器楽や交響曲を演奏するオーケストラの種類。 17～18世紀の交響楽団について：宮廷装飾としてのオーケストラ

遠くで雷鳴が聞こえます。ここでは、雷がますます激しくなり、稲妻が光り、雨が降り始め、雨の音が激しくなります。しかし、ハリケーンは徐々に弱まり、太陽が顔を出し、雨粒がその光の下で輝いた。
ベートーベンの交響曲第６番が流れています。
聞く！雷はティンパニで表現されます。雨の音はコントラバスとチェロによって伝えられます。ヴァイオリンやフルートが、まるで風が狂ったように吠えているかのような演奏です。
オーケストラが交響曲を演奏します。

交響楽団。それは音の奇跡と呼ばれ、さまざまな音の色合いを伝えることができます。
交響楽団には通常 100 を超える楽器があります。ミュージシャンは厳密に定義された順序で座ります。これにより、指揮者がオーケストラをコントロールするのがより便利になります。
弦楽器が手前にあります。それらはいわば、音楽の基礎を織り上げ、その上に他の楽器、つまりフルート、オーボエ、クラリネット、ファゴット、トランペット、ホーン、トロンボーン、そしてパーカッション（ドラム、ティンパニ、シンバル）が音に色や色合いを加えていくのです。
交響楽団の主要な楽器を写真で見ることができます。作曲家は、通常は交響楽団の一部ではない楽器を導入することがあります。これは、オルガン、ピアノ、ベル、タンバリン、カスタネットなどです。
アラム・ハチャトゥリアンのバレエ「ガイーヌ」の「セイバーダンス」を聞いたことがあるでしょう。このダンスの主要なメロディーの 1 つはサックスによって演奏されます。サクソフォーンが交響楽団に初めて導入されたのは 19 世紀になってからであり、それ以来、交響曲作品でよく聞かれるようになりました。

楽器は何世紀も前に登場しました。それらの中で最も古いものはドラム、ドラム、タムタム、ティンパニであり、すでに原始的な人々の間で使われていました。もちろん、ツールは時代とともに変化します。したがって、現代のティンパニは祖先のものとは大きく異なります。以前は動物の皮で覆われた鉄の大釜でしたが、現在ではティンパニは銅で作られ、プラスチックで締められ、正確に調整できるネジが作られています。
交響楽団では、ドラムが音楽のリズムの基礎となります。また、雷、雨、一斉射撃、パレードでの厳粛な軍隊の行進などを表現するためにも使用され、オーケストラの音に強さと力強さを与えます。
打楽器の演奏はそれほど難しくないと思っている人もいます。たとえば、必要な場所でシンバルを叩いて、それで終わりです。実は、このようにシンプルに見える楽器を演奏するには、高い技術が必要です。シンバルの音が違います。それはあなたがそれらをどれだけ強く打つかによって異なります。その音は突き刺すように大きく、葉の擦れる音に似ています。作品によってはシンバルがソロパートを演奏する場合もあります。たとえば、チャイコフスキーの幻想序曲「ロミオとジュリエット」では、モンタギュー家とキャピュレット家という 2 つの家族の敵対を伝えるメロディーをリードしています。

シンバルはティンパニとよく混同されます。しかし、ティンパニはまったく異なる方法で演奏され、フェルトで覆われたスティックで叩かれます。
おそらくあなたは管楽器に最も精通しているでしょう。あなたもおそらくそれらの多くを目にし、それらがどのような音であるかを聞いたことがあるでしょう。
おとぎ話や伝説から、私たちは楽器の起源の歴史を学ぶことがあります。したがって、ある古代ギリシャ神話では、森と野原の神、羊飼いの守護聖人であるパーンがニンフのシュリンクスに恋をしたと言われています。パンはとても怖かったです - ひづめと角があり、毛で覆われていました。美しいニンフは彼から逃げ、川の神に助けを求めました。そして彼はシリンクスを葦に変えました。そこからパンは甘い響きのフルートを作りました。
羊飼いのリードパイプはまさに最初の管楽器です。このパイプの曾孫はフルート、ファゴット、クラリネット、オーボエです。これらの楽器はそれぞれ見た目が異なり、音も異なります。
通常、オーケストラでは金管楽器が背後にあります。
昔、人々は動物の甲羅や角を吹くと音楽的な音が鳴ることに気づきました。それから彼らは角や貝殻に似た金属から道具を作り始めました。写真で見るような形になるまでに何年もかかりました。
オーケストラには金管楽器もたくさんあります。これらにはチューバ、ホルン、トロンボーンが含まれます。その中で最大のものはチューバです。この低音を歌う楽器はまさに巨人です。
次にパイプを見てください。それは鍛冶場に非常によく似ています。かつて、ラッパは兵士たちを戦いに呼び、休日の始まりでした。そしてオーケストラでは、彼女は最初に単純な信号パートを割り当てられました。しかしその後、マウスピースが改良され、トランペットはソロ楽器としてますます頻繁に使用されるようになりました。 P.I.チャイコフスキーのバレエ「白鳥の湖」には「ナポリの踊り」があります。そこでトランペットが奏でる見事なソロに注目してください。

すべての金管楽器が鳴り響くと、力強く雄大なメロディーが生まれます。
しかし、何よりもオーケストラには弦楽器が存在します。ヴァイオリンだけでも数十本あり、第二ヴァイオリン、チェロ、コントラバスもある。
弦楽器が最も重要です。彼らはオーケストラを率いて主旋律を演奏します。
ヴァイオリンはオーケストラの女王と呼ばれています。多くの特別な協奏曲がヴァイオリンのために書かれています。偉大なヴァイオリニスト、パガニーニについては、もちろん聞いたことがあるでしょう。この魔術師兼音楽家の手にかかれば、小さくてエレガントなヴァイオリンがオーケストラ全体のように鳴り響きました。
ヴァイオリンはイタリアのクレモナ市で生まれました。イタリアの最高の巨匠、アマティ、グァルネリ、ストラディヴァリ、そしてロシアの I. バトフ、A. レーマンのヴァイオリンは、今日でも比類のないものと考えられています。
これで、交響楽団の楽器について少し理解できました。音楽を聴くときは、声で楽器を区別するようにしてください。
もちろん、これをすぐに実行するのは難しいかもしれません。しかし、どのようにして読書を学んだのか、小さくて単純な本から始めて、成長してどんどん学び、本格的で賢明な本を読み始めたのかを思い出してください。
音楽を理解することも学ぶ必要があります。自分で演奏しない場合でも、もっと頻繁に聴くようにしてください。そうすれば、音楽はその魔法のようなおとぎ話の世界の秘密を明らかにしてくれるでしょう。

交響楽団に関する興味深い事実

何世紀にもわたる歴史の中でかなり多くの情報が収集されている交響楽団に関する興味深く魅力的な事実をぜひ知ってください。このような興味深い情報により、バレエ芸術の愛好家だけでなく、この分野の真の専門家にとっても何か新しい発見ができることを願っています。

交響楽団の結成は数世紀にわたって小規模なアンサンブルから始まり、音楽に新しいジャンルが出現し、演奏者のグループの変更が必要となった 16 ～ 17 世紀に始まりました。完全に小さな構成は18世紀になって初めて決定されました。
演奏者の数は、曲や演奏場所によって異なりますが、50 人から 110 人までの範囲です。これまでに記録された最大の出演者数は、1964 年にオスロのイレヴァールスタジアムで行われた公演に遡り、20,100 人が参加しました。
時々、ダブルまたはトリプルの交響楽団という名前を聞くことがありますが、これは編成されている管楽器の数によって与えられ、その規模を表しています。
彼はオーケストラの発展に多大な貢献をした L. ベートーベン 、したがって、彼の作品では、古典的な、または小さな交響楽団が最終的に確立され、後の時代には大規模な編成の特徴が現れました。
交響楽団はドイツとアメリカの座席配置を採用しています。したがって、ロシア語ではアメリカのものが使用されます。
世界中のオーケストラの中で、自ら指揮者を選び、何かがあればいつでも対応できる唯一のオーケストラ、それがウィーン・フィルハーモニー管弦楽団です。
指揮者が全くいないグループもあります。このアイデアは 1922 年にロシアのペルシムファンによって初めて採用されました。これはチームワークを重視する当時の思想によるものでした。その後、他のオーケストラもこれに倣い、現在でもプラハやオーストラリアでは指揮者のいないオーケストラが存在します。

オーケストラはオーボエまたは音叉によって調律され、後者の音は時間の経過とともにますます高くなります。実際のところ、最初は国が違えば響きも違っていました。 18世紀のドイツでは、その音はイタリア語より低く、フランス語よりは高かった。設定を高くすればするほど明るいサウンドになると考えられており、どのバンドもこれを目指しています。それが、私たちの時代にその音を380 Hz（バロック）から442 Hzに増加させた理由です。さらに、この数値はベンチマークとなっていますが、ウィーンと同様にそれを上回る 445 Hz にも成功しています。
19 世紀までは、指揮者の任務には楽器を演奏することも含まれていました。 チェンバロ または バイオリン 。さらに、指揮棒はなく、作曲家や音楽家が楽器を使ったり、うなずいたりしてビートを刻んでいました。
クラシック音楽の分野で権威ある出版物として知られる英国の権威ある雑誌「グラモフォン」は、世界最高のオーケストラのリストを発表し、その中でロシアのグループが14位、15位、16位に入った。

木管楽器

フルート（イタリアのフルート、フランスのフルート、ドイツのフルート、英国のフルート）

フルートは世界最古の楽器の一つで、古代にはエジプト、ギリシャ、ローマで知られていました。古代以来、人々は一方の端を閉じたカットされたリードから音楽の音を抽出することを学びました。この原始的な楽器は、明らかにフルートの遠い祖先でした。中世のヨーロッパでは、ストレートと横の 2 種類のフルートが普及しました。ストレートフルート、または「先端フルート」は、オーボエやクラリネットのように、体の前にまっすぐに構えられました。斜め、または横方向 - 斜めに。横フルートは改良が容易だったので、より実現可能であることが判明しました。 18 世紀半ばになって、ついに交響楽団の直接フルートに取って代わられるようになりました。同時に、フルートはハープやチェンバロと並んで、家庭での音楽演奏に最も人気のある楽器の 1 つになりました。たとえば、フルートはロシアの芸術家フェドトフやプロイセン王フリードリヒ 2 世によって演奏されました。

フルートは木管楽器グループの中で最も機敏な楽器であり、技巧の点で他のすべての管楽器を上回ります。この例としては、ラヴェルのバレエ組曲「ダフニスとクロエ」が挙げられますが、そこではフルートが実際に独奏楽器として機能します。

フルートは木製または金属製の円筒形の管で、頭部の片側が閉じられています。側面には空気注入用の穴も開いています。フルートの演奏には大量の空気の消費が必要です。息を吹き込むと、一部の空気が穴の鋭い端で壊れて逃げてしまいます。これにより、特に低音域で特有のシューという音が発生します。同じ理由で、フルートでは持続音や幅広いメロディーを演奏するのが困難です。

リムスキー＝コルサコフはフルートの響きを次のように述べています。「その音色は冷たく、長調では優雅で軽薄な性質の旋律に最も適しており、短調では表面的な悲しみのタッチを伴う。」

多くの場合、作曲家は 3 本のフルートのアンサンブルを使用します。一例は、チャイコフスキーの「くるみ割り人形」の羊飼いの踊りです。.

オーボエ (ドイツ語: Oboe)

オーボエはその起源の古さにおいてフルートに匹敵します。その祖先は原始的なパイプにまで遡ります。オーボエの祖先の中で最も普及したのはギリシャのアウロスで、古代ギリシャ人はこれなしでは祝宴も演劇も想像できませんでした。オーボエの祖先は中東からヨーロッパにやって来ました。

17 世紀に、パイプ型楽器のボンバルダからオーボエが誕生し、すぐにオーケストラで人気になりました。すぐにそれはコンサート用の楽器になりました。ほぼ一世紀にわたり、オーボエは音楽家や音楽愛好家たちのアイドルであり続けています。 17 世紀と 18 世紀の最高の作曲家、リュリー、ラモー、バッハ、ヘンデルは、この趣味に敬意を表しました。たとえば、ヘンデルはオーボエのための協奏曲を書きましたが、その難しさは現代のオーボエ奏者ですら混乱させる可能性があります。しかし、19世紀初頭には、オーケストラにおけるオーボエの「カルト」はいくらか薄れ、木管楽器グループにおける主役の座はクラリネットに移りました。

オーボエの構造は円錐形の管です。一方の端には小さな漏斗形の鐘があり、もう一方の端には杖があり、演奏者はそれを口にくわえます。

いくつかの設計上の特徴のおかげで、オーボエはチューニングを失うことはありません。そのため、オーケストラ全体をそれに合わせてチューニングすることが伝統となっています。交響楽団の前、演奏者がステージに集まると、オーボエ奏者が第 1 オクターブの A を演奏し、他の演奏者が楽器を調律しているのがよく聞こえます。

オーボエはフルートには劣りますが、柔軟なテクニックを持っています。それは名手というよりはむしろ歌う楽器であり、一般にその領域は悲しみと優雅さです。『白鳥の湖』の休憩から第二幕にかけての白鳥のテーマや、チャイコフスキーの交響曲第4番の第二楽章のシンプルな哀愁を帯びた曲では、このように聞こえます。時折、オーボエには「喜劇的な役割」が割り当てられることがあります。たとえば、チャイコフスキーの「眠れる森の美女」の変奏曲「猫と猫」では、オーボエが猫の鳴き声を面白く真似しています。

ファゴット (イタリア語ファゴット、ドイツ語ファゴット、フランス語ファゴット、英語ファゴット)

ファゴットの祖先は古代のバスパイプであるボンバルダであると考えられています。それに代わるファゴットは、16 世紀前半にカノンアフラニオデリアルボネシによって建造されました。半分に曲がった大きな木の管は薪の束に似ており、それが楽器の名前に反映されています（イタリア語のファゴットは「オカマ」を意味します）。ファゴットはその心地よい音色で同時代の人々を魅了し、砲撃のしわがれた声とは対照的に、ファゴットを「ドルチーノ」、つまり甘いと呼ぶようになりました。

その後、ファゴットはその外観を維持しながら大幅な改良が加えられました。 17世紀から交響楽団に加わり、18世紀から軍楽団に加わった。ファゴットの円錐形の木製バレルは非常に大きいため、半分に「折り畳まれ」ます。器具の上部には湾曲した金属管が取り付けられており、その上に杖が置かれます。演奏中、ファゴットは演奏者の首からコードで吊り下げられます。

18 世紀、この楽器は同時代の人々の間で大きな愛を博しました。ある者はそれを「誇り高い」と呼び、またある者はそれを「優しく、メランコリックで、宗教的」と呼びました。リムスキー＝コルサコフは、ファゴットの色を非常にユニークな方法で定義しました。「その音色は、長調では老人のように嘲笑し、短調では痛ましいほど悲しいものです。」ファゴットの演奏には多くの呼吸が必要であり、低音域のフォルテは演奏者に極度の疲労を引き起こす可能性があります。ツールの機能は非常に多様です。確かに、18 世紀には弦ベースのサポートに限定されることが多かったです。しかし、19 世紀に入ると、ベートーベンとウェーバーの登場により、ファゴットはオーケストラの個々の声となり、その後の巨匠たちはそれぞれファゴットに新たな特性を発見しました。マイアベーアは、「悪魔のロバート」でファゴットに「霜が皮膚を這う死の笑い」（ベルリオーズの言葉）を描かせました。リムスキー＝コルサコフは、「シェヘラザード」（ツァレヴィチ王カレンダーの物語）の中で、ファゴットの中に詩的な語り手を発見しました。ファゴットはこの最後の役割で特に頻繁に演奏します。トーマス・マンがファゴットを「アラバマ物語」と呼んだのはおそらくこれが理由でしょう。その例は、4 台のファゴットのためのユーモラスなスケルツォや、ファゴットがおじいさんの「役割」を割り当てられたプロコフィエフのピーターと狼、またはショスタコーヴィチの第 9 交響曲のフィナーレの冒頭に見られます。

コントラファゴット

ファゴットの品種は、私たちの時代では、カウンターファゴットというたった1つの代表者に限定されています。これはオーケストラの中で最も低い楽器です。オルガンのペダルベースだけが、カウンターファゴットの極端な音より低く聞こえます。

ファゴットの音階を下向きに続けるというアイデアは非常に昔に現れました - 最初のカウンターファゴットは 1620 年に作られました。しかし、この楽器はあまりにも不完全だったので、この楽器が改良される 19 世紀末まではほとんど使用されず、ハイドン、ベートーヴェン、グリンカによって時折使用されました。

現代のコントラファゴットは 3 回曲がった楽器です。広げたときの長さは 5 メートル 93 cm (!) です。技術的にはファゴットに似ていますが、機敏さはそれほどなく、分厚く、ほとんどオルガンのような音色を持っています。 19 世紀の作曲家、リムスキー＝コルサコフ、ブラームスは、通常、低音を強化するためにコントラファゴットに注目しました。しかし時には興味深いソロが彼のために書かれることもあり、例えばラヴェルは「美女と野獣の会話」（バレエ「マイ・マザー・グース」）で彼に怪物の声を割り当てた。

クラリネット（イタリアンクラリネット、ジャーマンクラリネット、フレンチクラリネット）

オーボエ、フルート、ファゴットは 4 世紀以上にわたってオーケストラに存在していますが、クラリネットがしっかりと確立されたのは 18 世紀になってからです。クラリネットの祖先は中世の民族楽器、シャリュモー・パイプでした。 1690 年にドイツの巨匠デナーが改良に成功したと考えられています。この楽器の高音域は、その鋭く鋭い音色で同時代の人々を驚かせました。それは当時「クラリーノ」と呼ばれていたトランペットの音をすぐに思い出させました。新しい楽器は「小さなトランペット」を意味するクラリネットと呼ばれました。

クラリネットの外観はオーボエに似ています。これは、一端に花冠の形をした鐘があり、もう一端に杖の先端が付いている円筒形の木の管です。

木管楽器の中で音の強弱を柔軟に変えることができるのはクラリネットだけです。クラリネットのこのような特質と他の多くの特質により、そのサウンドはオーケストラの中で最も表現力豊かな声の 1 つとなりました。興味深いのは、同じプロットを扱った二人のロシアの作曲家が全く同じように行動したということだ。リムスキー＝コルサコフとチャイコフスキーの「雪の乙女」では、レルの羊飼いの調べがクラリネットに託されている。

クラリネットの音色は、多くの場合、暗く劇的な状況に関連付けられます。この表現力の領域はウェーバーによって「発見」されました。「マジックシューター」の「ウルフバレー」のシーンで、彼は楽器の低音域にどのような悲劇的な効果が隠されているかを最初に推測しました。チャイコフスキーは後にスペードの女王で伯爵夫人の幽霊が現れる場面で低いクラリネットの不気味な音を使用しました。

小型のクラリネット。

小さなクラリネットは軍の吹奏楽団から交響楽団にやって来ました。ベルリオーズがこの曲を初めて使用し、幻想交響曲の最終楽章で歪んだ「最愛のテーマ」を託しました。ワーグナー、リムスキー＝コルサコフ、R. シュトラウスは、しばしば小型クラリネットに注目しました。ショスタコーヴィチ。

バセソーン。

18 世紀の終わりには、クラリネットファミリーにもう 1 つのメンバーが加わり、豊かになりました。古代のアルトクラリネットの一種であるバセットホルンがオーケストラに登場しました。主な楽器よりも大きく、その音色は穏やかで荘厳でマットな印象で、通常のクラリネットとバスクラリネットの中間的な位置を占めていました。彼がオーケストラに在籍したのはわずか数十年で、その全盛期はモーツァルトのおかげでした。「レクイエム」の冒頭は、ファゴットを伴う2本のバセットホルンのために書かれました（現在、バセットホルンはクラリネットに置き換えられています）。

アルトクラリネットという名前でこの楽器を復活させようという試みがR.シュトラウスによって行われましたが、それ以来繰り返されなかったようです。現在、バセットホーンは軍楽隊に組み込まれています。

バスクラリネット。

バスクラリネットは、ファミリーの中で最も「印象的な」代表です。 18世紀末に建造され、交響楽団において確固たる地位を築いた。この楽器の形状は非常に珍しいです。ベルは喫煙パイプのように上向きに曲がっており、マウスピースは湾曲したロッドに取り付けられています。これはすべて、楽器の法外な長さを減らし、使いやすくするためです。マイアベーアは、この楽器の巨大な劇的な力を最初に「発見」しました。ワーグナーでは、ローエングリンを皮切りに、彼が木管楽器の常設ベースとなっています。

ロシアの作曲家は作品の中でバスクラリネットをよく使用しました。したがって、「スペードの女王」の第 5 シーンでは、ハーマンがリサの手紙を読んでいるときにバスクラリネットの暗い音が聞こえます。現在、バスクラリネットは大規模な交響楽団の常任メンバーとなっており、その役割は非常に多様です。

プレビュー:

真鍮

サックス

サクソフォンの創始者は、フランスとベルギーの傑出した楽器の巨匠アドルフ・サックスです。サックスは、木管楽器と金管楽器の中間的な位置を占める楽器を作ることは可能か?という理論的な仮定に基づいて研究を進めました。銅と木の音色を組み合わせることができるこのような楽器は、不完全なフランスの軍用ブラスバンドにとって非常に必要でした。計画を実行するために、A. サックスは新しい構造原理を使用しました。円錐管をクラリネットのリードとオーボエのバルブ機構に接続しました。楽器の本体は金属でできており、外側の輪郭はバスクラリネットに似ていました。先端が広がった、上向きに強く曲がった管で、「S」字型に曲がった金属の先端に杖が取り付けられています。サックスのアイデアは見事に成功し、この新しい楽器はまさに軍楽隊の金管楽器と木管楽器を結びつける役割を果たしました。さらに、その音色は非常に興味深いものであることが判明し、多くのミュージシャンの注目を集めました。サクソフォンの音の色は、イングリッシュホルン、クラリネット、チェロを同時に彷彿とさせますが、サクソフォンの音の力はクラリネットの音の力よりもはるかに大きいです。

サックスはフランスの軍のブラスバンドでその存在を始め、すぐにオペラや交響楽団にも導入されました。非常に長い間、数十年間、フランスの作曲家だけが彼に頼りました：トーマス（「ハムレット」）、マスネ（「ウェルテル」）、ビゼー（「アルルのジェンヌ」）、ラヴェル（ムソルグスキーの「展覧会のカトリーノク」の楽器演奏）。その後、他の国の作曲家たちも彼を信頼しました。たとえば、ラフマニノフは、交響的舞曲の最初の部分で彼の最高のメロディーの 1 つをサックスに託しました。

奇妙なことに、サクソフォーンはその異常な道を歩む中で、隠蔽主義にも直面しなければならなかった。ファシズム時代のドイツでは、サクソフォーンは非アーリア起源の楽器として禁止されていた。

20 世紀の 10 年間、ジャズアンサンブルのミュージシャンたちがサックスに注目を集めるようになり、すぐにサックスは「ジャズの王様」になりました。

20 世紀の多くの作曲家は、この興味深い楽器を高く評価しました。ドビュッシーはサクソフォンとオーケストラのための狂詩曲を書き、グラズノフはサクソフォンとオーケストラのための協奏曲を書き、プロコフィエフ、ショスタコーヴィチ、ハチャトゥリアンは作品の中で繰り返し彼に言及しました。

ホルン（イタリアンコルノ、ドイツヴァルトホルン、フレンチコルノ、イングリッシュフレンチホルン）

現在のホルンの祖先はホルンでした。古代以来、角笛は戦いの始まりを告げ、中世以降、18 世紀初頭まで狩猟や競技、厳粛な宮廷儀式の際に聞かれました。 17 世紀には狩猟ホルンが時々オペラに導入されるようになりましたが、オーケストラの常設メンバーとなったのは次の世紀になってからです。そして、楽器の名前そのものであるホルンは、その過去の役割を思い出させます。この言葉はドイツ語の「Waldhorn」、つまり「森の角」に由来しています。チェコではこの楽器は今でもフォレストホルンと呼ばれています。

古代のホルンの金属管は非常に長く、広げると5メートル90センチメートルに達するものもあり、このような楽器を手にまっすぐに持つことは不可能でした。そこでホーン管を折り曲げ、貝殻のような優美な形状に仕上げました。

古代のホルンの音は非常に美しいものでしたが、この楽器の音響能力には限界があることが判明しました。いわゆる自然音階、つまり、密閉された空気の柱を分割することによって生じる音しか出すことができませんでした。チューブを 2、3、4、5、6 などの部分に分割します。伝説によると、1753 年にドレスデンのホルン奏者ガンペルが誤ってベルの中に手を入れ、ホルンのチューニングが下がっていることに気づきました。それ以来、この技術は広く使用されています。このようにして得られた音を「クローズド」と呼びます。しかし、それらは鈍く、明るく開放的なものとは大きく異なりました。すべての作曲家が頻繁にそれらに頼る危険を冒したわけではなく、通常はオープンなサウンドに基づいて構築された短くて良い響きのファンファーレのモチーフに満足していました。

1830 年に、バルブ機構が発明されました。これは、ホルンが完全で良い響きの半音階を生成できるようにする追加のチューブの恒久的なシステムです。数十年を経て、ようやく改良されたホルンが古い天然ホルンに取って代わりました。このホルンは、リムスキー＝コルサコフが 1878 年のオペラ「五月の夜」で最後に使用したものでした。

ホルンは金管楽器の中で最も詩的な楽器と考えられています。低音域ではホルンの音色はやや陰気ですが、高音域では非常に緊張しています。ホルンは歌うことも、ゆっくりと語りかけることもできます。ホルン四重奏はとても穏やかに響きます。チャイコフスキーのバレエ「くるみ割り人形」の「花のワルツ」で聞くことができます。

トランペット（イタリアのトロンバ、ドイツのトロンペット、フランスのトロンペット、イギリスのトランペット）

古代以来、エジプト、東洋、ギリシャ、ローマでは、戦争でも、厳粛な宗教儀式や宮廷儀式でも、トランペットなしではやっていけませんでした。トランペットは、創設当初からオペラオーケストラの一部でした。モンテヴェルディの「オルフェウス」ではすでに5本のトランペットが使用されていました。

17 世紀から 18 世紀前半にかけて、トランペット用に非常に技巧的で高度なテッシトゥーラのパートが書かれ、その原型となったのが、当時の声楽作品や器楽作品におけるソプラノパートでした。これらの最も難しいパートを演奏するために、パーセル、バッハ、ヘンデルの時代の音楽家は、長い管と最高の倍音を簡単に抽出できる特別なマウスピースを備えた、当時一般的だった自然楽器を使用しました。このようなマウスピースを備えたトランペットは「クラリーノ」と呼ばれ、その書き方は音楽の歴史の中で同じ名前になりました。

18 世紀後半、オーケストラの作曲法が変化すると、クラリーノ形式は忘れられ、トランペットは主にファンファーレ楽器になりました。ホルンと同様に機能が限られており、音階を広げる「閉じた音」は音色が悪いために使用されず、さらに不利な立場に置かれていました。しかし、19 世紀の 30 年代にバルブ機構が発明され、パイプの歴史に新しい時代が始まりました。それは半音階楽器となり、数十年後にはオーケストラのナチュラルトランペットに取って代わりました。

トランペットの音色は抒情的なものではありませんが、可能な限り最高の方法で英雄的な表現に成功しています。ウィーンの古典音楽の中でも、トランペットは純粋にファンファーレの楽器でした。これらは 19 世紀の音楽でも同じ役割を果たし、行列、行進、厳粛な祭りや狩猟の始まりを告げることがよくありました。ワーグナーは他の人よりもパイプを新しい方法で使用しました。彼のオペラでは、その音色がほとんどの場合、騎士のロマンスや英雄主義と結びついています。

トランペットは音の迫力だけでなく、その優れた演奏性でも有名です。名手としての資質。

チューバ（イタリアのチューバ）

管楽器の他の金管グループの代表とは異なり、チューバはかなり若い楽器です。 19 世紀の第 2 四半期にドイツで建てられました。最初のチューバは不完全で、当初は軍事オーケストラや庭園オーケストラでのみ使用されていました。チューバがフランスに渡り、楽器の巨匠アドルフ・サックスの手に入って初めて、チューバは交響楽団の高い要求に応え始めました。

チューバは吹奏楽の最低音域を担当する低音楽器です。かつては、その名前の由来となった奇妙な形をした楽器である蛇（すべてのロマンス語で蛇は「蛇」を意味します）がその機能を果たし、その後はバストロンボーンとコントラバストロンボーン、そして野蛮な音色を持つオフィクレイドがその役割を果たしていました。しかし、これらすべての楽器の音質は、ブラスバンドに優れた安定した低音を提供するものではありませんでした。チューバが登場するまで、巨匠たちは粘り強く新しい楽器を探しました。

チューバの寸法は非常に大きく、その管はトロンボーンの管の2倍です。演奏中、演奏者はベルを上に向けて楽器を前に持ちます。

チューバは半音楽器です。チューブの空気消費量は膨大です。時々、特に低音域のフォルテでは、演奏者は音ごとに呼吸を変える必要があります。したがって、この楽器のソロは通常非常に短いです。技術的には、チューブは重いですが移動可能です。オーケストラでは、彼女は通常トロンボーントリオのベースを務めています。しかし時にはチューバが、いわばキャラクターの役割の中でソロ楽器として機能することもあります。そのため、ラヴェルは劇「牛」の中でムソルグスキーの「展覧会の絵」を編曲した際、道路をガタガタと音を立てる荷車のユーモラスなイメージにバスチューバを割り当てました。ここではチューバのパートが非常に高音域で書かれています。

トロンボーン（イタリア語、英語、フランス語のトロンボーン）

トロンボーンの名前は、トランペットのイタリア語名「トロンバ」に拡大接尾語「ワン」を付けたもので、文字通り「トランペット」を意味します。そして実際、トロンボーンの管はトランペットの2倍の長さがあります。すでに 16 世紀には、トロンボーンは現代的な形になり、その当初から半音階楽器でした。フルクロマチックスケールは、バルブ機構ではなく、いわゆるバックステージを使用して実現されます。リンクは、U 字型の長い追加チューブです。メインチューブに挿入され、必要に応じてメインチューブを延長します。この場合、楽器のピッチもそれに応じて下がります。演奏者は右手でスライドを押し下げ、左手で楽器を支えます。

トロンボーンは長い間、さまざまなサイズの楽器の「ファミリー」です。少し前まで、トロンボーンファミリーは 3 つの楽器で構成されていました。それぞれが合唱団の 3 つの声の 1 つに対応し、アルトトロンボーン、テナートロンボーン、バストトロンボーンという名前が付けられました。

トロンボーンの演奏には、ホーンやトランペットのバルブを押すよりもスライドを動かすのに時間がかかるため、大量の空気が必要です。技術的には、トロンボーンは他のグループに比べて俊敏性に劣ります。そのスケールはそれほど速くなく、明確ではなく、フォルテは少し重く、レガートは困難です。トロンボーンのカンティレーナは演奏者に多大な労力を要します。しかし、この楽器にはオーケストラに欠かせない性質があり、トロンボーンの音がより力強く男性的です。モンテヴェルディは、オペラ「オルフェウス」の中で、おそらく初めて、トロンボーンアンサンブルの音に内在する悲劇的な性格を感じました。そしてグルックを皮切りに、オペラオーケストラでは3本のトロンボーンが必須となった。ドラマのクライマックスで登場することが多いです。

トロンボーントリオは雄弁なフレーズが得意です。 19 世紀後半以降、トロンボーングループに低音楽器であるチューバが加わりました。 3 つのトロンボーンとチューバが一緒になって「重い金管」カルテットを形成します。

トロンボーンではグリッサンドという非常にユニークな効果が可能です。これは、演奏者の唇の 1 つの位置でバックステージをスライドさせることで実現されます。このテクニックはハイドンにはすでに知られており、オラトリオ「季節」の中で犬の鳴き声を模倣するために使用していました。現代音楽では、グリッサンドは非常に広く使用されています。ハチャトゥリアンのバレエ「ガイーヌ」より「セイバーダンス」のトロンボーンの意図的にうなり声を上げて荒々しいグリッサンドが興味深い。また、トロンボーンにミュートを付けた効果も興味深いもので、不気味で奇妙な音を楽器に与えます。

フリューゲルホルン (ドイツ語のフリューゲルホルン、Flugel - 「翼」と Horn - 「ホルン」、「ホルン」から)

金管楽器。外見的には、トランペットやコルネット・ピストンを非常に彷彿とさせますが、管のマウスピース部分からすぐに始まる、より広いスケールと円錐形のボアがそれらとは異なります。バルブが3つまたは4つあります。ジャズアンサンブルで使用され、交響楽団で使用されることもありますが、ブラスバンドではあまり使用されません。フリューゲルホルンはトランペット奏者によって演奏されることが多く、この楽器で必要なパッセージを演奏します。

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ヴァイオリン（イタリアヴァイオリン、フランスヴァイオリン、イギリスヴァイオリン、ドイツヴァイオリン、ガイゲ）

ヴァイオリンは、他の初期の弦楽器の子孫と呼ばれるのが当然です。

最初の弓楽器であるフィデルは、10 世紀から 11 世紀にヨーロッパに登場しました。もう一つの - zhiga - になりました12 世紀から 13 世紀にかけてフランスの吟遊詩人、旅する歌手、音楽家に好まれた楽器です。しばらくすると、フィデル、レベック、ギグは、ヴィオル・ダ・ガンバ、ヴィオル・ダ・バルドーネ、ヴィオール・キントンなどの古代ヴィオルに取って代わられ、その地位はヴァイオリンに奪われました。すでに 16 世紀初頭にはフランスとイタリアで弓が登場し、その後すぐに弓の製作技術がヨーロッパ全土に広がりました。それらはチロル、ウィーン、ザクセン、オランダ、イギリスでも作られ始めましたが、イタリアは最高のヴァイオリンで有名でした。国の北東部にある 2 つの小さな町、ブレシアとクレモナでは、5 世紀以上前に、ブレシアのガスパロベルトロッティ (愛称デサロ) とクレモナのアンドレアアマティという優れた巨匠が働いていました。ヴァイオリン製作の技術は世代から世代へと受け継がれ、アマティ家、グアルネリ家、ストラディヴァリ家は 200 年にわたり、今でも最高の楽器とみなされる楽器を作り続けてきました。

ヴァイオリンの形状は 16 世紀に決定され、それ以来、細部のみが変化しています。

弦楽器のテクニックについてこれまで述べてきたことはすべて、特にヴァイオリンに当てはまります。弓楽器の中でも可動性と柔軟性に優れた楽器。その技術力は、17 世紀のヴィターリ、トレッリ、コレッリなどの巨匠の芸術とともに成長しました。そしてその後 - タルティーニ、ヴィオッティ、シュポア、ヴィエタン、ベリオ、ヴィエニャフスキ、サラサーテ、イザイ、そしてもちろんN. パガニーニ。彼は、複音、和音、ピチカート、ハーモニクスを演奏するという驚くべき技術を習得しました。コンサート中に弦が切れたとき、彼は残った弦を弾き続けた。

メインテーマを演奏する独奏ヴァイオリンによって、魅力的な効果が得られます。一例として、リムスキー＝コルサコフの「シェヘラザード」を挙げることができます。

ヴァイオリンはそのあらゆる特質により、ピアノと並んでソロコンサート用の楽器の中で長い間主導的な役割を果たしてきました。

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ドラム

ティンパニー (イタリアのティンパニ、フランスのティンバレス、ドイツのパウケン)

ティンパニは世界で最も古い楽器の一つです。古代以来、それらは東やアフリカ、ギリシャ、ローマ、スキタイ人など多くの国に広まっていました。人々は休日や戦争など、人生の重要な出来事に合わせてティンパニを演奏しました。

小型の手持ちティンパニはヨーロッパで長い間使用されてきました。中世の騎士は馬に乗って使用していました。大型ティンパニがヨーロッパに伝わったのは、トルコとハンガリーを経由して 15 世紀になってからです。 17世紀にはティンパニがオーケストラに加わりました。

現代のティンパニは、革で覆われたスタンド上の大きな銅製の大釜のように見えます。スキンは、いくつかのネジを使用してボイラーにしっかりと取り付けられます。先端が柔らかい丸いフェルトが付いた2本のスティックで皮膚を叩きます。

他の皮を使った打楽器とは異なり、ティンパニは一定の音程の音を出します。各ティンパニは特定の音に調律されているため、2 つの音を得るために、オーケストラは 17 世紀に 1 対のティンパニを使い始めました。ティンパニは再構築することができます。これを行うには、演奏者がネジで皮膚を締めたり緩めたりする必要があります。張力が大きいほど、音は高くなります。ただし、この操作は時間がかかり、実行中に危険が伴います。そこで、19 世紀に職人たちがレバーやペダルを使って素早く調整できる機械式ティンパニを発明しました。

オーケストラにおけるティンパニの役割は非常に多様です。彼らのビートは他の楽器のリズムを強調し、単純または複雑なリズミカルな図形を形成します。両方のスティックのストロークを素早く交互に繰り返す (トレモロ) と、音の効果的な増加や雷の再現が得られます。ハイドンも「四季」の中でティンパニを使って雷鳴を描いています。ショスタコーヴィチは交響曲第9番でティンパニに大砲を模倣させています。場合によっては、ショスタコーヴィチの交響曲第 11 番の第 1 楽章のように、ティンパニに小さなメロディックなソロが割り当てられることもあります。

スネアドラム（イタリアタンブール（軍用）、フランスタンブール（軍用）、ドイツのトロンメル、イギリスのサイドドラム）

スネアドラムは基本的に軍用楽器です。平たい筒の両面を革で覆ったものです。紐は皮膚の下の裏側に張られています。スティックの打撃に反応して、ドラムのサウンドに独特のパチパチ音を与えます。ドラムロールは非常に興味深いサウンドです - 2本のスティックを使用したトレモロで、極端なスピードにすることができます。このようなトレモロの音の強さは、ガサガサという音から雷鳴のような亀裂までさまざまです。ロッシーニの「泥棒かささぎ」序曲は 2 つのスネアドラムのロールで始まり、リヒャルト・シュトラウスの交響詩の中でティル・オイレンシュピーゲルが処刑される瞬間にスネアドラムの鈍いビートが聞こえます。

時々、ドラムの底皮の下にある弦が下がり、スティックの打撃に反応しなくなることがあります。この効果はミュートを導入するのと同じであり、スネアドラムは音の力を失います。リムスキー＝コルサコフの「シェヘラザード」のダンスセクション「ツァレヴィチと王女」ではこんな感じです。

スネアドラムが初めて登場したのは 19 世紀の小オペラで、最初は軍事エピソードでのみ導入されました。マイアベーアは、オペラ「ユグノー」と「預言者」の軍事エピソードを超えてスネアドラムを初めて導入しました。

場合によっては、大規模なシンフォニックエピソードだけでなく、作品全体においてスネアドラムが「主人公」となることもあります。例としては、ショスタコーヴィチの交響曲第 7 番の「侵略エピソード」や、1 つ、次に 2 つのスネアドラムが音楽のリズミカルなパルス全体を保持するラヴェルの「ボレロ」が挙げられます。

バスドラム（イタリアのグラン・カッソ、フランスのグロス・ケーセ、ドイツのグローブ・トロンメル、イギリスのバスドラム）。

現在、バスドラムには2種類あります。そのうちの 1 つは、両面が革で覆われた最大 72 cm の大きな直径の金属シリンダーです。このタイプのバスドラムは、アメリカの軍楽隊、ジャズバンド、交響楽団で一般的です。別のタイプのドラムには、片面に皮が付いたフープがあります。フランスで生まれ、すぐにヨーロッパの交響楽団に広がりました。バスドラムの皮を叩くには、フェルトまたはコルクで覆われた柔らかいマレットが付いた木のスティックを使用します。

グリーグの「ペール・ギュント」の「山の王の洞窟で」の素早いダンスのように、バスドラムのビートにシンバルの音が伴ったり、シンバルと交互になったりすることがよくあります。バスドラムでは、ストロークの素早い交代 - トレモロ - も可能です。これを行うには、両端に 2 本のマレットが付いたスティック、またはティンパニスティックを使用します。バスドラムトレモロは、リムクシー＝コルサコフがムソルグスキーの交響映画「はげ山の夜」の楽器編成で非常に成功的に使用しました。

当初、大太鼓は「トルコ音楽」にのみ登場していましたが、19 世紀初頭から、大砲や雷鳴を模倣するなど、音を表現する目的で頻繁に使用され始めました。ベートーベンは「ヴィットリアの戦い」で大砲の射撃を表現するために 3 つの大きなドラムを使用しました。同じ目的で、リムスキー＝コルサコフは「サルタン皇帝の物語」で、ショスタコーヴィチは交響曲第１１番で、プロコフィエフはオペラ「戦争と平和」の第８場（ボロジノの戦いの始まり）でこの楽器を使用した。同時に、擬音のない場所、特に騒がしい場所でも大太鼓が鳴ることが多く、

木琴（イタリア木琴、フランス木琴）

木琴は、原始人が乾いた木の塊を棒で叩いて特定の音を聞いたときに誕生したそうです。このような原始的な木製木琴の多くは、南アメリカ、アフリカ、アジアで発見されています。ヨーロッパでは、15 世紀以降、この楽器は旅行する音楽家の手に渡り、コンサート用の楽器になったのは 19 世紀初頭になってからです。彼が上達したのはモギレフの音楽家であり、独学でダルシマー奏者を学んだミハイル・イオシフォヴィチ・グジコフのおかげである。

木琴の発音体はさまざまなサイズの木のブロックです（キシロンはギリシャ語で「木」、フォンは「音」を意味します）。それらはマットのストランド上に4列に配置されています。出演者はゲーム中にそれらを丸めて特別なテーブルに並べることができます。彼らは2本の木の棒「ヤギの足」を使って木琴を演奏します。木琴の音は乾いたカチカチとした鋭い音です。それは色が非常に特徴的であるため、音楽作品内でのその出現は通常、特別なプロット状況または特別な雰囲気に関連付けられます。リムスキー＝コルサコフは『サルタン皇帝の物語』の中で、リスが金の実をかじる瞬間に「庭でも菜園でも」という歌を木琴に託します。リャドフは木琴の音を使って、迫撃砲でバーバ・ヤーガが飛ぶ様子を描き、折れた枝のパチパチ音を伝えようとしています。木琴の音色は、暗い雰囲気を呼び起こし、奇妙でグロテスクなイメージを生み出すことがよくあります。ショスタコーヴィチの交響曲第7番の「侵略のエピソード」の木琴の短いフレーズが哀愁を漂わせます。

木琴は非常に優れた楽器です。これにより、速いパッセージ、トレモロ、特殊効果であるグリッサンド (バーに沿ったスティックの素早い動き) での流暢さが向上します。

シンバル (イタリアンピアッティ、フレンチシンバル、ジャーマンベッケン、イングリッシュシンバル)

皿は古代世界や古代東洋ではすでに知られていましたが、トルコ人は皿を特別に愛し、並外れた技術で皿を作ることで有名でした。ヨーロッパでは、オスマン帝国との戦争後の 18 世紀にプレートが普及しました。

プレートは、銅合金で作られた大きな金属製の皿です。シンバルは中央がわずかに凸になっており、演奏者が楽器を手に持つことができるように、ここに革のストラップが取り付けられています。シンバルは振動を妨げるものがないように立った状態で演奏され、音が空気中を自由に伝わります。この楽器の通常の演奏方法は、1 枚のシンバルをもう 1 枚のシンバルに斜めにスライドさせて吹き付けることです。この後、金属の飛沫が鳴り響き、長時間空中に漂います。演奏者がシンバルの振動を止めたい場合は、シンバルを胸に近づけると振動が止まります。作曲家は、シンバルのクラッシュにバスドラムの轟音を伴奏させることがよくあります。これらの楽器は、たとえばチャイコフスキーの交響曲第 4 番のフィナーレの最初の小節のように、一緒に鳴ることがよくあります。シンバルの演奏には、斜めに叩く以外にもいくつかの方法があります。たとえば、自由にぶら下げたシンバルをティンパニのスティックまたは木製のスネアドラムのスティックで叩く場合です。

交響楽団は通常 1 組のシンバルを使用します。まれに、たとえばベルリオーズの「葬送凱旋交響曲」のように、3 組のプレートが使用されることもあります。

トライアングル (イタリア語 triahgalo、フランス語 triangel、ドイツ語 Triangel、英語 triangl)

トライアングルは交響楽団の中で最も小さな楽器の 1 つです。三角形に曲げられた鋼の棒です。彼らはそれをガット弦に吊るし、小さな金属棒で叩きます - リンリンという非常にクリアな音が聞こえます。

トライアングルのプレイ方法はそれほど多様ではありません。 1 つの音だけが生成される場合もあれば、単純なリズミカルなパターンが生成される場合もあります。トレモロトライアングルで良い音が出ます。

三角形が初めて言及されたのは 15 世紀です。 18 世紀には作曲家グレトリーによってオペラで使用されました。その後、三角形は「トルコ」に不変の参加者になりました。バスドラムとシンバルとともに登場するエキゾチックな音楽。このパーカッションのグループは、モーツァルトの「後宮からの誘拐」、ベートーベンの「アテネの遺跡」の「トルコ行進曲」、および東洋の音楽イメージを再現しようとした他の作曲家によって使用されました。三角形は、グリーグの「ペール・ギュント」の「アニトラの踊り」やグリンカの「幻想ワルツ」など、エレガントなダンス作品でも興味深いものです。

鐘（イタリアのカンパネリ、フランスのカリヨン、ドイツのグロッケンシュピール）

ベルはおそらく打楽器グループの中で最も詩的な楽器です。その名前は、発音体が特定のピッチに調整された小さな鐘である古代の品種に由来しています。その後、それらはさまざまなサイズの金属プレートのセットに置き換えられました。ピアノの鍵盤のように2列に並べられ、木箱に収められています。鐘は2本の金属製のマレットで演奏されます。この楽器には、キーボードベルという別の種類もあります。ピアノの鍵盤と、鍵盤の振動を金属板に伝えるハンマーが備わっています。ただし、この一連の機構は音にあまり反映されません。通常のベルほど明るくなく、鳴りません。ただし、音の美しさではハンマーベルには劣りますが、技術的には鍵盤の方が優れています。ピアノの鍵盤のおかげで、かなり速いパッセージや多声の和音が可能です。鐘の音色は銀色で優しく響きます。モーツァルトの「魔笛」ではパパゲーノが登場する際、ドリーブの「ラクメ」では鐘の鳴るアリアで、リムスキー＝コルサコフの「雪の乙女」では雪の乙女を追いかけるミズギルがホタルの光を目にする場面で鳴る。占星術師が入ってくると「金鶏」。

ベル（イタリアのカンパーネ、フランスのクロッシュ、ドイツのグロッケン）

古来より、鐘の音は人々を宗教的な儀式や祝日に呼び寄せたり、災難を告げたりしてきました。歴史的で愛国的な主題が登場するオペラの発展に伴い、作曲家たちはオペラハウスに鐘を導入し始めました。ロシア・オペラの鐘の音は特に豊かに表現されている。「イヴァン・スサーニン」、「サルタン皇帝の物語」、「プスコフの女」、「ボリス・ゴドゥノフ」（戴冠式の場面）の荘厳な鐘の音、不気味な警報音。「イーゴリ王子」の鐘、「ボリス・ゴドゥノフ」の葬儀のチャイム。これらのオペラはすべて、大きなオペラハウスの舞台裏に設置されている本物の教会の鐘を特徴としていました。しかし、すべてのオペラハウスに専用の鐘楼を持つ余裕があるわけではないため、作曲家はチャイコフスキーが 1812 年の序曲で行ったように、オーケストラに小さな鐘を時々導入するだけでした。一方、標題音楽の発展に伴い、交響楽団の鐘の鳴りを模倣する必要性が高まり、しばらくして鋼管をフレームに吊り下げたオーケストラベルが作られました。ロシアでは、これらの鐘はイタリア語と呼ばれます。それぞれのパイプは特定の音に合わせて調整されています。ゴム製ガスケットを付けた金属ハンマーで叩きます。

オーケストラの鐘は、プッチーニがオペラ「トスカ」で、ラフマニノフが声楽交響詩「鐘」で使用しました。プロコフィエフは「アレクサンドル・ネフスキー」でパイプを長い金属棒に置き換えました。

タンバリン

世界最古の楽器の 1 つであるタンバリンは、19 世紀に交響楽団に登場しました。この楽器のデザインは非常にシンプルです。原則として、木製のフープの片面に革を張ったものです。金属製の装飾品がフープのスロット (側面) に取り付けられ、小さな鈴が内側に星形の紐でつながれています。これらすべては、タンバリンのわずかな揺れで鳴り響きます。

タンバリンや他のドラムの音程が決まっていない部分は、通常、五線ではなく「糸」と呼ばれる別の定規に書かれます。

タンバリンの演奏テクニックは非常に多様です。まず第一に、これらは皮膚を鋭く打撃し、複雑なリズミカルなパターンを叩きます。この場合、皮と鐘の両方が音を出します。タンバリンは強く叩くと鋭く鳴り響き、軽く叩くと鈴の音が微かに聞こえます。演奏者が鐘を 1 つだけ鳴らす場合、さまざまな方法があります。これはタンバリンを素早く振ることで、鋭いトレモロを与えます。これは穏やかな揺れです。そして最後に、演奏者が濡れた親指で肌をなぞると、壮観なトリルが聞こえます。このテクニックにより、鐘が生き生きと鳴り響きます。

タンバリンは特徴的な楽器なので、どの作品にも使われているわけではありません。通常、彼は音楽で東洋やスペインを生き生きとさせる場所に登場します。リムスキー＝コルサコフの「シェヘラザード」や「スペイン奇想曲」、グラズノフのバレエ「ライモンダ」のアラブ少年の踊り、気質の激しい踊りなどです。ボロディンの「イーゴリ王子」、ビゼーの「カルメン」のポロフツ人。

カスタネット (スペイン語: Castanetas)

「カスタネット」という名前はスペイン語で「小さな栗」を意味します。おそらくスペインが彼らの故郷だったでしょう。そこではカスタネットが真の国民楽器に変わりました。カスタネットは黒檀やツゲなどの堅い木で作られ、貝殻のような形をしています。

スペインでは、踊りや歌の伴奏に2対のカスタネットが使用されました。各ペアは親指の周りで締められたコードによって一緒に保持されていました。残りの指は自由のままで、木の殻を複雑なリズムで叩きました。それぞれの手に独自のサイズのカスタネットが必要でした。演奏者は左手に大きな音量の貝殻を持ち、より低い音を発し、主要なリズムを叩き出す必要がありました。右手用のカスタネットは小さめでした。彼らの口調はさらに高かった。スペインのダンサーやダンサーたちは、子供の頃から教えられてきたこの複雑な芸術に精通していました。ボレロ、セギディージョ、ファンダンゴなど、気まぐれなスペインの踊りには、カスタネットの乾いた遊び心のあるクリック音が常に伴っていました。

作曲家がカスタネットを交響楽に導入したいと考えたとき、この楽器の簡略化されたバージョン、つまりオーケストラカスタネットが設計されました。これらは木製のハンドルの端に取り付けられた 2 対の貝殻です。振るとカチッという音が聞こえます。これは本物のスペインのカスタネットの弱々しいコピーです。

オーケストラでは、カスタネットは主にスペイン風の音楽で使用され始めました。グリンカのスペイン語序曲「アラゴンの狩猟」と「マドリッドの夜」、リムスキー＝コルサコフの「スペイン奇想曲」、チャイコフスキーのバレエのスペイン舞曲、西洋音楽ではビゼーの「カルメン」、ドビュッシーの交響曲「イベリア」、ラヴェルの「アルボラーダ・デル・グラシオーソ」など。一部の作曲家はカスタネットをスペイン音楽の範囲を超えて取り入れました。サン＝サーンスはオペラ「サムソンとダリダ」、プロコフィエフのピアノ協奏曲第３番でカスタネットを使用しました。

タムタム（フランス語とイタリア語のタムタム、ドイツ語のタムタム）

タムタムは中国起源の打楽器で、縁が厚くなった円盤の形をしています。青銅に近い特殊な合金で作られています。タムタムを演奏するときは、タムタムを木の枠に吊るし、先端がフェルトの木槌で叩きます。タムタムの音は低くて太いです。衝撃の後、それは長い間広がり、今度は流入し、今度は遠ざかります。この楽器の特徴とその音色そのものが、ある種の不気味な表現力を与えています。時には、曲全体を通してタムタムを一度叩くだけで、聴衆に強い印象を与えることができると言われています。この一例は、チャイコフスキーの交響曲第 6 番のフィナーレです。

ヨーロッパでは、フランス革命中にタムタムが登場しました。しばらくして、この楽器はオペラオーケストラに取り入れられ、それ以来、原則として悲劇的な「致命的な」状況で使用されてきました。タムタムの打撃は、死、大惨事、魔法の力の存在、呪い、前兆、その他の「異常な」出来事を意味します。「ルスランとリュドミラ」では、チェルノモールによるリュドミラの誘拐の瞬間、マイヤーベルクの「悪魔ロベルト」では、「修道女の復活」の場面で、リムスキー＝コルサコフの「シェヘラザード」では、タムタム音が鳴る。シンドバッドの船が岩に衝突する瞬間。タムタムのビートは、ショスタコーヴィチの交響曲第 7 番の第 1 楽章の悲劇的なクライマックスでも聞こえます。

クラベス。

クラーベスはキューバ起源の打楽器です。非常に硬い木から彫られた、長さ 15 ～ 25 cm の 2 本の丸い棒です。演奏者はそのうちの 1 つを特別な方法で左手に持ち、握りしめた手のひらが共鳴器の役割を果たし、別のスティックでそれを叩きます。

クラーベの音は木琴のように鋭く高く、カチカチという音ですが、特定のピッチはありません。音のピッチはスティックのサイズによって異なります。交響楽団は、サイズの異なるこのようなスティックを 2 対、または 3 対使用する場合もあります。

フラスタ。

フラスタは 2 枚の木の板で構成されており、そのうちの 1 枚にはハンドルがあり、もう 1 枚はヒンジ上のハンドルの上の下端に固定されています。鋭く振るか、きついバネの助けを借りて、自由端でカタカタと音を立てます。相手に対して。原則として、フラストから抽出されるのは、あまり頻繁に続くことのない、個々のフォルテ、フォルテシモのポップのみです。

フラスタは特定の音程を持たない打楽器なので、タンバリンなどのパートは五線譜ではなく「弦」に書かれます。

フラスタは現代のスコアでは非常に一般的です。ショスタコーヴィチの交響曲第 14 番の「ローレライ」の第 3 楽章は、この楽器の 2 回の手拍子で始まります。

木製ブロック。

木版は中国発祥の打楽器です。交響楽団の打楽器セクションに登場する前、ウッドブロックはジャズで非常に人気がありました。

ウッドブロックは、前面に深く狭い切り込みが入った堅い木の小さな長方形のブロックです。木のブロックを演奏する技術はドラム演奏です。音は、スネアドラムスティック、木製マレット、ゴムヘッド付きスティックで楽器の上面を叩くことによって生成されます。結果として得られるサウンドは、シャープで高音で、クリック感が特徴的で、ピッチが不定です。

不定の音程の打楽器として、木版は「弦」または定規の組み合わせで記譜されます。

タルタルーガの寺院ブロック。

寺院のブロックは韓国または中国北部起源の道具であり、仏教カルトの属性です。この楽器は丸い形をしており、中は空洞で、真ん中に深い切れ込み（笑った口のような）があり、硬い木でできています。

他のほとんどの「エキゾチックな」打楽器と同様に、テンプルブロックは最初にジャズに広がり、そこから交響楽団に入りました。

テンプルブロックの音は、近縁のウッドブロックの音よりも暗くて深く、かなり明確なピッチを持っているため、テンプルブロックのセットを使用すると、メロディックなフレーズを得ることができます。たとえば、S. Slonimsky 「コンサートビュッフェ」ではこれらの楽器を使用しました。

ゴム製のヘッドが付いたスティック、木製マレット、スネアドラムスティックでトップカバーを叩いてテンプルブロックを演奏します。

交響楽団は亀の甲羅のセットを使用することがあります。これは原理的にはテンプレートブロックの演奏に似ていますが、よりドライで弱々しい音になります。 Tartaruga と呼ばれるこの亀の甲羅のセットは、S. Slonimsky の「コンサートバフ」で使用されました。

ギロ、レコレコ、サポ。

これらの楽器はラテンアメリカ起源であり、設計原理と演奏方法の両方において類似しています。

それらは竹の一部（レコレコ）、乾燥したカボチャ（ギロ）、または共鳴器として機能する別の中空の物体から作られます。一連のノッチまたはノッチがツールの片側に作成されます。波型の表面を有するプレートが取り付けられる場合もあります。この切り込みに特殊な木の棒を通すことで、パチパチという独特の高く鋭い音が出ます。これらの関連楽器の中で最も一般的なのはギロです。 I. ストラヴィンスキーは、「春の祭典」でこの楽器を交響楽団に初めて導入しました。レコレコはスロニムスキーの「コンサートブフ」にあり、サポ（レコレコに似た楽器）はW. ルトスワフスキーの「アンリ・ミショーの３つの詩」の楽譜で使用されています。

ラチェット。

さまざまな国の楽器には、さまざまな形状や装置のガラガラがたくさんあります。交響楽団において、ラチェットは演奏者が歯車の周りのハンドルを回転させる箱です。同時に、弾性のある木の板が歯から歯へと飛び移ると、特徴的な亀裂が生じます。

マラカス、チョカロ（チューボ）、カメゾ。

これらの楽器はすべてラテンアメリカ起源です。マラカスは、ハンドルが付いた丸いまたは卵型の木製のガラガラで、ショット、穀物、小石、またはその他のバルク材料が詰められています。これらの民族楽器は通常、天然のハンドルが付いたココナッツまたは中空の乾燥したひょうたんから作られています。マラカスはダンスミュージックオーケストラやジャズで非常に人気があります。 S.プロコフィエフは交響楽団の一部としてこの楽器を初めて使用した（バレエ「ロミオとジュリエット」より「アンティルの少女たちの踊り」、カンタータ「アレクサンドル・ネフスキー」）。現在では、演奏者が両手で楽器を持ち、振って音を出す一対の楽器が使われるのが一般的です。特定の音程を持たない他の打楽器と同様に、マラカスも「弦」で記譜されます。音の形成原理によれば、マラカスはチョカロやカメゾに近いものです。これらは金属製の市松模様または木製のカメソのシリンダーで、マラカスのように、ある種の粒状物質が詰められています。一部のモデルでは、側壁が革の膜で覆われています。セカラとカメゾはどちらもマラカスよりも大きく鋭い音を出します。両手で持ったり、縦や横に振ったり、回転させたりすることもあります。

カバツァ。

当初、このアフリカ系ブラジル起源の楽器はラテンアメリカの音楽オーケストラで人気があり、そこからさらに流通しました。外観的には、カバツァは 2 倍に拡大したマラカスに似ており、大きなビーズが張られたメッシュで覆われています。演奏者は片手で楽器を持ち、もう一方の手の指で単純に叩くか、手のひらを接線方向に動かしながらビーズのグリッドをスクロールします。後者の場合、マラカスの音を彷彿とさせる、ガサガサとした長い音が現れます。スロニムスキーはコンサートバフでカバツを最初に使用した人の一人でした。

ボンス。

この楽器はキューバ原産です。近代化後、ボングはダンスミュージックオーケストラ、ジャズ、さらには本格的な音楽作品でも広く使用されるようになりました。ボングの構造は、木製の筒状の本体（高さ17～22cm）に革を張り、金属製のフープで固定します（張力は内側からネジで調整します）。金属のリムは皮膚の高さよりも高くありません。これが、手のひら (コン・ル・マニ) または指 (コン・ル・ディタ) でのボングの特徴的な演奏を決定します。直径の異なる 2 つのボングは、通常、共通のホルダーによって相互に接続されます。小さなボングは、幅の広いボングよりも約 3 分の 1 高く聞こえます。ボングの音は高く、具体的には「空」で、衝撃の場所や方法によって変化します。このため、各楽器で 2 つの異なる高音を鳴らすことができます。1 つは伸ばした人差し指で端を叩くか、親指を中央で叩くか、もう 1 つは低音 (長 2 度または 3 度以内のどこか) で叩くことです。手のひら全体または指先の中心に近い部分で叩きます。

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ピアノ（イタリアのピアノフォルテ、フランスのピアノ、ドイツのフォルテピアノ、ハンマークラヴィーア、イギリスのピアノ）)

ピアノの音の源は金属弦で、フェルトを巻いた木のハンマーで叩くと音が鳴り始め、指で鍵盤を押すとハンマーが動きます。

15 世紀初頭にはすでに知られていた最初の鍵盤楽器は、チェンバロとクラヴィコード (イタリア語でクラヴィチェンバロ) でした。クラヴィコードでは、弦は金属製のレバー（接線）によって振動し、チェンバロではカラスの羽によって、そして後には金属製のフックによって弦が振動しました。これらの楽器の音はダイナミックに単調で、すぐに消えてしまいます。

最初のハンマーピアノは、フォルテ音とピアノ音の両方を演奏できることからその名が付けられ、おそらく 1709 年にバルトロメオクリストフォリによって製造されました。この新しい楽器はすぐに認知され、多くの改良を経て、現代のコンサートグランドピアノとなりました。ピアノは 1826 年に家庭で音楽を演奏するために作られました。

ピアノはソロコンサートの楽器として広く知られています。しかし、時には通常のオーケストラの楽器としても機能します。グリンカをはじめとするロシアの作曲家たちは、グスリの響きを再現するために、オーケストラにピアノを、時にはハープとともに導入し始めました。これは、グリンカの「ルスランとリュドミラ」、「サドコ」、リムスキー＝コルサコフの「五月の夜」のバヤンの歌でどのように使用されているかです。リムスキー＝コルサコフの楽器編成によるムソルグスキーのボリス・ゴドゥノフのように、ピアノが鐘の音を再現することもあります。しかし、必ずしも他の音色を模倣するだけではありません。作曲家の中には、装飾楽器としてオーケストラに使用し、オーケストラに響きや新しい色彩をもたらす人もいます。こうしてドビュッシーは交響組曲「春」の中で連弾のためのピアノパートを書きました。最後に、強力で乾いた音を持つ一種の打楽器として見られることもあります。ショスタコーヴィチの交響曲第 1 番の痛切でグロテスクなスケルツォはその一例です。

プレビュー:

チェンバロ

鍵盤弦楽器。チェンバロ奏者は、チェンバロとその変種の両方で音楽作品を演奏する音楽家です。チェンバロ型楽器についての最も古い言及は、パドヴァ (イタリア) の 1397 年の情報源に現れており、知られている最古の画像はミンデンの祭壇 (1425 年) にあります。チェンバロは 18 世紀の終わりまでソロ楽器として使用され続けました。もう少し長い間、デジタルベースの演奏やオペラの朗読劇の伴奏に使用されていました。わかりました。 1810はほとんど使われていません。チェンバロの演奏文化の復活は、19 世紀から 20 世紀の変わり目に始まりました。 15世紀のチェンバロは現存していません。画像から判断すると、これらは背が低く、本体が重い楽器でした。現存する 16 世紀のチェンバロのほとんどはイタリアで製造されており、ヴェネツィアが主な生産地でした。フランドルのチェンバロのコピー。8 音域を持ち (まれに 8 音域と 4 音域の 2 音域もある)、その優雅さで区別されました。彼らの体はほとんどの場合ヒノキで作られていました。これらのチェンバロのアタックは、後のフランドル楽器のものよりも明瞭で、音はより唐突でした。北ヨーロッパにおけるチェンバロ製作の最も重要な中心地はアントワープで、ラッカー家の代表者は 1579 年以来そこで働いていました。彼らのチェンバロはイタリアの楽器よりも弦が長く、本体が重いです。 1590 年代から、2 つのマニュアルを備えたチェンバロがアントワープで製造されました。 17 世紀のフランス、イギリス、ドイツのチェンバロは、フランドルとオランダのモデルの特徴を組み合わせています。フランスのチェンバロクルミ材の胴体を持つフランスの二手チェンバロがいくつか現存しています。 1690年代から、ラッカー楽器と同じタイプのチェンバロがフランスで製造されました。フランスのチェンバロの巨匠の中で、ブランシェ王朝は際立っていた。 1766年、ブランシェの工房はタスキンに引き継がれました。 18世紀における最も重要な英国のチェンバロ製造者は、シューディー家とカークマン家でした。彼らの楽器は合板で裏打ちされたオークのボディを持ち、豊かな音色を持つ力強いサウンドが特徴でした。 18 世紀のドイツでは、チェンバロ生産の主な中心地はハンブルクでした。この都市で製造されている楽器の中には、2` と 16` の音域を備えた楽器と、3 つのマニュアルが付いている楽器があります。異常に長いチェンバロのモデルは、18 世紀のオランダを代表する巨匠、J.D. ダルケンによって設計されました。 18世紀後半。チェンバロはピアノに取って代わられ始めました。わかりました。 1809年カークマン社が最後のチェンバロを発売。この楽器の復活の仕掛け人は A でした。ドルメク。彼は 1896 年にロンドンで最初のチェンバロを製作し、すぐにボストン、パリ、ハスレミアに工房を開きました。現代のチェンバロチェンバロの製造は、パリのプレイエル社とエラール社によっても開始されました。プレイエルは、金属フレームに太くて張りのある弦を張ったチェンバロのモデルの製作を開始しました。ワンダ・ランドフスカは、全世代のチェンバロ奏者にこのタイプの楽器を訓練しました。ボストンの巨匠フランク・ハバードとウィリアム・ダウドは、アンティークチェンバロを初めてコピーした.

プレビュー:

オルガン（イタリアオルガノ、フランスオルグ、ドイツオルゲル、イギリスオルガン）

鍵盤管楽器であるオルガンは古くから知られています。古代の臓器では、ふいごを使って手動で空気を送り込んでいました。中世ヨーロッパでは、オルガンは教会の礼拝の道具となりました。オルガンポリフォニー芸術が生まれたのは 17 世紀の精神的環境であり、その最も優れた代表者はフレスコバルディ、バッハ、ヘンデルでした。

オルガンはさまざまな音色を持つ巨大な楽器です。

「これはオーケストラ全体であり、熟練した手ですべてを伝え、すべてを表現することができます」とバルザックは彼について書いています。実際、オルガンの音域は、オーケストラのすべての楽器を合わせた音域を超えています。オルガンには、空気を供給するためのふいご、さまざまなデザインとサイズのパイプシステム (現代のオルガンではパイプの数は 30,000 に達します)、いくつかの手動キーボード、およびフットペダルが含まれています。最大のパイプは高さ10メートル以上に達し、最小のパイプの高さは8ミリメートルです。サウンドの色はデバイスによって異なります。

1つの音色を構成するパイプの集合をレジスターと呼びます。大きな大聖堂のオルガンには 100 を超える音域があり、ノートルダム大聖堂のオルガンではその数は 110 に達します。各音域の音の色は、フルート、オーボエ、コールアングレ、クラリネット、バスクラリネット、トランペット、チェロ。オルガン演奏の芸術は優れた音域の芸術であるため、音域がより豊かで変化に富むほど、演奏者が受け取る機会は大きくなります。機器のすべての技術リソースを上手に活用すること。

現代のオーケストラ音楽（特に演劇音楽）では、オルガンは主に教会の雰囲気を再現する必要がある音響と視覚の目的で使用されました。たとえば、リストは交響詩「フン族の戦い」の中で、キリスト教世界と野蛮人を対比させるためにオルガンを使用しました。

プレビュー:

ハープ - 撥弦楽器。三角形の形をしており、まず下に伸びる長さ約1メートルの共鳴箱本体、そして下に向かって広がる共鳴箱本体で構成されています。以前の形状は四角形でしたが、現在の形状は片側が丸みを帯びています。通常はカエデの木で作られた平らな響板が装備されており、その中央にはボディの長さに沿って細くて硬い木の細片が取り付けられており、そこにはガット弦を突き刺すための穴が開けられています。第二に、上部（大きな首の形）から、蛇のように湾曲し、体の上部に取り付けられ、それと鋭角を形成します。この部分にはペグが取り付けられ、弦を強化したりチューニングしたりします。 3番目は、柱のような形をしたフロントビームで、その目的は、指板と共鳴体の間に張られた弦によって生じる力に抵抗することです。ハープは過去にすでにかなりの音量（5 オクターブ）を持っており、半音階の弦を張るスペースが十分ではないため、ハープの弦は全音階の音を出すためにのみ張られています。ペダルのないハープでは、1 つのスケールしか演奏できません。初期の半音階上げでは、指を指板に押し付けて弦を短くする必要がありました。その後、このプレスは手動で動かされるフックの助けを借りて行われるようになりました。このようなハープは演奏者にとって非常に不便であることが判明しました。これらの欠点は、1720 年にヤコブホッホブルッカーによって発明されたペダル機構によって大幅に解消されました。この巨匠はハープに 7 つのペダルを取り付け、梁の空きスペースを通って指板までの導体に作用し、そこでフックを次のような位置に配置しました。それらは弦にしっかりと付着しており、楽器の全体のボリューム全体にわたって色彩の強化を生み出しました。

興味深いですが、本当です...

物理学者のアルバート・アインシュタインは、最も難しい問題に頭を悩ませながら、解決策が見つかるまでヴァイオリンを弾いていました。それから彼は立ち上がって、「ここで何が起こっているのか、ようやく理解できました！」と言いました。

交響楽団の構造

オーケストラ 古代ギリシャでは 呼ばれた場所、意図されました 合唱団用（ギリシャ語のオルヘオマイ - ダンス）。現在、オーケストラとは、音色相互の深い内部関係に基づいて有機的な全体を形成する、特定の楽器の構成を指します。音楽の実践により、さまざまなタイプのオーケストラが開発されました。それぞれに特定のツールの構成とその数が異なります。主な種類：オペラ交響曲、金管楽器、民族楽器オーケストラ、ジャズオーケストラ。

交響楽団にも多様性があります。 室内オーケストラ （10人から12人）は、古代音楽の演奏のために作成された作品（バッハのブランデンブルク協奏曲、ヴィヴァルディ、コレッリ、ヘンデルの協奏曲グロッソ）によって作成されます。室内オーケストラの中核となるのは、チェンバロ、フルート、オーボエ、ファゴット、ホルンが加わった弦楽セクションです。現代音楽における室内オーケストラへの魅力は、新たな表現の可能性の探求と関連しているか（ショスタコーヴィチ、オペラ「鼻」、交響曲第14番、A.シュニトケ、2つのヴァイオリンと室内オーケストラのための協奏曲グロッソ、1977年）、あるいは次のように説明されています。実際的な考慮事項によって。 I. ストラヴィンスキーが 1918 年に「ある兵士の物語」を創作したときも、同様の状況が決定的であることが判明しました。高音域と低音域の最も特徴的な楽器。弦楽器のヴァイオリンとコントラバス、木製のクラリネットとファゴット、金管楽器のトランペットとトロンボーン、そして最後にドラムがあり、これらは1人の音楽家によって制御されます。」

弦楽オーケストラ オーケストラの弓セクションで構成されています（チャイコフスキー。弦楽オーケストラのためのセレナーデ、オンネガー。交響曲第2番）。

18 世紀の終わりまでに、ハイドンとモーツァルトの創造的な道が終わり、ベートーヴェンの最初の交響曲が登場したとき、 小さな（クラシック）オーケストラ。 その構成:

文字列グループ 木管楽器金管楽器パーカッション

ヴァイオリン I フルート 2 ホルン 2 – 4 ティンパニ 2 – 3

ヴァイオリン II オーボエ 2 トランペット 2

ヴィオラクラリネット 2

チェロファゴット 2

コントラバス

J. ハイドン。交響曲「時間」パートII

19世紀後半には、その足場が築かれました。 大規模な交響楽団。 大規模なオーケストラと小規模なオーケストラの主な特徴は、3 つのトロンボーンとチューバ ( 「ヘビー・コッパー」カルテット ）。ダイナミックなバランスを作り出すために、弦楽グループの演奏者の数が増えます。

小さなオーケストラ大きなオーケストラ

バイオリン I 4 コンソール 8 ～ 10 コンソール

ヴァイオリン II 3 コンソール 7 ～ 9 コンソール

ビオラ 2コンソール 6コンソール

チェロ 2コンソール 5コンソール

コントラバスリモコン 1 個リモコン 4 ～ 5 個

木管楽器の数に応じて、大規模な交響楽団のいくつかの編成が区別されます。

ダブルスとか 二重構成 、各ファミリーの 2 つの楽器があります。

シューベルト。交響曲ロ短調。

グリンカ。ワルツファンタジー。

チャイコフスキー。交響曲第１番。

トリプル構成、ここには各ファミリーの 3 つの楽器があります。

リャドフ。バーバ・ヤーガ。

リムスキー＝コルサコフ。オペラ「金鶏」、「サルタン皇帝の物語」。

4重構成 ：フルート4本、オーボエ4本、クラリネット4本、ファゴット4本。

例外が発生する仕組み 単一の構成:

プロコフィエフ。交響的おとぎ話「ピーターと狼」。

リムスキー＝コルサコフ。オペラ「モーツァルトとサリエリ」。

利用可能 中間組成:

リムスキー＝コルサコフ。「シェヘラザード」。

ショスタコーヴィチ。交響曲第７番、第８番、第１０番。

チャイコフスキー。交響曲第５番。序曲「フランチェスカ・ダ・リミニ」、「ロミオとジュリエット」。

交響楽団の編成は、関連する楽器を組み合わせてグループ化することで構成されます。そのうちの 5 つがあります。

弦楽器 - アーキ

木管楽器 – フィアティ (レーニョ)

金管楽器 - オットーニ

打楽器 - 打楽器

キーボードと撥弦楽器。

3. モンテヴェルディのオペラ「オルフェウス」のオーケストラの編成に関する情報を見つける

背景
オーケストラのジャンルと形式
マンハイム礼拝堂
宮廷音楽家

背景

古代以来、人々は楽器の音が人間の気分に与える影響について知っていました。ハープ、リラ、シタラ、カマンチャ、または葦で作られたフルートの静かだがメロディアスな演奏は、喜び、愛、または平和の感情を呼び覚まし、動物の角（ヘブライ語のショファルなど）や金属パイプの音は、厳粛で宗教的な感情の出現に貢献しました。ホーンやトランペットにドラムやその他の打楽器を加えることで、恐怖に対処し、攻撃性や好戦性を呼び起こすことができました。いくつかの同様の楽器を共同演奏すると、音の明るさが増すだけでなく、聴き手への心理的影響も高まることが長い間注目されてきました。これは、多数の人が同じメロディーを一緒に歌ったときに起こるのと同じ効果です。したがって、人々が定住した場所ではどこでも、寺院での儀式、結婚、埋葬、戴冠式、軍事パレード、宮殿での娯楽など、戦いや公の儀式行事に演奏を伴う音楽家の協会が徐々に出現し始めました。

このような関係について書かれた最初の記述は、モーセ五書とダビデの詩篇に見られます。いくつかの詩篇の冒頭には、伴奏にどの楽器を使用するべきかについての説明とともに合唱団のリーダーへの訴えがあります。特定のテキスト。メソポタミアやエジプトのファラオ、古代中国やインド、ギリシャやローマには独自の音楽家グループがありました。悲劇を上演する古代ギリシャの伝統では、楽器を演奏することで俳優やダンサーのパフォーマンスを伴う音楽家が座る特別な台がありました。このような高台は「オーケストラ」と呼ばれていました。したがって、「オーケストラ」という言葉の発明の特許は古代ギリシャ人に残っていますが、実際にはオーケストラはずっと以前から存在していました。

ボスコレアーレのローマ時代の別荘のフレスコ画。紀元前50～40年代 e.メトロポリタン美術館

西ヨーロッパの文化では、オーケストラとしての音楽家の協会がすぐに呼ばれ始めたわけではありません。中世やルネサンスでは、最初は礼拝堂と呼ばれていました。この名前は、音楽が演奏される特定の場所に属することに関連付けられていました。このような礼拝堂は、最初は教会礼拝堂であり、その後宮廷礼拝堂になりました。アマチュア音楽家で構成された村の礼拝堂もありました。これらの礼拝堂は事実上大衆現象でした。そして、村の演奏家とその楽器演奏のレベルは、プロの宮廷や寺院の礼拝堂とは比較にならないが、村の伝統、そしてその後の都市部の民俗器楽が偉大な作曲家やヨーロッパの音楽文化全体に与えた影響を過小評価すべきではない。ハイドン、ベートーヴェン、シューベルト、ウェーバー、リスト、チャイコフスキー、ブルックナー、マーラー、バルトーク、ストラヴィンスキー、ラヴェル、リゲティの音楽は、文字通り民俗楽器音楽制作の伝統によって豊かに育まれています。

より古代の文化と同様に、ヨーロッパでは、声楽と器楽の間に元々の区別はありませんでした。中世初期からキリスト教会がすべてを支配し、教会の器楽は伴奏として発展し、福音の言葉をサポートし、それが常に普及していました。結局のところ、「初めに言葉がありました」のです。したがって、初期の礼拝堂には歌う人もいるし、歌手に伴奏する人もいます。

ある時点で「オーケストラ」という言葉が登場します。同時にどこでもというわけではありませんが。たとえばドイツでは、この言葉がロマンス諸国よりもずっと後に定着しました。イタリアでは、オーケストラとは常に音楽の声楽部分ではなく、楽器演奏を意味していました。オーケストラという言葉はギリシャの伝統から直接借用されました。イタリアのオーケストラは、16 世紀から 17 世紀の変わり目、オペラというジャンルの到来とともに誕生しました。そして、このジャンルの異常な人気により、この言葉はすぐに全世界を征服しました。したがって、現代のオーケストラ音楽には、寺院と劇場という 2 つの源があると言っても過言ではありません。

クリスマスミサ。リンブルフ兄弟による、ベリー公の壮大な時短書のミニチュア。 15世紀 MS。 65/1284、フォロー。 158r / コンデ美術館 / ウィキメディア・コモンズ

そしてドイツでは長い間、中世ルネッサンスの「礼拝堂」という名前にこだわり続けました。 20世紀まで、ドイツの宮廷オーケストラの多くは礼拝堂と呼ばれていました。現存する世界最古のオーケストラの 1 つは、ドレスデンにあるザクセン州立礼拝堂 (かつてはザクセン宮廷) です。その歴史は400年以上前に遡ります。彼女は常に美しさを高く評価し、この点で近隣諸国の誰よりも先を行っていたサクソンの選挙人の法廷に現れました。ベルリンとワイマールの州立礼拝堂や、リヒャルト・シュトラウスが楽長（現在は指揮者）を務めた有名なマイニンゲン宮廷礼拝堂もあります。ちなみに、ドイツ語の「カペルマイスター」（合唱指揮者）という言葉は、今日でも音楽家によって「指揮者」という言葉と同等の意味で使われることがありますが、より皮肉な意味で、時には否定的な意味（職人の意味で）でさえ使われます。アーティストではありません）。そして当時、この言葉は「合唱団やオーケストラの指揮者であり、作曲も行う人」という複雑な職業の名前として敬意を込めて発音されていました。確かに、ドイツの一部のオーケストラでは、この言葉が役職の呼称として保存されています。たとえば、ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団では、首席指揮者は今でも「ゲヴァントハウスのカペルマイスター」と呼ばれています。

XVII-XVIII 世紀: 宮廷装飾としてのオーケストラ

ジャン・バティスト・リュリによるロイヤル・バレエ・オブ・ザ・ナイトのルイ14世。アンリ・ド・ジセットによるスケッチ。 1653年作中では国王が日の出の役割を果たした。ウィキメディア・コモンズ

ルネサンス以降のバロックのオーケストラは、主に宮廷または教会のオーケストラでした。彼らの目的は、礼拝に同行したり、権力者を喜ばせたり楽しませたりすることでした。しかし、多くの封建的支配者はかなり発達した美的感覚を持っており、さらに、彼らはお互いを誇示することを好みました。ある者は軍隊を誇り、ある者は豪華な建築を誇り、ある者は整備された庭園を誇り、またある者は宮廷劇場やオーケストラを経営していました。

たとえば、フランス王ルイ 14 世には、そのようなオーケストラが 2 つありました。管楽器と打楽器で構成される王立厩舎のアンサンブルと、有名な作曲家ジャンバティストリュリが率いるいわゆる「王の 24 ヴァイオリン」です。彼はモリエールとも協力し、フランス・オペラの創始者、そして初のプロの指揮者として歴史に名を残しました。その後、1660 年の王政復古の際にフランスから帰国した英国王チャールズ 2 世 (処刑されたチャールズ 1 世の息子) も、フランスのモデルに基づいて王立礼拝堂で「24 王のヴァイオリン」を制作しました。ロイヤル礼拝堂自体は 14 世紀から存在し、エリザベス 1 世の治世中に最盛期に達しました。宮廷オルガン奏者はウィリアムバードとトーマスタリスでした。そしてチャールズ 2 世の宮廷では、英国の天才作曲家ヘンリーパーセルがウェストミンスター寺院と王立礼拝堂のオルガニストの職を兼任して仕えました。 16 世紀から 17 世紀のイギリスでは、通常は小規模なオーケストラを指す別の特定の名前、「コンソート」がありました。バロック時代後期になると「コンソート」という言葉は使われなくなり、代わりに室内楽、つまり「部屋」音楽という概念が登場します。

ロイヤル・バレエ・オブ・ザ・ナイトの戦士のコスチューム。アンリ・ド・ジセットによるスケッチ。 1653年ウィキメディア・コモンズ

バロック様式のエンターテイメントは、17 世紀の終わりから 18 世紀の初めにかけて、ますます豪華になっていきました。そして、少数のツールでは対応できなくなり、顧客は「より高価なツール」を求めました。もちろん、すべては「著名な後援者」の寛大さに依存していましたが。バッハが師匠たちに手紙を書かせて、楽器パートごとに少なくとも2つか3つのヴァイオリンを割り当てるよう説得したとすれば、ヘンデルでは同時に24人のオーボエ奏者、12人のファゴット奏者、9人のホルン奏者がこの曲の初演に参加したことになる。「王室の花火のための音楽」、9人のトランペット奏者と3人のティンパニスト（つまり、13の所定のパートに対して57人の音楽家）。そして、1784年にロンドンで行われたヘンデルの「メシア」の演奏には525人が参加しました（ただし、この出来事は、音楽の作者がもう生きていない後の時代に遡ります）。バロック作家のほとんどはオペラを書いており、劇場オペラオーケストラは常に作曲家にとって一種の創造的な実験室であり、珍しい楽器を含むあらゆる種類の実験の場所でした。たとえば、17 世紀初頭、モンテヴェルディは、地獄のような怒りを描くために、史上最初のオペラの 1 つであるオペラ「オルフェウス」のオーケストラにトロンボーンのパートを導入しました。

フィレンツェカメラータ (16 世紀から 17 世紀初頭) の時代以来、どのオーケストラにも通奏低音パートがあり、演奏者全員が演奏し、ヘ音記号の 1 行で録音されていました。ベースラインの下の数字は特定の倍音シーケンスを示しており、演奏者はすべての音楽の質感と装飾を即興で作成する必要がありました。つまり、演奏のたびに新たに作成する必要がありました。そして、その構成は、特定の礼拝堂で利用できる楽器に応じて異なりました。 1 つの鍵盤楽器の存在が必須であり、ほとんどの場合はチェンバロでしたが、教会音楽ではそのような楽器はオルガンであることが最も多かったです。弦楽器 1 つ - チェロ、ヴィオラダガンバ、またはヴィオローネ (現代のコントラバスの前身)。 1本の弾かれた弦 - リュートまたはテオルボ。しかし、たまたま通奏低音のグループでは、数台のチェンバロを含む6人か7人が同時に演奏することになった（パーセルとラモーは3人か4人のチェンバロを持っていた）。 19世紀には鍵盤楽器や撥弦楽器がオーケストラから姿を消しましたが、20世紀になって再び登場しました。そして 1960 年代以降、交響楽団は既存のほぼすべての楽器を使用できるようになり、楽器編成へのアプローチはほぼバロック的な柔軟性になりました。このように、バロックが現代のオーケストラを生み出したと考えることができます。

楽器、チューニング、記譜法

サン・ミラン・デ・ラ・コゴーリア修道院のリストにあるリーバンのベアトゥスの黙示録の注釈からのミニチュア。 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

現代のリスナーは、「オーケストラ」という言葉を聞くと、ベートーベン、チャイコフスキー、ショスタコーヴィチの音楽からの抜粋を連想するでしょう。その巨大な記念碑的でありながら滑らかなサウンドは、現代のオーケストラを生で、そして録音で聴くことで私たちの記憶に刻み込まれています。しかし、オーケストラは常にこのように聞こえるわけではありません。古代のオーケストラと現代のオーケストラの間には多くの違いがありますが、最も重要なのは音楽家が使用した楽器です。特に、音楽が演奏される部屋は（一般的に）現代のコンサートホールよりもかなり小さかったため、すべての楽器は現代の楽器よりもはるかに静かに聞こえました。そして、工場の汽笛も、原子力タービンも、内燃機関も、超音速航空機もありませんでした。人類の生活音全体は、今日よりも数倍静かでした。その音量は依然として自然現象によって測定されていました。野生動物の咆哮、雷雨時の雷鳴、滝の轟音、倒木や山地滑りの轟音、そして群衆の咆哮などです。晴れた日の町の広場。したがって、音楽は自然そのものとしか明るさで勝負できません。

弦楽器を引く弦は牛のすじで作られ（今日のものは金属でできています）、弓はより小さくて軽く、形状もわずかに異なりました。このため、弦の音は今日よりも「暖かく」はありましたが、「滑らかさ」は劣っていました。木管楽器には、より自信を持って正確に演奏できる最新のバルブやその他の技術的装置がすべて備わっていませんでした。当時の木管楽器は音色がより個性的で、時にはやや嘘っぽく（すべては演奏者のスキルに依存します）、現代のものよりも数倍静かでした。金管楽器はすべて自然なものでした。つまり、自然な音階の音しか出すことができず、ほとんどの場合、短いファンファーレを演奏するのに十分であり、長いメロディーを演奏することはできませんでした。ドラムやケトルドラムには動物の皮が張られていました（プラスチック膜を備えた打楽器が登場して久しいですが、この習慣は今でも残っています）。

オーケストラのチューニングは一般的に現在よりも低く、平均して半音、時には全音も低かったです。しかし、ここでも単一の規則はありませんでした。ルイ 14 世の宮廷における第 1 オクターブの A 音（オーケストラの伝統的な調律に使用されている）の音階は、ヘルツ音階で 392 でした。チャールズ 2 世の宮廷では、A は 400 ヘルツから 408 ヘルツに調整されました。同時に、寺院のオルガンは、宮殿の部屋にあったチェンバロよりも高い音に調律されることがよくありました（おそらくこれは暖房によるものでした。乾燥した熱により弦楽器の調律が上がり、宮殿の寒さにより弦楽器の調律が高くなるからです）。逆に、値が下がります。管楽器では、これは逆の傾向がよく観察されます)。したがって、バッハの時代には、いわゆるカンマー音（現代の「音叉」はそこから派生した言葉です）、つまり「ルームトーン」とオルゲル音、つまり「」の2つの主要なシステムがありました。器官系」（「合唱音」とも呼ばれます）」）。そして、Aの部屋のチューニングは415ヘルツで、オルガンのチューニングは常に高く、465ヘルツに達することもありました。そして、それらを現代のコンサートスケール（440ヘルツ）と比較すると、最初のスケールは現代のものよりも半音低く、2番目は半音高いことがわかります。したがって、オルガンシステムを念頭に置いて書かれたバッハのカンタータのいくつかでは、管楽器のパートが作者によってすぐに転調、つまり合唱団と通奏低音のパートよりも半音高く書かれました。これは、主に宮廷室内楽で使用される管楽器がオルガンの高い調律に適応していなかったという事実によるものでした（フルートやオーボエはカマー音よりわずかに低い場合さえあり、したがって3番目の調律も存在しました）。低いカマートーン)。トーン)。そして、これを知らずに、今日このようなカンタータを文字通り音符から演奏しようとすると、作者が意図しなかった不協和音を生じてしまうでしょう。

この「フローティング」システムの状況は、第二次世界大戦まで世界中で続きました。つまり、国が異なるだけでなく、同じ国の都市が異なる場合でも、システムが互いに大きく異なる可能性がありました。 1859 年にフランス政府は、A ～ 435 ヘルツのチューニングを承認する法律を可決し、チューニングを標準化する最初の試みを行いましたが、他の国ではチューニングは引き続き非常に異なっていました。国際標準化機構が 440 ヘルツのコンサートピッチに関する法律を採択したのは 1955 年のことであり、この法律は現在も施行されています。

ハインリヒ・イグナス・ビーバー。 1681 年の彫刻ウィキメディア・コモンズ

バロックと古典の作家は、弦楽器の音楽に関連する構造の分野で他の作業も実行しました。今回は「スコルダトゥーラ」、つまり「弦の並べ替え」というテクニックについて話します。同時に、ヴァイオリンやヴィオラなどの一部の弦は、その楽器にとっては異なる非典型的な音程に調律されました。このおかげで、作曲家は曲の調性に応じてより多くの開放弦を使用することができ、楽器の共鳴が良くなりました。しかし、このスコルダトゥーラは実音ではなく移調して録音されることが多かった。したがって、楽器（および演奏者）の事前準備がなければ、このような曲を適切に演奏することは不可能です。スコルダトゥーラの有名な例は、ハインリヒ・イグナス・ビーバーによる一連のヴァイオリン・ソナタ「ロザリオ（神秘）」（1676年）です。

ルネサンスと初期バロック時代には、作曲家が作曲できるモードやそれ以降の調の範囲は、自然の壁によって制限されていました。このバリアの名前はピタゴラスコンマです。ギリシャの偉大な科学者ピタゴラスは、自然音階の最初の音程の 1 つである完全 5 度の調律楽器を初めて提案しました。しかし、この方法で弦楽器をチューニングすると、五度圏 (4 オクターブ) を完全に通過した後、シャープ B の音が C よりもはるかに高く聞こえることがわかりました。そして古来より、音楽家や科学者は、自然音階のこの自然な欠陥、つまり不均一性を克服し、すべての調性を均等に使用できる、楽器を調律するための理想的なシステムを見つけようと努めてきました。

それぞれの時代には独自の建設システムがありました。そして、それぞれのシステムには独自の特徴があり、現代のピアノの音に慣れている私たちの耳には嘘のように思えました。 19 世紀初頭以来、すべての鍵盤楽器は、オクターブを 12 の完全に等しい半音に分割する均一な音階で調律されてきました。均一なチューニングは、現代の精神に非常に近い妥協であり、ピタゴラスのコンマの問題を完全に解決することを可能にしましたが、純粋な 3 度と 5 度の音の自然な美しさが犠牲になりました。つまり、現代のピアノで演奏される音程（オクターブを除く）はどれも自然音階に対応していません。そして、中世後期以来存在した数多くの調律システムでは、一定数の純粋な音程が保存されており、そのおかげですべての音が鋭く個性的な音を受け取りました。平均律が発明され（バッハの平均律クラヴィーア曲集を参照）、チェンバロやオルガンのすべてのキーを使用できるようになった後でも、キー自体は依然として個別の色を保っていました。したがって、バロック音楽の基礎となる感情理論が出現し、これによれば、メロディー、ハーモニー、リズム、テンポ、テクスチャー、調性自体の選択など、すべての音楽表現手段は本質的に特定の感情状態と関連付けられています。さらに、同じ調性でも、現在使用されているシステムに応じて、牧歌的、無邪気な音、官能的な音、厳粛な悲しげな音、悪魔のように恐ろしい音にも聞こえます。

作曲家にとって、18 世紀から 19 世紀の変わり目までは、特定の調性の選択は特定の感情と密接に結びついていました。さらに、ハイドンにとってニ長調が「壮大な感謝、好戦」のように聞こえるとしたら、ベートーヴェンにとっては「痛み、憂鬱、または行進」のように聞こえます。ハイドンはホ長調を「死の思考」と関連付け、モーツァルトにとってそれは「厳粛で崇高な超世俗性」を意味しました（これらの形容詞はすべて作曲家自身からの引用です）。したがって、古代音楽を演奏する音楽家に義務付けられている美徳の中には、音楽的および一般的な文化的知識の多次元システムがあり、それによって人はさまざまな作者によるさまざまな作品の感情的構造と「コード」を認識できるようになり、同時に技術的にも理解できるようになります。これをゲーム内に実装します。

さらに、表記法にも問題があります。17 世紀から 18 世紀の作曲家は、今後の演奏に関連する情報の一部のみを意図的に書き留めました。バロックの美学の不可欠な部分であるフレージング、ニュアンス、アーティキュレーション、そして特に絶妙な装飾はすべて音楽家の自由な選択に委ねられており、したがって彼らは単に作曲家の意志に従順な実行者ではなく、作曲家の共同創造者となったのです。したがって、古代楽器によるバロック音楽や古典初期音楽の真の見事な演奏は、現代楽器による後期音楽の名人芸と同じくらい（あるいはそれ以上に）難しい課題となります。 60 年以上前に古代楽器の演奏に熱中する最初の愛好家 (「真正演奏家」) が現れたとき、彼らは同僚の間で敵意に見舞われることがよくありました。これは、部分的には伝統的な楽派の音楽家の惰性によるものであり、部分的には音楽の真正性の先駆者自身の技術の不足によるものでした。音楽家たちのサークルでは、「乾いた木」（木管楽器）や「錆びた金属くず」（金管楽器）で悲しげな偽のブリート音を立てる以外に自分自身を利用するより良い方法を見つけられなかった敗者として、ある種見下した皮肉的な態度が彼らに対してありました。そして、この（確かに残念な）態度は、ここ数十年で古代楽器の演奏レベルが大幅に向上し、少なくともバロックと初期の古典の分野では、本物主義者がずっと前に追いつき、より単調で重々しい響きの現代のオーケストラを上回りました。

オーケストラのジャンルと形式

ピエール・ムシュロンとその家族の肖像画の断片。作者不明。 1563年アムステルダム国立美術館

「オーケストラ」という言葉が常に今日私たちが意味するものを意味していたわけではないのと同じように、「交響曲」と「コンサート」という言葉も当初は若干異なる意味を持っていましたが、時間の経過とともに徐々に現代的な意味を獲得しました。

コンサート

「コンサート」という言葉にはいくつかの由来があると考えられます。現代の語源では、イタリア語のコンチェルターレから「合意に至る」、またはラテン語のコンシネレ、コンチーノから「一緒に歌う、賞賛する」と訳される傾向があります。別の可能な翻訳は、ラテン語のコンチェルターレからの「論争、競争」です。個々の演奏者 (ソリストまたはソリストのグループ) がグループ (オーケストラ) と音楽で競い合います。バロック時代初期には、協奏曲はしばしば声楽作品と呼ばれていましたが、後にはラテン語のカント、カンターレ（「歌う」）に由来するカンタータとして知られるようになりました。時間が経つにつれて、協奏曲は純粋に器楽のジャンルになりました（ただし、20世紀の作品の中には、ラインホルト・グリエールによる声とオーケストラのための協奏曲のような珍しいものも見られます）。バロック時代には、ソロコンサート (1 つの楽器と伴奏オーケストラ) と、少数のソリストのグループ (コンチェルティーノ) とより多くの楽器を備えたグループの間で音楽が受け渡される「大協奏曲」 (コンチェルトグロッソ) が区別されました (リピエノ、つまり「詰める」、「詰める」）。リピエノ・グループの音楽家はリピエニスタと呼ばれていました。現代のオーケストラ奏者の先駆者となったのは、このリピエニストたちでした。リピエノは弦楽器と通奏低音のみを使用しました。そして、ソリストはヴァイオリン、チェロ、オーボエ、リコーダー、ファゴット、ヴィオラ・ダモーレ、リュート、マンドリンなど、非常に異なる場合があります。

コンチェルト・グロッソには、コンチェルト・ダ・キエーザ（「教会コンサート」）とコンチェルト・ダ・カメラ（「室内コンサート」）の2種類がありました。どちらも主に、12 の協奏曲からなるサイクル (1714 年) を作曲したアルカンジェロコレッリのおかげで使用されるようになりました。この連作はヘンデルに強い影響を与え、ヘンデルはこのジャンルの傑作として認められる協奏曲グロッソの全 2 つの連作を私たちに残しました。バッハのブランデンブルク協奏曲にも、協奏曲グロッソの明確な特徴があります。

バロックリサイタルの全盛期といえば、アントニオヴィヴァルディの名前が挙げられます。ヴィヴァルディは生涯、弦楽や通奏低音を伴うさまざまな楽器のための 500 以上の協奏曲を作曲しました（ただし、彼は 40 を超えるオペラ、膨大な量の教会の合唱曲、器楽交響曲）。原則として、ソロコンサートは 3 つのパートで構成され、テンポが速い、遅い、速い、というように交互に変化しました。この構造は、21 世紀初頭まで、その後の楽器コンサートの例で主流となりました。ヴィヴァルディの最も有名な作品は、ヴァイオリンと弦楽オーケストラのための連作「季節」（1725年）で、各コンサートの前に詩（おそらくヴィヴァルディ自身が書いたもの）が記されています。詩は特定の季節の主な気分や出来事を描写しており、それが音楽自体に具体化されます。これら 4 つのコンサートは、「ハーモニーと発明のコンテスト」と呼ばれる 12 回のコンサートからなる大規模なシリーズの一部であり、今日では標題音楽の最初の例の 1 つであると考えられています。

ヘンデルとバッハはこの伝統を継続し、発展させました。さらに、ヘンデルはとりわけ16曲のオルガン協奏曲を作曲し、バッハは当時の伝統的な1台と2台のヴァイオリンのための演奏会に加えて、それまで専ら通奏低音グループの楽器であったチェンバロのための演奏会も作曲しました。したがって、バッハは現代のピアノ協奏曲の祖と考えられます。

交響曲

ギリシャ語から翻訳されたシンフォニーは「協和音」、「結合音」を意味します。古代ギリシャや中世の伝統では、交響曲はハーモニー (今日の音楽用語では協和音) の響きに与えられた名前であり、その後、ダルシマー、ハーディなど、さまざまな楽器が交響曲と呼ばれるようになりました。 -ガーディ、スピネット、またはヴァージナル。そして、「交響曲」という言葉が声と楽器の曲の名前として使われ始めたのは、16 世紀から 17 世紀の変わり目に入ってからです。このような交響曲の最も初期の例としては、ロドヴィコ・グロッシ・ダ・ヴィアダーナの音楽交響曲（1610年）、ジョヴァンニ・ガブリエリの神聖交響曲（1615年）、ハインリヒ・シュッツの神聖交響曲（作品6、1629年、作品10、1649年）などがある。一般に、バロック時代全体を通して、教会内容と世俗内容の両方で、さまざまな作品が交響曲と呼ばれていました。ほとんどの場合、交響曲はより大きなサイクルの一部でした。主にスカルラッティの名前に関連付けられたイタリアのオペラ・セリア（「シリアス・オペラ」）というジャンルの出現により、交響曲はオペラへの器楽による導入部と呼ばれるようになり、序曲とも呼ばれ、通常は次の 3 つのセクションで構成されます。遅い - 速い。つまり、長い間、「交響曲」と「序曲」はほぼ同じ意味でした。ちなみに、イタリアのオペラでは、序曲を交響曲と呼ぶ伝統が 19 世紀半ばまで存続しました (ヴェルディの初期のオペラ、たとえば「ネブカドネザル」を参照)。

18 世紀以来、器楽による複数楽章の交響曲がヨーロッパ中で流行しました。彼らは公生活と教会の礼拝の両方で重要な役割を果たしました。しかし、交響曲が生まれ、演奏された主な場所は貴族の邸宅でした。 18 世紀半ば（ハイドンの最初の交響曲が登場した時期）までに、ヨーロッパには交響曲作曲のための主要な中心地が 3 つありました - ミラノ、ウィーン、マンハイム。これら 3 つのセンター、特にマンハイム宮廷礼拝堂とその作曲家、そしてヨーゼフ・ハイドンの活動のおかげで、当時ヨーロッパで交響曲というジャンルが初めて開花しました。

マンハイム礼拝堂

ヤン・スタミッツウィキメディア・コモンズ

この礼拝堂は、選帝侯カール 3 世フィリップのもとでハイデルベルクに設立され、1720 年以降もマンハイムに存在し続け、現代のオーケストラの最初の原型と考えることができます。マンハイムに移る前から、この礼拝堂は周囲の公国の中で最も多くの礼拝堂がありました。マンハイムではそれがさらに成長し、当時最も才能のある音楽家を集めて協力を得たことで、演奏の質は大幅に向上しました。 1741 年以来、この礼拝堂はチェコのヴァイオリニスト兼作曲家ヤンシュターミッツが率いていました。マンハイム学派の創設について話すことができるのはこの時からです。オーケストラには30の弦楽器、ペアの管楽器が含まれていた：フルート2本、オーボエ2本、クラリネット2本（当時はまだオーケストラでは珍しいゲストだった）、ファゴット2本、ホルン2本から4本、トランペット2本とティンパニという当時としては巨大な編成だった。たとえば、ハイドンがほぼ30年間指揮者を務めたエステルハージ公の礼拝堂では、彼のキャリアの初期には音楽家の数は13〜16人を超えていなかった；ハイドンがエステルハージ以前に数年間指揮者を務めていたモルシン伯爵そして最初の交響曲を書きましたが、音楽家の数はさらに減りました。当時のハイドンの楽譜から判断すると、フルートすらありませんでした。 1760 年代後半、エステルハージ礼拝堂の音楽家数は 16 ～ 18 名に増加し、1780 年代半ばには最大の音楽家数 24 名に達しました。そしてマンハイムには弦楽奏者だけで30人もいた。

しかし、マンハイムの名手たちの主な長所はその量ではなく、当時の集団演奏の驚くべき質と一貫性でした。ヤン・シュタミッツ、そして彼の後にこのオーケストラのために音楽を書いた他の作曲家たちは、ますます洗練された、これまで前例のない効果を発見し、それ以来マンハイム礼拝堂の名前と関連付けられるようになりました。サウンド（ディミヌエンド）、ゲームの突然の共同中断（一般的な一時停止）、およびマンハイムロケット（壊れた和音の音に応じてメロディーが急速に上昇する）、マンハイムロケットなどのさまざまな種類の音楽的要素。鳥（ソロパッセージで鳥のさえずりを模倣）やマンハイムのクライマックス（クレッシェンドを準備し、その後、決定的な瞬間はすべての管楽器の演奏が停止し、弦だけが活発かつエネルギッシュに演奏することです）。これらの効果の多くは、マンハイムの若い同時代人であるモーツァルトやベートーヴェンの作品の中に第二の人生を見出し、そのいくつかは今日でも残っています。

さらに、シュターミッツと彼の同僚は、バロック様式の教会ソナタや室内ソナタ、そしてイタリアのオペラ序曲から派生した、4 楽章の交響曲の理想的なタイプを徐々に見つけていきました。ハイドンも長年の実験の結果、同じ4部構成に到達しました。若きモーツァルトは 1777 年にマンハイムを訪れ、そこで聞いた音楽とオーケストラの演奏に深い感銘を受けました。モーツァルトは、シュターミッツの死後にオーケストラを率いたクリスティアン・カンナビッチと、マンハイム訪問時から個人的な親交を持っていた。

宮廷音楽家

給与を支払われる宮廷音楽家の地位は、当時非常に有益でしたが、当然のことながら、多くの費用も必要でした。彼らは非常に熱心に働き、主人のあらゆる音楽的気まぐれを満たさなければなりませんでした。彼らは午前3時か4時に起こされ、所有者がエンターテイメント音楽、つまりある種のセレナーデを聴きたいと言ったかもしれません。貧しい音楽家たちはホールに入り、ランプを設置して演奏しなければなりませんでした。非常に多くの場合、音楽家は週 7 日働いていました。もちろん、制作基準や 1 日 8 時間労働などの概念は彼らには存在しませんでした（現代の基準では、オーケストラの音楽家は、仕事が始まると 1 日 6 時間を超えて働くことはできません）コンサートや演劇のリハーサルに）。一日中遊ばなければならなかったので、一日中遊んでいました。しかし、音楽を愛する飼い主は、ミュージシャンが休憩なしで数時間演奏することはできないことを最も多くの場合理解していました - 彼には食事と休息の両方が必要でした。

ニコラ・マリア・ロッシの絵画の詳細。 1732年ブリッジマン画像/Fotodom

ハイドンとエステルハージ王子の礼拝堂

伝説によれば、有名な「別れの交響曲」を書いたハイドンは、こうして師エステルハージに、約束されていたが忘れられていた休息についてほのめかしたという。フィナーレでは、ミュージシャン全員が順番に立ち上がり、ろうそくの火を消して去っていきました。そのヒントは非常に明白です。そしてオーナーは彼らを理解し、彼らを休暇に行かせました。これは彼がユーモアのセンスのある洞察力に富んだ人であることを物語っています。たとえこれがフィクションであっても、当時の精神を見事に伝えています。他の時代では、当局の間違いについてのこのようなヒントは、作曲家に非常に大きな損害を与えた可能性があります。

ハイドンの後援者は、鋭い音楽感覚を備えた十分な教育を受けた人々であったため、ハイドンは、彼の実験のいずれかが、それが 6 つまたは 7 つの楽章からなる交響曲であれ、いわゆる開発エピソードにおける信じられないほど複雑な調性であれ、実現しないであろうという事実を当てにすることができました。非難の目で見られることになる。逆のことさえあるようです。その形が複雑で珍しいほど、私はそれをより気に入りました。
それにもかかわらず、ハイドンは、この一見快適だが一般的には奴隷的な宮廷生活から解放された最初の優れた作曲家となった。ニコラウス・エステルハージが亡くなると、彼の後継者はハイドンの称号を保持し、指揮者としての給与は（減額された）ものの、オーケストラを解散した。こうして、ハイドンは意図せず無期限の休暇を取得し、興行主ヨハン・ペーター・ザロモンの招待を利用して、かなりの年齢でロンドンに行きました。そこで彼は実際に新しいオーケストラのスタイルを生み出しました。彼の音楽はより堅牢かつシンプルになりました。実験は中止されました。これは商業上の必要性によるものでした。彼は一般のイギリス国民がエステルハージ邸の洗練された聴衆よりもはるかに教育を受けていないことに気づきました。彼らにとっては、より短く、より明瞭で、より宝石的なものを書く必要があったのです。エステルハージが書いた交響曲はどれもユニークですが、ロンドンの交響曲も同じタイプです。それらはすべて 4 つの楽章のみで書かれています (当時、これは交響曲の最も一般的な形式であり、すでにマンハイム楽派の作曲家やモーツァルトによって広く使用されていました): 第 1 楽章の必須のソナタアレグロ、多かれ少なかれゆっくりとした第2楽章、メヌエット、そして速いフィナーレ。オーケストラの種類と音楽形式、およびハイドンの最後の交響曲で使用された主題の技術的発展の種類は、ベートーヴェンのモデルとなりました。

18世紀末～19世紀：ウィーン楽派とベートーヴェン

ウィーンのアン・デア・ウィーン劇場の内部。彫刻。 19世紀ブリッジマン画像/Fotodom

偶然にも、ハイドンは 24 歳年下のモーツァルトよりも長生きし、ベートーヴェンの創造的な道が始まるのに立ち会いました。ハイドンは人生のほとんどを現在のハンガリーで過ごし、晩年にはロンドンで大成功を収め、モーツァルトはザルツブルク出身、ベートーヴェンはボン生まれのフランドル人でした。しかし、3 人の音楽界の巨人全員の創造的な道は、女帝マリア・テレジアとその息子ヨーゼフ 2 世の治世中に世界の音楽の首都の地位を占めたウィーンと結びついていました。こうして、ハイドン、モーツァルト、ベートーヴェンの作品は「ウィーンの古典様式」として歴史に名を残しました。ただし、著者自身は自分たちを「古典」とはまったく考えておらず、ベートーヴェンは自分自身を革命家、先駆者、さらには伝統の破壊者であると考えていたことに注意する必要があります。「クラシックスタイル」という概念そのものが、ずっと後の時代 (19 世紀半ば) に発明されたものです。このスタイルの主な特徴は、形式と内容の調和のとれた統一、バロック的な過剰さのないバランスの取れたサウンド、音楽構造のアンティークな調和です。

オーケストラ音楽の分野におけるウィーン古典派の頂点は、ハイドンのロンドン交響曲、モーツァルトの最後の交響曲、そしてベートーヴェンのすべての交響曲であると考えられています。ハイドンとモーツァルトの後期の交響曲では、古典的なスタイルの音楽語彙と構文が最終的に確立され、オーケストラの構成も確立されました。これはすでにマンハイム楽派で結晶化しており、今でも古典的であると考えられています：弦楽グループ（最初のグループに分けられます）第 2 ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス)、ダブル木管楽器 - 通常はフルート 2 つ、オーボエ 2 つ、ファゴット 2 つです。しかし、モーツァルトの最後の作品から、クラリネットもオーケストラにしっかりと入り込み、地位を確立しました。モーツァルトのクラリネットに対する情熱は、この楽器がオーケストラの金管セクションの一部として広く普及することに大きく貢献しました。モーツァルトは 1778 年にマンハイムでシュターミッツの交響曲でクラリネットを聴き、父親への手紙に感嘆の言葉を書きました。「ああ、クラリネットがあれば！」 - 「私たち」とは、1804 年に初めてクラリネットの使用を導入したザルツブルク宮廷礼拝堂を意味します。ただし、すでに 1769 年からクラリネットは王子大司教の軍楽隊で定期的に使用されていたことに注意する必要があります。

すでに述べた木管楽器に、通常は 2 つのホルンが追加され、場合によっては軍の交響楽に取り入れられた 2 つのトランペットとティンパニが追加されました。しかし、これらの楽器は、ナチュラルトランペットの使用を許可するキーを持つ交響曲でのみ使用され、通常はニ長調またはハ長調のいくつかの調律しか存在しませんでした。ト長調で書かれた交響曲ではトランペットも使用されることがありましたが、ティンパニは使用されませんでした。トランペットのみでティンパニを持たないこのような交響曲の例は、モーツァルトの交響曲第 32 番です。ティンパニのパートは後に正体不明の人物によってスコアに追加されたものであり、本物ではないと考えられています。ティンパニに関連したト長調に対する 18 世紀の作家の嫌悪感は、バロックティンパニ (現代の便利なペダルではなく、手動のテンションネジで調律された) の場合、彼らが伝統的に次のものだけからなる音楽を書いていたという事実によって説明されると考えられます。 2 つの音 - トニック (調性 1 度) とドミナント (調性 5 度)、これらの音を演奏するトランペットをサポートするように設計されていますが、ティンパニの上部オクターブにある主要なト長調の主音は鳴りました。鋭すぎる、そして低い - 鈍すぎる。したがって、ト長調のティンパニは不協和音のため避けられました。

他のすべての楽器はオペラとバレエでのみ許容されると考えられ、それらのいくつかは教会で鳴らされました（たとえば、レクイエムのトロンボーンとバセットホーン、魔笛のトロンボーン、バセットホーン、ピッコロ、「イェニチェリ」音楽のドラム）「後宮からの誘拐」ではマンドリン、モーツァルトの「ドン・ジョヴァンニ」ではマンドリン、ベートーベンのバレエ「プロメテウスの作品」ではバセットホルンとハープを演奏。

通奏低音は徐々に使われなくなり、最初はオーケストラ音楽から姿を消しましたが、レチタティーヴォの伴奏としてオペラにしばらく残りました（モーツァルトの「フィガロの結婚」、「すべての女性はそうする」、および「ドン・ジョヴァンニ」を参照してください）。 19世紀、ロッシーニとドニゼッティによるいくつかのコミックオペラ）。

ハイドンは交響楽の分野で最も偉大な発明家として歴史に名を残していますが、モーツァルトは交響曲よりもオペラの中でオーケストラをより多く実験しました。後者は、当時の基準への準拠において比較にならないほど厳格です。もちろん例外もありますが、たとえば、プラハやパリの交響曲にはメヌエットはありません。つまり、それらは 3 つの楽章だけで構成されています。ト長調第 32 番という 1 楽章の交響曲もあります (ただし、この曲は、速い - 遅い - 速いという 3 つのセクションに分かれたイタリア序曲のモデルに基づいて構築されています。つまり、ハイドン以前の古い基準に相当します) ）。しかし、この交響曲ではホルンが4本も使われています（ちなみに、交響曲第25番ト短調やオペラ「イドメネオ」でも同様）。交響曲第 39 番にはクラリネットが含まれていますが (モーツァルトのこれらの楽器への愛についてはすでに述べました)、伝統的なオーボエはありません。そして、交響曲第 40 番には、クラリネットありとなしの 2 つのバージョンが存在します。

形式的なパラメータに関して言えば、モーツァルトは交響曲のほとんどをマンハイムとハイドンのスキームに従って進めています。もちろん、彼の天才的な力によってそれらを深化させ、洗練させていますが、構造や構成のレベルで重要な点は何も変更していません。しかし、モーツァルトは人生の晩年に、過去の偉大なポリフォニストであるヘンデルとバッハの作品を詳細かつ深く研究し始めました。そのおかげで、彼の音楽の質感は、さまざまな種類のポリフォニートリックによってますます豊かになっています。 18世紀後半の交響曲に典型的な同音構造とバッハタイプのフーガを組み合わせた素晴らしい例は、モーツァルトの最後の交響曲第41番「ジュピター」です。これは、交響曲ジャンルにおける最も重要な発展方法としてのポリフォニーの復活の始まりを示しています。確かに、ここでもモーツァルトは、以前に他の人が歩いた道をたどっていました。モーツァルトにとって確かに知られているミヒャエル・ハイドンの 2 つの交響曲、第 39 番 (1788 年) と第 41 番 (1789 年) の終楽章も、フーガの形式で書かれました。

ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの肖像。ヨーゼフ・カール・シュティーラー。 1820年ウィキメディア・コモンズ

オーケストラの発展におけるベートーヴェンの役割は特別です。彼の音楽は、古典派とロマン派という 2 つの時代を見事に組み合わせたものです。交響曲第 1 番（1800 年）でベートーヴェンがハイドンの忠実な生徒であり信奉者であり、バレエ「プロメテウスの作品」（1801 年）ではグルックの伝統の継承者であるとすれば、交響曲第 3 番英雄的交響曲（1804 年）では）ハイドン＝モーツァルトの伝統を、より現代的な方法で最終的かつ取り返しのつかない再考することになる。第 2 交響曲 (1802 年) は、外見的には依然として古典的なモデルに従っていますが、その中には多くの革新があり、主なものは伝統的なメヌエットを失礼な農民のスケルツォ (イタリア語で「冗談」) に置き換えたことです。それ以来、交響曲第 8 番の第 3 楽章「メヌエットのテンポで」のタイトルに「メヌエット」という言葉が皮肉的かつノスタルジックに使用されている（作曲者第8番が作曲された1812年には、メヌエットはすでにどこでも使われなくなっており、ベートーヴェンはここで明らかに、このジャンルへの言及を「素敵ではあるが遠い過去」のしるしとして使用しています。しかし、ダイナミックなコントラストも豊富で、第 1 楽章の主要テーマを意識的にチェロとコントラバスに移し、ヴァイオリンがその伴奏者として珍しい役割を果たし、チェロとコントラバスの機能が頻繁に分割されています。コントラバス（つまり、独立した声部としてのコントラバスの解放）と、極端な部分でのコーダの拡張、展開（実質的に第二の展開に変わる）はすべて新しいスタイルの痕跡であり、次の作品でその驚くべき展開が見られました。 - 交響曲第 3 番。

同時に、交響曲第 2 番には、その後のベートーヴェンの交響曲、特に第 3 番と第 6 番、そして第 9 番のほとんどすべての始まりが含まれています。第二番の最初の部分への導入部分には、第九の最初の部分のメインテーマとよく似たニ短調のモチーフがあり、第二番のフィナーレの接続部分は実質的に「頌歌」のスケッチです。同じ第九のフィナーレから、たとえ同じ楽器編成であっても。

交響曲第 3 番は、これまでに書かれたすべての交響曲の中で、音楽言語の点でも、曲の内容の最も集中的な精緻化の点でも、最も長く、最も複雑です。この作品には、当時前例のないダイナミックなコントラスト（ピアノ 3 台からフォルテ 3 台まで！）が含まれており、モーツァルトと比較しても同様に前例のない、元の動機の「細胞の変化」に取り組んでいます。それは個々の楽章に存在するだけでなく、また、いわば、4 部構成のサイクル全体に浸透し、分割できない単一の物語の感覚を生み出します。英雄的な交響曲は、もはや楽器サイクルの対照的な部分の調和のとれた連続ではなく、まったく新しいジャンル、実際、音楽史上初の交響曲ロマンスです。

ベートーベンのオーケストラの使い方は単に名人芸的なだけではなく、楽器奏者に限界まで、そしてしばしば各楽器の考えられる技術的限界を超えてまで自分を追い込むことを強います。ベートーベンの有名なフレーズは、ベートーベンの一節の「不可能性」についての彼の批判的な発言に応えて、多くのベートーベン四重奏曲の最初の演奏者であるヴァイオリニストでリヒノフスキー伯爵四重奏団のリーダーであるイグナス・シュパンツィヒに宛てたもので、この作曲家の技術的問題に対する彼の態度を著しく特徴づけています。音楽: 彼の不幸なヴァイオリンに合わせて「私が何を気にするの？」と御霊が私に話しかけるとき?!」音楽的なアイデアは常に最初にあり、それを実現する方法はその後にあるはずです。しかし同時に、ベートーヴェンは当時のオーケストラの能力をよく知っていました。ところで、ベートーベンの聴覚障害のマイナスの影響について広く受け入れられている意見は、おそらく彼の後の作品に反映されており、したがってその後のさまざまな修正という形で彼の楽譜に侵入することを正当化しているが、これは単なる神話である。彼の後期の交響曲や四重奏曲の優れた演奏を本物の楽器で聴くだけで、それらに欠陥はなく、楽器に関する詳細な知識に基づいた、彼の芸術に対する非常に理想主義的で妥協のない態度があるだけであると確信するのに十分です。彼の時間と彼らの能力。もしベートーベンが現代の技術力を備えた現代のオーケストラを自由に使えていたら、彼は間違いなく全く異なる作曲をしただろう。

楽器編成に関して言えば、ベートーヴェンは最初の 4 つの交響曲において、ハイドンやモーツァルトの後の交響曲の基準に忠実であり続けています。ただし、エロイカ交響曲では伝統的な 2 つのホルンや、まれではあるが伝統的に受け入れられている 4 つのホルンの代わりに 3 つのホルンが使用されています。つまり、ベートーヴェンは、あらゆる伝統に従うという非常に神聖な原則に疑問を抱いているのです。彼にはオーケストラに第 3 のホルン声が必要であり、それを導入しています。

そしてすでに第5交響曲（1808年）では、ベートーベンはフィナーレで軍用（または劇場用）オーケストラの楽器、ピッコロ・フルート、コントラファゴット、トロンボーンを導入しています。ちなみに、ベートーベンの前年、スウェーデンの作曲家ヨアヒム・ニコラス・エガートは、交響曲変ホ長調（1807年）で、ベートーベンのように終楽章だけでなく、3楽章すべてでトロンボーンを使用しました。したがって、トロンボーンの場合、手のひらは偉大な作曲家ではなく、彼のそれほど有名ではない同僚に送られます。

第6交響曲（田園）は交響曲史上初のプログラムサイクルであり、交響曲自体だけでなく各楽章の前にも特定の内部プログラムの説明、つまり都市生活者の感情の説明が含まれています。自然の中に自分自身を見つける人。実際、音楽における自然の描写はバロック時代から新しいものではありません。しかし、ヴィヴァルディの「四季」やその他のバロック音楽の標題音楽の例とは異なり、ベートーヴェンは録音それ自体を目的として取り組んでいません;彼自身の言葉を借りれば、第 6 交響曲は「絵画というよりは感情の表現です」。この田園交響曲は、ベートーヴェンの作品の中で 4 楽章の交響的サイクルが破られている唯一の交響曲です。スケルツォの後に、中断することなく「雷雨」と題された自由形式の第 4 楽章が続き、これもまた中断することなく続きます。フィナーレまでに。したがって、この交響曲には 5 つの楽章があります。

この交響曲のオーケストレーションに対するベートーヴェンのアプローチは非常に興味深いものです。第 1 楽章と第 2 楽章では、弦楽器、木管楽器、2 本のホルンのみを厳密に使用しています。スケルツォでは2本のトランペットが接続され、「サンダーストーム」ティンパニではピッコロ・フルートと2本のトロンボーンが加わり、フィナーレではティンパニとピッコロは再び沈黙し、トランペットとトロンボーンは伝統的なファンファーレの機能を停止します。そして汎神論的説教の一般的な金管合唱団に加わりましょう。

オーケストレーションの分野におけるベートーヴェンの実験の最高傑作は、第九交響曲でした。そのフィナーレでは、すでに述べたトロンボーン、ピッコロ・フルート、コントラファゴットだけでなく、バスドラム、シンバル、ドラムなどの「トルコ式」パーカッションのセット全体も使用されています。トライアングル、そして最も重要なのは合唱団とソリストです！ちなみに、第九のフィナーレのトロンボーンは、合唱部分を強化するために最も頻繁に使用されており、これはすでに教会音楽と世俗のオラトリオ音楽の伝統、特にハイドンとモーツァルトの屈折を参照しています（「創造」を参照）これは、この交響曲が交響曲と精神的なオラトリオのジャンルを融合したものであり、シラーによって詩的で世俗的なテキストにのみ書かれたものであることを意味します。第九交響曲のもう一つの主要な形式的革新は、緩徐楽章とスケルツォの交換でした。第2位のスケルツォ第9は、フィナーレを際立たせる陽気なコントラストの役割をもはや果たさず、悲劇的な第1楽章の厳格かつ極めて「軍国主義的」な継続となっている。そして、遅い第 3 楽章は交響曲の哲学的な中心となり、まさに黄金分割ゾーンに位置します。これは交響曲史上最初ではありますが、決して最後のケースではありません。

第九交響曲（1824年）でベートーヴェンは新たな時代へ飛躍します。これは、啓蒙時代から新たな産業時代への最終的な移行という大きな社会変革の時期と一致しており、その最初の出来事は前世紀末の11年前に起こりました。この出来事には、ウィーン古典派の代表者3人全員が出席しました。もちろん、私たちはフランス大革命について話しています。