん。 最大の機関は音楽院です。ローマの「サンタ・チェシリア」（1876年に音楽院として設立され、1919年からは音楽院）。 ボローニャの G. B. マルティーニの名前（1942 年以降、1804 年に音楽学校として設立され、1914 年以降は音楽院の地位を取得）。 彼ら。 ベネチアのベネデット・マルチェッロ（1940年以降、1877年に音楽学校として設立、1916年以降は高等学校に相当）。 ミラノスカヤ（1808年設立、1901年にG.ヴェルディにちなんで命名）。 彼ら。 フィレンツェの L. ケルビーニ (1849 年に音楽研究所、その後音楽学校、音楽アカデミー、そして 1912 年からは音楽院として設立)。 教授 音楽家はまた、大学の音楽史研究所、教皇庁アンブロジアン神聖音楽研究所などの学校でも訓練を受けています。 ヴェルディの遺産を研究する研究所と同様に、音楽学が行われています。 仕事。 インターナショナルはヴェネツィアで設立されました。 イタリアのプロパガンダセンター music は、古代イタリア語の研究に関する夏期コース (「音楽休暇」) を毎年開催しています。 音楽。 アンブロジアン図書館とミラノ音楽院の図書館には、楽譜や音楽に関する書籍の豊富なコレクションがあります。 古代の楽器、楽譜、書籍の保管場所は広く知られています（ボローニャ・フィルハーモニー・アカデミーの図書館、G.B. マルティーニの図書館、ボローニャのサン・ペトロニオ礼拝堂のアーカイブに集中しています）。 イタリアの歴史に関する最も豊富な資料。 音楽にはナショナルがあります。 マルチアーナ図書館、D. チーニ財団図書館、音楽博物館。 ヴェネチア音楽院の楽器。
イタリアにはたくさんあります。 音楽 組織と実行。 チーム。 定期交響曲 コンサートはスカラ座とフェニーチェ国立管弦楽団によって開催されます。 イタリアのアカデミー「サンタ・チェシリア」。 ローマのラジオとテレビで主に演奏する「午後の音楽演奏」（「ロンメリージ ムジカリ」）協会のオーケストラ。 スペイン語から モダンな 音楽、室内オーケストラ「アンジェリクム」と「ヴィルトゥオージ・オブ・ローマ」、中世、ルネサンス、バロックの音楽を促進する「アンブロジアン・ポリフォニー」協会、ボローニャ劇場のオーケストラ「コムナーレ」、ボローニャ室内楽団オーケストラやその他のグループ。
イタリアでは数多くのイベントが開催されます。 音楽 フェスティバルとコンテスト: Int. 現代の祭り 音楽（1930年～、ヴェネツィア）、「フィレンツェ・ミュージカル・メイ」（1933年～）、スポレトの「二つの世界のフェスティバル」（1958年～、G.C.メノッティ設立）、「新しい音楽週間」（1960年～、パレルモ）、ピアノにちなんで名付けられたコンテスト ボルツァーノの F. ブゾーニ (1949 年から毎年開催) にちなんで名付けられた音楽とダンスのコンテスト。 G. B. ヴィオッティ・イン・ヴェルチェッリ (1950 年以来、毎年開催) にちなんで名付けられたコンクール。 ナポリのA.カゼッラ（1952年以来2年ごと、1960年までピアニストが参加、1962年からは作曲家も参加）、ヴァイオリンコンクール。 ジェノヴァのN.パガニーニ（1954年から毎年）、オーケストラコンクール。 ローマの指揮者（1956年から3年ごと、国立アカデミー「サンタ・チェシリア」によって設立）、ピアノコンクール。 E. ポッツォーリ セレーニョ (1959 年から 2 年ごと)、若手指揮者のためのコンクール。 ノヴァーラのG.カンテッリ（1961年から隔年）、ブッセートの声楽コンクール「ヴェルディ・ヴォイス」（1961年から毎年）、合唱コンクール。 にちなんで名付けられた集団 アレッツォのグイド・ダレッツォ（1952年に全国大会として創設、1953年から国際大会、毎年開催、「ポリフォニコ」としても知られる）、フィレンツェのG.カサドチェロコンクール（1969年から隔年）。
イタリア人の中には 音楽 社会 - ニューミュージック法人（国際現代音楽協会の一部門。1917年に国立音楽協会として設立、1919年にイタリア現代音楽協会に改称、1923年以降 - 法人）、音楽協会 図書館、音楽学会など。イタリアでは多くの取り組みが行われています。 音楽 出版社兼貿易会社「Ricordi and Co.」（1808 年設立）は、各地に支社を構えています。 国々。
文学： Ivanov-Boretsky M.V.、音楽歴史アンソロジー、vol。 1-2、M.、1933-1936; 彼の「音楽の歴史に関する資料と文書」第 2 巻、M.、1934 年。 Kuznetsov K. A.、音楽と歴史の肖像画、シリーズ。 1、M.、1937年。 Livanova T.、1789 年までの西ヨーロッパ音楽の歴史、M. - L.、1940 年。 グルーバー R.I.、音楽一般史、パート 1、M.、1956 年、1965 年。 ホフロフキナA.、西ヨーロッパのオペラ。 18世紀末から19世紀前半。 エッセイ、M.、1962年。 ヨーロッパ美術史の歴史: 古代から 18 世紀末まで、M.、1963 年。 ヨーロッパ美術史の歴史。 19 世紀前半、M.、1965 年。
イタリアの音楽は世界中で知られています。 それについて何も聞いたことのない国や大陸は一つもありません。 イタリアは音楽芸術の発祥の地と考えられており、オペラという最大のジャンルを世界にもたらした国です。 この記事では、この晴れた州の音楽文化の歴史から興味深い情報をいくつか紹介します。
完璧に限界はあるのでしょうか？
ミラノのスカラ座オペラハウスは、イタリアの主要なシンボルの 1 つと考えられています。 なぜ彼は全世界からこれほどの評価と愛を勝ち得たのでしょうか？ すべてが単純ではありません - 劇場はすべてにおいて完璧です。 厳格なスタイルで設計された驚くほど美しい建物、優れた音響効果、豪華に装飾された講堂の慎重に考え抜かれた座席配置、常に最も才能のある演奏スタッフと俳優スタッフ、優秀な指揮者、そしてさらに素晴らしい音楽...最も重要なことは、劇場がそのような部屋にとって理想的な場所に建てられたと考えられているということです。 それはすべて、建設のために領土を発掘したときに、建設業者が古代ローマの最も有名な俳優、パントマイムのピュラデスが彫られた巨大な大理石を発見したからです。 このような発見は、その場所の選択が正しかったことを裏付ける、天からの本物のしるしと考えられていましたが、もしそれが古代の最も偉大な悲劇作家の一人によって個人的に示されたとしたら、どうしてそうではあり得ますか？
美しい歌声の犠牲者たち
この太陽に恵まれた国は、ベルカント発祥の地とも考えられています。ベルカントとは、全世界を征服した超絶技巧的でエレガントな歌唱スタイルであり、このスタイルなしではイタリアのバロック音楽は考えられません。 実際、このスタイルの歌手全員が声をほぼ完璧に操れているのに、どうやって無関心でいられるでしょうか？ 異常に広い声域で、非常に高い音、鮮やかなコロラトゥーラ、複雑なパッセージ、想像を絶するほどの呼吸の長さをカバーします。 すべてはうまくいきますが、この技術を習得したのは主に男性でした。
美しい歌唱の技術を教えるために、才能のある少年たちが選ばれ、特別な教育機関に送られました。 そこでは、若い歌手たちが数年間毎日声楽を教えられました。 子供が優れた歌唱能力を持っていることが判明した場合、その子供は去勢され、いわゆる声が「壊れた」後でも歌の質が変わらないようになります。 そのような子供たちは驚異的な声を持つ歌手に成長しました。 最も有名なカストラート歌手の一人はカルロ・ブロスキ（ファリネッリ）です。
しかし、子供たちにこのような恐ろしい手術を施す「流行」はどこから来たのでしょうか? 彼らが言うように、そこからは予想外でした。 カストラート歌手は、教会の礼拝で歌うために 3 世紀から訓練を受けてきました。 女性がカトリックの歌に参加することは厳しく禁じられており、高い声が要求されました。 ベルカント芸術は 17 世紀後半に栄えました。
姓が義務を負う場合
15 世紀後半から 16 世紀の芸術クリエイターの間で最も一般的な姓の 1 つは、アッレグリです。 おそらく、この言葉と音楽用語との直接的な関係がなければ、誰も注目しなかっただろう。 音楽におけるアレグロは、テンポ、音楽作品の特徴、さらにはそのパートを示すために使用されます。 したがって、宣言された時代の創造者の中にそのような姓を持った作曲家が数人いたことはまったく驚くべきことではありません。 しかし、最も有名なものを 1 つだけ取り上げます。
グレゴリオ・アッレグリは、生涯のほとんどをバチカンのシスティーナ礼拝堂での勤務に捧げ、そこで教会音楽に専念しました。 彼の最も有名な作品は「ミゼレレ」と呼ばれます。 作品のタイトルは、そのテキストの最初の単語から付けられています。ラテン語から翻訳された「ミゼレレ」は「慈悲を持ってください」を意味します。 この曲は当時のスタンダードであり、イタリア音楽の最高傑作と考えられています。 そしておそらく、この作品は、何かがなければ、時間の経過とともに音楽史の中で忘れ去られていたでしょう。 バチカンはこの文書をコピーすることと教会から持ち出すことを厳しく禁じており、法令に違反した場合は破門すると脅した。 そして、ある日、W.A.モーツァルトがこの作品を聞くまではそうでした。 家に帰り、彼は記憶を頼りにそれを書き留めた。 アッレグリの作品は世界からこのように見られましたが、14歳の天才が罰されることはありませんでした。
もちろん、イタリアの古楽には、まだ語れるほど興味深いものがたくさんあります。 これは世界文化の最大かつ最も価値のある層であり、全世界の音楽芸術に影響を与えてきました。 彼女は私たちの国にとって特別な役割を果たしました。 イタリア人はロシア人にオペラというジャンルを紹介しただけでなく、ロシアの作曲家にオペラの作曲方法も教えた。 しかし、これはまったく別の話ですが、同様に興味深い話です。
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