クリミアヴァルの20世紀展。 クリムスキー・ヴァルのトレチャコフ美術館

この博物館への最初の訪問を忘れないでください。 私たちは美を体験することに決め、定期的に訪れるクリムスキー・ヴァルの芸術家の家に行きました。 そして展覧会があり、チケットは高価で、行列ができています。 列に並んでいるけど、どこかに行けるかな。 そして、別の入り口からここに何かがあるように見えるということが頭の中で漠然と動き始めます。 チェックしてみましょう? 来て。 そして案の定、角を曲がったところ、同じ建物内に別の入り口があります。 標識: トレチャコフ美術館の支店。 20世紀の芸術。 自分の目を信じず、チケットを購入し、立ち上がって入場します...
国内（ロシア？ロシア？ソビエト？誰が正確に呼ぶべきか分からない）の豊かさと多様性において似ても似つかないコレクションを見たことがありません。 美術彼の最も興味深い時期に。 そんなものが存在することすら知らなかったのですが、何度も訪れた同じ建物に長年掛けられていたものでした…。
……いえ、もちろん写真ではなく、印象の断片を書いてみます。
最初のホール。 ゴンチャロワとラリオノフ。 色彩、明るさ、そして豊かさの暴動。
第二ホール。 コンチャロフスキー、別人、セザンヌと壁に書かれていますが、それは本当です。印象派（あるいはポスト印象派？）の展覧会を歩いているような気がします。 印象派を見に行ったのは子供の頃だけだったので、私が幼い女の子だったように思えます。一般的に、子供の頃だけが、まるで絵画のために描かれたかのように、そのような色や形の粗さを祝うことができます。子供。
先に進みます。 そして、線や形が色や内容を徐々に置き換えていく様子を観察します。 ここに構成主義的な写真があります。 今残っているのは板とスラット、正方形と他の色のものだけです 幾何学的形状。 もう終わりですか、もう到着しましたか？ いや、まだまだホールはたくさんあるのですが…。
次の部屋では、絵がその色と意味を取り戻します。 ここには有名な赤い馬とペトログラードの聖母があります。 ペトロフ＝ヴォドキン。 見た目は良くありません。 止まらずに通り過ぎていきます。 周りにあるものが本当にずっと興味深いか、新しいものに圧倒されて見慣れたものが認識できなくなっているかのどちらかです。 こちらも知り合いのシャガール。 でも...シャガールも？ いや、ユーリ・アネンコフ!? 彼は画家でもあることが判明しました - そしてなんと画家だったのでしょうか... そして私が彼を素晴らしいグラフィック肖像画家として認識したのはつい最近のことです。 しかし、ここには「人間とヒヒ」と呼ばれる信じられないものがあります。 アレクサンダー・ヤコブレフ。 しかし、私が知っているのはそのミュージシャンの名前と肖像画 1 枚だけです。 そして、ここに最近認められたが、すでに愛されているボリス・グリゴリエフがいます。 二人の肖像画。 オンラインではなく原作がどれほど素晴らしいのか...
回転。 おなじみのデイネカの絵画。 そして、これは押し付けられた社会主義リアリズムではなく、以前のホールにあったもののバリエーションであることを私は理解しています。 このホールに展示されている人々は本当に革命を信じており、それと絵で一致するものを見つけようとしていて、党の命令を実行しなかったということ。
私は先に進んで、これから高度な乳搾りとソ連兵の偉業が始まるのだと悲しい思いで思います。 そして絵は続きます。 ここにもコンチャロフスキーと、カーペットを背景にした悲しいメイエルホリドがいます。 こちらはカラフルで楽しいマヴリナです。 こちらはなんとなく見覚えのあるティルサです。 はい、イオガンソンの歯ぎしりするほど退屈なイオガンソンの共産主義者尋問、甘く教訓的なアゲイン・ザ・デュースと正面からの手紙、そしてコリンによるおなじみの肖像画がチラチラありますが、それらはまったく良くありませんが、それらは違いを生みません。それは、魅力的で半ば馴染みのある、あるいは見慣れない何か他のものを背景にした断片のようなものです。
最後に、ここが官公庁のホールです。そこでは、さまざまなバージョンのスターリンが数キロにわたる絵画から私を見つめており、隅のテレビには映画「輝く道」と「」の断片が放映されています。 クバン・コサック"。はい、そうでした。先に進む前にそれを確認する必要があります。
次は前衛です。 前衛的なものにはうんざりだけど…日程の前に困惑して固まってしまう。 これは60年代だけでなく、ブルドーザーの展示よりずっと前の50年代のことです。 ほとんどの場合、私にとってある種の重いエネルギーをもたらす創造性の結果についてどのように感じても、私はこの世代の芸術家の非順応性と恐れ知らずの姿勢に頭を下げずにはいられません。
またまたリアリズム。 今では彼らは実際に牛乳を注ぐ女であり、建設業者であり、兵士でもあります。 しかし...彼らは生きていて興味深いことがわかりました。 そして、なぜ画家自身が牛乳を注ぐ女を描いてはいけないのでしょうか？ 彼が投機家ではなく本当にアーティストであるなら、注目する価値はある。 私は女の子が踊っている写真の前に長い間立っています。 それらは 7 つあります。それぞれの顔にはさまざまな感情があり、非常に異なっていると同時に、期待に満ちた内気な不安で統一されているため、すべての表情を覚えておきたいほどです。
終わり。 最後のホールでは再び前衛が登場しますが、それらは閉鎖されています。 数ホール後ろにいる夫を探しに行きます。 彼がそれを調べている間、私は座る場所を探しています。 最後のホールでは、すでに 90 年代になっており、ほとんどの絵は神経質で不親切です。 私は隣に座ってくれる人を長い間探していました。 結局、私はゲリー・コルジェフに行き着きます。 神経質な赤毛の若い画家が少女の絵を描き、何らかの理由でしゃがんで絵を地面に置きました。 彼の隣には、しわだらけの手で顔を隠した老婦人がいます。 時折視線を交わすこともあるが、たいていはあの老婆のように両手で顔を覆って座っている。 ある女性が同情的に「気分が悪いの？」と尋ねます。
いいえ、気分は悪くありませんが、実際には頭が痛いです。 ここ数時間の印象をすべて取り入れようとしているだけです。 そして、これはほとんど不可能な仕事です。

当日、ホールの窓から（館内の写真は別料金ですが、窓からの景色は対象外です） 奇妙な写真、私にとって、それは博物館の内容と共鳴します。 あるフレームでは、スターリンと先進労働者の妻、ピョートル大帝、救世主キリスト大聖堂、そしてカラオケ付きの船「ヴァレリー・ブリューソフ」が描かれています。 そしてちょうど夕方のモスクワ。 すべてが 1 つのボトルに。
それ以来、何度か訪れていますが、最初の時のような衝撃的な印象はありませんでしたが、毎回新たな発見がありました。 最後に、最初と同じ場所から、数年後の日中の写真です。

私の専門的なスキルは美や芸術の世界とは何の関係もありません。私は絵画やそれに類するものに専門的に関わったことはありません。 芸術に関する知識は最も基本的なものであり、人生のさまざまな時期にさまざまな情報源から集められます。 しかし私にとって、絵画や彫刻は単なる芸術以上のものです。 これは全体です 巨大な世界、その瞑想に没頭していると、世界のすべてを忘れてしまいます。

トレチャコフ美術館への旅は魂の祭典です。 私 長い間クリムスキー・ヴァルの建物はそれほど遠くありませんが、私はラヴルシンスキー・レーンにしか行きませんでした。 天気が良ければ歩いて行ける距離で、距離は約1.5kmです。
ずっと見たかったのですが、そこには何があるのでしょうか？ 20世紀の芸術とはどのようなものですか？ そこには大きなコレクションがあるのでしょうか？ そして一番の問題は、果たして気に入るだろうかということだ。

それで私は準備をして行きました。 ギャラリーはミュゼオン アート パークの中心にあり、それ自体が非常に興味深いものです。 ギャラリーの建物は建築物としては目立ったものはなく、やや粗末な印象です。

1階にはクローク、カフェ、レジ、トイレがあります。 さて、手続きを終えて常設展示のある4階へ上がります。

博物館のコレクションは非常に多様で興味深いものです。 たとえば、K. マレーヴィチの有名な「黒い広場」など、いくつかの絵は私にはよくわかりませんでした。 また、絵の名前だけでそれだとわかるほど、見慣れた街路を興味深く映したものもありました。

ギャラリーはとにかく広大で、数時間歩いて行けます。たくさんの彫刻があります。

私の意見では、ギャラリーは誰にとっても、それが好きではない人にとっても興味深いものになるでしょう 現代美術。 私の意見では、ほとんどの絵は美しいものではなく、興味深いものです。 美しい絵画を見たい場合は、ラヴルシンスキー通りに集められています。 訪問者に笑顔をもたらす絵もあれば、誰にとってもほとんど興味を持たない絵もありました。 しかし、そこに何が描かれているかが不明確であればあるほど、より多くの人がキャンバスの周りに集まりました。

全てを伝えるのは無理なので、また行きたいです。

• 国務省トレチャコフ美術館の展示物 ロシア美術XX世紀- 前衛主義、構成主義、社会主義リアリズムなど。
• 2階には1900年代から1960年代の絵画や彫刻が展示されています。
• マレーヴィチの傑作(「Black Square」の最初のバージョンとその他の作品)、マーク シャガール、ワシリー・カンディンスキーそして他のアーティストも。
• 作品を見るには ロシア現代美術（1950年代～現在）の場合は3階まで行く必要があります。
• ギャラリー主催者 テーマ展示、講義、ディスカッション、映画上映などの教育活動が進行中です。
• 子供向けのクリエイティブセンターがあります。

クリムスキー・ヴァルにある国立トレチャコフ美術館の部門は、完全に 20 世紀のロシア美術に特化しています。 ここには、最初の「黒い広場」、タトリンの「レタトリンズ」、マシュコフの静物画、コンチャロフスキーの肖像画、ペトロフ＝ヴォドキンの「赤馬の水浴び」、社会主義リアリズムの主要なシンボルや最も有名な芸術家の作品が展示されています。重要な不適合者が展示されています。 この博物館への訪問は、20 世紀のロシアを旅することに匹敵します。

博覧会

常設展示を行う美術館スペースは2つのフロアに分かれています。 2 階にはコレクションの大部分、1900 年代から 1960 年代の絵画と彫刻が収蔵されています。 3 階には、1950 年代から現在までのロシア現代美術のコレクションが展示されています。 2 階の最初の 5 つのホールは、ロシアの初期前衛芸術、つまり「ダイヤのジャック」と「ロバの尻尾」協会のアーティスト (M. ラリオノフと P. コンチャロフスキー、I. マシュコフ) および個人の巨匠に捧げられています。 N. ピロスマニ、V. タトリン、A. レントゥロフなど。次のセクション (ホール 5、6、9) – 1910 年代の古典的なロシア アヴァンギャルドの作品: 「黒い広場」とカジミール マレーヴィチのその他のシュプレマティズム作品「イリヤ・クリュンの「走る風景」、オルガ・ロザノワの作品、タトリンのカウンターレリーフ、ワシリー・カンディンスキーの「コンポジションVII」、マルク・シャガールの「都市の上」、アレクサンドラ・エクスターの「ヴェニス」、パベル・フィロノフの作曲。

部屋 6、7、8、10、11 では、アレクサンダー・ロドチェンコ、ヴァルヴァラ・ステパノヴァ、リュボフ・ポポワ、ラザール・リシツキー、ゲオルギー・シュテンベルク、OBMOKHU 協会といった構成主義アーティストの作品を見ることができます。

展示室 15 ～ 25 には、前衛的な傾向が徐々に背景に消えていった 1920 年代半ばから 1930 年代初頭までの定義が難しい時期の絵画が展示されています。 これらは非常に異なる巨匠による作品であり、そのうちの何人か（A.ドレビン、G.ルブレフなど）は生涯に展示する機会がなく、自分自身や狭いサークルのために働いていましたが、他の人、たとえばA.デイネカとピメノフになりました。 中心人物公式スタイル。

社会主義リアリズムの古典的な作品が同じ空間に並行して展示されています。 その中には、アレクサンダー・デイネカ、アイザック・ブロツキーの「ゴールキーパー」、M・ネステロフとP・コリンの肖像画、ワシリー・エフファノフの「忘れられない出会い」、アレクサンダー・ゲラシモフの「クレムリンのスターリンとヴォロシーロフ」、ユーリの「新しいモスクワ」などがある。ピメノフ、アレクサンダー・ラクティオノワの「正面からの手紙」、ヒョードル・レシェトニコフの「デュース・アゲイン」。

ホール 27 ～ 37 の展示は、ロシアの歴史における新たな時代、つまり 1950 ～ 1960 年代のフルシチョフの雪解けと若い世代の芸術的探求の継続を記念するものです。 これはアーティスト、タイル・サラホフ、ヴィクトル・ポプコフ、セルゲイ・トカチェフとアレクセイ・トカチェフ兄弟、ゲリー・コルジェフ、パーベル・ニコノフ、ドミトリー・ジリンスキー、タチアナ・ナザレンコの作品です。

1950 年代後半から発展した非形式主義芸術は、部屋 30 ～ 35 に展示されています。 非国教徒はソ連美術の公式路線を受け入れず、したがって広く展示する機会がなかった。 個性的なスタイルを求めて、これらの芸術家たちはロシアの前衛芸術や西洋モダニズムの忘れ去られた伝統に目を向けます。 トレチャコフ美術館のコレクションでは、この時期を代表するのが、ウラジーミル・ヤコブレフ、アナトリー・ズベレフ、レフ・クロピヴニツキー、オスカー・ラビン、ウラジーミル・ネムヒン、ミハイル・ロギンスキー、ドミトリー・プラビンスキー、ドミトリー・クラスノペフツェフ、ウラジーミル・ヴァイスベルク、ヴィクトル・ピボヴァロフ、ウラジーミル・ヤンキレフスキーの作品です。

代表画集 最新のトレンドは4階ホールに展示されており、毎年補充されます。 時代的には、世紀後半の絵画コレクションと交差します。 イリヤ・カバコフ、フランシスコ・インファンテ、コンスタンチン・ズベズドチェトフ、ユーリ・アルバート、オレグ・クリク、イワン・チュイコフ、ドミトリー・プリゴフなどの巨匠の作品がここに展示されています。

ギャラリーの活動

クリムスキー・ヴァルに関する展覧会は、当初ギャラリー用に設計されていた建物が完成してから 3 年後の 1986 年に開催されました。 この建物は公園の延長として構想されました。 ゴーリキーなので、その形は公園のパビリオンに似ています。 同じ理由で、自立型支柱を備えたオープンな下部、長い長さ、低い階数を備えています。 巨大な展示スペースにより、美術館は美術史のさまざまな時期に特化した大規模な展示プロジェクトを実行する機会を得ることができます。 2000年代には、展覧会「カール・ブリュロフ」が開催されました。 生誕200年へ』『マレーヴィチの輪の中で』『オスカー・ラビン。 3 つの人生。 レトロスペクティブ」、「ヴィクトル・ポプコフ。 1932-1974」など。2010年代には「ドミトリー・プリゴフ。 ルネサンスから概念主義、そしてその先へ」、「ナタリア・ゴンチャロワ。 東と西の間」、「ピエト・モンドリアン（1872–1944） - 抽象化への道」、「コンスタンチン・コロヴィン。 絵画。 劇場。 生誕150周年へ』『真実とは何か？ ニコライ・GE。 生誕180周年へ』『ALEXANDER LABAS. 20世紀のスピードで』など。

博物館は積極的な教育活動を行っています。 大規模な展示会では、講演、ディスカッション、映画上映が行われます。 大人向けのロシア美術史に関するサイクル、子供向けの創造的なワークショップ、特別コース、若者向けの「美術評論家学校」を備えた別の講堂もあります。

20世紀の芸術

ジナイダ・エフゲニエフナ・セレブリャコワ。 「トイレの後ろです。 自画像。」 1909年

クズマ・セルゲイヴィチ・ペトロフ＝ヴォドキン（1861–1939）。 赤い馬の水浴び 1912 年。キャンバスに油彩。 160x186

1912 年のワールド オブ アート展では、K. S. ペトロフ＝ヴォドキンの絵画「赤い馬の水浴び」が公開され、一般の人々、芸術家、批評家はそれを刷新の兆しとして認識しました。 1910 年代初頭、芸術についての古い考えが時代遅れになり、芸術環境で暴力的な混乱が起こっていたとき、多くの人にとって、「赤い馬の水浴び」という絵は、古いものと新しいもの、「左翼」を調和させるアイデアであるように見えました。そして「右」、学術と芸術の世界。 アーティストは記念碑的な作品を「構築」し、それに「プログラム性」を与え、深くて容量の多い内容を表現できる重要な形式を見つけました。 この絵は芸術的誠実さの一例となり、芸術的決断を絶対的に具現化したものとなったが、これは20世紀初頭のロシア絵画では稀な現象であった。 それは、古代ロシアのイコンやルネサンスの記念碑的な絵画、装飾芸術、アールヌーボー様式、人物像の解釈におけるほぼ古典的な彫刻など、さまざまな伝統を有機的に組み合わせました。

絵画の空間は、いわば構図自体の外側に位置する高い地平線のおかげで、実際の平面に限定されながら上昇し、実際に鑑賞者に向かって前進するように構成されています。キャンバス。 同時に、奥行きが消えることはありません。背景の人物が大幅に削減されたおかげで、見る人はそれを感じます。

著者は、当時多くの芸術家が虜になっていた印象派の絵画技法を使って論争を繰り広げているようで、形の実現に関するキュビズムの原則からは距離を置き、未来的な実験には興味がありません。

この絵のもう1つの特徴は、ペトロフ＝ヴォドキンの作品全体に特徴的なものです。作品のプロットは意図的に日常（馬の水浴び）であるという事実にもかかわらず、その出来事についての物語は含まれていません。 そして、プロットは非常に明白ですが、画家はそれをある理想的なイメージにまで引き上げることに成功しました。 彼が目標を達成するためのテクニックの 1 つは、主に主要な人物 (赤い馬) の色の解釈です。 同時に、ここには意図的にキャッチーな「ポスター」はありません。 むしろ伝統はある 古代ロシアの芸術: アイコンには赤い馬がよく見られます (赤は美しい)。 この絵画の明らかに感じられる哀愁、深い内面の状態としての精神性の表現は、この作品をロシアの国民的世界観を具体化したものとしている。 イーゼル作品は、その内部的な重要性、精神的な内容、ランダムな詳細がないため、記念碑的な作品として認識されます。

エフゲニー・エフゲニエヴィチ・ランスレイ（1875–1946）。 ツァールスコエ・セローのエリザベタ・ペトロヴナ皇后 1905年。厚紙に紙、ガッシュ。 43.5x62

「ワールド・オブ・アート」アーティストの中でも若い現代人であるランズレーは、「回想的な夢想家」の比喩的な言語を巧みに使いこなし、「黄金の」18世紀の宮廷見掛け倒しのライフスタイルを淡々と、同時に皮肉を込めて再現している。 エリザベタ・ペトロヴナが従者とともに退場する場面は、芸術家によって一種の演劇的パフォーマンスとして解釈されており、そこでは皇后の雄大な姿が宮殿のファサードの延長として認識されています。 この構成は、壮大な宮廷の行列、バロック建築の奇妙な華麗さ、そして普通の公園の人気のない花壇のコントラストに基づいています。 アーティストは、建築上の装飾要素とトイレの細部の点呼に魅了されています。 皇后の列車は引き上げられた劇場のカーテンに似ており、その後ろでいつもの役を演じようと急いでいる宮廷俳優たちの姿に私たちは驚かされます。 ごちゃ混ぜの顔や人物の中に「隠れた人物」が隠れています。それは、皇室の列車を熱心に運ぶ若い小さな黒人です。 好奇心旺盛な細部もアーティストの視線から隠されていませんでした。紳士のお気に入りの気難しい手の中にある、閉じられていない嗅ぎタバコ入れです。 模様や色の斑点の揺らめきが、過去の瞬間が甦るような感覚を生み出します。

コンスタンチン・アンドレーヴィチ・ソモフ（1869–1939）。 レディ・イン・ブルー 1897 ～ 1900 年。 キャンバスに油彩。 103x103

「Lady in Blue」は、作者の親友で芸術アカデミーのクラスメートである芸術家 E.M. マルティノバを描いた肖像画です。 私たちの前には古代の様式化された公園があり、豪華なドレスを着ています 18 世紀独自の複雑な精神世界を持つ女性。 この芸術家によって制作された回顧的な肖像画は、ロシア美術における新しい現象です。 絵の中の「勇敢な時代」のディテールと、銀の時代の憧れの女性の洗練された外観が組み合わされて、最終的には複雑で矛盾した時代の精神を伝えます。

この構成は、計画とその色彩ソリューションの比較に基づいています。 ほっそりとした女性の姿が正方形のキャンバスにぴったりと収まり、肖像画にある種の代表性を与えています。 ヒロインの衣服の深い青色のきらめきが、細かく描かれた彼女の顔の青みがかった影の透明感を際立たせ、壊れやすい肩を開き、美しい手のしぐさの表現力を強調します。 モデルの可塑性はすべて、過去の時代の偉大な巨匠を思い出させます。 池のある古い公園と、遠くで音楽を演奏するカップルが、描かれている人物の雰囲気と明らかに対照的です。 これはむしろ公園の記憶であり、時間が経つにつれてすべての色が鈍くなり、青い人物の背景である茂みの葉は奇妙な「生気のない」色になっています（色あせた古い木の葉と同じです）タペストリー）。 ここでの過去と現在とのつながりは次のとおりです。 男性の姿、その外観で、絵の作者が推測されます。

ソモフの作品において、E.M. マルティノヴァの肖像画は特別な位置を占めており、崇高さ、詩的さ、イメージの純粋さの点で、また表現力と達成された作品の点で、彼が「ブルーの貴婦人」に匹敵するものを描くことは二度とありません。芸術的具現化の「絶対」。

ヴィクトル・エルピディフォロヴィチ・ボリソフ＝ムサトフ（1870年 - 1905年）。 貯水池 1902 ～ 1903 年。 キャンバスに油彩。 177x216

ボリソフ＝ムサトフの絵画には、常に刺激的で説明のつかない謎の感覚が含まれています。 色のもやの下に隠されていた世界がアーティストに開かれる主な動機は次のとおりです。 高貴な巣、朽ち果てた古代の邸宅。 ボリソフ＝ムサトフの作曲の滑らかな音楽のリズムは、彼のお気に入りのテーマを何度も再現します。これらは公園の隅であり、 女性像それはイメージだと思われる 人間の魂、眠りの半現実の領域をさまよっています。

絵画「貯水池」は、プロゾロワ・ゴリツィン・ズブリロフカ王女の財産の公園で、芸術家にとって最も幸せな時期に制作されました。エレナ・ウラジミロフナ・アレクサンドロワは彼の妻になることに同意しました。 彼の妹、エレナ・ボリソワ＝ムサトワと花嫁はアーティストのためにポーズをとり、永遠の女性らしさのイメージを体現した。

キャンバスが自然、つまり池と本物の女性のある本物の公園から描かれているという事実にもかかわらず、誰もがその中にこの世のものではないものを見ました。 この絵画の神秘的な半現実性と時代を超越した性質は、夢の世界の象徴主義的なビジョンを最も詩的に表現したものとなりました。 芸術家は、その輪郭が実際には完全な円であった貯水池を大きな楕円形として描き、その端はキャンバスを超えて伸びています。 ムサトフがこよなく愛したこの幾何学的な形は、美しい楕円形にレイアウトされたヒロインの一人の、似ているが小さめのスカートによって反映されています。 彼らの組み合わせは、作品全体に特定の音楽リズムを即座に設定します。 構図の独特な構成、つまり写真から地平線を排除することは重要なテクニックです。 これを使用して、画家は最初の計画と 2 番目の計画を意図的に近づけ、キャンバスをより平らにします。 前景に位置するヒロインたちは池の下に位置しており、空のように穏やかで澄んだ水面自体が文字通り彼らの上に垂れ下がっています。 その結果、垂直に持ち上げて配置した本物の鏡のような錯覚が得られます。 から 普通の風景まったく異なるイメージ、新しい現実が生まれます。これは象徴主義の芸術家に非常に典型的でした。

フィリップ・アンドレーヴィチ・マリャヴィン（1869–1940）。 「旋風」1906年。キャンバスに油彩。 223x410

作品の中で、芸術家はロシア絵画の伝統的な民俗テーマに独自の方法でアプローチし、絵画の強力な要素を強調しました。 女性の画像、記念碑的なものを与えます。 伝統的な背景、大きな人物、浅い空間、そして異常に朗々とした色彩を備えたマリャヴィンの大胆な絵画は、強調的に装飾的です。 しかし、20 世紀初頭、同時代人はそれを一種の挑戦とみなしました。

絵画「旋風」では、農民の女性たちが「古いロシアの叙事詩のおとぎ話のヒロイン」のように踊ります。 彼らはラウンドダンスに自然の要素を取り入れています。 流れる衣服はカラフルなストロークの自発的な流れを形成し、炎の熱いフラッシュ、冷たい水の流れ、灼熱の風の吐息、または花で覆われた草原を思い出させます。 旋風の踊りのリズムに合わせて、自由な筆の動きによって絵に特別なダイナミズムを与えています。 I. E. グラバールはマリャヴィンに、乾燥の長い特別な絵の具で描くようにアドバイスしました。 その結果、絵が似てきました 火山溶岩、一種の動くモザイクの効果が現れました。 形と色が重なり合い、内部に緊張感を生み出します。 これにより、印象派とモダニズムといったさまざまな文体の傾向が交差して構築された絵の表現力が高まります。 この作品は第一次ロシア革命中に制作されました。 そのプロットでは、燃えるような赤い色の中に、精神的な復活への希望と、蔓延する破壊の力の予感の両方を見ることができます。

アレクサンダー・ニコラエヴィッチ・ブノア（1870–1960）。 キングス ウォーク 1906。キャンバスに紙、水彩、ガッシュ、ブロンズ ペイント、シルバー ペイント、グラファイト鉛筆、ペン、ブラシ。 48x62

A. N. ベノアの名前は、1898 年に設立されたワールド オブ アート協会に関連しています。彼はその創設者の 1 人であり、イデオロギー的リーダーでもありました。 ブノワは芸術家、理論家、芸術批評家であり、絵画の巨匠個人と美術史全般に特化した多くの単行本や研究書を執筆しました。 芸術家ブノワの作品は、主に「太陽王時代のフランス」と「サンクトペテルブルク 18 世」の 2 つのテーマに捧げられています。 19 世紀初頭何世紀にもわたって、それが何らかの形で具現化されました 歴史的な絵画、過去を振り返る特別な「回顧的」な外観を作成します。 芸術家は、サンクトペテルブルクとその周辺の宮殿、そして長期にわたって頻繁に訪れたフランスのベルサイユでの生活をもとに描いた歴史絵画や風景作品でこれらのテーマを取り上げました。

王の散歩を説明するとき、著者は何も無視しませんでした。庭園建築のある公園の景色（人生を描いたもの）も、 演劇、古代では非常にファッショナブルであり、史料を注意深く研究した後に描かれた日常の風景でもありません。 『王の散歩道』はとても印象に残る作品です。 視聴者は、彼の発案によるものを歩いているルイ 14 世に出会う。 ベルサイユは秋です。木々や茂みは葉を落とし、裸の枝が灰色の空に寂しそうに見えます。 水面は穏やかです。 静かな池を邪魔するものは何もないようで、その鏡には噴水の彫刻群と君主と側近の華やかな行列が映っています。

ルイ 14 世の時代を回想して、ブノワは次のように書いています。「私はルイ・カトルザという人物に対して特別な崇拝を持っていませんでした...しかし、この時代の老人の疲労、若い頃の傲慢さに取って代わられた趣味の低下の始まり、不注意と雄大な美の感覚が、突然この世界を私の世界に変えたのです。」

イーゴリ・エマヌイロヴィチ・グラバール（1871–1960）。 菊 1905 年。キャンバス、テンペラ、パステル。 98x98

I.E.グラバールは、芸術家、美術史家、教師、修復家、博物館、そして公人として、ロシア芸術文化における普遍的な人物です。 1913 年から 1925 年まで、彼はトレチャコフ美術館の館長を務め、科学に基づいて慎重に考え抜かれたコンセプトに基づいて美術館に新しい展示を作成しました。これは、その後の美術館の展示の一種のモデルとなりました。

グラバールはフランスの巨匠の探求を受け入れ、キャンバス上に絵の具を別々に塗布するという分割主義の手法を積極的に使用しました。 「菊」は、この芸術家の最も壮観な静物画です。 まるで屋外にいるかのように、明るい部屋に緑豊かな花束が飾られています。 窓から差し込む陽光の温かさと室内の冷たさが融合した空気に満ちた空間です。 絵の表面は、光と空気の環境の振動を伝える部分的なレリーフストロークで構成されています。 色は暖色系と寒色系に分かれており、黄色の菊の緑がかった色合い、テーブルクロスの表面の黄色と青、ピンクと緑のグラデーション、花瓶の螺鈿の輝きなどがあります。 カラフルなストロークのちらつきは、色の反射を吸収した変化に富んだ動きのある雰囲気の効果を生み出し、部屋の中のオブジェクトを包み込みます。 しかし、この技術により、芸術家はガラスの透明性、貴重な磁器の皿、でんぷんをまぶしたテーブルクロスのまばゆいばかりの白さ、菊の花の優しさとビロードのような質感など、オブジェクトの質感を目に見える形で正確に伝えることができます。

セルゲイ・ティモフェーヴィチ・コネンコフ（1874–1971）。 ナイキ 1906。大理石。 32×19×12

S.T.コネンコフは、広範な比喩的な一般化、勇気、人間の美しさの賛美とその高貴な衝動、自由への欲求の深さと知恵によって作品が支配されているアーティストです。 大理石の頭「ナイキ」は、コネンコフの最高傑作の 1 つです。 巨匠は、時間の大きな概念と重要な出来事の象徴性を、あらゆるジャンルやサイズの作品で表現することができました。 このように、小さな「ナイキ」は、その輝かしいインスピレーションで人々を魅了します。 勝利のアイデアは、顕著なロシアの国民的特徴を持つ非常に若い女の子のイメージで彫刻家によって具現化されています。 彫刻家のモデルはトレクゴルナヤ工場の労働者でした。 ナイキのイメージは、肖像画としての性格を失うことなく、喜び、飛行、不滅性の詩的な具現化に変わりました。 この驚くべき、真に詩的な自然の再考は、コネンコフの作品の最も強力な特徴の 1 つです。

巨匠の最高の作品の多くは大理石で制作されています。 ほとんどの場合、これらは彫刻家の言葉を借りれば「美しい」作品です。 人間の形その人の最高の性格特性を体現する」

ナタリア・セルゲイヴナ・ゴンチャロワ（1881–1962）。 黄色いユリの自画像 1907 年。キャンバスに油彩。 58.2x77

最初の「前衛アマゾン」の一人であり、新世代の女性画家であるN. S. ゴンチャロワは、モスクワのスタジオで自画像を描き、室内には印象派時代の彼女の作品が展示されています。 ゴッホの絵画を彷彿とさせる素早いストロークで、キャンバスに表情豊かに描かれています。 イメージは明るく叙情的で、花はそれに特別な詩的な性質を与えます - ゴンチャロフを自分自身に抱きしめるユリの花束。 また、鮮やかな赤い斑点がキャンバスの全体的な背景に対して目立つ、色彩的なアクセントとしても機能します。

ミハイル・フェドロヴィチ・ラリオノフ（1881–1964）。 春。 季節 (新しいプリミティブ) 1912 年。キャンバスに油彩。 118x142

1900 年代後半から 1910 年代初頭にかけてのロシアの前衛運動の指導者、M. F. ラリオノフ 大きな価値誠実で純朴で軽薄に見える 子どもたちの創造力なぜなら、それは常に即時的であり、子供の意識の奥底から来るものだからです。 素朴な人の真似をする 子供の絵、アーティストは、誠実で自発的な作品を作成しようとしました。 子供の目を通して世界を見つめたラリオノフは、一連の絵画「季節」を書きました。そこでは、それぞれの季節がシンプルな女性像で表され、その後に意図的にずさんに書かれた説明が続きます。 しかし、計画の実行は子供じみたほど深いものではないことが判明しました。

春は不器用な羽の生えた天使たちに囲まれ、春の鳥が花のつぼみをつけた小枝を彼女に運んでくる。 右側の縦縞で囲まれた木には、聖書の知識の木と解釈できる同じ木が生えています。 絵の下側の「レジスター」の右側には、知識の木に面した両側に男性と女性の横顔が描かれており、明らかに目覚めを経験している原始的なアダムとイブのイメージです。 優しい気持ち自然そのものが目覚めるのと同じように、そしておそらく、すでに禁断の果実を味わった人々も目覚めます。 同じ空間のかなり下に、別の 聖書の物語- 「楽園追放」。 同じ下部の「レジスター」の左側のフィールドには、あたかも子供が作ったかのような春の素朴な説明が続きます。「春は澄んでいて、美しいです。 明るい色と白い雲」では、しかし、そこにはアーティストのある種のずるさが感じられます。 タイトルのサブタイトルで「新しいプリミティブ」と読み、心の中​​で「...永遠のテーマについて」で終わるのは偶然ではありません。

アレクサンダー・ヤコヴレヴィチ・ゴロビン（1863–1930）。 ホロフェルネス役の F. I. シャリアピンの肖像 1908 年。キャンバス、テンペラ、パステル。 163.5x212

「ホロフェルネス役の F.I. シャリアピンの肖像」はその 1 つです。 最高の作品アーティスト兼セットデザイナーのA. Ya. A.N.セロフのオペラ「ジュディス」のミザンシーンを再現しています。 シャリアピン＝ホロフェルネスは、豪華な装飾が施されたテントの豪華なベッドに横たわり、抱きかかえている。 右手彼はカップを持ち、左手で傲慢な態度で前を指さした。 キャンバスの構成はイーゼル絵画の法則に従って構築され、モデルの角度とオブジェクトの任意の照明が作品にフレスコ画の特徴を与えます。 アッシリアの軍事指導者を演じたシャリアピンの姿は背景とほとんど一体化しており、一種の装飾模様のように見えます。 キャンバスには波のような動きが浸透しており、これは東の司令官のイメージに対する音楽的な解決策の性質を表現する主要なプラスチック モチーフです。 作品の色彩豊かなサウンドが非常に豊かです。 この劇的な肖像画の中で、ゴロヴィンは、アーティストの衣装と頭飾りの豊かで明るい色を用いて、偉大なロシアの歌手の声の美しさを強調しているかのように見えます。

コンスタンチン・アレクセーヴィチ・コロヴィン（1861–1939）。 バラとスミレ 1912 年。キャンバスに油彩。 73.2x92

K. A. コロヴィンの名前は、ロシア絵画における印象派の出現に関連しています。 1910 年代、コロヴィンは静物画に興味を持つようになり、演劇装飾の分野で彼の革新的な探求が具体化されました。 彼は、豪華で優しい、情熱と存在の喜びの象徴であるバラをよく描きました。 アーティストは、スイープなストロークでそれぞれの花の「肖像画」を作成し、バラがキャンバス上に咲き、色褪せることのない新鮮さが印象的です。

夜のパリの大通りを見下ろす開いた窓を背景に、バラ、紫色のスミレの小さな花束、赤オレンジ、シュガー ボウル、コーヒー ポットのある静物画が描かれています。 通りはランタンの不確実な光によって幽霊のような光の明滅に変わります。 静物画は部屋の内側から照明が当たっており、不自然に明るく見えます。 光は現実を変える魔法のゲームを作り出しているようです。

ニコライ・ペトロヴィチ・クリモフ（1884–1958）。 モスクワの風景。 レインボー 1908 年。キャンバスに油彩。 59x69

若いニコライ・クリモフの最初の絵画はすでにロシア語でそれを実証しました 風景画都市生活者がそこに入り、都市の家々やカラフルな屋根の世界の美しさを見て、感じることができました。 秘密の生活都会の喧騒の中にある自然。 キャンバス「モスクワの風景。」 レインボー」はクリモフの作品の中で特別な位置を占めています。 それは象徴主義的な世界のビジョンと芸術家の印象派の探求を組み合わせています。虹は文字通り色で配置されており、風景自体が全体として象徴主義者の目には天上と地上の世界の間の神秘的な対応を表しています。

まるで子供の目から見たような、壊れやすくおもちゃのような世界観。 虹が空間を覆い、その破片が屋根を滑り落ち、窓で輝きます。 子供が虹のおもちゃの「プロトタイプ」である風車を手に持って広場の小道を走っています。 このカラフルな世界の中で、作者は店の看板に自分のイニシャルを隠しました。

この絵は、虹の光が存在のあらゆる部分に浸透する、変容した世界の勝利を象徴しています。 クリモフの絵画的なスタイルは、表面の輝きに貢献しています。 レリーフ ストロークは、キャンバスの表面に貴重な虹色のマジョリカ釉薬の効果を生み出します。

パーベル・ヴァルフォロメーヴィチ・クズネツォフ（1878–1968）。 草原の夕べ 1912 年。キャンバスに油彩。 96.7x105.1

「青いバラ」の主要な巨匠の 1 人である P. V. クズネツォフは、1912 年から 1913 年にかけて中央アジア中を旅し、東洋の人々の生活の記憶と、彼が見たものの多くを捉えた作品を旅行から持ち帰りました。 絵画「草原の夕べ」では、芸術家はキルギスの遊牧民の生活の一場面を描きました。 女性は忙しい 日常の出来事、羊が平和に草を食べており、平和と静けさが流れています。

休む自然と人間は調和して一体化しています。 構図には不必要なディテールは一切なく、柔らかな光に包まれた大地、空、細い木々、数匹の羊と2人の女性の人物だけが描かれています。 ここには特定の地形や民族の特徴はなく、そのおかげで描かれているものの境界は普遍的なスケールに拡張されています。 空間は慣例に近づき、軽くて広いストロークが彼の穏やかで均一な呼吸を伝えているかのようです。

ワシリー・ヴァシリエヴィチ・カンディンスキー（1866–1944）。 即興演奏 7 1910。キャンバスに油彩。 97x131

V. V. カンディンスキーは、抽象絵画の創始者の一人とみなされています。 伝えたいという思いの中に新たな芸術の道を見た 内部コンテンツ世界の外面的な形態、そしてその結果として、その現実的な反映を拒否することになります。 彼の作品の中で、芸術家は客観的な形式（何らかのプロットを通じて）の助けを借りずに、絵画的な手段だけを通して個人的な感情を伝えようとしました。 たとえば、彼は通常の具象芸術のジャンルの代わりに、印象、即興、構成を使用しました。

即興演奏は、主に無意識のうちに突然起こる内部プロセスの表現です。 「インプロビゼーション 7」はその 1 つです。 初期の作品カンディンスキー。 オブジェクトの世界ここではそれらは面と線の動きに溶け込み、色が複雑に調和しています。

カジミール・セヴェリノヴィチ・マレーヴィチ（1878–1935）。 アーティスト M. V. Matyushin の肖像画、1913 年。キャンバスに油彩。 106.5×106.7

1913年までに、ロシアの未来主義者の間で立方未来主義という芸術運動が現れた。 その作成者は、未来主義とキュビズムのアイデアを統合しようとしました。 未来派の主な仕事は、動きの感覚を伝えることです。

マレーヴィチは、さまざまな幾何学的平面からマチューシンの肖像画を構成しました。そのため、一見すると、ピカソやブラックのキュビスム作品のスタイルに似ています。 しかし、大きな違いもあります。キュビスムの創始者は主にモノクロ技法で書いたのに対し、マレーヴィチは積極的にリッチな技法を使用しました。 配色。 この絵のもう 1 つの特徴は、抽象性にもかかわらず、現実的な細部がキャンバス全体に点在していることです。 したがって、たとえば、彼を知る人々の証言によると、額の真ん中で髪をとかした部分は、マチューシンの髪型を正確に繰り返しています。 おそらくこれが、これが肖像画であることを示す唯一の詳細です。 マチューシンは芸術家であるだけでなく作曲家でもあったので、絵を斜めに区切る白い長方形の線がピアノの鍵盤であることを推測するのは難しくありません（そして黒鍵はありません - ミハイル・ヴァシリエヴィチ・マチューシンの音楽体系の独創性のヒントです） ）。

スタニスラフ・ユリアノヴィチ・ジュコフスキー（1875–1944）。 ジョイフル 1912 年 5 月。キャンバスに油彩。 95.3x131.2

ポーランド出身のロシア人芸術家、S.ユー・ジュコフスキーは、「楽しい五月」という絵画で、開いた窓から暖かく晴れた五月の日が差し込み、部屋全体が遊び心で一変するカントリーハウスの内部を描いた。ライト。 この作品は、主に A. G. ヴェネツィアノフの派を中心としたロマン派時代の室内絵画の伝統を継承しています。 太陽が降り注ぐ内装は印象派の影響を受けて描かれており、ロシア版は叙情的な雰囲気が特徴です。

古い木製の壁、窓の開口部の間に置かれた青い布張りのエンパイアチェア、そしてずっと前に亡くなったこの家の住人の肖像画が多くのことを物語っています。 ノスタルジックなモチーフをふんだんに取り入れたインテリア。 ここにあるものはすべて過去の息吹を感じさせますが、5月のいたるところに広がる楽しい光がマイナーな音を消し、このインテリアを徐々に生き生きとさせます。 照らされた窓辺の青い花 - 来た人の象徴として 古い家すべての自然の再生の特徴。

ボリス・ミハイロヴィチ・クストーディエフ（1878–1927）。 マースレニツァ 1916 年。キャンバスにテンペラ。 61x123

画家、グラフィックアーティスト、舞台芸術家であるB.M.クストーディエフの冬のお祭りや休日をテーマにしたキャンバスは、喜びと楽しさに満ちています。 その中で中心的な場所は、乗馬を伴うロシアのマースレニツァのイメージに属し、 殴り合いそしてブース。 芸術家にとって、この休日はカーニバルのようなもので、すべてが装飾的で美しいです。色とりどりのショールや毛皮のコートを着込んだ人々が歩き回ります。 リボン、鈴、紙の花で飾られた馬が競走します。 そして自然そのものさえも最高の装いをしているように見えました。

マースレニツァやその他の民俗行事に捧げられた数多くの絵画において、クストーディエフにとって、目まぐるしい感情の渦を強調することが重要でした。 おそらくそれが、彼らの運動の主な動機が常に制御不能なレースのトロイカであった理由です。 これらの作品のダイナミクスは、光と影の対照的な遊び、「シーン」の使用など、演劇および装飾芸術の構成技術に基づいています。 これらのキャンバスは色がとても装飾的で、 構成的な構造、風変わりなペイントされた箱に似ています。 さらに驚くべきことは、巨匠の作品のほとんどが記憶に基づいて書かれており、ルーシ全体の一般化されたイメージを表しているという事実です。 彼らの英雄たちはすべての否定的なものを取り除いています。彼らは優しく、詩的で、尊厳に満ちており、法律と伝統を尊重して生きています。 そして、生き方はこうだという無意識の感覚があります。 家父長制の世界必然的に過去のものになります。

ロバート・ラファイロヴィッチ・フォーク（1886–1958）。 赤い家具 1920年。キャンバスに油彩。 105x123

R.R. フォークは画家であり、製図家であり、 演劇アーティスト、「ワールド・オブ・アート」、「ジャック・オブ・ダイアモンズ」、後にOMHやAHRRなどの協会のメンバー。 このアーティストのキャンバスは、美しく表現されたボリューム感が特徴です。 いくつかの作品では、マスターは鋭い変形を導入し、それにより絵の中の内部の緊張を強調することができました。

これは「赤い家具」という絵画にも見られます。絵の中には人物がいないにも関わらず、形の変化や色の表現が非常に感情豊かで、見る者は思わず不安な予感を覚えます。 印象は、部屋にある物体とそこから落ちる影によって形成されるリズムの緊張感を強調する、気まぐれで「興奮した」とさえ言える書き方によって強化されます。 背もたれの高い椅子やソファは赤いカバーで「ドレスアップ」されています。 それらは家具の本当の形を隠し、輪郭を曖昧にします。 構図の中央にはテーブルがあり、その表面で一種の戦いが行われます。 白い色- 絶対的な対立のイメージとして、同時に世界の永遠の統一として。

デビッド・ペトロヴィッチ・シュテレンベルク（1881–1948）。 アニスカ 1926年。キャンバスに油彩。 125x197

D.P.シュテレンバーグは、イーゼル画家協会の積極的な主催者および会員の一人でした。 巨匠の作品は、イメージの表現力豊かな鮮明さ、簡潔な構成、描画の一般性と明瞭さ、および意図的にフラットな空間構成によって特徴付けられます。

しかし、作家のヒロインは明るくなく、 人生に満足している彼女は運動選手だが農民の少女であり、彼女の心の中には1920年代の飢餓の記憶が永遠に残っている。 彼女はテーブルの近くに立っていて、その上に黒パンの皮が乗った皿が置かれています。 テーブルは完全に空であり、記号オブジェクトが 1 つだけある裸のフィールドです。パンです。 シュテレンバーグは現実を詳細に再現することを拒否し、条件付きの幻想的な青茶色の空間を作り出します。

シュテレンバーグは、まばらだが正確に調整された色と構成の手段を使用して、当時の悲劇を再現します。

セルゲイ・アレクセーヴィチ・ルチシキン（1902–1989）。 ボールは飛んでいった 1926 年。キャンバスに油彩。 69x106

S.A.ルチシキンは、革命後のロシア・アヴァンギャルドの「第二波」に参加し、1920年代の最も過激な芸術的実験の数々に参加したソビエトの芸術家です。 舞台的で遊び心があり、通常は非常にドラマチックな内容が、マスターの最高のイーゼル作品を際立たせます。

作者が「ボールが飛んできた」という絵画の中で描いた現実のイメージは、1920年代のソ連の公式美術に反している。 芸術家は、まるでそれらの間の空間を圧迫するかのように、高い建物を描きました。 フェンスで囲まれた背景の誰もいない庭に、小さな女の子が立っています。 彼女はボールが果てしなく空いた空間に飛び去っていくのを眺めている。 窓には高層ビルに住む人々の日常生活の風景が映し出されます。 アーティストは明るい幸せな未来を示さない ソビエト人、しかし、ロマンチックな日常生活からは程遠い、現実の日常生活について語ります。 悲劇的な兆候は、外側の素朴さを通して現れます。巨匠の最も有名な絵画の隅にある自殺者の吊り下げられた置物です。

マーク・ザハロヴィチ・シャガール（1887–1985）。 1914 ～ 1918 年の都市上空。 キャンバスに油彩。 141x197

高尚なものと普通のものを組み合わせる能力 - 個々の品質 20世紀の前衛芸術の最も有名な代表者の一人であるM. Z. シャガールの創造性。 絵画「都市の上」には、まるで公園の小道を散歩しているかのように、ヴィチェプスクの上空を軽々と優雅にそして自然に舞い上がる、芸術家と彼の最愛のベラという二人の恋人が描かれています。 愛し、幸せになり、日常の街の上空を飛ぶことは、お互いを腕に抱きしめるのと同じくらい自然なことです。これがヒーローたちが肯定する考えです。

このシャガールの絵は数奇な運命をたどりました。 国立トレチャコフ美術館の所有物であるこの作品は、おそらくソ連崩壊後の空間で最も人気のあるこの芸術家の作品となっています。 その理由は主に、鉄のカーテンによって覗き見から確実に隠されていたシャガールの作品とは対照的に、その鑑賞のしやすさによるものでした。 巨匠が丁寧に描いた小さな家やぐらつく柵の世界に足を踏み入れると、自分がシャガールの青春時代を過ごしたヴィテブスクにいるような錯覚に陥りますが、残念なことに今はもう存在しない街です。 「ワッテルや屋根、ログハウスやフェンス、そしてその後ろに広がるすべてのものが私を喜ばせました。 正確には何ですか - 私の絵「都市の上」で見ることができます。 そして、私はあなたに言うことができます。 連なる家と小屋、窓、門、鶏、板で覆われた小さな工場、教会、なだらかな丘（放棄された墓地）。 床に座って屋根裏部屋の窓から見れば、すべてが丸見えだ」これはシャガールがロシアを去った後に書いた自伝『私の人生』からの引用である。

マルティロス・セルゲイビッチ・サリャン（1880–1972）。 山。 アルメニア 1923 年。キャンバスに油彩。 66x68

M. S. サリアンは、象徴主義の伝統を継承した 20 世紀のアルメニア絵画の最大の巨匠です。 アーティストの 1920 年代の絵画「山。 アルメニア」はアルメニアの集合的なイメージを提示するものであり、個々の場所の特定のイメージを提示するものではありません。 これらの作品は、明るさと感情性を備え、サリアンの革命以前の作品に似ていますが、後者との違いは、より記念碑的な点だけです。 ほぼ40年にわたってアルメニアの最も注目すべき場所すべてを旅し、自然の中で多くの作品を制作してきたこの芸術家は、膨大な数の多様な風景を生み出しました。 1920 年代の終わりに、サリアンの景観分野での仕事の方法が変わりました。 速乾性のテンペラ絵の具の代わりに、彼は油絵の具を使用しています。これにより、以前のように記憶に基づいてではなく、生活から直接風景を描くことが可能になります。

ピョートル・ペトロヴィチ・コンチャロフスキー（1867–1956）。 V. E. メイエルホールドの肖像画、1938 年。キャンバスに油彩。 211x233

大規模な弾圧の時代、メイエルホリドの逮捕と死の直前に、P. P. コンチャロフスキーはこの傑出した人物の肖像画を作成しました。 劇場版フィギュア。 監督兼改革者フセヴォロド・エミリエヴィチ・メイエルホリドにとって、1938 年は劇的に始まりました。1 月 7 日、芸術委員会は清算に関する決議を採択しました。 州立劇場メイエルホールド (GOSTIM) にちなんで名付けられました。

個人と周囲の現実との間の葛藤を強調するために、監督のポートレートを作成する際、アーティストは複雑な構成ソリューションを使用しました。 一見すると、キャンバスには夢想家が描かれているように見えますが、その夢は壁全体、ソファから床までを覆う色付きのパターンで具現化されています。 しかし、よく見てみると、モデルの痛みを伴う無関心、周囲の世界からの無関心がわかります。 装飾品でびっしりと覆われた明るいカーペットと、パターンの奇妙な曲線に締め付けられ絡まり合っているように錯覚する監督のモノクロの人物を並置することによって、コンチャロフスキーは特別な感情的緊張を生み出し、作品の内容を明らかにしている。画像。

イリヤ・イワノビッチ・マシュコフ（1881–1944）。 モスクワの食べ物 1924 年。キャンバスに油彩。 129x145

美術協会「ダイヤのジャック」の創設者の一人であるI・I・マシュコフは、自分の絵について次のように語った。 絵画それは私たちの時代に合致していると感じられ、すべての働く人にとって理解しやすく、説得力があり、理解しやすいものでなければなりません。 このシンプルなプロットの中でリアルなアートを表現したいと思いました。 静物画の「パン」は、当時のモスクワの普通のパン屋さんです...そして構成はある意味不注意でぎこちないですが、私たちのモスクワ、地元のものであり、パリのものではありません...パンは私たちの母なるロシアです...親愛なるパン、オーケストラ、オルガン、合唱。」 しかし、この画家は不誠実で、記憶に基づいて静物画を描いたとは言っていない。

この作品が展覧会に出品されるとすぐに、ソビエト絵画の古典として認められました。 ソ連の公式批評は、社会主義リアリズム絵画の課題と静物画の対応を指摘した。確かに、この国には飢餓があるが、芸術には驚くべき豊かさがある。 それにもかかわらず、この作品は、ダイナミックな構成、色彩の豊かさなど、このアーティストの絵画に対する並外れた才能を明らかにしました。これらすべての特徴は、「ダイヤモンドのジャック」のアーティストの特徴でした。

ヴェラ・イグナティエヴナ・ムヒナ（1889–1953）。 ジュリア 1925 年。木。 身長180

20 世紀の傑出した巨匠 V.I. ムヒナの彫刻は、2006 年に国立トレチャコフ美術館のコレクションとして収蔵されました。 この作品はすでにクリムスキー・ヴァルにある美術館の常設展示で展示されています。 作品タイトルはモデルとなったバレリーナ・ポドグルスカヤの名前にちなんだもの。 著者は、複雑な芸術的概念を螺旋状の動きで表現された図で具体化しました。 これは、手作りの職人技の独自性を保存している稀有な木彫の例です。 ロシアの美術評論家A・V・バクシンスキーは、これを「真に丸い彫刻」と呼んだ。

ヴェラ・イグナティエヴナはこの作品をとても愛し、最後の日まで工房に保管していました。 1989 年、彫刻「ジュリア」は、V.I. ムヒナの生誕 100 周年を記念してギャラリーの壁内で開催された個展に出品されました。 その後、このプラスチック製の傑作は彼女の息子 V. A. ザムコフの家族に預けられ、彼の死後、その作品を国立トレチャコフ美術館のコレクションに移すよう遺贈されました。

サラ・ドミトリエフナ・レベデワ（1892年 - 1967年）。 蝶を持つ少女 1936 年。ブロンズ。 高さ215

「蝶を持つ少女」は、モスクワ中央文化レジャー公園を飾ることを目的とした風景彫刻のブロンズ鋳物です（公園には保存されていないセメントバージョンがありました）。 像の可塑性は、手に止まった蝶を怖がらせないようにする少女の慎重な動きを伝えます。 この作品でも、他の作品と同様、彫刻家でアーティストのサラ・レベデヴァは、モデルの感情状態に気づき、「瞬間を止めて」蝶を捕まえようとする微妙な心理学者として登場します。

ニコライ・コンスタンティノヴィチ・イストミン（1886年（1887年）～1942年）。 1933 年の大学。キャンバスに油彩。 125.5×141.5

イストミンはミュンヘンで美術教育を受け、マコヴェッツと四芸術協会の会員であったが、1930年代初頭の清算後は革命ロシア芸術家協会に加わった。 絵画「ヴゾフキ」では、芸術家はスターリン時代の芸術に関連した社会主義の将来の構築者である若者のテーマを扱っています。 しかし、この作品の解決策は、絵の美しさと内容の両方の点で、当時の主題絵画のポスターの楽観主義とほとんど共通点がありません。 フォーヴィスムの影響を受けて創造性の初期に発達したイストミンの特徴的な絵画技法を明らかにします。

濃い緑色の壁に大きな四角い窓のある居心地の良い部屋。その後ろにはピンクパール（内側の深く強い色とは対照的に）の冬の街が見えます。 光を背景に、黒い服を着て忙しく読書をする 2 人の女の子の優雅なシルエットが見えます。 この作品のヒロインたちは双子の姉妹のように似ています。 一見、私たちの目の前に 日常ジャンル、しかし、この大きく、広く、そして大胆に描かれたキャンバスの意味は、明らかに物語の細部にあるわけではなく、少女たちの性格や活動にあるのではありません。 この写真は、プロットとしては平凡だが、遠い昔の別の時代への開かれた窓のように見え、見る者を 1930 年代の精神的な雰囲気に浸らせているようだ。 この絵は厳格で生々しい色彩構成を持ち、叙情性が際立っており、この時代の尊大な芸術作品の中でも際立って際立っています。

パベル・ドミトリエヴィチ・コリン（1892–1967）。 アレクサンダー・ネフスキー。 三連祭壇画の中央部分 1951 年。キャンバスに油彩。 72.5x101

芸術家は、大祖国戦争中のロシアの困難な時期に、ロシアの武器を賛美するキャンバスを作成しました。 三連祭壇画の中央の絵には、1240 年のネヴァ川の戦いでスウェーデン人に勝利したことによりネフスキーというあだ名が付けられ、1549 年にロシア正教会によって列聖されたアレクサンドル ヤロスラヴィチ王子が描かれています。この王子は、鑑賞者には目的を持った人物のように見えます。勇敢な指揮官。 甲冑を着込み、大きな剣を前に構えた肩の広い戦士が、果てしなく広がるロシアの大地を背景に立っており、祖国を注意深く守っている。 アレクサンドル・ネフスキーは、自由と独立のために最後の血の一滴まで戦う準備ができているロシア国民の勇気と勇気を体現しています。 「私はロシア人の性格を伝え、この国の不可欠な特徴である勇気の精神を体現したかった。勇気の精神はロシア国民に戦闘で死ぬまで戦い、行動するよう奨励した」と芸術家は回想した。フォワード。 運命に対する不服従の精神、その意志と忍耐力は、『イーゴリ遠征物語』やプーシキンの最初の詩、そして私たち自身の心に響き渡ります。」

この絵に基づいて、後にモスクワ地下鉄のコムソモリスカヤ・コルツェヴァヤ駅用のモザイクが作成されました。

ユーリ（ゲオルギー）・イワノビッチ・ピメノフ（1903年 - 1977年）。 新しいモスクワ 1937 年。キャンバスに油彩。 140×170

1930年代半ば以来、イーゼル画家協会の創立者の一人であるピメノフはモスクワに関する一連の絵画に取り組み、その中で「新しいモスクワ」というキャンバスが特に人気を集めました。 芸術家たちは、別の形式を必要とする新しいソビエト神話の創造に真摯な熱意を持って取り組みました。 「新しいモスクワ」という絵画は、時代の精神に完全に対応しています。 構図はカメラのレンズで捉えたフレームとしてデザインされています。 著者は、1930年代には前例のなかった車を運転する女性の姿に注目する。 観客は彼女の後ろに座って、オープンカーから新しい朝のモスクワを眺めているようだ。 新しく建てられたゴスプランの建物の一枚岩の大部分、自由な大通りと広大な広場、最近開通した地下鉄の緋文字、これらすべてが新しくなったモスクワです。 色、さまざまな色合いや色調で遊ぶ、動きのあるストロークは、車の動きと光と空気の環境の振動を伝えます。 印象派の絵画スタイルは、作品に新鮮さと優雅さを与えています。これはまさに、新しい首都とそれに伴う新しいソビエトの生活がどのように認識されるべきだったかです。 しかし、この絵が描かれた年は、「明るい道」という楽観的なテーマとは明らかに矛盾しています。

アレクサンダー・ミハイロヴィチ・ゲラシモフ（1881–1963）。 バレリーナ O. V. レペシンスカヤの肖像画、1939 年。キャンバスに油彩。 157×200

画家の並外れた才能、陽気で「甘美な」画風、これらすべては、A.M.ゲラシモフが社会主義リアリズムのキャリアのはしごを上るにつれて、儀式的な輝きを獲得しました。 ゲラシモフは肖像画のギャラリー全体を作成しました 著名な人物ソビエト国家とソビエト連邦共産党、ソビエト軍の軍事指導者、ソビエトの科学、文学、演劇、美術の代表者。 党幹部の顔を背景に、芸術家は創造的なインテリの肖像画（バレリーナO.V.レペシンスカヤ、集団肖像画）に出口を見つけた。 最古のアーティスト I.N.パブロワ、V.N.バクシェフ、V.K.ビャリニツキー＝ビルリ、V.N.メッシュコフ）など。

完璧なテクニックを持っていたレペシンスカヤは、バレエの舞台で生み出されるあらゆるイメージに、彼女自身の生き生きとした輝くキャラクターを反映することができました。 アーティストはリハーサルの瞬間にバレリーナを捕まえます。 ヒロインは典型的なダンスステップで視聴者の前で一瞬固まった。彼女はトウシューズで立ち、チュチュの上に手を置き、頭をわずかに横に向け、あたかも次の作品への出演の準備をしているかのようだった。リハーサル会場の真ん中。 別の瞬間、バレリーナは踊り続けます。 彼女の目は輝き、インスピレーションと自分の職業に対する愛に満ちています。 この映画では、伝統的な表現と創造的な活動の新しい視点が組み合わされています。 バレリーナの人生におけるダンスは、 最高の意味その存在。

ミハイル・ヴァシリエヴィチ・ネステロフ（1862–1942）。 彫刻家 V. I. ムキナの肖像画、1940 年。キャンバスに油彩。 75×80

この絵にはヴェラ・ムキナが描かれています。 ソ連の彫刻家を含む多くの有名な作品の著者。 有名なグループ 1937 年にパリの万国博覧会で発表された「労働者と集団農場の女性」。ヴェラ・イグナティエヴナが将来の彫刻のプロトタイプに最終的な追加を加えま​​す。 彼女は片手に小さな粘土を持ち、もう一方の手で英雄の一人の体積を大きくします。 ここでは、形のない粘土から真の芸術作品が生まれる瞬間、創造の行為がダイレクトに捉えられています。

作品の構成の中心は、白いブラウスの襟を留めている真っ赤なブローチです。 ネステロフは、ムヒナの集中力を、彼女が作品の中で伝える素早いダイナミズムと絶望的な衝動と対比させます。 この感情的なコントラストのおかげで、「彫刻家V. I. ムヒナの肖像」は特別な表現力と活発な内面を獲得し、それによってヴェラ・イグナティエヴナ自身の複雑な性格を明らかにしています。

タイア・テイムラゾヴィチ・サラホフ（1928年生まれ）。 作曲家カラ・カラエフの肖像画、1960年。キャンバスに油彩。 121x203

アゼルバイジャンの傑出した作曲家カーラ・ガラエフの肖像画において、芸術家は音楽誕生の困難な過程を表現しようとしました。 鑑賞者から心理的な観点から閉じられた集中したポーズは、内なる声への極度の集中を物語ります。 創造的なプロセスは激しくて長いものになることがあり、その間、自分自身に没頭している人にとって外の生活が凍りついたように見えたり、解決策が見つかるまで1つの音符で非常に長い時間続いたりします。 作曲家の座る姿を背景に、黒い長いピアノが延々と続いているように見えるのはこのためだろうか。 この写真 楽器構図の測定されたリズムを設定し、白いジャンパーを着た主人公に必要なコントラストとして機能します。 アーティストは、カラエフの人物像やインテリアアイテムの厳格な輪郭をほぼグラフィックデザインに持ち込みました。 作曲家の内なる芸術性、才能、創造的な緊張感がカラーシステムによって明らかにされます。

グリゴリー・イワノビッチ・ケピノフ（グリゴール・オワノビッチ・ケピニャン）（1886年 - 1966年）。 女性の胴体 1934 ～ 1946 年。 大理石。 身長71

パリのジュリアンアカデミーで学んだソビエトの有名な彫刻家G.I.ケピノフは、彫刻における学術的伝統を保存することが自分の義務であると考えていました。 彼は多くの同時代人の肖像画を描きました。

大理石の「女性の胴体」 - 美しい彫刻の具現化 女性の美しさ、しかし、古典的な理解とは異なり、これは時代の理想と調和した英雄的な美しさです。 美しい裸体は緊張しており、石のブロックから人物を解放する動きはミケランジェロの未完の作品を彷彿とさせます。

オレグ・コンスタンティノヴィチ・コモフ（1932–1994）。 ガラス 1958。ブロンズ。 高さ60

ブロンズ 彫刻的な構成「Glass」は、モスクワ美術館を卒業する1年前にO.K.コモフによって制作されました。 V.I.スリコワ。 作者のスタイルは、主に 1950 年代後半から 1960 年代前半の絵画で生じ、日常生活を詩的に表現した過酷なスタイル (または過酷なリアリズム) として定義されます。 普通の人、彼らの強さと意志。 のために 厳しいスタイルイメージの記念碑性への欲求は特徴的であり、それはコモフの彫刻構成にも現れています。

彼のヒロインは素朴な若い労働者で、その強い手と、彼女と同じような何百万人もの人々の手で国を建設しています。 過酷な生活そして困難な仕事は優雅さと脆弱性を乗り越えて生き延びました。 「野蛮」は流行ではない。働くことは名誉なことだ。 作業員の穏やかな自信に満ちたポーズは、ガラスの不安定な位置と対照的であり、全体の構成はこれらの相反するものの統一の印象を与えます。

空間はこの作品の主要な構成要素の 1 つになります。 彼と女性の関係は複雑かつ曖昧だ。 ヒロインが両手を大きく広げるしぐさ 外の世界へ、積極的にそれと対話しますが、彼女のスペースは、あたかもフレーム内にあるかのように、彼女が押し込まれているガラスの輪郭によって制限されます。 ガラスは彼女が世界を認識するためのプリズムであると同時に、彼女とこの世界の間にある見えない壁でもあります。

アルカディ・アレクセーヴィチ・プラストフ（1893–1972）。 1954 年春。キャンバスに油彩。 123x210

モスクワ絵画学校の優れた代表者の一人であるA.A.プラストフは、V.A.セロフ、A.E.アルヒポフ、そしてロシア芸術家連合の巨匠たちの伝統を作品の中で引き継ぎました。 「人間の肉体が最大限の緊張感と真実の中で熱意を持って表現される」という農民のテーマへの忠実さ、「大きな」画面の有機的な色彩と印象の自発性は、1940 年代から 1950 年代のこのアーティストの作品の特徴です。

絵画「春」の中で、画家は、すべての人の想像力の中に生きており、原則として現実の生活では具体化されない、肉体的および精神的な女性の美の理想を捉えることができました。 冷たさ、文章の脱落、 感動的なイメージ子どもよ、プロットの単純さと自然さにより、この作品は感覚的な認識ではアクセスできない純粋な喜びと貞淑な愛の台座の上に置かれています。 プラストフは作品を「春」と呼んだ（「春」ではない） 古い浴場")、それによってその比喩的な性質が強調され、この単語に関連付けられた世界芸術の一連の連想イメージ全体が記憶に呼び起こされます。

XX-XXI世紀 1922年。 ベニート・ムッソリーニの「ローマ行進」、このドゥーチェ（「指導者」）はローマをイタリア・ファシズムの中心地に変える。 1943 年にレイアウトされたヴィア デイ フォーリ インペリアーリのメインストリート。 連合軍機によるローマの壊滅的な爆撃の後、ムッソリーニは軍務官によって逮捕された。

XX-XXI世紀、1912年。 1923年、イタリアはロードス島を占領し、その後残りのドデカニサ諸島を占領した。 1943 年、ローザンヌ条約によりイタリアの支配が確立されました。 ドイツはロードス島を占領し、1944年にロードス島のユダヤ人全員を島から追放しました。 ギリシャ軍