アンサンブルでの演奏：繊細さとニュアンス、音楽のクラス。 平均的な能力を持つ子供たちに音楽を教えることへの興味を育む形式の 1 つとしてアンサンブルに取り組む
アンサンブルは誰もが知っている言葉です。 音楽とは関係のないことを指す場合によく使われます。 例えば、 建築アンサンブル。 からの翻訳 フランス語, 「アンサンブル」とは、「一貫性、一貫性」を意味します。 これはまさにその最も重要なコンポーネントです。 一緒に何かをすること、同期して行うこと。
シンクロニシティの中に嘘がある 主な秘密そしてアンサンブルの継続的な成功。 アンサンブルはさまざまで、ミュージシャンの数に応じて独自の名前が付いています。 デュエット、トリオ、カルテットなどの言葉は、音楽に縁のない人でもよく知られています。
アンサンブルで演奏する際に守らなければならない条件は何ですか? 一貫性を達成し、それがなければ音楽家を音楽家と呼べないスキルを身につけるにはどうすればよいでしょうか?
習慣になるまで監視する必要がある微妙な点やニュアンスがいくつかあります。
まず第一に、良い試合でした！ 誤ったパフォーマンスはすべての良い努力を無効にし、聴衆の不満につながります。 システムに取り組み、一生懸命働く必要があります。
アンサンブルのメンバー全員が次のことを厳密に遵守する必要があります 音楽ジャンルあるいは遊び方。 音楽的方向性の観点から、音楽作品に対する異なる理解は受け入れられません。 たとえば、ワルツはまさにワルツのように聞こえるべきですが、誰かが突然ワルツの性格を失い、行進曲に近いものを演奏した場合、アンサンブルは単に「崩壊」してしまいます。
テンポやリズムに対する理解も同じです。 すべてのミュージシャンはメトロノームではなく人間であり、テンポを遅くする傾向がある人もいれば、速める傾向のある人もいます。 これもリズムと同様に注意深く監視する必要があります。リズムに対する歪んだ理解も一貫性や同時性の欠如につながるからです。
アンサンブルで演奏する場合も、同じタッチの演奏が必要です。 一見すると、これはそれほど重要ではないように見えますが、実際には、ストロークの違いは音楽の不調和であり、音楽作品を注意深く分析すれば回避できます。
「しっぽ」は残さない！ もちろん、最初に何か他のことが意図されている場合を除き、音楽フレーズの終了と開始を同時に行う必要があります。 アンサンブルのメンバー全員が一緒に完成しないエンディングは、非常に醜く、聞くのがずさんです。
動的一貫性。 アンサンブルで演奏している間はソロ演奏を忘れるべきです。 ミュージシャンがリードするなら メイントピック、彼はより明るく演奏する必要がありますが、対位法や伴奏の際には音を下げる必要があります。
上記のテクニックはどれもそれほど複雑ではないようです。 実際、アンサンブルで演奏するには何年にもわたる集中した作業と労力が必要ですが、その労力は喜びをもたらします。 ここでは、何かを見逃すことを恐れて、貪欲にお互いの視線や動きをキャッチする必要があります。 ここでは、感受性と注意力が重要であり、人生において非常に役立つ資質です。 そのため、アンサンブルは聴く人だけでなく、演奏する人にとっても有益で楽しい活動であることは間違いありません！
このコレクションを作成する目的と目的は、人気があり、親しみやすい音楽素材で子供たちを魅了し、アンサンブル演奏への興味を植え付けることです。
このコレクションには、映画からの 10 曲が含まれており、子供たちによく知られています。 幼少期、1台または2台のピアノによる連弾用にアレンジされています。
転写には詩や絵が添えられているため、子どもは具体的なイメージを作ることができ、メロディーと言葉を同時に演奏することで、メロディーの呼吸法、フレージング、表現力を習得するのに役立ちます。
この教材は、特別および一般のピアノ クラスで使用できるように設計されています。
すべての教師は、子供たちが連弾をするのが大好きであることを知っています。 子どもたちは通常、先生と一緒に簡単な遊びをするのが大好きです。 個人的な経験から、子供たちはなじみのあるメロディーをとても喜んで演奏すると確信しています。 しかし、レパートリーを選択するとき、教師はポピュラー音楽の難しく複雑な編曲に直面することがよくあります。 この種の音楽制作に対する大きな関心と、その疑いのない利点を考慮して、私は子供たちによく知られている漫画の曲を転写したアンサンブルのコレクションを作成しました。 それには 10 個の部分が含まれており、便利に配置されています。各部分は 1 ページを占め、曲のテキストと図が添付されています (参照)。 付録 1).
ほとんどの連弾曲では、生徒が主にアンサンブル演奏の課題に注意を向けられるように、生徒のパートが可能な限り簡単に表現されるように意図的に作られています。 これらの演劇、つまり 学生向けのパーツとしてはもちろん、中高生のお子様との読書にもおすすめです。 アンサンブルの中には、学生が一緒に演奏できるように設計されたものもあります。 たとえば、「マンモスの赤ちゃんの歌」、「アントシュカ」、「ワニのゲーナの歌」などです。 付録 1 , 付録 2).
生徒には、音楽の構造を徐々により繊細に聴覚的に認識しながら、音楽の表現力を理解する能力（音を注意深く聴き、メロディーの正しいフレージングを、各声を個別に、そして全体的に理解する能力）を開発する必要があります。それらの組み合わせ、伴奏付きメロディーを演奏する際の望ましい響きなど）。
生徒と一緒に作品に取り組むとき、教師は生徒に、その楽曲の音楽的構造を注意深く聞くように教えなければなりません。これにより、音楽テキストの正確な実行と正しいフレージングだけでなく、その内容と性格の有意義な伝達も実現することができます。音楽。 これらの課題を達成できるかどうかは、生徒に作品の内容を明確に、想像力豊かに、明確に伝え、劇の音楽的イメージを明らかにする表現手段に注意を向けさせる教師の能力に大きく依存します。
最初の数年間（1 年生から 3 年生）の学習の結果、学生は、簡単な伴奏付きのメロディーを、かなり豊かでメロディアスな音で表現力豊かに演奏し、曲の音楽的なイメージと特徴を伝えることができるようにならなければなりません。ダイナミックな色彩（主にフォルテとピアノを対比させるテクニック）と、レガート、ノンレガート、スタッカートなどのさまざまなサウンドプロダクションテクニックを使用して演奏されます。
編曲集「子供のためのアンサンブル」では、生徒のパートがシンプルであるため、子供が楽器に触れる際の利便性と自然さが保証されています。 最小限の音数でメロディーを両手に分配することで緊張が緩和され、手の重みを利用して音に深みが生まれます。 ここで生徒は手から手へ「レガート」を動かすなどの演奏テクニックを習得します。
歌のメロディーを表現するパフォーマンスに主な注意が払われます。 メロディーの楽器音の中でその声の特性、つまり発達のライン、明るいイントネーション、メロディーを聞いて感じるように子供に教える必要があります。
呼吸。 メロディーラインは孤立した音で伝えられるべきではなく、形式化された形で伝えられるべきです。 音楽的動機- 独自の明るいイントネーションを持つフレーズ。
生きたスピーチと特定のイメージほど、調音のニュアンスをすべて正確かつ微妙に伝えることができる指示はありません。 学習期間中のテキストの役割を過大評価することは困難です。 呼吸の自然さ、フレージングの明瞭さ、メロディーの表現力が決まります。
子供にとって音楽への最もアクセスしやすく、理解可能な入門形式は、言葉で歌うことです。 コレクションの各曲には詩のテキストが付いており、生徒はまず教師の伴奏に合わせてメロディーだけを歌い、その後自分で歌って演奏することができます。 子供たちはとても気に入っています。 これにより、これを複数回繰り返す傾向が生まれ、その結果、パフォーマンスの品質が向上します。
音声のイントネーションの意味は音楽のイントネーションに移され、音の望ましい色付け、ひいては音の生成方法そのものを見つけるのに役立ちます。 テキストに関連付けられたメロディーはより明確に知覚され、よりよく記憶されるため、より簡単に内なる聴覚の領域に伝わり、それが活性化され、形成のロジックが構築される核となります。
このコレクションは、若い音楽家の創造的な取り組みを発展させるのに役立ちます。 その現れの最初の最も単純な形式は、両手の間で音を分配するための新しいオプションを探すことです。 将来的には、より複雑なタスクを練習することができます。子供は最初のゲームの自分のバージョンを検索し、次に 2 番目のゲームを検索し、自分のバージョンを作成します。 たとえば、レジスタの変更などです。 私自身、生徒にレジスターを使って「空想」してもらうことがよくあります。 なかなか楽しくて面白いですね。 現時点では、子供たちは漫画のキャラクターとの独自のシーンを思いつくことがよくあります。
前に 4 つの手でカバーしていた部分に戻り、両方の部分を 1 つに結合するように子供に勧めます。 この教材は音楽の授業でも使えます。
現在、子どもの音楽教育では、ごく普通の能力を持つ子どもが音楽を導入し、楽器の演奏スキルを習得するプロセスを利用できるような学習経路を探すよう教育学が奨励されている。 音楽芸術の基礎を理解するのに多大な労力がかかると、授業に対する子供の興味は薄れてしまうことが多いため、学習プロセスは実行可能で楽しいものでなければならないことを覚えておく必要があります。
私の主な仕事は、音楽の授業を面白くて楽しいものにすることです。 これは、音楽素材や絵、歌のテキスト（サブテキスト）、ゲームに付随するストーリーなど、子供の想像力を呼び覚ますすべてのものによって促進される必要があります。 これらはすべて、音楽のイメージを具体化し、必要な手の動きを見つけるのにも役立ちます。
D. カバレフスキーの「音楽への関心、音楽への情熱、音楽への愛は、音楽がその教育的、認知的役割を果たすために、その美しさを広く明らかにし、子供たちに与えるための前提条件である」という言葉は、非常に正しいです。
音楽言語をマスターしたいという欲求を子供たちに「火をつけ、感染させる」ことは、教師の最初の仕事の中で最も重要です。 幼少期には、知識の基礎が築かれるだけでなく、音楽的思考や仕事の能力も形成されます」とA. Artobolevskayaは言います。子どもたちを専門的なスキルの範囲を狭めてしまうのです。」
アンナ・ダニロヴナはよくこう繰り返します。「子供時代の記憶は最も貴重な記憶です。 子供の頃に学んだことは、一生残ります。 子供はすぐに音楽に「没頭」し、最初の会議から積極的に行動し、音楽的なイメージを作成する機会を与える必要があります。 誰もが、そしてほとんどの人さえも 小片、子供の想像力に興味を持ち、目覚めさせることができる全体的なイメージとして生徒の心に刻み込まれる必要があります。 そして、それぞれのイメージが特定のパフォーマンステクニックを決定します。 さらに、生じたイメージの明るさから、子供は、あたかもそれ自体で、これに必要な手の動きでそれを伝える能力が生まれることがあります。
すでに述べたように、私にとって最も重要な仕事の 1 つは、子どもの音楽への興味を刺激し、音楽を子どもの生活やゲームと融合させることです。 子どもが鮮明なイメージを認識した場合、そのイメージを自分で伝える必要があります。
集団遊びは子供にとって非常に有益であり、広く推奨されています。 教師と合奏することはトレーニングの必須の要素です。 アンサンブル演奏を教えることで音楽の発達が活性化され、認識が広がります 音楽の画像、音楽スピーチの要素、表現力を発揮する手段。 アンサンブルを学ぶとき、子供は教師のパートの新しい倍音の背景の音、伴奏の表現力と視覚的な色彩、そのリズミカルで組織化された原理に耳を傾けます。 次に、生徒の注意は、ポリフォニー、鋭敏なリズム、色彩豊かなリズムの要素を聞くことに向けられます。
私は一般的なピアノのレッスンでもこれらのアレンジメントを積極的に使用しています。 これにより、子供たちは楽譜とキーボードの両方をすぐに習得し、その主題への興味を維持することができます。
音楽に対する感情的な反応が不十分な場合は、最初のレッスンで歌謡曲をより頻繁に使用することをお勧めします。これにより、子供の音楽的印象により具体的な影響が与えられ、音楽への興味が活性化されます。 演奏された作品をマスターするための子供たちの準備の性質は、子供たちの音楽的感受性の程度によって異なります。 事前に（演奏前に）、子供たちにリスニング用に提案された作品に慣れておくと便利です。 このような準備には、口頭テキスト、音楽の性質とその比喩的な内容、形式の各部分の類似点と相違点、メロディー、リズム、音域、ダイナミクス、ストロークの表現的特徴の説明が含まれます。 このコレクションよりシンプルかつ役立つように設計されています アクセス可能な方法で、子供が理解できる資料を使用して、形、リズム、ダイナミクス、音域、ストロークを説明します。
最も重要な資質、つまり音楽をよく聴き、演奏に積極的に参加する能力の発達と刺激は、アンサンブルで演奏することによって実現されます。アンサンブルでは、パートナーの話を聞き、響きを調整する必要があるため、これらの資質が向上します。両方の部分の連続性。
アンサンブルは、ハーモニーサウンド、さまざまなジャンルのスケッチの比喩的な特徴など、明るいモードで生徒の音楽パフォーマンスを豊かにします。
音楽家にとって、一緒に音楽を演奏すること以上の幸福はありません。音楽家のプロ意識の度合いは、アンサンブルでの演奏スキルに直接比例します。 確かに、彼は優れたソリストであり、聴くのが楽しいですが、音楽家としての彼の良さを完全に理解するには、グループでの彼の演奏を聴くしかありません。
アンサンブル- 誰もが知っている言葉。 音楽とは関係のないことを指す場合によく使われます。 たとえば、建築アンサンブル。 フランス語から翻訳すると、「アンサンブル」は一貫性と一貫性を意味します。 これはまさにその最も重要なコンポーネントです。 一緒に何かをすること、同期して行うこと。 アンサンブルの主な秘密と継続的な成功は、シンクロニシティにあります。
アンサンブルはさまざまで、ミュージシャンの数に応じて独自の名前が付いています。 のような言葉 デュエット、トリオ、カルテット 音楽から遠く離れた人たちにも知られています。
アンサンブルで演奏する際に守らなければならない条件は何ですか? 一貫性を達成し、それがなければ音楽家を音楽家と呼べないスキルを身につけるにはどうすればよいでしょうか? 習慣になるまで監視する必要がある微妙な点やニュアンスがいくつかあります。
- まず第一に、良い試合でした！ 誤ったパフォーマンスはすべての良い努力を無効にし、聴衆の不満につながります。 システムに取り組み、一生懸命働く必要があります。
- アンサンブルのメンバーは全員、1 つの演奏方法を厳密に遵守しなければなりません。 音楽的方向性の観点から、音楽作品に対する異なる理解は受け入れられません。 たとえば、ワルツはまさにワルツのように聞こえるべきですが、誰かが突然ワルツの性格を失い、行進曲に近いものを演奏した場合、アンサンブルは単に「崩壊」してしまいます。
- テンポやリズムに対する理解も同じです。 すべてのミュージシャンはメトロノームではなく人間であり、テンポを遅くする傾向がある人もいれば、速める傾向のある人もいます。 これもリズムと同様に注意深く監視する必要があります。リズムに対する歪んだ理解も一貫性や同時性の欠如につながるからです。
- アンサンブルで演奏する場合も、同じタッチの演奏が必要です。 一見すると、これはそれほど重要ではないように見えますが、実際には、ストロークの違いは音楽の不調和であり、音楽作品を注意深く分析すれば回避できます。
- 「しっぽ」は残さない！ もちろん、最初に何か他のことが意図されている場合を除き、音楽フレーズの終了と開始を同時に行う必要があります。 アンサンブルのメンバー全員が一緒に完成しないエンディングは、非常に醜く、聞くのがずさんです。
- 動的一貫性。 アンサンブルで演奏している間はソロ演奏を忘れるべきです。 主要主題を主導する場合は明るく演奏する必要がありますが、対位法や伴奏の場合は音を小さくする必要があります。
上記のテクニックはどれもそれほど複雑ではないようです。 実際、アンサンブルで演奏するには何年にもわたる集中した作業と労力が必要ですが、その労力は喜びをもたらします。 ここでは、何かを見逃すことを恐れず、貪欲にお互いの視線や動きをキャッチする必要があります。 ここでは、感受性と注意力が重要であり、人生において非常に役立つ資質です。 そのため、アンサンブルは聴く人だけでなく、演奏する人にとっても有益で楽しい活動であることは間違いありません！
さあ、音楽を聴きましょう！ 音楽はアンサンブルになります。
L.ヴァン・ベートーヴェン ヴァイオリンとピアノのためのソナタ第5番「春」
プリシュチェパ・ナタリア・アレクサンドロヴナ
ルガンスク州立文化芸術大学
小中学校のピアノ授業におけるアンサンブル演奏の役割
アンサンブルプレイは、人々との包括的かつ広範な知り合いにとって最も好ましい機会を開く活動の形式です。 音楽文学。 ミュージシャンはさまざまな作品を演奏します 芸術的なスタイル、作家、オペラのさまざまな改作、 交響楽。 鮮やかで数多くの聴覚的なアイデアのストックが芸術的な想像力を刺激します。
アンサンブルで演奏することは、あらゆるタイプの集中的な発達に貢献します 音楽の耳(ピッチ、ハーモニック、ポリフォニック、音色ダイナミック、内部)。
ピアノアンサンブルの歴史について少し触れますが、このジャンルは 18 世紀後半にハンマーピアノとその新しい機能の出現により急速に発展し始めたことに注意してください。音域の拡大、徐々に演奏できる能力などです。響きの増減、追加のペダル共鳴器。 その音の豊かさと強さは大幅に増加し、19世紀の初めまでに未知の音域の色が明らかになりました。私 10 世紀には、ピアノ アンサンブルが本格的な独立した音楽制作形式としての地位を確立しました。 豊かで多様な文学が生まれました。 ほとんどすべての作曲家はピアノ連弾のために書いています。私 X 世紀と XX 世紀。
ピアノアンサンブルには、1 台または 2 台のピアノによる 2 つのタイプがあります。 2 台のグランドピアノによるピアノ連弾は、プロのコンサートの練習で最も普及しています。 2 つの楽器により、演奏者は音域やペダルなどをより自由に使用できるようになります。 二人の演奏者、二つの楽器の存在によって、ピアノの可能性はさらに広がります。
1台のピアノで連弾することは主に音楽の分野で練習されています。 ホームミュージックの再生、音楽の独学と トレーニングセッション。 同じ鍵盤を使用するピアニストの距離が近いことが、 内部統一そして彼らの共感。 アンサンブルのおかげで、教育やコンサートのレパートリーに、さまざまな時代の作曲家によって作成された明るく興味深い作品が補充されます。
すべての教師は、子供たちが連弾をするのが大好きであることを知っています。 学生たちはこの種の音楽制作に非常に興味を示しています。 重要なコンポーネント教育プロセスに大きな喜びをもたらします。
アンサンブルで演奏するとき、生徒はまず、シンクロニシティ、同一のストローク、ダイナミックバランスなどの概念に遭遇します。 アウフタクトや葉内脈動などの概念について学びます。 アンサンブル奏者は、正確に一緒に演奏を開始したり、曲のセクション間で導入したり、遅いテンポや一時停止中に同期した演奏を達成したりするために、これらのスキルを必要とします。
子供は、最初のピアノのレッスン中にアンサンブル演奏のスキルを習得します。 ここで私たちは、次のような G. ノイハウスの言葉を思い出します。 彼は先生と一緒に、すでに芸術的な意味を持つ単純な劇を演じます。 子どもたちは、芸術の一粒でも認識する喜びをすぐに感じます。 生徒たちになじみのある音楽を演奏してもらうことで、生徒たちは初めての音楽の義務を最大限に発揮することができます。 そしてこれは芸術的イメージの制作の始まりであり、ピアノを弾くための最初の訓練と同時に開始されるべきです。」
そのため、トレーニングの初め、子供が楽器の個々の音や小さなメロディーを作ることを学んでいるとき、教師のパートではさまざまな音が聞こえます。 音楽の抜粋: ラジオの音楽放送のコールサイン、または模倣 オルゴール、鐘の音など。 したがって、子供はすぐに健全な想像力を発達させます。塔時計の音、カッコウの鳴き声、エコー効果などを簡単に真似します。 例えば、D. ショスタコーヴィチ「祖国は聞こえる」、E. ザハロフ「山のこだま」、「夕暮れ」、「塔の上の時計」、A. アレクサンドロフ「星」、V. オフチニコフ「鐘は鳴っている」などです。 I. リャボフのコレクション「ステップバイステップ」。
生徒は、教師のパートで鳴るメロディーを伴奏するかのように、リズミカルにデザインされたいくつかの音を演奏することもできます。 たとえば、ロシア民謡の伴奏「カリンカ」や「野原に白樺の木が立っていた」、L.A. コレクションにある E. クリラトフの「翼のあるブランコ」などです。 バレンボイム「音楽への道」。 旋律と和声に富んだ豊かな伴奏により、演奏は色彩豊かで生き生きとしたものになります。
しばらくの間、子供が最も簡単なメロディーを演奏できるようになると、教師が簡単な伴奏を考えて一緒に演奏します。 また、アンサンブルの素材は漫画やアニメからの抜粋でも構いません。 人気の曲。 結局のところ、テキストに関連付けられたメロディーはより明確に認識され、よりよく記憶されます。 たとえば、G. グラドコフの「子ライオンと亀の歌」、「眠り」 疲れたおもちゃ「A.オストロフスキー作または「くまのプーさんのノイズメーカー」、R.ボリソフ、E.クリラトフ「熊の子守唄」。
最初は、生徒は先生の伴奏に合わせてメロディーを歌うだけです。 ここも重要です 教育的な瞬間：子供たちは教師と一緒に創造的なプロセスに参加します。
この段階でアンサンブルで演奏することは、記譜法と習得したアーティキュレーションのスキル (レガート、スタッカート、非レガートなど) を強化するのに役立つことに注意してください。たとえば、D. ワットの「三匹の子ぶた」では、スタッカートのストロークが固定されています。また、リプライズの兆候と 1 オクターブ上の転送の兆候。 詩的なテキストのおかげで、音楽的な文と打楽器音がはっきりと聞こえます。 ヴァンサンブルの「サンタクロース」と「キティ」（V. ヴィトリン作） - レガートストロークを修正します。
オンの場合 初期学習中、アンサンブルで遊んでいる子供は、教師のパートの新しい倍音の背景の音、伴奏の表現力豊かで比喩的な色彩を聴き、その後の訓練の段階、中級クラスで生徒の注意を引きます。ポリフォニーの要素、シャープでカラフルなリズム、さまざまなジャンルのスケッチを特徴づけるモードハーモニックサウンドを聴くことを目的としています。 たとえば、M. グリンカ「カマリンスカヤ」、N. スミルノワ「ボレロ」、M. ムソルグスキー「ソロチンスカヤフェア」のオペラ「ゴパック」、K. ウェーバー「行進曲」などです。
芸術的なタスクがより複雑になるにつれて、 技術的な問題共同ゲーム。 アンサンブルで演奏する生徒は、より複雑なリズムを習得し、全体の音から主要なものを分離すること、メロディーラインをあるパートから別のパートに移すこと、正しくペダルを踏むことなどを学ばなければなりません。
そのため、アンサンブルのテクニックは演奏者に特別な要求を課します。 主な難しさは、自分が演奏する音だけでなく、両方のパートの全体的なサウンドを同時に聴くことができ、有機的に統一された全体に融合することができることです。 アンサンブル作品を演奏するときも、ソロ作品を演奏するときも、作者のテキストを思慮深く詳細に研究する必要があります。
ピアノのレッスンにおけるアンサンブル演奏にはどのような課題、能力、スキルが含まれますか? ピアノ連弾で一貫性を図る際には、どのような方法や手法が存在するのでしょうか？
意味 " 良いアンサンブル「パフォーマンスの一貫性と、アンサンブルの参加者の創造的な願望の統一を意味します。
まず第一に、楽器の後ろに座ることについて話さなければなりません。 ソロ演奏とは異なり、ピアニストが自由に使える鍵盤は半分だけです。 パートナーは、特に声に近づいたり交差したりするときに、お互いに干渉しないようにキーボードを「共有」し、肘を保持できる必要があります。
ペダリングの問題はアンサンブル演奏においても同様に重要です。 多くの場合、学生はこのことを知りません。 第二部の演奏者が何をペダルを踏むのかを説明する必要があるので、 通常、それはメロディーの基礎として機能します。 この場合、メロディーの中で何が起こっているかを注意深く聞く必要があります。 ペダルエフェクトは非常に明確に設計する必要があります。ペダルを不適切に使用すると、ベースラインの質感が非常に濃くなることが多く、さらに重くなる可能性があるためです。 生徒が 2 番目のパートを演奏している場合、教師または他の生徒が最初のパートを演奏している間、生徒には何も演奏せずにペダルを踏むだけを指示すると便利です。 同時に、これは簡単ではなく、特別な注意とスキルが必要であることがすぐに明らかになります。
アンサンブル演奏のもう 1 つの重要な性質は、演奏の同時性です。 パートナーによるテンポとリズミカルなパルスに関する共通の理解と感覚。 一番そう見えた 単純なこと- 一緒に遊び始めます。 しかし、2 つの音を同時に正確に演奏するのはそれほど簡単ではありません。多くのトレーニングと相互理解が必要です。 教師は、アンサンブルメンバーの同時入場には、アンサンブル奏者の 1 人の目立たないジェスチャー、いわゆる指揮者のスイングまたはアウフタークを使用できることを生徒に説明しなければなりません。 このジェスチャーは、演奏者に同時に息を吸うようにアドバイスするのに役立ちます。 こうすることで、演奏の始まりが自然で有機的なものになります。 結合されていない和音は、結合されていない和音と同じ不快な印象を生み出します。
非常に大きな表現上の意味を持つポーズについてすぐに話すことが重要です。 そして、それを過小評価することは、学生によくある欠点です。 一時停止は音楽の呼吸であり、短くても長くても、常に一定時間続きます。 最もシンプルで、 効果的な方法一時停止中に生じる緊張と、導入の瞬間を逃すのではないかという恐怖を克服するには、パートナーから流れている音楽を再生します。 そうすれば、一時停止は苦痛な待ち時間ではなくなり、生命に満たされるでしょう。 音楽的な感覚。 アンサンブルの演奏の最初の小節から、参加者は音を出す方法について完全に同意する必要があります。
パートナーによるパッセージ、メロディー、伴奏などの「手から手へ」の伝達などのアンサンブルスキルにも注意する必要があります。 アンサンブルは、音楽の構造を引き裂くことなく、未完成のフレーズを「拾い上げ」、それをパートナーに渡す方法を学ばなければなりません。 これを行うには、生徒は注意を分散できなければなりません。集中したり、分割したり、適切なタイミングで切り替えたりすることができます。
アンサンブルに取り組むとき、リズムに関する問題は重要な位置を占めます。 リズム感を養うことは教師の最も重要な仕事です。 アンサンブルで演奏することで、リズム感の育成に効果的に取り組むことができます。 アンサンブルでは、生徒たちに自信を持って完璧なリズムを要求します。これには特別な特質があります。集合的であると同時に自然で有機的でなければなりません。 生徒の最も一般的な欠点は、リズムの明瞭さと安定性の欠如です。 リズミック パターンの歪みは、付点リズムの場合、長さを変更するとき、テンポを変更するときに最もよく発生します。 リズムの安定性の欠如は、多くの場合、加速する傾向と関連しています。 これは通常、響きの強さが増したり、速いパッセージで発生したりするときに発生します。
教師と遊ぶとき、生徒は特定の韻律の枠組みの中にいます。 アンサンブル演奏は、教師が正しいテンポを指示する機会を与えるだけでなく、生徒に正しいテンポ感覚を形成する機会も与えます。 リズミカルパターンの正確さと明瞭さを達成する必要があります。
実行のダイナミクスについても言及する必要があります。 連弾演奏のダイナミックレンジは、ソロ演奏よりも狭いのではなく、広くなければなりません。 2 人のピアニストの存在により、鍵盤をよりフルに使用して、楽器のより完全で豊かなサウンドを作り出すことができます。
ピアノアンサンブルのレパートリーは、特別に作成されたオリジナル作品と交響楽の編曲に分けることができます。 どちらのタイプも教育プロセスで使用できます。 オーケストラ作品は、読解や音楽テキストの素早い方向性のスキルを開発するための活動に最適な素材です。 オリジナルの二重奏曲では、演奏を注意深く徹底的に磨き上げる必要があります。
ピアノ初心者向けの現代の教則本には、連弾のためのさまざまな教材が含まれています。 で 教育実践次のコレクションが広く使用されています：V.イグナティエフ、L.イグナティエワ「音楽家になりたい」、M.ソコロフ「小さなピアニスト」、L.バレンボイム、N.ペルノバ「音楽への道」など。
中学生になると楽器の演奏の基礎が身につき、ジャズの曲もレパートリーに加えられます。 子どもたちはとても気に入っており、生徒をリズミカルに成長させ、新しい音楽言語とジャズのハーモニーで聴覚の印象を豊かにします。 たとえば、M.シュミッツ「オレンジ・ブギ」、S.ジョプリン「バラエティ・アーティスト」、N.スミルノバ「イン・ザ・レイン」、「ラグタイム」などです。
ジャズの演奏スタイルは、特にアクティブな音の生成が特徴であり、演奏者には特別で特別なタッチが必要です。
したがって、ピアノを学ぶ上でアンサンブル演奏の役割は非常に重要です。 彼女はすべてを教えます：リズム、素早い学習 楽譜、構造を理解する 音楽形式、ビジネスに対する意識的な態度、責任。 これはパートナーとの対話を行う技術です。 お互いを理解し、時間通りに譲歩し、時間通りに譲歩することができます。 子供が学習の過程でこの技術を習得すれば、ピアノの演奏の詳細をうまく習得できることが期待できます。
文学
1. アレクセーエフAD ピアノを習う方法 / A.D. アレクセーエフ -M.:音楽、
1978. – 289 p.
2. ノイハウス G.G. ピアノ演奏の芸術について / G.G. ノイハウス - M.: 音楽、1982. - 299 p.
3. ソロキナ E.G. ピアノ連弾: ジャンルの歴史 / E.G. ソロキナ。 – M.: 音楽、
1988. - 319秒
4. ゴットリーブ AD ピアノアンサンブルの最初のレッスン / A.D. Gottlieb // ピアノ教育学の問題 [V. ネイサンソンの総編集のもと] – 第 3 号。 – M.: ムジカ、1971 年。 -と。 91-98。
クリミア共和党
「プロモーションセンター」
文化従事者の資格」
トピックに関する方法論的レポート:
役割
アンサンブルゲーム
開発中
学生ピアニスト
リスナー
高等研究センター
文化労働者
そして芸術、
支店長
モロデジネンスキー SR 児童音楽学校、
クラスの先生
ピアノ
バジェノバ ユリア・アレクセーエヴナ
シンフェロポリ
レポート計画:
アンサンブル演奏の特徴
リズム教育
結論
参考文献
トレーニングの目標と目的 音楽学校
音楽学校の主な任務は、子供の総合的な音楽的発達、子供に仕事を教え、音楽への愛情を植え付けることです。 子供の音楽的傾向を特定し、能力を開発し、 当然音楽への興味を呼び起こす - 音楽分野を教えるというこれらすべての課題は、すべての教師が直面します。
主な目標こども音楽学校での研修 - スキルを持ったアマチュア音楽家の育成 音楽的創造性、独立して分解して作業を学ぶことができます。
学習上の問題があるのは明らかであり、 創造的な開発相互に密接に関係している必要があります。 創造性のプロセス、つまり各レッスンの検索と発見の雰囲気そのものが、子供たちに自主的に、誠実に行動する意欲を与えます。 子どもを「刺激する」ことが教師の最初の主な仕事です。
A. ゴールデンワイザーは書いた: 「先天性聴覚障害者を除いて、ほぼすべての人は、ある程度の音楽性とそれを発展させる能力を持っています。 したがって、音楽学校のネットワークが広ければ広いほど、そして音楽教育がより広範に普及するほど良いのですが、私は、音楽学校のネットワークを構築する上で、 教育プロセス音楽学校では、一般音楽教育と音楽教育の概念が十分に区別されていません。 音楽は、何らかの形で、ある程度、すべての人に教えられる必要があり、全員ではないだけでなく、プロの音楽家として訓練を受ける必要があるのはごく一部の人だけです。」
初めての音楽レッスンに、目を輝かせて音の世界を愛する6、7、8歳の子供に出会うことがよくあります。 そして、この子供たちの喜びの蓄えをどのように管理できるかは、私たち教師にのみかかっています。
ゾルタン・コダーイは、「子どもたちの手に音楽に対する感受性を与えましょう。その鍵を使って、子どもたちは人生全体の意味を高めるために魔法のような音楽の庭に入ることができます。」と述べました。
アンサンブル演奏の特徴
常に重要な位置を占めているアンサンブル音楽の演奏には、大きな発展の可能性があります。 アンサンブルで演奏することでリズムが完璧に鍛えられ、視力が向上し、技術的スキルの向上に役立つだけでなく、楽しみも得られます。 ○より大きな喜び ソロパフォーマンス.
アンサンブル音楽の演奏は、パートナーの言うことを聞くことを教え、教えます 音楽的思考、これはパートナーとの対話を行う技術です。 お互いを理解し、時間通りに合図を出し、時間通りに譲歩することができます。
この技術が学習過程で子供に理解されれば、子供がピアノの演奏の詳細をうまくマスターすることが期待できます。
ピアノを4手で演奏することは、音楽の共同演奏の一種であり、常に練習されてきました。 ほとんどすべての優れた巨匠がこのジャンルの作品を書きました。
ジャンルの起源と発展の歴史からいくつかのポイント
ピアノ連弾のジャンルはヨーロッパで生まれました。 知られている最も初期のデュエットはルネサンスにまで遡ります。 イギリスは最初の独立した鍵盤学校の発祥の地です。この学校の代表者であるトムキンスとカールトンは、 コラール前奏曲。 それらは絶妙な楽器スタイルと装飾によって支配されています。
17世紀から18世紀には、主に伴奏付きの独奏楽器のための、ヴァイオリンとチェロのソナタがすでにたくさんありました。 しかし、最も完璧で完全な作品は 18 世紀後半に現れました。メロディーの豊かさ、音楽への近さなどです。 民俗起源、主要な色付け - これらはすべて、2人の演奏者（4手）のためのソナタに表示されます。
優れた二重唱作品の例としては、バッハの協奏曲ヘ長調が挙げられます。
チェコ共和国では、ピアノ連弾ジャンルはレオポルド・コジェルフ、フランティシェク・ドゥシェク、カール・スタニッツの作品によって代表されます。
ピアノのプレゼンテーションのテクスチャの主なタイプについて概説しました。対話形式とポリフォニック形式。 オーケストラの作曲の要素が積極的に浸透しています。
19 世紀のほとんどすべての作曲家は、4 手のためのピアノのための音楽を書きました。
このジャンルの人気がこれほど急速に成長したのには、次のような理由があります。
新しい楽器、ピアノの出現（音域の拡張、音量を増減できる機能、ペダル）。この楽器は、2人のピアニストが演奏するときに特別な機能を隠しました。 サウンドの豊かさと強さが大幅に増加しました。
家庭音楽演奏の大きな人気。連弾アレンジメントはオーケストラの始まりの特徴を持ち、豊かさを伝え、「トゥッティ」のサウンド、およびさまざまなサウンド制作テクニックを伝えました。
音楽と教育の機能。 オペラの抜粋とピアノアンサンブル用の編曲は特に人気がありました。
たとえば、交響曲の転写、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェン、ブラームス、メンデルスゾーン、ヴェルディ、ワーグナー、シューマン、チャイコフスキーの器楽合奏、リストの交響詩、ヴェルディ、ワーグナーのオペラが彼らとの唯一の知り合いの源となることがよくありました。 、ブラームスの「ハンガリー舞曲」、ドヴォルザークの「スラブ舞曲」、ドビュッシーの「小組曲」を収録。
ピアノアンサンブルの隆盛はシューベルトの作品によって達成されました。 彼のジャンルのミニチュア: ポロネーズ、行進曲、ワルツ、地主、幻想曲 - 輝く例オーケストラらしさ。 これほど多くのデュエットを残したミュージシャンはいない。 ピアノ二重奏の歴史における最大の頂点の 1 つを代表するシューベルトのアンサンブルは、世界の音楽の歴史に対する計り知れない貢献を表しています。
19 世紀後半、ピアノアンサンブルのジャンルは国家音楽の文脈の中で発展しました。 作曲家学校。 重要な起源はチェコ共和国にありました。
ロシア音楽では誰もがピアノ連弾のジャンルに注目した 優れた作曲家：グリンカ、バラキレフ、ダルゴミシスキー、ムソルグスキー、ボロディン、ルービンシュタイン。 著名な芸術作品をベースにした絵画的な美しさとコンサートパフォーマンスが特徴です。 民族音楽.
S.V. ラフマニノフは2台のピアノと6台のピアノのための組曲を作成しました。 音楽の瞬間, ピアノ連弾のための6曲。
ロシア音楽では作曲家が金を払った 大きな注目子供向けの作品。 これは、Dubuk などの名前によるものです - 彼の 18 の演劇のコレクション「子供向けミュージカル Flowerman」は特に人気がありました。
アレンスキー、チャイコフスキー、子供向けに書いた作曲家 強力な集団「彼らの作品は、子供の耳にロシアの古典音楽の比喩的な世界を知覚する準備をさせました。 有名で人気のある作品は次のとおりです。ストラヴィンスキーの「4 つの手のための 5 つの簡単な曲」。 ビゼーの「子供の遊び」。 ラヴェルの組曲「マザーグース物語」。
20 世紀まで、ピアノ連弾の音楽的および教育的機能はその重要性を保っており、その重要性は過大評価することはできません。
第一次世界大戦後、連弾音楽はサークルから「消えた」 芸術的興味いくつかの理由から:
急速な都市化により、小さな会場でのコンサートが流行するようになりました。 室内楽ジャンル完全に適切ではありませんでした。
20世紀にはロマン主義から離れる動きがありました。
電気機器の登場。
しかし、人は常に自分で何かをしたいという願望を持っているため、家庭での音楽制作の伝統が家庭の音楽ライブラリに完全に取って代わられることはありませんでした。
子どもたちの音楽教育におけるピアノアンサンブルの役割
音楽学校の主な目的は、 総合開発子供に仕事を教え、音楽への愛情を植え付けることです。
子供の傾向を特定し、能力を伸ばし、自然に音楽への興味を呼び起こす - 音楽分野を教えるこれらすべての課題は、すべての教師が直面します。
共同遊び、つまりアンサンブルで遊ぶことは、子どもたちの個々の能力のより迅速な発達を促進します。
それは音楽教育に不可欠な部分です。
アンサンブル演奏がリズム感と聴覚的注意力を養うことは間違いありませんが、より価値があるのは、集合的な経験が個人の責任感を育むということです。 一般的な仕事パフォーマンス中に自信を高めるのに役立ちます。
実行 音楽作品四つ手が一番多い 早い方法で楽器の演奏を学ぶ際のいくつかの問題を解決します。楽器と「友達を作り」、自然な演奏動作を開発するのに役立ちます。
多くの場合、教育プロセスに対する情熱は、子どもの発育不良や不十分な発達、教育学的無視によって妨げられます。 しかし、子どもの個性（興味や能力）を考慮し、創造的に構成されていれば、レッスンは常に実りあるものになります。 魅力的なプロセスは成功と達成につながり、それは確かに独立した思考を目覚めさせるでしょう。
学習の初期段階で楽譜の読み方が不十分だと学業のペースが遅くなり、生徒に憂鬱な影響を与える可能性があります。 アンサンブル ゲームでは、教師がテキストの難しい部分の演奏を引き継ぎ、生徒が簡単な部分を演奏するため、プレイヤーは一定のテンポでリズミカルに演奏する必要があります。 アンサンブルで演奏される簡単な曲は豊かな響きを持ち、モーダルハーモニックカラーリングは生徒が楽譜をすぐに学ぶのに役立ちます。 その結果、生徒は音楽全体を完全に理解し、演奏に完全に参加しているように感じられ、演奏のプロセスから道徳的な満足感を得ることができます。
共同劇の上演は子どもたちの視野を広げるのに役立ちます。 交響曲作品そして 最良の例世界 音楽文化.
音楽文化の最良の例を体系的に演奏することは、味覚と想像力を開発し、聴覚の文化を浸透させ、創造的なイニシアチブを促進するのに役立ちます。
レッスンを始めるこの年齢の子供たちは多感であり、単調さにすぐに飽きてしまうため、学習には変化を持たせる必要があります。 教師の仕事は、生徒の立場に立って、生徒の不便さを感じ、演奏の意図を予測し、演奏される曲に対する生徒の態度を表現できるようにすることです。 このレッスンの雰囲気は、小さな音楽家が自分自身を信じるのに役立ちます。
協力プレイレッスンの構造に感情的な特徴を与えます。 子供の感情状態によって、全体的な音の知覚が妨げられる場合があります。 トレーニングの初期段階では、必然的に漸進主義とアクセシビリティの原則に従わなければなりません。
ピアニスティックスキルの形成
ピアニスティックのスキルを伸ばすプロセスは、教師が必要な動作を実演するだけでなく、そのような動作を実行する必要性を説明する独立した検索を通じても行われるべきです。 スキルを磨くときは、ストロークやテンポを変更して、イントネーションやイメージといったパフォーマンスの芸術的な側面を強調すると効果的です。
お子様に、自分自身やパートナーの言うことを聞き、十分な注意と自制心を持って遊ぶように教えることが非常に重要です。 音質はこれに依存します。
音に対する態度は、すべてのピアニスティックなスキル、つまりピアノの鍵盤のタッチの形成を決定します。 理想の音はメロディアスな音です。
ポリフォニック思考の教育
成し遂げる 良い結果演奏は、研究対象の内容に対する積極的な聴覚と音楽的理解、そして仕事に対する意識的な態度によってのみ可能となります。 最初の段階から自分の声を聞く能力は、多声的思考を発展させるのに役立ちます。
実行 民謡、フルボイスのテクスチャが提案されていますが、その部分はシンプルでアクセスしやすいものであり、ポリフォニック聴覚の形成の急速な進歩と成功に役立ちます。
リズム教育
リズムを開発する作業は、長さを計算することではなく、音楽から行う必要があります。 劇の比喩的な内容は、リズム、精神的なダンス、または行進を通して認識されなければなりません。 与えられた内容に対する生徒の理解 音楽の課題実行すると、問題を解決するために必要なテクニックが呼び出されます。
素材をマスターする過程で作業方法が変化し、それが新たな認識と新たな注目につながり、将来ポリリズムに取り組みやすくなります。
メロディーと伴奏の制作の特徴
1年生の授業では、どこがメロディーで、どこが伴奏なのかを生徒にわかりやすく説明する必要があります。 メロディーを「ハイライト」したり、伴奏を「非表示にしたり」するなどのタスクは、自分自身とパートナーの耳を傾けて聞くことを教えます。 最初の部分の音は無理強いすべきではありません。 この作業は、聴覚に焦点を当てながら、メロディーを意識的に理解しながら実行する必要があります。
良い響きの第 1 パートには、良い響きの第 2 パートが必要です。 左と同じコードで 右手生徒に左手を使って移動するように教える必要があります。 子供がマスターするとすぐに ヘ音記号楽譜の複雑さによって許可される場合は、教師に相談してパートを変更する必要があります。 生徒は先生のパートを演奏することで伴奏のスキルを身につけます。
伴奏スキルの習得は、ピアノ伴奏に関連するあらゆる素材で行うことができます。
採譜書で運指が指定されていない場合、教師は音楽フレーズの構造に基づいて運指を選択できる能力を養う必要があります。
和音を構成する音を区別する能力は、多声的思考だけでなく、倍音聴覚の発達にも関連しています。
ペダルの使い方の習得に取り組む
ペダルを正しく使うと、ピアノのアンサンブルが格段に豊かになります。 そして、ペダルを使用するスキルを向上させるために、教師はアンサンブル曲を演奏することに頼ることがよくあります。
ピアノアンサンブルを演奏するときは、一時停止に注意すること、つまり一時停止を注意深く、慎重に、意識的に正確に維持するように生徒に教える必要があります。
一時停止がある場合、生徒は低音を遅らせる可能性があり、サウンドに過度の粘度が生じます。 フレーズの終わりに正確にペダルを放すことを学ぶ必要があります。 まれに「ピアニッシモ」のときに左ペダルを使います。
多くの場合、このような作業は一緒に実行するとより効果的に機能します。 正しい選択レパートリー。
プログラムを選択するための基本原則
教師は教育上の焦点を考慮してプログラムを選択する必要があります。あまり感情的でない子供たちに明るい作品を与えたり、その逆も同様です。 と遊ぶ カンティレナのキャラクター音響作業に使用します。
レパートリーが複雑になると、パフォーマンスが低下する可能性があります。 逆に、多様なレパートリーは芸術的な印象に変化をもたらし、作品の成功を左右します。 曲の難易度によって生徒の進歩が決まります。
結論
したがって、アンサンブルでの演奏を学ぶための主なタスクは次のとおりです。
協力プレイスキルの開発
協力プレイスキルの開発
音楽テキストにおけるナビゲーションスキルの開発
読視スキルの開発
形成するとき 子供たちのアンサンブル教師の仕事は、正しく選択するだけではなく、 音楽素材だけでなく、一緒に音楽を演奏する子供たちもいます。 子どもたちは発達と育成において平等ではないため、相互の共感、準備のレベル、感情、性格を考慮に入れてください。
意識的に演奏し、テキストの論理を理解し、演奏から美的および道徳的な満足を経験する参加者は、技術的な自信を得るために努力するため、共同演奏は生徒の作業の停滞を克服するのに役立ちます。
全員に対する個別のアプローチが鍵となる 成功した仕事。 社会人として活躍できる芸術家を育成します。 更なる発展文化 - これは音楽学校における音楽教育の基礎を形成するものです。
参考文献
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