芸術的なスタイルとしての古典主義。主な音楽スタイルの簡単な説明

古典主義（ラテン語の古典から - 模範的） - 芸術的。 17世紀から18世紀の芸術における理論とスタイル。 K.は、自然と人生における物事の経過を支配する単一の普遍的な秩序と人間性の調和の存在における存在の合理性への信念に基づいていました。独自の美学。 K.の代表者は古代の例から理想を導き出しました。主張と基本的にアリストテレス詩学の規定。まさに「K」という名前です。古典への魅力から来ています。最高の美的規範としての古代。完璧。合理主義に基づいたK.の美学。前提条件、規範。これには、クリミアが芸術を遵守しなければならない一連の必須の厳格な規則が含まれています。仕事。それらの中で最も重要なのは、美しさと真実のバランス、デザインの論理的な明瞭さ、構成の調和と完全性、そしてジャンル間の明確な区別の要件です。

K. の発展には 2 つの主要な歴史的発展があります。段階: 1) 17 世紀。バロック芸術とともにルネサンス芸術から発展し、部分的には闘争の中で、部分的には後者との相互作用によって発展しました。 2) 教育 K. 18 世紀、革命前と関連。フランスにおけるイデオロギー運動と他のヨーロッパ諸国における芸術への影響。国基本的な一般性を考慮すると、美的原則として、これら 2 つの段階には多くの大きな違いもあります。西ヨーロッパでは美術史における「K」という用語。通常、美術にのみ適用されます。 18世紀の方向性と17世紀初期の芸術。 18世紀バロックの記号の下で考慮されます。この観点とは対照的に、スタイルを機械的に変化する発展段階としての正式な理解に基づいて、ソ連で発展したマルクス・レーニン主義のスタイル理論は、歴史の各時期に衝突し相互作用する一連の矛盾した傾向全体を考慮に入れています。。時代。

17 世紀は、多くの点でバロックのアンチテーゼであり、同じ歴史から発展しました。大きな社会変化、科学研究の急速な成長を特徴とする過渡期の矛盾を別の方法で反映しているルーツ。知識と同時に宗教封建的反応が強化されました。 17 世紀の K. の最も一貫した完全な表現。全盛期にフランスで受け入れられた絶対王政。音楽において、その最も顕著な代表者は、テーマと基本において「叙情悲劇」というジャンルの創造者であるJ.B.リュリーでした。文体的なその原則は、P. コルネイユと J. ラシーヌの古典主義の悲劇に近かった。イタリア語とは対照的です。「シェイクスピア的」な行動の自由、予期せぬコントラスト、崇高なものと道化的なものの大胆な比較を備えたバルーク・オペラ、リュリーの「抒情的悲劇」には、性格の統一性と一貫性、厳格な構築論理があった。その領域は、通常のレベルを超えた人々の高い英雄主義、強くて高貴な情熱でした。劇的ルリーの音楽の表現力は、典型的な音楽の使用に基づいていました。さまざまな送信に使用される回転。感情の動きそして感情 - K.の美学の基礎を形成した感情の教義（感情理論を参照）に従って同時に、リュリーの作品にはバロックの特徴もあり、それは彼のオペラの壮観な素晴らしさ、豊かさの中に現れていました。ダンス、行列、合唱団など、ますます増え続ける役割が感覚的に始まります。バロックと古典の要素の同様の組み合わせはイタリアでも見られ、劇作派以降のナポリ楽派の作曲家のオペラに見られます。フランス人をモデルにしてA.ゼノンによって行われた改革。古典主義の悲劇。英雄的なオペラ・セリアはジャンルと建設的な統一性を獲得し、タイプとドラマツルギーが規制されました。機能ダイバー。音楽フォームしかし、多くの場合、この団結は形式的なものであることが判明し、面白い陰謀が表面化しました。ソロ歌手のスキル。イタリア人みたいに。オペラ・セリアとリュリのフランス人信者の作品は、C. の有名な衰退を証明しました。

啓蒙時代の文化の新たな全盛期は、そのイデオロギー的方向性の変化だけでなく、その形式そのものの部分的な刷新、および特定の教条主義の克服とも関連していました。古典主義の美学の側面。その最たる例としては、18世紀の啓蒙文化が挙げられます。公然と革命を宣言するために立ち上がる。理想。やはりフランスがメインですね。 K.のアイデアの発展の中心地ですが、美学において幅広い共鳴を見出しています。思想と芸術。ドイツ、オーストリア、イタリア、ロシア、その他の国の創造性。音楽において音楽の美学において、フランスでは C. バトゥー、J. J. ルソー、ダランベールによって、ドイツでは I. マッテソン、I. シャイベ、I. クアンツなどが開発した模倣の教義が重要な役割を果たしています。 18世紀の最も先進的な音楽の代表者の中で、この理論は音楽のイントネーションの性質の理解に関連しており、音楽における模倣の主題が強調されるべきであるという現実的な見方につながりました。無生物の自然の音ではなく、感情を最も忠実に表現するのがオペラでした。基礎を形成しました。オペラ改革彼が60年代にウィーンで始めたK.V. Gluck。革命前の環境で完成されました。 70年代のパリグルックの成熟した改革派のオペラは、百科事典学者たちから熱烈な支持を受け、古典を完璧に体現していました。崇高な英雄の理想。情熱の高貴さ、陛下によって区別される芸術。シンプルさとスタイルの厳格さ。

17 世紀の啓蒙主義時代のように、文化は閉鎖的で孤立した現象ではなく、さまざまなものと接触しました。文体のトレンド、美学。その性質は、その基本原則と矛盾することがありました。原則。こうして、古典の新しい形が結晶化したのです。指導者音楽はすでに第 2 四半期から始まります。 18 世紀、勇敢なスタイル (またはロココスタイル) の枠組みの中で、17 世紀とバロックの両方と連続的に関連付けられました。勇敢な様式に分類される作曲家 (フランスの F. クープラン、ドイツの G. F. テレマンと R. カイザー、イタリアの G. サンマルティーニ、一部 D. スカルラッティ) の新しい要素は、バロック様式の特徴と絡み合っています。同時に、モニュメンタリズムとダイナミックさ。バロックの願望は、柔らかく洗練された感性、親密なイメージ、そして洗練されたデザインに置き換えられました。

中流域に広がる感傷主義的な傾向。 18世紀フランス、ドイツ、ロシアでの歌のジャンルの繁栄につながり、さまざまな歌のジャンルが出現しました。全国古典主義の悲劇の崇高な構造を、人々の「小さな人々」の単純なイメージや感情、平凡な日常生活からのプロット、そして日常の音源に近い音楽の気取らないメロディー主義と対比させるタイプのオペラ。工具の分野では音楽のセンチメンタリズムはopに反映されています。チェコ語マンハイム楽派に隣接する作曲家（J. シュターミッツなど）、C. F. E. バッハ、その作品は文学に関連していました。シュツルム・アンド・ドラング運動。この運動に対する本質的な欲求は無限です。個人の経験の自由と自発性は、陽気な叙情性の中に現れています。 C.F.E.バッハの音楽の哀愁、即興の奇抜さ、鋭くて予想外の表現。対照的。同時に、「ベルリン」または「ハンブルク」のバッハ、マンハイム楽派の代表者、およびその他の並行運動の活動は、多くの点でミューズの発達の最高段階を直接準備しました。 K.、J. ハイドン、W. モーツァルト、L. ベートーベンの名前に関連付けられています (ウィーン古典派を参照)。これらの巨匠はさまざまな人物の業績を要約しました。音楽スタイルと国民性学校は、音楽における古典主義スタイルの前段階に特徴的な慣習から解放され、大幅に豊かになった新しいタイプの音楽を創造しました。 K. の本質的な性質は調和しています。思考の明晰さ、感覚的原理と知的原理のバランスが、現実の広さと豊かさと組み合わされています。世界理解、深いナショナリズム、民主主義。彼らは作品の中で、グルックにもある程度現れた古典主義の美学の独断主義と形而上学的な性質を克服しています。最も重要な歴史的この段階の成果は、ダイナミクス、展開、複雑に絡み合う矛盾の中で現実を反映する方法としての交響楽の確立でした。ウィーン古典交響曲の交響曲は、オペラのドラマツルギーの特定の要素を吸収し、大きく発展したイデオロギー概念とドラマを具体化しています。衝突。一方、シンフォニックの原理は、思考はさまざまなものに浸透するだけでなく、指導者ジャンル（ソナタ、四重奏曲など）だけでなく、オペラや作品にも対応します。カンタータ・オラトリオタイプ。

最後はフランスで。 18世紀 K.はOp.1でさらなる発展を遂げます。オペラ作品の伝統を引き継いだグルックの信奉者（A. サッキーニ、A. サリエリ）。イベントに直接応答する素晴らしいフランス人。革命 F. ゴセック、E. メグル、L. ケルビーニ - オペラと記念碑的な声楽楽器の作者。大衆向けにデザインされた作品には、高い市民的精神と愛国心が吹き込まれています。哀愁。 K.の傾向はロシア人の間で見られます。 18世紀の作曲家 M. S. ベレゾフスキー、D. S. ボルトニャンスキー、V. A. パシュケビッチ、I. E. カンドーシキン、E. I. フォミン。でもロシア語では K.の音楽は一貫した幅広い方向性へと発展しませんでした。それは、感傷主義とジャンル特有のリアリズムと組み合わされて、これらの作曲家に現れています。初期ロマン主義のイメージと要素（O. A. コズロフスキーなど）。

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ユウ・V・ケルディッシュ

古典主義（ラテン語の古典から - 模範的）、芸術的なスタイル、17世紀に存在しました。 19世紀ヨーロッパで文学と芸術。その出現は、封建的要素とブルジョワ的要素の間の一時的な社会的均衡である絶対主義国家の出現と関連しています。この時に生じた理性に対する謝罪と、そこから生まれた規範的な美学は、趣味の規則に基づいており、それは永遠であり、人間から独立しており、芸術家の故意、彼のインスピレーション、感情に反するものと考えられていました。 K.は自然から良い趣味の基準を導き出し、そこに調和のモデルを見出しました。したがって、K.は自然を模倣することを要求し、真実性を要求しました。それは現実の理想的で合理的な考えに従うものとして理解されました。Ｋの視界には人間の意識の現れだけがあった。理性と一致しないすべてのもの、醜いものはすべて、浄化され高貴なものとなってK.の芸術に現れるはずでした。これに関連して、模範としての古代芸術の考えがありました。合理主義は、性格に関する一般的な考え方と抽象的な対立（義務と感情の間の対立など）の優位性をもたらしました。対照的に、K.は主にルネサンスの考えに基づいており、人間の多様性すべてにではなく、人間が置かれている状況に興味を示しました。したがって、多くの場合、関心は性格ではなく、この状況を明らかにするその特徴にあります。 K.の合理主義は、芸術の体系化だけでなく、論理性と単純さへの要求を生み出しました。とは（高いジャンルと低いジャンルへの分割、文体の純粋主義など）を意味します。

バレエにとって、これらの要件は有益であることが判明しました。 K.によって展開された衝突、つまり理性と感情の対立、個人の状態などは、ドラマの中で最も完全に明らかにされました。 K.のドラマツルギーの影響はバレエの内容を深め、ダンスを満たしました。意味的な意味を持つ絵画。コメディ・バレエ（「退屈な人たち」、1661年、「気の進まない結婚」、1664年など）では、モリエールはバレエ挿入物のプロットを理解しようと努めた。「貴族の商人」（「トルコの儀式」、1670年）と「想像上の病人」（「医師への献身」、1673年）のバレエの断片は、単なる間奏曲ではなく、有機的なものでした。パフォーマンスの一部。同様の現象は、茶番的な日常的なものだけでなく、牧歌的な神話的なものでも起こりました。表現。バレエにはまだ多くの特徴があるという事実にもかかわらず。バロック様式の特徴があり、それはまだ合成の一部でした。パフォーマンスが向上し、その内容が増加しました。これは、振付家と作曲家を監督する劇作家の新しい役割によるものでした。

バロックの多様性と煩雑さを非常にゆっくりと克服してきたK.のバレエは、文学や他の芸術に後れをとり、規制にも努めました。ジャンルの区分がより明確になり、最も重要なことは、ダンスがより複雑かつ体系化されたことです。技術。バレエ P. Beauchamp は、外反の原理に基づいて、古典舞踊の体系化の基礎となる 5 つの脚の位置 (「位置」を参照) を確立しました。これクラシックダンス古代に焦点を当てました。記念碑に捕らえられたサンプルが描かれます。美術。すべての動きは、民間伝承から借用したものもあります。ダンスは骨董品として伝えられ、骨董品として様式化されました。バレエはプロ化され、宮殿のサークルを超えました。 17世紀の宮廷貴族の中のダンス愛好家。教授が変わりました。芸術家、最初は男性、そして世紀末には女性。演奏スキルの急速な成長が見られました。 1661年、パリにボーシャンが所長を務める王立舞踊アカデミーが設立され、1671年にはJ.B.リュリが所長を務める王立音楽アカデミー（後のパリ・オペラ座）が創設された。リュリは、バレエ K の発展に重要な役割を果たしました。モリエール（後に作曲家として）の指導の下でダンサーおよび振付師として出演した後、音楽を作成しました。ジャンル叙情的プラスチックとダンスが意味論的に主要な役割を果たした悲劇。リュリーの伝統は、J. B. ラモーによってオペラとバレエ「勇敢なインド」（1735 年）、「カストルとポルックス」（1737 年）で引き継がれました。これらのまだ総合的なパフォーマンスにおけるそれらの位置という観点から見ると、バレエ断片はますますクラシック音楽の原則に一致していました（時にはバロックの特徴を保持していました）。初めに 18世紀プラスチックに対する感情的な理解だけでなく、合理的な理解も必要です。シーンは彼らを孤立に導きました。 1708年、J.J.ムーレの音楽でコルネイユの「オラティ」をテーマにした最初の独立したバレエが登場しました。それ以来、バレエはその地位を確立しました。特別な種類美術。それは気晴らしダンス、ダンスステートによって支配され、その感情的な明晰さは合理主義に貢献しました。パフォーマンスの構築。意味論的なジェスチャーが広まりましたが、それは当然です。条件付き。

文化の衰退とともに、テクノロジーの発展がドラマを抑制し始める。始める。バレエ劇場の主役は名手ダンサー（L. デュプレ、M. カマルゴなど）であり、振付家、特に作曲家や劇作家は背景に追いやられることがよくあります。同時に、新しい運動が広く使用され、これは衣装改革の始まりに関連しています。

バレエ。百科事典、SE、1981

導入

芸術運動としての古典主義の特徴

音楽における古典主義の特徴

結論

参考文献

導入

古典主義芸術音楽

この作品の関連性は、古典主義時代の芸術における主要な運動と音楽の傾向との関係を考察することにあります。

この研究の目的は、古典主義と音楽におけるその表現を研究することです。

目標を達成するには、次のような多くのタスクを解決する必要があります。

）古典主義を芸術の運動として特徴付ける。

) 音楽における古典主義の特徴を研究します。

世界秩序の規則性と合理性についての考えに基づいて、古典主義の巨匠たちは、明確で厳格な形式、調和のとれたパターン、高貴な精神の具現化を追求しました。道徳的理想。最高かつ比類のない例芸術的創造性彼らは古代の芸術作品を考慮し、古代の主題やイメージを開発しました。

1. 芸術運動としての古典主義の特徴

古典主義 ――

古典主義は、デカルトの哲学と同時に形成された合理主義の考えに基づいています。古典主義の観点から見ると、芸術作品は「厳格な規範に基づいて構築され、それによって宇宙そのものの調和と論理を明らかにしなければなりません」。古典主義は永遠で不変なものだけに興味を持ち、あらゆる現象において本質的なものだけを認識しようと努めます。類型的特徴、ランダムな個人の特性を破棄します。古典主義の美学は、芸術の社会的および教育的機能を非常に重視しています。古典主義は古代芸術（アリストテレス、ホラティウス）から多くの規則や規範を取り入れています。

古典主義は、ジャンルの厳密な階層を確立し、上位（頌歌、悲劇、叙事詩）と下位（コメディ、風刺、寓話）に分けます。各ジャンルには厳密に定義された特徴があり、それらの混合は許可されません。

古典主義はフランスに現れました。このスタイルの形成と発展には 2 つの段階があります。最初の段階は 17 世紀に遡ります。この時代の古典にとって、芸術的創造性の比類のない例は、理想が秩序、合理性、調和である古代芸術の作品でした。彼らは作品において、美しさと真実、明快さ、調和、構造の完全性を追求しました。第二段階 ―18 世紀。歴史の中へヨーロッパ文化それは啓蒙の時代または理性の時代として入りました。人間は知識を非常に重視し、世界を説明できる能力を信じていました。主人公は自分の利益に従属して英雄的な行為を行う準備ができている人です ―一般的な感情的な衝動 - 理性の声。彼は道徳的不動心、勇気、誠実さ、義務への献身によって際立っています。古典主義の合理的な美学はあらゆる種類の芸術に反映されました。

絵画では、プロットの論理的展開、明確なバランスの取れた構成、明確なボリュームの移動、明暗法の助けを借りた色の従属的な役割、およびローカルカラーの使用が最も重要になりました（N.プッサン、C.ロラン）、J. デビッド）。

詩の芸術では、「高」（悲劇、頌歌、叙事詩）と「低」（喜劇、寓話、風刺）のジャンルに分かれていました。フランス文学の優れた代表者 P. コルネイユ、F. ラシーヌ、J.B. モリエール提供大きな影響力他国における古典主義の形成について。

この時期の重要な点は、科学、絵画、彫刻、建築、碑文、音楽、ダンスなどのさまざまなアカデミーの創設でした。

芸術的なスタイルの古典主義（ラテン語のclassicusに由来） ― « 模範的な」）は、 17世紀フランスで。世界秩序の規則性と合理性に関する考えに基づいて、このスタイルの達人たちは「明確で厳格な形式、調和のとれたパターン、そして高い道徳的理想の具現化を追求しました」。彼らは古代芸術作品を芸術的創造性の最高かつ比類のない例であると考え、古代の主題やイメージを開発しました。古典主義は、その情熱、変動性、一貫性のなさでバロックに主に反対し、音楽を含むさまざまな形の芸術でその原則を主張しました。 18世紀のオペラで。古典主義は、この種の音楽および演劇芸術の新しい解釈を生み出したクリストフウィリバルドグルックの作品によって代表されます。開発の頂点音楽的古典主義ヨーゼフ・ハイドンの作品となりました。

主にウィーンで活動し、18世紀後半の音楽文化の方向性を形成したヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトとルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン ― 始めました 19 世紀 ―ウィーンの古典的な音階音楽における古典主義は、多くの点で文学、演劇、絵画における古典主義とは異なります。音楽では頼ることは不可能です古代の伝統 ―彼らはほとんど知られていません。さらに、楽曲の内容は、心の厳密な制御の対象ではない人間の感情の世界と関連していることがよくあります。しかし、ウィーン楽派の作曲家たちは、作品を構築するための非常に調和のとれた論理的なルール体系を作成しました。このようなシステムのおかげで、最も複雑な感情が明確かつ完璧な形で服を着ました。作曲家にとって苦しみと喜びは経験ではなく反省の対象となった。そして、他のタイプの芸術の場合、古典主義の法則はすでに19世紀の初めにありました。多くの人にとっては時代遅れのように思われましたが、音楽においては、ウィーン楽派によって開発されたジャンル、形式、和声の規則の体系が今日に至るまでその重要性を保っています。

2. 音楽における古典主義の特徴

音楽における古典主義は、関連芸術における古典主義とは異なりました。楽曲の内容は、心の厳密な制御が及ばない人間の感情の世界と結びついています。しかし、この時代の作曲家は、非常に「作品を構築するための調和的で論理的なルール体系」を作成しました。古典主義の時代には、オペラ、交響曲、ソナタなどのジャンルが形成され、完成されました。

―シンプルさ、真実、自然さ。彼は音楽劇に甘さではなく意味を求めました。グルックはオペラから余分なものをすべて取り除き、装飾や壮大な効果を詩に与え、より大きな表現力を与え、音楽は完全に開示に従属します。内なる世界英雄たち。オペラ「オルフェウスとエウリュディケ」は、グルックが新しいアイデアを実装し、オペラ改革の基礎を築いた最初の作品でした。厳密さ、形の均衡、気取らない高貴なシンプルさ、グルックの作品の芸術的な均整の感覚は、形の調和を思い出させます。アンティーク彫刻。アリア、レチタティーヴォ、合唱団が大規模なオペラ作品を形成します。

古典音楽の全盛期は 18 世紀後半にウィーンで始まりました。当時のオーストリアは強力な帝国でした。この国の多国籍性は芸術文化にも影響を与えました。古典主義の最高の表現は、ウィーンで活動し、音楽文化の方向性を形成したヨーゼフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの作品でした。 ―ウィーンの古典学校。

ハイドンは「古典的器楽の創始者、近代交響楽団の創始者、そして交響曲の父」と呼ばれています。彼は古典的な交響曲の法則を確立しました。彼は交響曲に調和のとれた完全な外観を与え、編曲の順序を決定しました。それは今日までその主要な特徴として保存されています。古典的な交響曲には 4 桁の周期があります。最初の部分は速いペースで進み、ほとんどの場合、エネルギッシュで興奮したように聞こえます。第二部 ―遅い。彼女の音楽は人の叙情的な雰囲気を伝えます。第三部 ― メヌエット ―ハイドンの時代で最も人気のある踊りの一つ。パート 4 ―ファイナル。これはサイクル全体の結果であり、前の部分で示され、考えられ、感じられたことすべてからの結論です。フィナーレの音楽は通常、上向きであり、人生を肯定し、厳粛で、勝利をもたらします。古典的な交響曲では、非常に深い内容を含むことができる理想的な形式が見つかりました。

ハイドンの作品では、古典的な3楽章ソナタのタイプも確立されています。作曲家の作品は、美しさ、秩序、繊細で高貴なシンプルさを特徴としています。彼の音楽は非常に明るく、軽く、主に長調で、陽気さ、素晴らしい地上の喜び、そして尽きないユーモアに満ちています。

ハイドンの芸術はモーツァルトの交響曲と室内楽のスタイルの形成に多大な影響を与えました。モーツァルトは、ソナタ交響楽の分野での業績に基づいて、多くの新しく、興味深い、独創的なものを導入しました。芸術史上、彼ほど印象的な人物はいません。モーツァルトは驚異的な記憶力と聴力を持ち、即興演奏家として輝かしい技術を持ち、ヴァイオリンとオルガンを美しく演奏し、チェンバロ奏者としての彼の優位性に異議を唱える者は誰もいませんでした。彼はウィーンで最も人気があり、最も認知され、最も愛されている音楽家でした。巨大な芸術的価値彼のオペラです。 2 世紀にわたって、『フィガロとドンジョバンニの結婚』は、魅力的でエレガントなメロディー、シンプルさ、豪華なハーモニーで印象的な成功を収めてきました。そして「魔笛」は、モーツァルトの「白鳥の歌」として、彼の世界観、大切にしていた思いを最も完全かつ鮮明に明らかにした作品として、彼の生涯のエピローグとして、ある種壮大な芸術作品として音楽史に名を残しました。遺言。「モーツァルトの芸術は技術において完璧であり、まったく自然です。彼は知恵、喜び、光、善良さを与えてくれました。」

ベートーベンは偉大な交響曲奏者として有名になりました。彼の芸術には闘争の哀愁が浸透している。それは人間の権利と尊厳を確立する啓蒙主義の先進的な考えを実装しました。彼は 9 曲の交響曲、多数の交響曲序曲 (エグモント、コリオレイヌス)、そして 32 曲のピアノソナタを所有し、ピアノ音楽の一時代を築きました。ベートーヴェンのイメージの世界は多彩です。彼のヒーローは勇敢で情熱的なだけでなく、洗練された知性にも恵まれています。彼は戦闘機であり思想家でもある。ベートーベンの音楽には、あらゆる多様性に満ちた人生が含まれています ―嵐のような情熱と淡々とした空想、ドラマチックな哀愁と叙情的な告白、自然と日常生活の風景の写真。古典主義の時代を完了すると同時に、ベートーヴェンは次の世紀への道を切り開きました。

古典主義 ―歴史的に特定の時代のスタイル。しかし、調和と均衡という彼の理想は今日に至るまで後の世代の模範となっています。

結論

古典主義 ― 芸術的方向性芸術と文学 XVII ― 19 世紀初頭何世紀にもわたって彼は多くの点で、情熱、変動性、一貫性のないバロックに反対し、自分の原則を主張しました。

古典主義は、デカルトの哲学と同時に形成された合理主義の考えに基づいています。古典主義の観点から見ると、芸術作品は厳格な規範に基づいて構築され、それによって宇宙そのものの調和と論理を明らかにする必要があります。

このスタイルの達人は、世界秩序の規則性と合理性に関する考えに基づいて、明確で厳格な形式、調和のとれたパターン、そして高い道徳的理想の具現化を追求しました。彼らは古代芸術作品を芸術的創造性の最高かつ比類のない例であると考え、古代の主題やイメージを開発しました。

音楽における古典主義は、関連芸術における古典主義とは異なりました。楽曲の内容は、心の厳密な制御が及ばない人間の感情の世界と結びついています。しかし、この時代の作曲家は、作品を構築するための非常に調和のとれた論理的なルール体系を作成しました。古典主義の時代には、オペラ、交響曲、ソナタなどのジャンルが形成され、完成に達しました。

本当の革命はクリストフ・グルックのオペラ改革でした。彼の創造的なプログラムは 3 つの大きな原則でした ― シンプルさ、真実、自然さ。彼は音楽劇に甘さではなく意味を求めました。グルックはオペラから余分なものをすべて取り除き、装飾や壮大な効果を詩に与え、より大きな表現力を詩に与え、音楽は英雄たちの内なる世界の啓示に完全に従属します。

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音楽芸術における古典主義の時代が到来 18世紀後半 と一致します 啓蒙の時代社会の発展と哲学的思考.

啓蒙主義の世界観は、最初の 2 つの身分である聖職者と高貴な貴族に対抗する 3 番目の身分であるブルジョワジーの利益を反映していました。教会の権威も貴族国家の権力も、人間の自然な発達を妨げたり、いかなる権利や自由も制限したりしてはなりません。

したがって、啓蒙主義は次のような考えに基づいていました。

1) 合理主義（世界の宗教的説明、人間の理性、つまり世界と自分自身の両方を自分自身の理性の観点から説明する人間の能力に対する信仰に対する抗議）

2) 社会的平等(貴族の支配に対する抗議、公正な社会構造の可能性への信念)

(啓蒙主義の成果の 1 つは、その結果として社会の政治構造を変えようとする試みでした。 フランス大革命 (1789)、そのモットーは「自由、平等、友愛」でした。）

啓蒙思想は、文化や文化を含む生活のあらゆる領域に対する教会と貴族政治の影響を大きく揺るがしました。美術.

教会芸術は（バロック時代とは異なり）主導的な地位を占めることをやめます。これらの機能は世俗芸術によって担われており、もはや貴族の娯楽だけではありえません。

啓蒙時代の世俗芸術には、初めて、真剣な、実際に教育的な課題が与えられました。道徳的価値観、人類と世界の向上（つまり、人々の教育と合理的で公正な社会構造の達成）に貢献します。

それに応じて、声楽と器楽の両方の世俗的なあらゆるジャンルの音楽芸術に変化が起きています。

オペラ古典主義の時代に。

オペラは最大かつ最も影響力のあるジャンルです世俗的な音楽、17世紀から始まります。バロック時代の終わりに向けて、オペラ・セリア（響き渡る「本格的な」オペラ）から転換し、危機の時代を迎える。古代の悲劇）「衣装コンサート」――歌手（当時の舞台の「スター」）の妙技と洗練された演出効果だけに惹かれた貴族のための高価な娯楽イベントである。

啓蒙時代はオペラ公演の内容と形式に大きな変化をもたらし、現代の大衆の好みに合わせました。

主な変更点:

- コミックオペラというジャンルの出現

- グルックのオペラ改革

コミックオペラに登場する 18世紀半ばイタリア（最初の例はペルゴレージの「召使いと愛人」、1733 年）、そしてフランス、ドイツ、イギリス、その他の国でもさまざまな名前で作られました。（イタリアではオペラ・ブッファ、フランスではオペラ・コミック、ドイツではシングシュピール）。彼女は田舎や都市などの現代生活をテーマに書きました。多くの場合、風刺的なモチーフや社会的悪徳を暴露する要素が含まれていました。スピーディなアクション展開に魅了されました。としてキャラクター（貴族的な「真面目な」オペラの古代の登場人物とは対照的に）庶民、第三身分の代表者（農民、使用人など）を舞台に上げました。結果的にそうなったのは彼らだったポジティブヒーロー彼らはマスターよりも賢く、親切で、機知に富んでいます。同時に、貴族や聖職者のイメージはパロディ的に解釈されました。

コミックオペラの音楽はシンプルでした。シンプルなアリアはスタイル的には次のようなものでした。民謡。彼らは口頭での対話を交互に行いました（イタリアのオペラブッファではレチタティーヴォを使用）。

コミックオペラは非常に人気があり、民主化に貢献しましたオペラのジャンル、社会の幅広い層に普及します。しかし、啓蒙時代によって芸術に課された深刻な課題（人々と社会の改善を促進すること）をすべて解決することはできませんでした。今回もリクエストに応えていただきました グルックによる音楽劇。

グルックのオペラ改革 60年代に実施されました。 18世紀グルックはオーストリアの作曲家で、イタリアでオペラ・セリア（古代の主題に基づいた「本格的な」オペラ）の作曲技術を学びました。廷臣として仕えながらオペラハウスウィーンでは、外面的な派手さ（歌の妙技や景色の華やかさ）を優先して真剣さを失い、「衣装コンサート」と化したこのジャンルの可能性に幻滅した。フランスのコミックオペラ、さらにはバレエのジャンルでも活動したグルックは、深い内容を備えた、欠点のない本格的なオペラが存在すべきであるという考えに至りました。こうしてオペラ改革のアイデアが生まれました。

この改革は、グルックによって（台本作家のカルザビジとともに）オペラ「オルフェウス」（1762年）とその後の5つのオペラで実行されました。ウィーンとパリで上演され、激しい議論を引き起こしたが、結果はグルックの勝利に終わった。

作曲家自身が、そこから生まれた改革のアイデアと原則を（第二改革オペラ『アルチェステ』の序文で）定式化しました。

アイデア：

- 音楽とドラマを組み合わせる、音楽をその主な目的に戻す - コンテンツの表現力を高める詩的なテキスト,

原則:

必要に応じて歪みを与えずに、古代の風景をそのままの形で使用するモダンテイスト

どれかの紹介ミュージカルナンバー(アリア、コーラス、バレエのエピソード) ドラマツルギーによって正当化される場合のみ

個々の音楽番号 (レチタティーボ、アリア、コーラス) を組み合わせて、連続的なドラマチックな展開を持つシーンを作成する

歌詞に沿った感情表現力を高めるために、ボーカルメロディーから技巧的な過剰さを取り除きます。

序曲（オペラへのオーケストラによる導入）の作成。その音楽は、その性質上、オペラのあらすじを認識するための準備をします。

グルックは音楽と演劇を組み合わせるというアイデアを実現したため、彼の改革オペラは次の名前で音楽の歴史に名を連ねました。 グルックの音楽劇.

クラシック時代の器楽。

主に創造性のおかげで、バロック時代と比較して発展において質的飛躍を遂げたウィーンの古典– ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェン。

古典主義の時代の器楽における主な成果は、音の美しさを楽しむ絶妙な貴族の娯楽から、作曲家の哲学的見解の具現化、人間と世界に対する彼らの見解の表現に変わりました。つまり内容器楽作品この頃から、オペラやオラトリオの内容に似てきましたが、言葉の助けを借りずに表現されるようになりました。これは、物語の実際の音楽的論理が発展し、音楽劇や舞台作品とともに、純粋に創作する機会が生まれたことを意味しました。 インストゥルメンタルドラマ。

どのようにしてこれが可能になったのでしょうか?

古典主義の時代には、次のものが形成されました。

- 古典的な器楽作品（交響楽団、弦楽四重奏団、主な独奏楽器としてのピアノ）

- クラシック楽器のジャンル: 交響曲（オーケストラのための）、協奏曲（独奏楽器とオーケストラのための）、ソナタ（主にピアノのための独奏楽器のため）、四重奏曲（弦楽四重奏のため）

- 古典的な形: ソナタ交響楽団（3時位置にソナタ、3時位置に協奏曲、4時位置に交響曲、4時位置に四重奏曲の形式として）、 ソナタ形式 （ソナタ、協奏曲、四重奏曲、交響曲の最初の部分の形式として）。

ソナタ交響楽団(完全版) は 4 時間で構成されています:

1時間断食。 2時間遅い。 3時間のダンスまたはゲーム（メヌエットまたはスケルツォ）。 4時間のあっという間にフィナーレ。また、原則を実装します対比、そしてその原理発達.

交響曲やソナタの構造は、単なる特定の構造ではありません。各パートの音楽は、ある意味を伝える役割を果たします。

パート 1 とパート 2 では、人間の「私」の 2 つのタイプの実現、つまり行動と熟考が具体化されています。

パート 1 を具体化する アクション。彼女はこう書いてあるソナタ形式には、次の 3 つの必須セクションが含まれています。

1) 露出 - コントラストを表現する音楽の画像(最低 2 つ)、

２）対照的なテーマの展開とクライマックスの達成に特化した展開

3) リプライズ - コントラストの平滑化に関連する必須の変更を伴う露光の繰り返しで、コントラストのある画像を統一します。

ご覧のとおり、ソナタ形式は古典的な劇的なスキーム（紛争の説明 - 紛争の発展と頂点 - 紛争の解決）を音楽的に具体化したものであり、器楽上の演劇（オペラによる）の影響を受けています。

パート 2 を具体化する熟考- これは感情と思考の領域です。

パート 3 動きを通して集団ダンスそれはもはや個人を示すものではなく、彼の周囲の世界、つまり人生の要素、人々や出来事のサイクルを示しています。

パート 4 (最終回) は、これまでのすべての結果であり、人間と世界、個人と一般についてのアイデアを組み合わせたものです。

これは、器楽劇としてのソナタ交響曲サイクルの意味論的スキームです。各作曲家は、その世界観の特徴に応じた内容を詰め込んでいます。したがって、モーツァルトの最後の交響曲第41番「ジュピター」は、コントラストの統一として世界のイメージを体現しています（「私は突然、陽気です - 重大なビジョン、突然の暗闇、またはそのようなものです」-プーシキン：「モーツァルトとサリエリ」）。そしてベートーベンの交響曲第5番のキャプチャー人間の命闘争と克服として（「暗闇から光へ、闘争を経て勝利へ」）。

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現在、ロシアのすべての子供向け音楽学校と美術学校は、新しい指導基準に移行しつつあります。教育プログラムは専門職前と一般的な発達に分けられ始めました。そして、職業訓練前プログラムで学ぶ子供たちがすべての科目について深い知識を得るとしても、一般的な発達プログラムを習得する子供たちの知識は非常に表面的です。特に理論科目では、カリキュラムでは、「ソルフェージュ」「楽典」「音楽理論」「楽形式分析」などの本格的な授業ではなく、「音楽と音楽」という科目を履修します。私たちの周りの世界」（週に1時間）。

専門分野の作品を演奏する場合、学生は少なくとも音楽の時代とスタイルについての基本的な知識を持っている必要があります。この知識は、視野を広げ、生徒の認知活動を養い、学習への関心を維持するために非常に重要です。音楽学校でのレッスンは、興味深く、多彩で、有益であり、そして最も重要なことに、思い出に残るものでなければなりません。

ここがメインです ターゲットレッスン-講義：音楽時代に精通することで、美的価値観についての生徒のアイデアの形成に貢献します。

この目標を達成するには、次のことを解決する必要があります。 タスクレッスン：

「バロック」、「古典主義」、「ロマン主義」のスタイルを生徒に紹介します。
音のアイデアを与える世界の名作これらの時代に作成されました。
知識を統合し、一般化します。

レッスンの進行状況

スライド 1. 音楽は、最初の頃から生涯を通じて人とともにあります。私たちは朝起きた瞬間から一日中音楽を聴き、音楽の音を聴きながら眠りに落ちます。移動中、休暇中、仕事中など、私たちは常にこの音楽を耳にします。音楽は気分を高揚させたり、インスピレーションを与えたりしますが、憂鬱、悲しみ、静かな悲しみの状態に導くこともあります。芸術の一形態としての音楽は、主に人間の魂に向けられています。

音楽とは何ですか？音楽は音の芸術です。科学者たちは古代人が生き残ったことを証明しました氷河期そして、彼らは創造する能力を持っていたため、地球上で主要な種になりました。音、色を送信および作成し、視覚的および音響的なイメージを作成します。 .

音楽は他の芸術形式と並行して発展したため、絵画、建築、彫刻、文学、演劇と多くの共通点があります。

さまざまな時代の芸術、そして何よりも音楽はその時代を反映し、特定の芸術的スタイルで表現されました。

音楽は、私たちが今知っているようなものではありませんでした。今日は、時間を超えて音楽の旅に出て、クラシック音楽のいくつかのスタイルに親しんでいただくようお勧めします。

スライド 2. 最初の停止 - 時代 バロック。

時代 バロック （イタリアのバロッコから - 「奇妙な」、「奇妙な」）、16世紀から17世紀の変わり目に発生しました。 – 人類の発展の歴史の中で最も重要なものの一つ。文学、音楽、絵画、建築など、芸術の新しいスタイルや傾向が現れたのはこの時でした。バロック時代は、自然性を無知と野蛮であるとして拒否しました。

スライド 3. たとえば、当時の女性は、フリルのかつら、きついコルセット、大きなスカートを身に着け、不自然に青白くなければなりませんでした。

スライド 4. 口ひげやあごひげのないかつらをかぶり、粉末と香水を付けた男性。

このスタイルは、表現力、ドラマ、エンターテイメント、厳粛さ、華やかさ、そしてさまざまな種類の芸術を組み合わせたいという願望によって特徴付けられます。これらの特徴は、音楽、詩、演劇、演劇絵画が組み合わされたオペラに完全に現れました。

スライド 5. 新しいジャンルの最初の作品は、同じ名前「エウリュディケ」を持つ 2 つのオペラです。 ヤコポ・ペリとジュリオ・カッチーニ 、オルフェウスの神話のプロットに基づいて作成されました。

オペラは急速に発展し始め、さまざまなオペラ学校が誕生しました。たとえば、ナポリのオペラ学校は、音、メロディー、技術的な完璧さの並外れた美しさで有名なベルカント (イタリア語でベルカント - 「美しい歌唱」) の声楽スタイルを開発しました。

バロック時代には、教会音楽の概念が変わりました。テキストやプロットに基づいて書かれた作品も登場しましたが、教会での義務的な演奏を目的としていませんでした。カンタータやオラトリオなどがあります。

スライド 6. 当時の記念碑的なオラトリオの巨匠は ジョージ・フレデリック・ヘンデル (1685-1759)、ドイツの作曲家、オルガン奏者。彼は、規模が壮大で、音楽言語が民主的である、新しいタイプのオラトリオを作成しました。ヘンデルのオラトリオは、ヨーロッパの作曲家の作品に大きな影響を与えました。

バロック時代には、ルネサンスの音楽を支配していたポリフォニーは、ホモフォニー（ギリシャ語の「homos」-「1」と「phone」-「音」に由来する）に道を譲り始めました。すべての声が等しいポリフォニーとは異なり、ホモフォニーでは、1つの声が際立ち、残りの声が伴奏の役割を果たします。これが器楽の発展、新しいジャンルの出現、そして何よりもまず器楽コンサートに弾みを与えました。

スライド 7. ヴァイオリン音楽の傑出した巨匠の 1 人は、大規模なコンサート「協奏曲 - グロッソ」のジャンルで活躍しました。 アントニオ・ヴィヴァルディ (1678-1741) は 465 の協奏曲を作曲しました。 A. ヴィヴァルディの協奏曲は、速い外側部分と遅い中間部分の 3 つの楽章で構成されています。 A. ヴィヴァルディのコンサートの多くには、たとえば「The Seasons」という一連のコンサートがあります。

付録 1. A. ヴィヴァルディ「シーズン」：「冬」 1 時間。

スライド 8. ドイツのバロック楽派の代表者は、 ヨハン・セバスティアン・バッハ (1685-1750) - 世界の音楽文化の主要人物。彼の作品は、音楽における哲学的思考の頂点の 1 つを表しています。バッハは、さまざまなジャンルだけでなく、国民流派の特徴を自由に横断し、時代を超えて不滅の傑作を生み出しました。

付録 2. I.S. バッハトッカータとフーガニ短調

彼は（G. F. ヘンデルと並ぶ）バロック時代最後の偉大な作曲家であり、バロックから古典主義への過渡期の音楽芸術の業績を総括しました。

スライド 9. 次の目的地 – 時代 古典主義 .

芸術的なスタイル 古典主義 緯度から。 クラシカス –「模範的」「完璧」という言葉は、17 世紀のフランスで生まれました。このスタイルの巨匠たちは、世界秩序の規則性と合理性に関する考えに基づいて、理想的で明確で厳格な形式と調和のとれたイメージを追求しました。古典主義は、その情熱、変動性、一貫性のなさにより、多くの点でバロックとは対立していました。彼自身と同じように、古典主義の芸術は人生を肯定し、明るいものでした。西ヨーロッパ音楽において、その後の歴史全体におけるソナタと交響曲の「模範的な」構造が形づくられたのはこの時でした。

スライド10。 ソナタ形式- これは音楽素材を提示する原則であり、テーマと芸術的イメージの相互作用が含まれます。メイントピックとサブトピックは、互いに対立するか、相互に補完します。テーマの開発は、説明、展開、要約の 3 つの段階を経ます。展覧会の中でテーマが生まれ、さらにテーマが発展していきます。このリプライズは、説明と展開の発展によってテーマが豊かになった複雑な経路の結果です。開発の結果は追加のセクションであるコードで修正されることがありますが、これは必須ではありません。

スライド11。 交響曲– 器楽音楽の最も複雑な形式。交響楽団による演奏。ウィーンの作曲家古典学校ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンは、音楽の性質、テンポ、テーマの展開方法が異なる 4 つの部分からなるソナタ交響曲サイクルを開発しました。

第 1 楽章は通常、速いテンポで演奏され、劇的な内容に満ちており、ソナタ形式で書かれています。 2番目の部分はゆっくりとした瞑想的なもので、これがこの曲の叙情的な中心です。第三部は感動的、ダンス的、またはユーモラスな性質のもの（メヌエットまたはスケルツォ）です。第 4 楽章フィナーレは通常速い楽章で、交響曲全体のイメージとテーマの展開を要約します。

スライド 12. 17 世紀のオペラ。古典主義は作品によって表現される クリストフ・ウィリバルド・グルック （1714-1787）は、このタイプの音楽および演劇芸術の新しい解釈を作成しました。劇作家の生来の本能と、名手歌手を崇拝するオペラ・セリアに対する不満の感情が、作曲家を音楽劇、つまり古代のモデルへと引き寄せます。

新しい規則に従って作成された最初のオペラは、「オルフェウスとエウリュディケ」（1762 年）、「パリとヘレン」（1770 年）でした。これらのオペラの台本は、詩人で劇作家のラニエリ・ダ・カルザビジによって書かれました。これは、作曲家が既製の音楽を書き、個別に出版するという以前のオペラ制作過程において音楽作家と台本作家が協力した最初の例でした。台本。グルックはオペラに原則として、愛と義務の遂行の名の下での偉業が称賛される古代のプロットを選びました。作曲家はこの言葉に主に注意を払いました。彼は、音楽が詩のテキストの精神と雰囲気を正確に表現するよう努めました。グルックのオペラではレチタティーボが重要な役割を果たし、常にオーケストラの伴奏で演奏されました（オペラのレチタティーヴォである「セッコ」、「セリア」とは対照的に）はチェンバロの伴奏でした。主な旋律はアリアで演奏されます。オーケストラの役割も大きくなってきました。序曲の中ですでに主なアイデアが概説されています。グルックの作品で人々を魅了したのは、劇的な展開の明瞭さ、映像の完全性、音楽の古典的な厳格さと表現力、メロディーの自然さと美しさ、そして登場人物の感情の気高さでした。

音楽の古典主義の発展における頂点は、J. ハイドン、V.A. の作品でした。主にウィーンで活動し、音楽文化の方向性であるウィーン古典派を形成したモーツァルトとL.ベートーヴェン。

スライド 13. 創造性を発揮して ジョセフ ハイドン （1732-1809）は、交響曲（彼は 104 曲持っている）、弦楽四重奏曲、鍵盤ソナタなどのジャンルの隆盛に関連しています。作曲家は、さまざまな楽器のコンサート、室内アンサンブル、宗教音楽に多大な注意を払いました。ウィーン古典派の作曲家たち、そして何よりもハイドンは、オーケストラの安定した編成の形成に責任を負っています。楽器の音は、楽器の機能に関する知識に基づいて、楽器演奏の規則に従った厳格なシステムに組み込まれました。

スライド 14. 創造性 ヴォルフガング・アマデウス モーツァルト (1756-1791) はウィーン古典派の中で特別な位置を占めています。彼の作品では、古典的な厳格さと形式の明快さが、深い感情と組み合わされています。

モーツァルトはオペラに特別な注意を払いましたが、グルックの例に倣って新しいオペラ形式を創造しようとはしませんでした - 彼の音楽自体が革新的でした。成熟した作品では、作曲家はシリアスなオペラとコミカルなオペラの厳密な区別を放棄しました。これらの要素が絡み合った音楽劇的なパフォーマンスが登場しました（「フィガロの結婚」、「ドン・ジョバンニ」、「魔笛」）。

付録 3. V.A. モーツァルトベルカント形式で書かれたオペラ「魔笛」より「夜の女王」のアリア。

モーツァルトは交響曲に細心の注意を払い、特に最後の3曲、第39番、第40番、第41番「ジュピター」が人気でした。このジャンルの作品では、ついに4部構成のサイクルとソナタ形式の規則が確立されました。

モーツァルトはクラシックコンサートというジャンルの創造者の一人となりました。彼のピアノ曲には 19 曲のソナタとファンタジーのジャンルの作品が含まれています。彼はまた、ミサ曲、カンタータ、オラトリオ、レクイエムなどの精神的な作品も創作しました。

スライド15。最後の代表ウィーン古典学校は、 ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン （1770-1827）。ベートーベンの世界観は、啓蒙主義とフランス革命の思想の影響下で形成されました。で音楽的に彼の作品は、一方ではウィーンの古典主義の伝統を継承しており、他方では、新しいロマンチックな芸術の特徴（交響曲やソナタにおける大胆な実験、声楽や楽器のミニチュアやプログラミングへの関心）を含んでいます。作曲家は生涯に9曲の交響曲、32曲のピアノソナタ、ヴァイオリンとチェロのためのソナタ、16曲の弦楽四重奏曲、オペラ「フィデリオ」、そして5曲のピアノ協奏曲を書きました。頂上シンフォニックな創造性正当に第九交響曲とみなされる。交響曲はスケールが壮大で、フィナーレは特に珍しいもので、合唱団、ソリスト、オーケストラのための大規模なカンタータのようなもので、I.F. の喜びのために大群のテキストに書かれています。シラー。

スライド 16. 次の目的地 - 時代 ロマン主義。

18 世紀から 19 世紀にかけて、ヨーロッパ美術に新しい方向性が現れました。 ロマン主義 （フランスのロマン主義）、その形成において彼女は大きな役割を果たしましたフランス革命 1789年。それは人々に失望と絶望をもたらしました。革命家たちが戦った目的は実現しなかった。現実は暗いので、ロマンチストは夢の世界に慰めを求めました。主なテーマは孤独、遠い過去、夢、おとぎ話です。ロマンチストは人間の魂、その情熱、経験に興味を持っています。

ブルガー、トレーダー、そして一般の人々の社会が決定した音楽芸術彼ら自身の好みが「ライト」ジャンルの創造につながりました。歌とロマンスが幅広く展開されました。

代表的なジャンルはミニチュアで、特定の名前が付けられることもよくあります。小さな楽器のミニチュア作品では、つかの間の感情、深い感情的ショック、瞬間的な気分、そして人生のスケッチを捉えることができました。

音楽イメージを作成する重要な手段は、作品の内容を明らかにする言語プログラムでした。音楽は文学作品や絵画の挿絵として書かれることもありました。場合によっては、作曲家自身が器楽のプロットを作成し、それをスコアの特別な説明として提示することもありました。

ロマン派の作曲家は、民族舞踊や歌のイントネーション、リズム、モチーフを使用して、民俗音楽に目を向けることがよくありました。

ロマン派の作曲家たちは、音楽教育を通じて世界と人々を変えることができると確信し、ジャーナリズムや教育活動に力を入れました。彼らは多くの聴衆に個人的に影響を与えようと努め、演奏家や指揮者になりました。ヨーロッパで公開演奏会のシステムを創設したのはロマン主義者たちでした。

スライド 17. ロマン主義の最初の代表者はオーストリアの作曲家でした フランツ・シューベルト （1797-1828）その短い生涯の間に、作曲家は1000以上の作品を創作しました。シューベルトの器楽曲はウィーン古典楽派の伝統と結びついています。作曲家は9つの交響曲を書きました。「未完成」という副題が付いた交響曲第 8 番（1822 年）は、シューベルトの作品だけでなく、世界の交響楽の中でも最も印象的な作品の 1 つです。しかし生前、彼はソングライターとしてのみ評価され、彼の交響曲、ソナタ、ピアノのミニチュアは長い間忘れ去られていました。

付録4。 F.シューベルト「蜂」。

シューベルトは600以上の曲を書きました。それらはそれぞれ、強くて誠実な感情を持つことができる人についての物語です。曲の主な部分は愛に捧げられていますが、その中には風景やジャンルのスケッチ（たとえば「鱒」）、ロマンチックな伝説（ドイツの詩人I.V.ゲーテの詩に基づいたバラード「森の王」）もあります。。歌の中で、ピアノは声に完全に従属するかのように非常に重要な役割を果たし、言葉では表現できない感情や感情を伝える楽器です。声楽サイクル「美しい粉屋の妻」と「冬のReise」は、F. シューベルトの創造性の頂点です。

スライド 18. ロマン主義のもう 1 つの代表、作曲家 ロベルト・シューマン （1810-1856）。彼の作品の中で、作曲家はピアノ音楽に大きな注意を払いました。有名なピアノサイクル「変奏曲」（1830年）、「蝶」（1831年）、「カーニバル」（1835年）、「ファンタジー劇」（1837年）のほか、「子供の情景」、「クライスレリアナ」、「小説」など。作曲家は民間伝承のモチーフとは程遠い心理的な音楽を書きました。シューマンの作品は「個人的な」ものです。彼の作品の調和のとれた言語は、同時代の作品よりも複雑です。シューマンの作品のリズムは非常に気まぐれで気まぐれです。

作曲家は声楽にも転向した。シューマンの声楽遺産の中心は、「女性の愛と生涯」と「詩人の愛」という 2 つのサイクルによって占められています。

付録 5. R. シューマンサイクル「詩人の愛」より「私は怒っていません」。

スライド19。 フレデリック・ショパン(1810-1849) - ロマン派の作曲家、ポーランド国民の創設者作曲家学校。 F.ショパンは、ほぼピアノ曲だけを書いたユニークな作曲家です。「ショパン」スタイルの特徴は、室内抒情性、詩的な即興演奏と見事な名人技の組み合わせです。ショパンの作曲スタイルは、ロマンチックな伝統と古典的な伝統の統合によって特徴付けられます。に訴える民俗起源: フォークモード、リズム、ハーモナイゼーションの使用。ピアノはフォークオーケストラを「模倣」することがよくあります。この作曲家のピアノ作品の多くは、哀歌的なメロディーの特徴を持っています。ショパンは、ポーランドの民族舞踊や都市舞踊（マズルカ、ポロネーズ、ワルツ）のリズムで多くの作品を創作しました。

付録 6. F. ショパンの夜想曲 Es-dur.

スライド 20. ロマン主義の時代のオペラは、伝統の発展と更新という 2 つの方法で発展しました ( ジュゼッペ・ヴェルディ (1813-1901) イタリア、 ジョルジュ・ビゼー （1838～1875年、フランス）そして改革を通じて（ リチャード・ワーグナー （1813～1883年、ドイツ）。

ヴェルディとビゼーのオペラは、イタリアとフランスのオペラの最高の成果を要約し、その内容を大幅に更新しました。主なものは新しいヒーローです。これらは神話や歴史上の人物ではありませんが、普通の人、多くの場合、「屈辱的で侮辱された」。『リゴレット』の道化師、ヴェルディ『椿姫』の遊女、ビゼー『カルメン』のタバコ工場労働者と兵士。でもそれは彼らです人生の物語リスナーが共感するのは彼らの感情と情熱です。同時に、登場人物の性格が劇的に、さらには悲劇的な状況で明らかになります。

ヴェルディとビゼーのオペラは、音楽における心理的な歌詞の例であり、ロマンチックな芸術と写実的な芸術の特徴を組み合わせています。

スライド21。 R.ワグナー– 史上最大の数字 19 世紀の音楽 V. 彼の個性と創造性は、ほぼ今日まで続く白熱した議論を引き起こしました。彼の生涯はただ 1 つのことに集中していました。それは、彼自身が「未来の芸術作品」と呼ぶものを創造することでした。

R. ワーグナーによるオペラ改革の原則（彼自身が数多くの理論的著作、たとえば「オペラと演劇」などで定式化したもの）：

1) 作曲プロセスは、芸術的アイデアの形成から始まります。

2) 作曲家と劇作家は一人である。このアイデアは彼自身のものであり、オペラのテキストと音楽の両方を彼自身が書いています。これは完全に彼の作品です。

3) プロットは神話や伝説に基づいています。その中には、何世紀にもわたって時の試練に耐え、常に意味のある永遠のアイデアを見つけることができます。

4) 作曲家は、「思考の感覚的な表現」となる音楽言語を開発します。

リスナーは美しいハーモニーを楽しむだけでなく、音楽をテキストのように読むことができます。この目的のために、ライトモチーフのシステムが使用されます。ライトモチーフ（つまり、繰り返されるテーマ）は、感情（愛、苦しみ）、概念（誘惑、運命、死）、物体（魔法の剣、力の指輪）、自然現象（嵐）を象徴することができます。作曲家は、これらのライトモチーフをさまざまな順序で配置し、繰り返したり変化させたりすることで、聴き手の思考を演出します。

興味深いのは、ワーグナーの改革派オペラのそれぞれが、神話の内容の一般性や哲学的思想の重要性にもかかわらず、非常に個人的な経験によって命を吹き込まれていることです。自伝的な動機に基づいています。そしてこれは彼が典型的なロマンティックな芸術家であることを明らかにします。

私たちの音楽の旅は終わりを迎えました。芸術の発展にとって最も重要な時代のいくつかを簡単に振り返りました。ちょっとしたクイズが私たちの旅を要約するのに役立ちます。

スライド22、23。 質問と回答:

今日私たちがよく知っている時代は何ですか? (バロック、古典主義、ロマン主義)

音響、メロディー、技術的完璧さの並外れた美しさで有名だったオペラのような声楽スタイルの名前は何ですか? （ベルカント – 「美しい歌声」）

ポリフォニック音楽とホモフォニック音楽の違いは何ですか? (ポリフォニーではすべての声が平等ですが、ホモフォニーでは 1 つの声が選ばれ、残りの声が伴奏の役割を果たします。)

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音楽における「クラシック」という用語は、主に深刻な、芸術音楽、つまりフォーク、ポピュラー、ジャズ、ロックなどではない音楽。しかし、音楽の歴史には古典主義と呼ばれる「古典的な」時代もあります。

古典主義の時代 - いくつかの段階を経てルネサンスに取って代わられた古典主義は、フランスで形を成しました。 XVII後期部分的には絶対王政の深刻な台頭、部分的には宗教から世俗への世界観の変化を彼の芸術に反映させた世紀です。 18世紀にそれが始まりました新しいラウンド社会意識の発展 - 啓蒙の時代が到来しました。古典主義の直前のバロック様式の華やかさと華やかさは、シンプルさと自然さに基づいたスタイルに置き換えられました。古典主義の芸術は、合理主義、調和、論理といった理性の崇拝に基づいています。「古典主義」という名前の由来は、「から」という言葉に関連付けられています。ラテン語- classicus、「模範的な」を意味します。この傾向の芸術家にとって理想的なモデルは、調和のとれた論理と調和を備えた古代の美学でした。古典主義では、理性が感情よりも優先され、個人主義は歓迎されません。また、どのような現象全般においても、類型的特徴が最も重要になります。それぞれの芸術作品は、厳格な規範に従って構築されなければなりません。古典主義の時代の要件は、余分で二次的なものをすべて排除したプロポーションのバランスです。古典主義は、「高級」ジャンルと「低級」ジャンルに厳密に分けられるのが特徴です。「高尚な」作品とは、古代および宗教的な主題に言及し、厳粛な言葉（悲劇、賛美歌、頌歌）で書かれた作品です。「低い」ジャンルとは、現地の言語で表現され、反映された作品です。民俗生活（寓話、コメディ）。ジャンルの混合は受け入れられませんでした。

音楽における古典主義 - ウィーンクラシック

18 世紀半ばの新しい音楽文化の発展により、多くの個人サロン、音楽協会、オーケストラが誕生しました。オープンコンサートそしてオペラ公演。資本音楽の世界当時ウィーンがありました。古典主義の最も著名な作曲家は偉大なオーストリア人、ヨーゼフ・ハイドンとヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトでした。ハイドンは素晴らしい合唱音楽、オペラ音楽、オーケストラ音楽、器楽音楽を創作しましたが、彼の最大の功績は交響曲であり、100 曲以上を作曲しました。

モーツァルトは史上最も輝かしい作曲家です。彼は短い生涯を送りましたが、信じられないほどの音楽的遺産（例えば、41曲の交響曲）を残しました。オペラは彼の最大の功績と考えられており、その中で彼は自分自身とその姿を示しました。偉大な音楽家才能ある劇作家としての彼の最も美しいオペラには、『ドン・ジョバンニ』、『フィガロの結婚』、『魔笛』などがあります。

18 世紀末、もう一人のクラシック音楽のスターが台頭しました。ルートヴィヒヴァンベートーヴェンは、モーツァルトやハイドンから受け継いだ古典的なスタイルで音楽を作曲し始めましたが、最終的にはそれを超えて文字通り分裂した作曲家です。クラシックなスタイル夜明けを告げる新しい時代、音楽のロマン派として知られています。
ヨーゼフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、ウィーンの古典として歴史に名を残している3人の偉大な名前です。ウィーン楽派の作曲家たちは最も優れた芸術家でした。さまざまなジャンル音楽 - 日常の歌から交響曲まで。豊かな比喩的な内容がシンプルだが完璧な芸術的形式で具現化された高度なスタイルの音楽が、ウィーンの古典作品の主な特徴です。古典主義の音楽文化は、文学や美術と同様に、理性が支配する人間の行動、感情、感情を美化します。クリエイティブなアーティストの作品は、論理的思考、調和、形式の明瞭さを特徴としています。ウィーンの古典作品はどれも明るくユニークな個性を持っていました。ハイドンとベートーヴェンは、ソナタ、協奏曲、交響曲などの器楽にもっと惹かれました。モーツァルトはすべてにおいて普遍的でした。彼はどんなジャンルでも簡単に創作しました。彼はオペラブッファから音楽劇に至るまで、さまざまなタイプのオペラを作成、改良し、オペラの発展に多大な影響を与えました。特定の比喩的な領域に対する作曲家の好みという点では、ハイドンはより典型的な客観的な民俗ジャンルの素描、牧歌主義、勇敢さ、そしてベートーヴェンは英雄主義や演劇、哲学、そしてもちろん自然、そして小さなものに近い。広がり、洗練された叙情性。モーツァルトはおそらく、既存のすべての比喩的な領域をカバーしました。

ハイドン。交響曲第45番。

音楽の古典主義のジャンル

古典主義の音楽文化は、ソナタ、交響曲、コンサートなど、さまざまなジャンルの器楽の創作に関連しています。古典主義の時代には、トリオと弦楽四重奏という主なタイプの室内アンサンブルが登場しました。ウィーン学派によって開発された形式のシステムは、今日でも有効です。ソナタというジャンルは昔から存在していました XVII初期しかし、ソナタ形式はハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの作品で最終的に形成されました。

モーツァルト。ピアノ協奏曲第13番。

ベートーベン。ヴァイオリンとピアノのためのソナタ第5番 op.24

クラシックの時代は、作曲家が音楽に優雅さを取り入れた時代でした。こちらはクリアで、純粋な音楽平和とリラクゼーションをもたらすこの作品は、実際にはもっと奥深く、ドラマチックな核心と感動的な感情をそこに見つけることができます。

さまざまなソースからのテキスト。

芸術的なスタイルとしての古典主義。 主な音楽スタイルの簡単な説明

芸術的なスタイルとしての古典主義。主な音楽スタイルの簡単な説明