最も現代的なアーティスト。 あまり知られていない現代ロシアの芸術家とその絵画。 最も明るい方向
「カードプレイヤー」
著者
ポール・セザンヌ
国 フランス
人生の年数 1839–1906
スタイル ポスト印象派
芸術家は南フランスのエクス・アン・プロヴァンスの小さな町で生まれましたが、パリで絵を描き始めました。 彼が本当の成功を収めたのは、コレクターのアンブロワーズ・ヴォラールが主催した個展の後でした。 出発の20年前の1886年、彼は故郷の郊外に引っ越した。 若い芸術家たちは彼を訪ねる旅行を「エクスへの巡礼」と呼びました。
130×97センチメートル
1895年
価格
2億5000万ドル
売られた 2012年に
プライベートオークションで
セザンヌの作品はわかりやすいですね。 芸術家の唯一のルールは、オブジェクトやプロットをキャンバス上に直接転写することであったため、彼の絵画は見る人に当惑を引き起こしませんでした。 セザンヌは、古典主義とロマン主義というフランスの 2 つの主要な伝統を芸術の中で組み合わせました。 カラフルなテクスチャの助けを借りて、彼はオブジェクトの形状に驚くべき可塑性を与えました。
5 つの絵画シリーズ「カードプレイヤー」は 1890 年から 1895 年に描かれました。 彼らのプロットは同じです - 何人かが熱心にポーカーをプレイしています。 作品の違いはプレイ人数とキャンバスのサイズだけです。
4 点の絵画はヨーロッパとアメリカの美術館 (オルセー美術館、メトロポリタン美術館、バーンズ財団、コートールド美術館) に保管されており、5 点目は最近までギリシャの億万長者の船主の個人コレクションの装飾品でした。ゲオルグ・エンビリコス。 亡くなる直前の 2011 年の冬、彼はそれを売りに出すことを決めました。 セザンヌの「無料」作品の潜在的な買い手は、画商のウィリアム・アクアヴェラと世界的に有名なギャラリーオーナーのラリー・ガゴシアンで、約2億2000万ドルで購入を申し出た。 その結果、この絵画は 2 億 5,000 万ドルでアラブ国家カタールの王室に渡され、2012 年 2 月に絵画史上最大の美術取引が成立しました。 ジャーナリストのアレクサンドラ・ピアースが『ヴァニティ・フェア』誌にこれを報じた。 彼女はその絵の値段と新しい所有者の名前を突き止め、その情報は世界中のメディアに広まりました。
2010 年にカタールにアラブ近代美術館とカタール国立博物館がオープンしました。 今、彼らのコレクションは増え続けています。 おそらく、カードプレイヤーの第 5 バージョンは、この目的のために首長によって入手されたのでしょう。
最も高価な絵画世界で
所有者
シェイク・ハマド
ビン・ハリファ・アル＝サーニ
アル＝サーニ王朝は130年以上にわたりカタールを統治してきた。 約半世紀前、ここで膨大な石油とガスの埋蔵量が発見され、カタールはたちまち世界で最も豊かな地域の一つとなりました。 炭化水素の輸出のおかげで、この小さな国は一人当たりの GDP が最大となっています。 ハマド・ビン・ハリファ・アール・サーニー首長は、父親がスイスにいた1995年に家族の支援を受けて権力を掌握した。 専門家らによると、現在の統治者の長所は国の発展のための明確な戦略と、成功した国家イメージの形成にあるという。 現在、カタールには憲法と首相があり、女性は議会選挙で投票する権利を持っています。 ちなみに、アルジャジーラニュースチャンネルを設立したのはカタール首長でした。 アラブ国家当局は文化に細心の注意を払っています。
2
「5番」
著者
ジャクソン・ポロック
国 アメリカ合衆国
人生の年数 1912–1956
スタイル 抽象表現主義
スプリンクラーのジャック - これは、彼の特殊な絵画技法のためにアメリカ国民によってポロックに与えられたあだ名でした。 芸術家は筆とイーゼルを放棄し、キャンバスやファイバーボードの周囲や内部を継続的に動かしながら、その表面に絵の具を注ぎました。 彼は幼い頃からジッドゥ・クリシュナムルティの哲学に興味を持っていました。その主なメッセージは、真実は自由な「流出」の中で明らかにされるというものです。
122×244cm
1948年
価格
1億4000万ドル
売られた 2006年に
オークションで サザビーズ
ポロックの仕事の価値は結果ではなく、その過程にあります。 著者が自分の芸術を「アクション・ペインティング」と呼んだのは偶然ではありません。 彼の軽快な手腕で、それはアメリカの主要な財産となった。 ジャクソン・ポロックは絵の具に砂と割れたガラスを混ぜ、ボール紙、パレットナイフ、ナイフ、ちりとりを使って絵を描きました。 この芸術家は非常に人気があったため、1950年代にはソ連でも模倣者が見つかった。 「ナンバー5」という絵画は、世界で最も奇妙で最も高価な絵画の1つとして知られています。 ドリームワークス創設者の一人、デヴィッド・ゲフィンは個人コレクションとして購入し、2006年にサザビーズのオークションでメキシコのコレクター、デヴィッド・マルティネスに1億4000万ドルで売却した。 しかし、法律事務所はすぐにクライアントに代わってプレスリリースを発行し、デビッド・マルティネスは絵画の所有者ではないと述べた。 一つだけ確実にわかっていることは、このメキシコの金融家は確かに最近、現代美術作品を収集しているということだ。 ポロックの「５番」のような「大物」を彼が逃したとは考えにくい。
3
「女Ⅲ」
著者
ウィレム・デ・クーニング
国 アメリカ合衆国
人生の年数 1904–1997
スタイル 抽象表現主義
彼はオランダ出身で、1926 年に米国に移住しました。 1948年にアーティストの個展が開催されました。 美術評論家は複雑で神経質な白黒の構図を高く評価し、作者を偉大なモダニスト芸術家として認めました。 彼は生涯のほとんどをアルコール依存症に悩まされてきましたが、新しい芸術を生み出す喜びがどの作品からも感じられます。 デ・クーニングは、その絵の衝動性と幅広いストロークによって際立っており、それが時々イメージがキャンバスの境界内に収まらない理由です。
121×171cm
1953年
価格
1億3,700万ドル
売られた 2006年に
プライベートオークションで
1950 年代、デ クーニングの絵画には、虚ろな目、巨大な胸、醜い顔立ちを持つ女性が登場しました。 「Woman III」は、このシリーズでオークションに出品された最後の作品となった。
1970年代以来、この絵はテヘラン近代美術館に保管されていたが、国内に厳格な道徳規則が導入された後、彼らはそれを処分しようとした。 1994年にこの作品はイランから輸出され、12年後、所有者のデヴィッド・ゲフィン（ジャクソン・ポロックの「ナンバー5」を販売したのと同じプロデューサー）がその絵を億万長者のスティーブン・コーエンに1億3,750万ドルで売却した。 興味深いのは、1年以内にゲフィンが自分の絵画コレクションを売り払い始めたことです。 これにより、多くの噂が生まれました。たとえば、プロデューサーがロサンゼルス・タイムズ紙を買収することに決めたということです。
アートフォーラムの1つで、「Woman III」とレオナルド・ダ・ヴィンチの絵画「白貂を持つ貴婦人」の類似性について意見が表明されました。 ヒロインの歯を見せた笑顔と形のない姿の背後に、絵画愛好家は王室の血を引く人の優雅さを見た。 これは、女性の頭にかぶる王冠が下手に描かれていることでも証明されています。
4
「アデルの肖像」ブロッホ・バウアー I」
著者
グスタフ・クリムト
国 オーストリア
人生の年数 1862–1918
スタイル モダンな
グスタフ・クリムトは彫刻家の家に7人兄弟の2番目として生まれました。 エルネスト・クリムトの3人の息子は芸術家になりましたが、世界的に有名になったのはグスタフだけでした。 彼は幼少期のほとんどを貧困の中で過ごした。 父親の死後、彼は家族全員の責任を持つようになりました。 クリムトが自分のスタイルを確立したのはこの時でした。 鑑賞者は誰でも彼の絵の前で固まります。金の細いストロークの下で率直なエロティシズムがはっきりと見えます。
138×136センチメートル
1907年
価格
1億3,500万ドル
売られた 2006年に
オークションで サザビーズ
「オーストリアのモナリザ」と呼ばれるこの絵の運命は、容易にベストセラーの基礎となる可能性がある。 このアーティストの作品は、州全体と一人の老婦人の間で紛争を引き起こしました。
つまり、「アデーレ・ブロッホ＝バウアーの肖像 I」は、フェルディナント・ブロッホの妻である貴族を描いています。 彼女の最後の願いは、その絵をオーストリア国立美術館に寄贈することでした。 しかし、ブロックは遺言で寄贈を取り消し、ナチスは絵画を接収した。 その後、ギャラリーはゴールデン・アデーレを購入するのが困難でしたが、その後、フェルディナンド・ブロックの姪であるマリア・アルトマンという相続人が現れました。
2005年、「マリア・アルトマン対オーストリア共和国」という注目を集める裁判が始まり、その結果、映画は彼女とともにロサンゼルスに「出発」した。 オーストリアは前例のない措置を講じた。交渉は融資で行われ、国民は肖像画を購入するためにお金を寄付した。 善は決して悪に勝てなかった：アルトマンは価格を3億ドルに引き上げた。 訴訟当時、彼女は79歳で、個人的な利益を優先してブロック・バウアーの遺言を変更した人物として歴史に名を残した。 この絵はニューヨークのニュー・ギャラリーのオーナー、ロナルド・ローダーによって購入され、現在もそこに残されています。 オーストリアのためではなく、アルトマンは彼のために価格を1億3,500万ドルに引き下げた。
5
"悲鳴"
著者
エドヴァルド・ムンク
国 ノルウェー
人生の年数 1863–1944
スタイル 表現主義
世界中で有名になったムンクの最初の絵画「病気の少女」（複製画は 5 枚あります）は、15 歳で結核で亡くなったムンクの妹に捧げられています。 ムンクは常に死と孤独というテーマに興味を持っていました。 ドイツでは、彼の重厚で躁状態の絵はスキャンダルさえ引き起こした。 しかし、憂鬱な主題にもかかわらず、彼の絵画には特別な磁力があります。 「スクリーム」を例にとってみましょう。
73.5x91cm
1895年
価格
1億1,999万2,000ドル
で売られている 2012年
オークションで サザビーズ
この絵の正式なタイトルは「Der Schrei der Natur」（ドイツ語から「自然の叫び」と訳される）です。 人間またはエイリアンの顔は絶望とパニックを表現しています。これは、写真を見たときに視聴者が経験するのと同じ感情です。 表現主義の重要な作品の 1 つは、20 世紀の芸術において深刻になったテーマについて警告しています。 あるバージョンによると、アーティストは生涯苦しんでいた精神障害の影響下でこの作品を作成しました。
この絵は別の美術館から二度盗まれたが、返還された。 盗難後にわずかに損傷した『叫び』は修復され、2008 年にムンク美術館で再び展示される準備が整いました。 ポップカルチャーの代表者にとって、この作品はインスピレーションの源となりました。アンディ・ウォーホルはこの作品の一連の版画を作成し、映画「スクリーム」のマスクは、映画の主人公をイメージして作られました。
ムンクは 1 つの主題に対して 4 つのバージョンの作品を書きました。個人コレクションにあるものはパステルで作られています。 ノルウェーの億万長者ペッター・オルセンが2012年5月2日に競売にかけた。 買い手はレオン・ブラックで、「スクリーム」には記録的な額を惜しまなかった。 Apollo Advisors, L.P.の創設者 および Lion Advisors, L.P. 芸術への愛で知られる。 ブラックはダートマス大学、近代美術館、リンカーン アート センター、メトロポリタン美術館の後援者です。 現代芸術家や過去数世紀の古典の巨匠による絵画の最大のコレクションを所蔵しています。
6
「胸像と緑の葉を背景にした裸体」
著者
パブロ・ピカソ
国 スペイン、フランス
人生の年数 1881–1973
スタイル キュービズム
彼は生まれはスペイン人ですが、精神と居住地からすれば正真正銘のフランス人です。 ピカソはわずか16歳のときにバルセロナに自分のアートスタジオをオープンしました。 それから彼はパリに行き、人生のほとんどをそこで過ごしました。 彼の姓が二重アクセントになっているのはそのためです。 ピカソが発明したスタイルは、キャンバスに描かれた物体は 1 つの角度からしか見ることができないという考えの否定に基づいています。
130×162cm
1932年
価格
1億648万2000ドル
売られた 2010年に
オークションで クリスティーズ
ローマでの仕事中に、アーティストはダンサーのオルガ・ホクロワと出会い、彼女はすぐに彼の妻になりました。 彼は放浪生活に終止符を打ち、彼女と一緒に高級マンションに引っ越した。 その時までに、英雄は認識されていましたが、結婚生活は破壊されました。 世界で最も高価な絵画の 1 つは、ピカソにとっていつもそうであるように、大きな愛からほとんど偶然に制作されましたが、それは短命でした。 1927年、彼は若いマリー・テレーズ・ウォルター（彼女は17歳、彼は45歳）に興味を持ちました。 彼は妻に内緒で愛人とともにパリ近郊の町へ出て、そこでダフネを模したマリー・テレーズを描いた肖像画を描きました。 このキャンバスはニューヨークのディーラー、ポール ローゼンバーグによって購入され、1951 年にシドニー F. ブロディに売却されました。 ブロディ夫妻がこの絵を世界に公開したのは、画家が80歳を迎えていたためで、一度だけだった。 夫の死後、ブロディ夫人は2010年3月にクリスティーズのオークションに作品を出品した。 60 年間で価格は 5,000 倍以上に上昇しました。 無名のコレクターが1億650万ドルで購入した。 2011年にイギリスで「一枚の絵の展覧会」が開催され、二度目の公開となったが、所有者の名前は未だに不明である。
7
「8人のエルヴィス」
著者
アンディ・ウォーホール
国 アメリカ合衆国
人生の年数 1928-1987
スタイル
ポップアート
「セックスとパーティーは、あなたが直接登場する必要がある唯一の場所です」と、カルト的なポップアートアーティストであり、ディレクターであり、インタビューマガジンの創設者の1人であるデザイナーのアンディ・ウォーホルは言いました。 彼は Vogue や Harper's Bazaar で働き、レコード ジャケットをデザインし、I.Miller 社の靴をデザインしました。 1960 年代には、キャンベルとコカ・コーラのスープ、プレスリーとモンローなど、アメリカの象徴を描いた絵画が登場し、彼は伝説になりました。
358x208cm
1963年
価格
1億ドル
売られた 2008年に
プライベートオークションで
ウォーホル 60 年代は、アメリカのポップアートの時代に与えられた名前です。 1962年、彼はニューヨークのボヘミアン全員が集まるマンハッタンのファクトリー・スタジオで働いた。 その著名な代表者は、ミック・ジャガー、ボブ・ディラン、トルーマン・カポーティ、その他世界の著名人です。 同時にウォーホルは、1つの画像を繰り返し印刷するシルクスクリーン印刷の技術をテストしました。 彼は「The Eight Elvises」を作成するときにもこの手法を使用しました。視聴者は、スターが生き返る映画の映像を見ているかのようです。 ここには、アーティストが愛したすべてが詰まっています。ウィンウィンのパブリックイメージ、シルバーカラー、メインメッセージとしての死の予感。
現在、ウォーホルの作品を世界市場で宣伝している画商はラリー・ガゴシアンとアルベルト・ムグラビの二人だ。 前者は2008年に2億ドルを投じてウォーホルの15点以上の作品を入手した。 2番目の人は、彼の絵画をクリスマスカードのように売買しますが、より高い価格でのみ販売します。 しかし、ローマの美術鑑定家アンニーバレ・ベルリンギエリが「8人のエルヴィス」をウォーホル史上最高額の1億ドルで無名の買い手に売却するのを手伝ったのは、彼らではなく、控えめなフランス人美術コンサルタントのフィリップ・セガロだった。
8
"オレンジ、赤黄"
著者
マーク・ロスコ
国 アメリカ合衆国
人生の年数 1903–1970
スタイル 抽象表現主義
カラーフィールドペインティングの作者の一人は、ロシアのドビンスク（現在はラトビアのダウガフピルス）でユダヤ人の薬剤師の大家族に生まれました。 1911年に彼らは米国に移住した。 ロスコはイェール大学の芸術学部で学び、奨学金を獲得しましたが、反ユダヤ主義の感情により学業を中退せざるを得ませんでした。 すべてにもかかわらず、美術評論家はこの芸術家を崇拝し、美術館は生涯を通じて彼を追い続けました。
206×236cm
1961年
価格
8,688万2,000ドル
売られた 2012年に
オークションで クリスティーズ
ロスコの最初の芸術的実験はシュールレアリスム的な方向性を持っていましたが、時間が経つにつれて、彼はプロットを単純化し、斑点に色を付け、客観性を奪いました。 最初は明るい色合いでしたが、1960 年代には茶色と紫になり、アーティストが亡くなるまでに黒に濃くなりました。 マーク・ロスコは、自分の絵に何らかの意味を求めることに対して警告した。 著者はまさに自分が言ったことを言いたかったのです。空気中に色が溶けるだけで、それ以上は何もありませんでした。 彼は、鑑賞者が漏斗のように色の中に「引き込まれる」ように、作品を45cmの距離から鑑賞することを推奨しました。 注意してください。すべてのルールに従って鑑賞すると、瞑想の効果が得られる可能性があります。つまり、無限の認識、自分自身への完全な没入、リラクゼーション、浄化が徐々に得られます。 彼の絵画の色は生きており、呼吸しており、強い感情的影響を与えます（時には癒しになるとも言われています）。 作者は「見る人は泣きながら見てください」と宣言しており、実際にそのような事件が起きた。 ロスコの理論によれば、現時点で人々は彼が絵に取り組んでいたときと同じ精神的な経験を生きています。 これをそのような微妙なレベルで理解することができたなら、これらの抽象芸術作品が批評家によってしばしばイコンと比較されることにも驚かないでしょう。
「オレンジ、レッド、イエロー」という作品は、マーク・ロスコの絵画の本質を表現しています。 ニューヨークのクリスティーズオークションでの初値は3500万～4500万ドル。 未知の買い手が見積もりの2倍の価格を提示した。 よくあることだが、この絵の幸運な所有者の名前は明らかにされていない。
9
「三連祭壇画」
著者
フランシス・ベーコン
国
イギリス
人生の年数 1909–1992
スタイル 表現主義
フランシス・ベーコンの完全な同名人物であり、偉大な哲学者の遠い子孫でもあるフランシス・ベーコンの冒険は、息子の同性愛的傾向を受け入れることができず、父親が彼を勘当したことから始まりました。 ベーコンは最初にベルリンに行き、次にパリに行きましたが、その後彼の足跡はヨーロッパ中で混乱しました。 彼の作品は、存命中、グッゲンハイム美術館やトレチャコフ美術館など、世界の主要な文化センターで展示されました。
147.5×198cm（各）
1976年
価格
8,620万ドル
売られた 2008年に
オークションで サザビーズ
名門美術館はベーコンの絵画を所蔵しようとしたが、純朴なイギリス国民は急いでそのような芸術品を手に入れようとはしなかった。 伝説的な英国首相マーガレット・サッチャーは、彼について「この恐ろしい絵を描く男だ」と言いました。
作家自身、戦後を作品の出発点と考えていました。 退役後、彼は再び絵を描き始め、大きな傑作を生み出しました。 「Triptych, 1976」に参加する前、ベーコンの最も高価な作品は「教皇インノケンティウス 10 世の肖像画のための習作」（5,270 万ドル）でした。 「三連祭壇画、1976年」では、芸術家はフューリーズによるオレステス迫害の神話的な陰謀を描きました。 もちろん、オレステスはベーコン自身であり、フューリーは彼の苦痛です。 30 年以上、この絵は個人コレクションに保管され、展覧会には参加していませんでした。 この事実により特別な価値が与えられ、それに応じてコストが増加します。 しかし、芸術愛好家にとって、数百万という金額はいくらでしょうか? ローマン・アブラモヴィッチは 1990 年代にコレクションを作り始めましたが、その際、現代ロシアでファッショナブルなギャラリーのオーナーとなった友人のダーシャ・ジューコワに多大な影響を受けました。 非公式データによると、この実業家はアルベルト・ジャコメッティとパブロ・ピカソの作品を個人的に所有しており、1億ドルを超える金額で購入したという。 2008 年に彼は三連祭壇画の所有者になりました。 ちなみに、2011年には、ベーコンのもう一つの貴重な作品「ルシアン・フロイドの肖像のための3つのスケッチ」が購入されました。 隠された情報筋によると、ロマン・アルカディエヴィッチが再び買い手になったという。
10
「睡蓮の咲く池」
著者
クロード・モネ
国 フランス
人生の年数 1840–1926
スタイル 印象派
この芸術家は印象派の創始者として知られており、キャンバスのこの手法を「特許」としました。 最初の重要な作品は、絵画「草上の昼食」（エドゥアール・マネの作品のオリジナル版）でした。 若い頃、彼は風刺画を描き、海岸沿いや野外での旅行中に本物の絵を描き始めました。 パリではボヘミアンなライフスタイルを送り、軍隊に勤務した後もそれを離れることはなかった。
210×100cm
1919年
価格
8,050万ドル
売られた 2008年に
オークションで クリスティーズ
モネは偉大な芸術家であったことに加えて、熱心な庭師でもあり、野生動物や花をこよなく愛していました。 彼の風景では、自然の状態は瞬間的であり、物体は空気の動きによってぼやけているように見えます。 大きなストロークによって印象が強調され、一定の距離からは見えなくなり、テクスチャーのある 3 次元のイメージに溶け込みます。 後期モネの絵画では、水とその中の生命のテーマが特別な位置を占めています。 ジヴェルニーの町には画家自身の池があり、そこで特別に日本から持ってきた種から睡蓮を育てていました。 花が咲くと、彼は絵を描き始めました。 「睡蓮」シリーズは、画家が亡くなるまでの約30年間にわたって描き続けた60点の作品で構成されています。 彼の視力は年齢とともに低下しましたが、それでも止まりませんでした。 風、季節、天候によって池の様子は常に変化しており、モネはその変化を捉えたいと考えました。 丁寧な作業を通じて、彼は自然の本質を理解するようになりました。 シリーズの絵画の一部は、国立西洋美術館 (東京)、オランジュリー美術館 (パリ) など、世界の主要なギャラリーに保管されています。 次の「睡蓮の池」のバージョンは、記録的な金額で未知の買い手の手に渡りました。
11
偽りの星 t
著者
ジャスパー・ジョーンズ
国 アメリカ合衆国
生年 1930
スタイル ポップアート
1949 年、ジョーンズはニューヨークのデザイン学校に入学しました。 ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニングらとともに、20世紀の主要アーティストの一人として認められています。 2012 年には、米国の文民最高の栄誉である大統領自由勲章を受賞しました。
137.2×170.8cm
1959年
価格
8000万ドル
売られた 2006年に
プライベートオークションで
マルセル・デュシャンと同様に、ジョーンズは本物の物体を扱い、オリジナルに完全に従ってキャンバスや彫刻で描きました。 彼の作品には、ビール瓶、旗、カードなどのシンプルでわかりやすいオブジェクトが使用されていました。 映画『False Start』には明確な構成は存在しない。 芸術家は鑑賞者をもてあそんでいるようで、しばしば絵の中の色に「間違った」ラベルを付け、色の概念そのものを逆転させています。「他の方法で色を決定できるように、色を描写する方法を見つけたかったのです。」 批評家らによると、彼の最も爆発的で「自信のない」絵画は、未知の買い手によって購入されたという。
12
「座ってヌードソファーで"
著者
アメデオ・モディリアーニ
国 イタリア、フランス
人生の年数 1884–1920
スタイル 表現主義
モディリアーニは幼少期からしばしば病気になり、熱にうなされていたが、芸術家としての自分の運命を認識していた。 彼はリボルノ、フィレンツェ、ヴェネツィアで絵を学び、1906年にパリへ行き、そこで彼の芸術が花開きました。
65×100cm
1917年
価格
6,896万2,000ドル
売られた 2010年に
オークションで サザビーズ
1917年、モディリアーニは19歳のジャンヌ・エビュテルヌと出会い、彼女が彼のモデルとなり、その後妻となった。 2004年、彼女の肖像画の1枚が3,130万ドルで落札され、これは2010年の「ソファに座る裸体」が販売される前の最後の記録となった。 この絵画は、モディリアーニにとって現時点での最高価格で不明の購入者によって購入されました。 作品の販売が活発に行われるようになったのは作家の死後です。 彼は結核を患い貧困の中で亡くなり、翌日には妊娠9か月だったジャンヌ・エビュテルヌも自殺した。
13
「松の上の鷲」
著者
斉白石
国 中国
人生の年数 1864–1957
スタイル 国華
書道への関心が斉白石を絵画へと導いた。 28歳で芸術家胡清源に師事。 中国文化省は彼に「中国人民の偉大な芸術家」の称号を与え、1956年には国際平和賞を受賞した。
10×26センチメートル
1946年
価格
6,540万ドル
売られた 2011年に
オークションで チャイナ・ガーディアン
斉白石は、多くの人が重視しない周囲の世界の現象に興味を持っていました、そしてこれが彼の偉大さです。 教育を受けていない男が教授となり、歴史上傑出した創造者となった。 パブロ・ピカソは彼について、「中国には斉白石がいるから、あなたの国に行くのが怖い」と言いました。 「松の上の鷲」という作品は、この芸術家の最大の作品として知られています。 キャンバスに加えて、2 つの象形文字のスクロールが含まれています。 中国にとって、作品の購入額は4億2,550万元という記録的な額となった。 古代の書道家、黄庭堅の巻物だけでも4億3,680万で落札された。
14
「1949-A-No.1」
著者
クリフォード・スティル
国 アメリカ合衆国
人生の年数 1904–1980
スタイル 抽象表現主義
20歳のとき、ニューヨークのメトロポリタン美術館を訪れましたが、がっかりしました。 その後、彼は Student Arts League のコースに登録しましたが、クラスが始まってから 45 分後に退席しました。それは「自分には向いていない」ことが判明しました。 最初の個展は共鳴を引き起こし、アーティストは自分自身を発見し、それによって認識されました
79×93cm
1949年
価格
6,170万ドル
売られた 2011年に
オークションで サザビーズ
800 枚を超えるキャンバスと 1,600 点の紙の作品など、彼のすべての作品は今もアメリカの都市に遺贈されており、そこに彼の名を冠した美術館が開設される予定です。 デンバーはこのような都市になりましたが、当局にとっては建設だけでも多額の費用がかかり、完成させるために4つの作品が競売にかけられました。 スティル氏の作品は再びオークションにかけられる可能性は低く、事前に価格が上昇している。 絵画「1949-A-No.1」はこの画家にとって記録的な金額で落札されたが、専門家らは売却額を最大2,500万～3,500万ドルと予測していた。
15
「至上主義の構図」
著者
カジミール・マレーヴィチ
国 ロシア
人生の年数 1878–1935
スタイル 至上主義
マレーヴィチはキエフ美術学校で絵画を学び、その後モスクワ芸術アカデミーで絵画を学びました。 1913 年に、彼はシュプレマティズム (ラテン語で「支配」を意味する) と呼ばれるスタイルで抽象的な幾何学的な絵画を描き始めました。
71×88.5cm
1916年
価格
6000万ドル
売られた 2008年に
オークションで サザビーズ
この絵はアムステルダム市立美術館に約50年間保管されていたが、マレーヴィチの親族との17年間にわたる論争の末、美術館は譲渡した。 画家はこの作品を「シュプレマティズム宣言」と同じ年に描いたため、サザビーズはオークション前から、6,000万ドル以下では個人コレクションには出品しないと発表していた。 そしてそれは起こりました。 上から見るのが良いでしょう。キャンバス上の人物は地球の航空写真に似ています。 ちなみに、数年前、同じ親族がフィリップスのオークションで1,700万ドルで売却するために、MoMA美術館から別の「シュプレマティスト・コンポジション」を押収した。
16
「海水浴者たち」
著者
ポール・ゴーギャン
国 フランス
人生の年数 1848–1903
スタイル ポスト印象派
アーティストは7歳までペルーに住んでいましたが、その後家族とともにフランスに戻りましたが、幼少期の思い出が常に彼を旅行に駆り立てました。 フランスで絵を描き始め、ゴッホと友人になった。 ゴッホが口論の際に耳を切り落とすまで、アルルで数か月間一緒に過ごしたこともある。
93.4×60.4cm
1902年
価格
5,500万ドル
売られた 2005年に
オークションで サザビーズ
1891 年、ゴーギャンは、その収益をタヒチ島奥地への旅行に使用するために、自分の絵画の販売を組織しました。 そこで彼は、自然と人間の間の微妙なつながりが感じられる作品を制作しました。 ゴーギャンは茅葺きの小屋に住んでおり、彼のキャンバスには熱帯の楽園が咲いていました。 彼の妻は13歳のタヒチ人テフラだったが、それでもアーティストは乱交をやめられなかった。 梅毒に感染し、フランスへ渡った。 しかし、そこではゴーギャンにとって混雑しており、彼はタヒチに戻りました。 この時期は「第二のタヒチ」と呼ばれ、彼の作品の中で最も豪華な絵画「水浴び」が描かれたのはこの時期でした。
17
「水仙とブルーとピンクのテーブルクロス」
著者
アンリ・マティス
国 フランス
人生の年数 1869–1954
スタイル フォービズム
1889年、アンリ・マティスは虫垂炎の発作に見舞われました。 彼が手術から回復していたとき、母親が彼に絵の具を買ってくれた。 最初は退屈から、マティスはカラー絵はがきを模写し、次にルーヴル美術館で見た偉大な画家の作品を模写し、20 世紀初頭にはフォーヴィスムというスタイルを思いつきました。
65.2x81cm
1911年
価格
4,640万ドル
売られた 2009年に
オークションで クリスティーズ
「水仙と青とピンクのテーブルクロス」という絵は、イヴ・サンローランが長い間所有していました。 クチュリエの死後、彼のアート コレクション全体は友人で恋人のピエール ベルジェの手に渡り、クリスティーズでオークションに出品することにしました。 売却されたコレクションの目玉は、キャンバスの代わりに普通のテーブルクロスに描かれた「水仙と青とピンクの色調のテーブルクロス」だった。 フォービズムの一例として、色のエネルギーに満ちており、色が爆発して叫び声を上げているように見えます。 テーブルクロスに描かれた有名な一連の絵画のうち、現在この作品は個人コレクションに収蔵されている唯一の作品です。
18
「眠る少女」
著者
ロイリー
テンシュタイン
国 アメリカ合衆国
人生の年数 1923–1997
スタイル ポップアート
アーティストはニューヨークで生まれ、学校を卒業した後、オハイオ州に行き、そこで美術コースを受講しました。 1949 年に、リキテンスタインは美術修士号を取得しました。 彼の漫画への興味と皮肉を使う能力により、彼は前世紀のカルトアーティストとなりました。
91×91センチメートル
1964年
価格
4,488万2,000ドル
売られた 2012年に
オークションで サザビーズ
ある日、チューインガムがリキテンスタインの手に落ちました。 彼は挿入された絵をキャンバスに描き直し、有名になりました。 彼の伝記からのこの物語には、ポップアートのメッセージがすべて含まれています。消費は新しい神であり、チューインガムの包装紙にはモナリザに劣らない美しさがあります。 彼の絵画はコミックや漫画を彷彿とさせます。リキテンスタインは完成したイメージを単純に拡大し、ラスターを描き、スクリーン印刷やシルクスクリーン印刷を使用しました。 「眠る少女」という絵画はコレクターのベアトリスとフィリップ・ガーシュが50年近く所有しており、その相続人がオークションで売却した。
19
"勝利。 ブギウギ」
著者
ピエト・モンドリアン
国 オランダ
人生の年数 1872–1944
スタイル 新生物主義
アーティストは 1912 年にパリに移住したときに、本名のコルネリスをモンドリアンに変更しました。 彼は芸術家のテオ・ファン・ドースブルグとともに新造形運動を創設しました。 Piet プログラミング言語は、モンドリアンにちなんで名付けられました。
27×127センチメートル
1944年
価格
4000万ドル
売られた 1998年に
オークションで サザビーズ
20世紀で最も「音楽的」な芸術家たちは水彩画の静物画で生計を立てていたが、彼は新造形芸術家として有名になった。 彼は 1940 年代に米国に移住し、残りの人生をそこで過ごしました。 彼に最もインスピレーションを与えたのはジャズとニューヨークです。 絵画「勝利。 ブギウギ」がその最たる例だ。 特徴的なすっきりとした正方形は、モンドリアンのお気に入りの素材である粘着テープを使用して実現されました。 アメリカでは彼は「最も有名な移民」と呼ばれた。 60年代、イヴ・サンローランは、大きなチェック柄のプリントが施された世界的に有名な「モンドリアン」ドレスを発表しました。
20
「コンポジションNo.5」
著者
バジルカンディンスキー
国 ロシア
人生の年数 1866–1944
スタイル アバンギャルド
芸術家はモスクワで生まれ、父親はシベリア出身でした。 革命後、彼はソビエト政府に協力しようとしましたが、プロレタリアートの法律が彼のために作られたものではないことにすぐに気づき、困難なしにドイツに移住しました。
275×190cm
1911年
価格
4000万ドル
売られた 2007年に
オークションで サザビーズ
カンディンスキーは、オブジェクトの絵画を完全に放棄した最初の一人であり、そのために彼は天才の称号を得ました。 ドイツのナチズム時代、彼の絵画は「退廃芸術」として分類され、どこにも展示されませんでした。 1939 年にカンディンスキーはフランス国籍を取得し、パリで自由に芸術活動に参加しました。 彼の絵画はフーガのように「聞こえる」ため、多くの作品が「作曲」と呼ばれています（最初の作品は 1910 年に書かれ、最後は 1939 年に書かれました）。 「コンポジション 第 5 番」は、このジャンルの重要な作品の 1 つです。「コンポジションという言葉は私にとって祈りのように聞こえました」とアーティストは言いました。 多くの信奉者とは異なり、彼は巨大なキャンバスに何を描くかをメモを書くように計画しました。
21
「青い服を着た女の習作」
著者
フェルナン・レジェ
国 フランス
人生の年数 1881–1955
スタイル キュビズム〜ポスト印象派
レジェは建築教育を受け、その後パリのエコール・デ・ボザールに通いました。 この芸術家は自らをセザンヌの信奉者であると考え、キュビズムの擁護者であり、20世紀には彫刻家としても成功しました。
96.5×129.5cm
1912 ～ 1913 年
価格
3,920万ドル
売られた 2008年に
オークションで サザビーズ
サザビーズの印象派とモダニズムの国際部門の責任者であるデイビッド・ノーマン氏は、「The Lady in Blue」に支払われた巨額の金額は完全に正当であると考えています。 この絵は有名なレジェ・コレクションに属しており（画家は1つの主題について3枚の絵を描き、そのうちの最後の1枚は現在個人の手に渡っている。 - 編）、キャンバスの表面はオリジナルの形で保存されている。 この作品は作者自身がデア・シュトゥルム・ギャラリーに寄贈したが、その後ドイツのモダニズム収集家ヘルマン・ラングのコレクションとなり、現在は購入者の所有地となっている。
22
「ストリートシーン。 ベルリン"
著者
エルンスト・ルートヴィヒキルヒナー
国 ドイツ
人生の年数 1880–1938
スタイル 表現主義
ドイツ表現主義にとって、キルヒナーは象徴的な人物となった。 しかし、地元当局は彼が「退廃芸術」に固執しているとして非難し、それが彼の絵画の運命と、1938年に自殺した芸術家の人生に悲劇的な影響を与えた。
95×121cm
1913年
価格
3,809万6,000ドル
売られた 2006年に
オークションで クリスティーズ
ベルリンに移った後、キルヒナーはストリートシーンのスケッチを 11 枚作成しました。 彼は大都市の喧騒と緊張感にインスピレーションを受けました。 2006 年にニューヨークで販売されたこの絵では、画家の不安な状態が特に痛烈に感じられます。ベルリンの路上の人々は鳥に似ており、優雅でありながら危険です。 これはオークションで販売された有名なシリーズの最後の作品であり、残りは美術館に保管されています。 1937年、ナチスはキルヒナーを厳しく扱い、彼の作品639点がドイツのギャラリーから撤去され、破壊されるか海外に売却された。 アーティストはこれを生き残ることができませんでした。
23
「休暇主義者」踊り子"
著者
エドガー・ドガ
国 フランス
人生の年数 1834–1917
スタイル 印象派
芸術家としてのドガの歴史は、ルーブル美術館での模写家としての仕事から始まりました。 彼は「無名で有名になる」ことを夢見ていましたが、最終的には成功しました。 80歳のドガは、聴覚障害者であり、視覚障害者でもありましたが、晩年も展覧会やオークションに参加し続けました。
64×59センチメートル
1879年
価格
3,704万3,000ドル
売られた 2008年に
オークションで サザビーズ
「私にとってバレリーナは常に、布地を描写し、動きを捉えるための単なる言い訳でした」とドガは言いました。 ダンサーたちの生活のワンシーンが覗き見されているかのようだ。少女たちはアーティストのためにポーズをとるのではなく、ただドガの視線が捉えた雰囲気の一部となる。 「Resting Dancer」は 1999 年に 2,800 万ドルで落札され、10 年も経たないうちに 3,700 万ドルで落札されました。現在、この作品は、これまでオークションに出品されたアーティストの作品としては最高額となっています。 ドガはフレームに細心の注意を払い、自らデザインし、フレームの変更を禁じました。 販売されている絵画にはどのような額縁が取り付けられているのでしょうか？
24
"絵画"
著者
ジョアン・ミロ
国 スペイン
人生の年数 1893–1983
スタイル 抽象芸術
スペイン内戦中、この芸術家は共和党側にいた。 1937年、彼はファシスト政権からパリに逃亡し、そこで家族とともに貧しい生活を送った。 この時期、ミロは「スペインを助けよう！」という絵を描き、ファシズムの支配に全世界の注目を集めた。
89×115センチメートル
1927年
価格
3,682万4,000ドル
売られた 2012年に
オークションで サザビーズ
2番目の絵のタイトルは「青い星」です。 同年にこの作品を描いた画家は、「絵を殺したい」と宣言し、釘で絵の具を引っ掻いたり、羽根をキャンバスに貼り付けたり、作品をゴミで覆い、容赦なくキャンバスを嘲笑した。 彼の目標は、絵画の神秘に関する神話の誤りを暴くことでしたが、これに対処した後、ミロは彼自身の神話、つまり超現実的な抽象を作り出しました。 彼の「絵画」は「夢の絵画」のサイクルに属します。 オークションでは4人の購入者が争奪戦を繰り広げたが、1本の忍び電話で争いは解決し、「絵画」はこの画家の最も高価な絵画となった。
25
"青いバラ"
著者
イブ・クライン
国 フランス
人生の年数 1928–1962
スタイル モノクロ絵画
芸術家は画家の家庭に生まれましたが、東洋の言語、航海術、額縁細工、禅宗などを学びました。 彼の性格と生意気なふざけた態度は、モノクロの絵画よりも何倍も面白かったです。
153×199×16センチメートル
1960年
価格
3,677万9,000ドル
2012年に販売された
クリスティーズのオークションで
黄色、オレンジ、ピンクの単色作品の最初の展示は世間の関心を呼び起こしませんでした。 これに腹を立てたクラインは、今度は特殊な合成樹脂を混ぜたウルトラマリンで描いた同一のキャンバスを11枚提示した。 彼はこの方法の特許も取得しました。 この色は「国際的なクラインブルー」として歴史に名を残しました。 芸術家はまた、空虚を売り、紙を雨にさらしたり、段ボールに火をつけたり、キャンバスに人の体の版画を作成したりして絵画を制作しました。 一言で言えば、できる限りのことを試してみました。 「Blue Rose」を作成するには、乾燥顔料、樹脂、小石、天然スポンジを使用しました。
26
「モーセを求めて」
著者
サー・ローレンス・アルマ＝タデマ
国 イギリス
人生の年数 1836–1912
スタイル 新古典主義
ローレンス卿自身が、美術カタログの最初に掲載されるように、自分の姓に「アルマ」という接頭辞を付けました。 ビクトリア朝のイギリスでは、彼の絵画は非常に人気があり、芸術家はナイト爵位を授与されました。
213.4×136.7cm
1902年
価格
3,592万2,000ドル
売られた 2011年に
オークションで サザビーズ
アルマ・タデマの作品の主なテーマは古代でした。 彼は絵画の中でローマ帝国の時代を細部まで描写しようとし、そのためにアペニン半島で考古学的発掘を行ったり、ロンドンの自宅では当時の歴史的なインテリアを再現したりしました。 神話の主題も彼にとってインスピレーションの源となりました。 この芸術家は生前は非常に人気があったが、死後はすぐに忘れ去られた。 現在、絵画「モーセを求めて」の価格が販売前の推定額の7倍であることからもわかるように、関心が再燃している。
27
「眠っている裸の役人の肖像」
著者
ルシアン・フロイド
国 ドイツ、
イギリス
人生の年数 1922–2011
スタイル 比喩的な絵画
この芸術家は精神分析の父であるジークムント・フロイトの孫です。 ドイツでファシズムが確立された後、彼の家族はイギリスに移住した。 フロイトの作品はロンドンのウォレス・コレクション美術館に所蔵されているが、同美術館ではこれまでどの現代美術家も展示したことがなかった。
219.1×151.4cm
1995年
価格
3,360万ドル
売られた 2008年に
オークションで クリスティーズ
20世紀のファッショナブルな芸術家がポジティブな「壁のカラースポット」を作成し、何百万ドルで販売した一方で、フロイトは極めて自然主義的な絵画を描き、それをさらに高額で販売しました。 「私は魂の叫びと、衰えていく肉体の苦しみを捉えています」と彼は言う。 批評家たちは、これらすべてがジークムント・フロイトの「遺産」であると信じています。 絵画は非常に活発に展示され、販売も成功したため、専門家は「絵画には催眠効果があるのではないか？」と疑い始めました。 『サン』紙によると、オークションで販売された「裸の眠っている役人の肖像画」を購入したのは、美の愛好家で億万長者のロマン・アブラモビッチ氏だという。
28
「ヴァイオリンとギター」
著者
バツ1 グリ
国 スペイン
人生の年数 1887–1927
スタイル キュービズム
マドリードに生まれ、美術工芸学校を卒業。 1906 年にパリに移り、ピカソ、モディリアーニ、ブラック、マティス、レジェといった当時の最も影響力のある芸術家たちの輪に入り、セルゲイ・ディアギレフとその一座とも協力しました。
5×100cm
1913年
価格
2,864万2,000ドル
売られた 2010年に
オークションで クリスティーズ
グリス自身の言葉を借りれば、「平面的で色彩豊かな建築」に携わっていました。 彼の絵画は正確に考え抜かれており、ランダムなストロークを一筆も残さず、その創造性が幾何学に似ています。 この芸術家は、キュビスム運動の創始者であるパブロ・ピカソを大いに尊敬していましたが、独自のバージョンのキュビスムを作成しました。 後継者は、キュビスムスタイルの最初の作品「ピカソへのトリビュート」を彼に捧げました。 絵画「ヴァイオリンとギター」は、アーティストの作品の中で傑出したものとして認められています。 生前、グリは有名で、批評家や美術評論家に好まれていました。 彼の作品は世界最大の美術館に展示され、個人コレクションに保管されています。
29
「ポートレートエリュアールの畑」
著者
サルバドール・ダリ
国 スペイン
人生の年数 1904–1989
スタイル シュルレアリスム
「シュルレアリスムは私だ」とダリはシュルレアリスムグループから追放されたときこう言った。 時間が経つにつれて、彼は最も有名なシュルレアリスムアーティストになりました。 ダリの作品はギャラリーだけでなく、あらゆる場所にあります。 たとえば、チュッパチャプスのパッケージを考えたのも彼です。
25×33cm
1929年
価格
2060万ドル
売られた 2011年に
オークションで サザビーズ
1929年、詩人のポール・エリュアールとロシア人の妻ガラが、偉大な挑発者で喧嘩師のダリを訪ねてきた。 この出会いは、半世紀以上続く愛の物語の始まりでした。 絵画「ポール・エリュアールの肖像」は、この歴史的な訪問中に描かれました。 「オリンパスからミューズの一人を盗んだ詩人の顔を捉える責任を自分に託されたと感じた」と芸術家は語った。 ガラに出会う前、彼は処女で、女性とのセックスを考えることに嫌悪感を抱いていた。 三角関係はエリュアールの死まで存在し、その後ダリとガラのデュエットとなった。
30
"記念日"
著者
マルク・シャガール
国 ロシア、フランス
人生の年数 1887–1985
スタイル アバンギャルド
モイシェ・シーガルはヴィテプスクで生まれましたが、1910年にパリに移住して名前を変え、当時の主要な前衛芸術家たちと親しくなりました。 1930年代、ナチスによる権力掌握の最中、彼はアメリカ領事の助けを得てアメリカに向けて出発した。 彼がフランスに戻ったのは1948年のことだった。
80×103cm
1923年
価格
1,485万ドル
1990年に販売
サザビーズのオークションで
絵画「記念日」は、アーティストの最高の作品の1つとして認められています。 そこには彼の作品の特徴がすべて含まれています。世界の物理法則は消去され、ブルジョア生活の風景の中にはおとぎ話の感覚が保存され、愛がプロットの中心にあります。 シャガールは人々を人生からではなく、記憶や想像だけから描きました。 絵画「記念日」には、芸術家自身と彼の妻ベラが描かれています。 この絵は1990年に売却され、それ以来オークションには出品されていない。 興味深いことに、ニューヨーク近代美術館 MoMA には、「Birthday」という名前だけでまったく同じものが収蔵されています。 ちなみに、これは1915年に書かれたものです。
プロジェクトを準備しました
タチアナ・パラソワ
評価がまとめられました
リストによると www.art-spb.ru
TMNマガジン No.13
(2013年5月～6月)
存命の芸術家による最も高価な作品のランキングは、芸術の歴史における芸術家の役割や地位よりも、年齢や健康について語る構造である
私たちの評価を作成するためのルールは簡単です。まず、存命の作家による作品との取引のみが考慮されます。 第二に、公売販売のみが考慮されます。 第三に、「1 アーティスト - 1 作品」というルールが守られます (作品のランキングで 2 つのレコードがジョーンズに属する場合、最も高価なレコードのみが残り、残りは考慮されません)。 ランキングはドル建て（発売日の為替レート）で行われます。
1. ジェフ・クーンズのウサギ。 1986年。9,107万5,000ドル
ジェフ・クーンズ (1955 年) のオークションでのキャリアを長く見れば見るほど、ポップ アートに不可能なことはないという確信が深まります。 風船のおもちゃの形をしたクーンズの彫刻を賞賛することもできますし、キッチュで悪趣味だと考えることもできます。それはあなたの権利です。 否定できないことが 1 つあります。それは、ジェフ・クーンズのインスタレーションには途方もない金額がかかるということです。
ジェフ・クーンズは、2007 年に世界で最も成功した存命アーティストとしての名声への道を歩み始めました。そのとき、彼の巨大な金属インスタレーション「ハンギング ハート」が、サザビーズで 2,360 万ドルで購入されました。この作品は、クーンズを代表するラリー ガゴシアンのギャラリーによって購入されました。ウクライナの億万長者ヴィクトル・ピンチュークの利益のために、ギャラリーは単なるインスタレーションではなく、実際にはジュエリーアート作品を購入したが、その作品は金でできていなかった（素材はステンレス鋼だった）と書いている。通常のペンダントより明らかに大きい（彫刻の高さは 2.7 メートル、重さは 1,600 キログラム）が、10 個のハートで覆われたこの作品の制作には 6500 時間以上が費やされました。その結果、壮観な「装飾」に巨額のお金が支払われました。
次に、2008年6月30日にロンドンのクリスティーズオークションで紫色の「バルーンフラワー」が1292万ポンド（2580万ドル）で落札された。 興味深いことに、その 7 年前、「フラワー」の前の所有者はこの作品を 110 万ドルで購入しました。この間に市場価格がほぼ 25 倍に上昇したことは容易に計算できます。
2008年から2009年の美術市場の低迷により、懐疑論者たちはクーンズの流行は過ぎ去ったと不満を漏らす理由となった。 しかし、彼らは間違っていました。アート市場とともに、クーンズの作品への関心が再び高まったのです。 ポップアートの王としてのアンディ・ウォーホルの後継者は、2012年11月にクリスティーズで「セレブレーション」シリーズの色とりどりの彫刻「チューリップ」を手数料込みで3,370万ドルで販売し、自己記録を更新した。
しかし、「チューリップ」は文字通りにも比喩的にも「花」でした。 わずか 1 年後の 2013 年 11 月、ステンレス製の彫刻「バルーン ドッグ (オレンジ)」が落札され、ハンマーでの落札価格は 5,840 万ドルにも達しました。 存命のアーティストにとっては素晴らしい金額だ。 現代の作家の作品がゴッホやピカソの絵画と同じ価格で売られていました。 これらはすでに実になっていました...
この結果により、クーンズは数年間存命アーティストランキングのトップに君臨することになった。 2018 年 11 月には、デビッド ホックニーに一時的に追い抜かれました (ランキングの 2 位を参照)。 しかし、わずか 6 か月後、すべてが正常に戻りました。2019 年 5 月 15 日、ニューヨークの戦後および現代美術のクリスティーズ オークションで、1986 年のクーンズの教科書彫刻、銀色の「ウサギ」が売りに出されました。同様の形状の風船を模したステンレス製。
合計で、クーンズはそのようなジョークを 3 つと、オリジナルのコピーを 1 つ作成しました。 オークションには、コンデナスト出版社（雑誌『ヴォーグ』、『ヴァニティ・フェア』、『グラマー』、『GQ』など）の共同所有者であるカルト出版社サイ・ニューハウスのコレクションから、「ウサギ」第2号のコピーが含まれていた。 銀色の「ラビット」は、1992年に「グラマーの父」サイ・ニューハウスによって当時の基準からすると驚異的な金額、つまり100万ドルで購入された。 10 社の入札者による 27 年にわたる争奪戦の末、この彫刻の落札価格は前回の販売価格の 80 倍でした。 そして、バイヤーズ・プレミアムのコミッションを考慮すると、最終的な結果は9,107万5,000ドルとなり、存命の全アーティストの記録となりました。
2. デビッド・ホックニー アーティストの肖像画。 フィギュアが2体あるプール。 1972年。90,312,500ドル
デヴィッド・ホックニー (1937 年) は、20 世紀で最も重要なイギリスの芸術家の 1 人です。 2011 年、イギリスのプロの芸術家や彫刻家数千人を対象とした調査によると、デヴィッド ホックニーは史上最も影響力のあるイギリスの芸術家に選ばれました。 同時に、ホックニーはウィリアム・ターナーやフランシス・ベーコンなどの巨匠を破った。 彼の作品は通常ポップアートとして分類されますが、初期の作品ではフランシス・ベーコンの精神に基づいた表現主義に引き寄せられていました。
デビッド・ホックニーはイギリスのヨークシャー郡で生まれ育ちました。 将来の芸術家となる母親は家族を清教徒的な厳格さで守り、父親はアマチュアの絵を少し描く程度の単純な会計士であり、息子に絵を描くことを奨励した。 デビッドは 20 代でカリフォルニアに移り、合計約 30 年間そこで過ごしました。 彼はまだそこに2つのワークショップを持っています。 ホックニーは、地元の裕福な人々、彼らの別荘、プール、カリフォルニアの太陽が降り注ぐ芝生を作品の主人公にしました。 アメリカ時代の彼の最も有名な作品の 1 つである絵画「スプラッシュ」は、男性が水に飛び込んだ後にプールから立ち上る飛沫の束を描いたものです。 わずか 2 秒しか「生きていない」この束を描くために、ホックニーは 2 週間作業しました。 ちなみに、この絵は2006年にサザビーズで540万ドルで落札され、しばらくの間彼の最も高価な作品とみなされていた。
ホックニー (1937) はすでに 80 歳を超えていますが、今でも活動しており、技術革新を利用して新しい芸術的手法を発明することさえあります。 かつて彼は、ポラロイドから巨大なコラージュを作成するというアイデアを思いつき、ファックス機で作品を印刷し、そして今日ではアーティストは熱心にiPadで絵を描くことをマスターしています。 彼の展覧会では、タブレットに描かれた絵画が重要な位置を占めています。
2005年、ホックニーはついにアメリカからイギリスに戻った。 現在、彼は野外やスタジオで、地元の森林や荒地の巨大な（複数の部分からなることが多い）風景を描いています。 ホックニーによれば、カリフォルニアで過ごした 30 年間で、単純な季節の変化にあまりにも慣れなくなり、季節の変化に本当に魅了され、魅了されてしまったようです。 たとえば、彼の最近の作品のサイクル全体は、一年の異なる時期の同じ風景に当てられています。
2018年、ホックニーの絵画の価格は何度か1000万ドルを突破した。 そして2018年11月15日、クリスティーズは、絵画「アーティストの肖像（プールと二人の人物）」で9,031万2,500ドルという、存命アーティストの作品の新たな絶対記録を記録した。
3. ゲルハルト・リヒター 抽象画。 1986年。4,630万ドル
リビングクラシック ゲルハルト・リヒター (1932)ランキングで2位に入りました。 このドイツ人アーティストは、ジェフ・クーンズの5,800万枚の記録が破られるまで、存命中の同僚の中でリーダーであった。 しかし、この状況が美術市場におけるリヒターのすでに鉄の権威を揺るがす可能性は低い。 2012年末時点で、このドイツ人アーティストの年間オークション売上高は、アンディ・ウォーホルとパブロ・ピカソに次いで第2位となっている。
長年にわたり、リヒターに降りかかった成功を予見するものは何もありませんでした。 何十年もの間、この芸術家は現代美術市場で控えめな地位を占めており、名声を得るためにまったく努力していませんでした。 名声が勝手に彼を追い越したと言ってもいいでしょう。 多くの人は、1995 年にニューヨーク近代美術館がリヒターの一連の作品「1977 年 10 月 18 日」を購入したことが出発点であると考えています。 アメリカの美術館はグレートーンの絵画15点に300万ドルを支払い、すぐにこのドイツ人芸術家の本格的な回顧展の開催を検討し始めた。 この壮大な展覧会は 6 年後の 2001 年に開幕し、それ以来、リヒターの作品への関心は飛躍的に高まりました。 2004 年から 2008 年にかけて、彼の絵画の価格は 3 倍になりました。 アートネットのウェブサイトによれば、2010 年にはリヒターの作品はすでに 7,690 万ドルの収益を上げ、2011 年にはオークションでのリヒターの作品は総額 2 億ドルを獲得し、2012 年には他の作品を上回る 2 億 6,270 万ドルを獲得しました。生きているアーティスト。
たとえば、ジャスパー・ジョーンズのオークションでの圧倒的な成功は主に彼の初期の作品にのみ伴うものですが、このような明確な区分はリヒターの作品には典型的ではありません。さまざまな創作時期の作品に対する需要は同様に安定しており、そのうちの非常に多くの作品が初期の作品にありました。リヒターの経歴。 過去60年にわたり、このアーティストは肖像画、風景、海洋、ヌード、静物画、そしてもちろん抽象画など、ほぼすべての伝統的な絵画ジャンルに挑戦してきました。
リヒターのオークション記録の歴史は、一連の静物画「キャンドル」から始まりました。 制作期間中の 1980 年代初頭のキャンドルの写実的なイメージ 27 枚の価格は、1 作品あたりわずか 15,000 ドイツ マルク (5,800 ドル) でした。 しかし、シュトゥットガルトのマックス・ヘツラー・ギャラリーでの最初の展示会で「キャンドル」を買う人はまだ誰もいなかった。 その後、絵画のテーマは古風なものと呼ばれていました。 今日、「Candles」は常に永遠の作品とみなされています。 そしてそれらには何百万ドルもの費用がかかります。
2008年2月には「キャンドル」、 1983年に書かれたこの本は、思いがけず1ポンドで購入された 797万（1600万ドル）。 この個人記録は3年半続きました。 それから 2011年10月にもう一つ 『キャンドル』（1982）クリスティーズで£のためにハンマーの下に置かれた 1,046万(1,648万ドル)。 この記録により、ゲルハルト・リヒターは、ジャスパー・ジョーンズとジェフ・クーンズに次いで、最も成功した存命アーティストのトップ３に初めてランクインした。
そして、リヒターの「抽象絵画」の勝利の行進が始まりました。 アーティストはそのような作品を独自の手法で描いています。単純な絵の具を混ぜ合わせたものを明るい背景に塗り、車のバンパーほどの大きさの長いスクレーパーを使ってキャンバス全体に塗り広げます。 これにより、複雑な色の変化、斑点、縞模様が生成されます。 彼の「抽象絵画」の表面を観察することは、まるで発掘調査のようです。そこには、色とりどりの無数の層の隙間から、さまざまな「図形」の痕跡が見えます。
2011 年 11 月 9 日サザビーズの現代美術と戦後美術のオークションでは、大規模な 「抽象画（849-3）」 1997年は厳しい非難を浴びた 2080万ドル（1320万ポンド）。 そして半年後、 2012 年 5 月 8 日ニューヨークのクリスティーズで開催された戦後美術と現代美術のオークションにて 「抽象画（798-3）」 1993 年は記録に残る 2,180万ドル（手数料含む）。 5 か月後、新たな記録が生まれました。 「抽象画（809-4）」 2012年10月12日、ロンドンのサザビーズでロックミュージシャンのエリック・クラプトンのコレクションが、1ポンドの金で罰金刑に処された。 2,130万（3,420万ドル）。 3,000万という壁は、まるで現代絵画についてではなく、すでに100年前の傑作について話しているかのように、リヒターはいとも簡単に受け入れました。 ただし、リヒターの場合、「偉人」の列挙は芸術家の存命中に行われたようです。 ドイツ人の作品の価格は上昇し続けている。
リヒターの次のレコードはフォトリアリスティックな風景作品でした。 「ミラノ大聖堂広場（マイランド州ドンプラッツ）」 1968年。 作品が販売されたのは、 3,710万サザビーズのオークションで 2013 年 5 月 14 日。 この最も美しい広場の景色は、1968 年にシーメンス エレクトロ社の依頼により、特に同社のミラノ オフィスのためにドイツ人アーティストによって描かれました。 執筆当時、この作品はリヒターの比喩作品としては最大のものでした（大きさはほぼ 3 × 3 メートル）。
大聖堂広場の記録はほぼ 2 年間続きました。 2015 年 2 月 10 日彼の邪魔をしなかった "抽象画" （ 1986): ハンマープライスが£に到達 3038万9000（4630万ドル）。 サザビーズのオークションに出品された300.5×250.5cmの「抽象画」は、絵の具の層を削り取るという作者特有の技法を用いたリヒターの最初の大規模作品の1つである。 前回、1999年にこの「抽象画」はオークションで60万7千ドルで落札されました（この年から今回の売却まで、作品はケルンのルートヴィヒ美術館に展示されていました）。 2015 年 2 月 10 日のオークションでは、アメリカのクライアントが 200 万ポンドのオークションで 4,630 万ドルのハンマープライスに達しました。つまり、この作品の価格は 1999 年以来 76 倍以上に上昇しました。
4. CUI ZHUZHO「大雪山」 2013年。3957万7000ドル。
長い間、私たちは「私たちのものではない」芸術について読者に過剰な情報を与えたくないため、中国の美術市場の状況の推移を注意深く追ってこなかった。 反体制派のアイ・ウェイウェイは例外で、彼は共鳴アーティストであるにもかかわらず、それほど高価ではありませんが、中国の作家はあまりにも数が多すぎて、彼らの市場で何が起こっているのかを掘り下げるには私たちから遠く離れているように見えました。 しかし、彼らが言うように、統計は深刻であり、世界で最も成功した存命の作家について話しているなら、やはり天の帝国の現代美術の傑出した代表者についての物語なしでは済まされません。
まずは中国人アーティストから 崔如卓。 アーティストは 1944 年に北京で生まれ、1981 年から 1996 年まで米国に住んでいました。 中国に帰国後、国立芸術院で教鞭をとり始めた。 崔如卓は伝統的な中国の水墨画を再解釈し、中国のビジネスマンや役人がお互いに贈り物として贈るのに喜ばれる巨大な絵巻物を制作しました。 西側では彼についてほとんど知られていないが、香港のホテルで清掃員がゴミと間違えて捨てた370万ドルの巻物の話を覚えている人は多いだろう。 つまり、それはまさに崔如卓の巻物だったのだ。
崔如卓氏はすでに70歳を超えており、彼の作品の市場は活況を呈している。 このアーティストの作品は 60 点以上で 100 万ドルを超えていますが、これまでのところ彼の作品は中国のオークションでのみ成功しています。 崔如卓の記録は本当に素晴らしい。 まずは彼 「雪の中の風景」香港のポリオークションにて 2014 年 4 月 7 日 1億8,400万香港ドルというハンマープライスを達成（ 2,370万ドル).
ちょうど1年後 2015 年 4 月 6 日、崔如卓の作品のみに特化した香港の特別ポリオークションにて、シリーズ 「江南山の大雪景色」(江南は中国の歴史的な地域で、長江下流の右岸を占めています。) 紙にインクで描かれた 8 つの風景画は、2 億 3,600 万香港ドルのハンマープライスに達しました ( 3,044万4,000米ドル).
1年後、香港のポリ・オークションズが開催した崔如卓の個展で、歴史は再び繰り返された。 2016 年 4 月 4 日 6部構成の多翼祭壇画 「大雪山脈」 2013 年には 3 億 600 万香港ドルのハンマープライス (オークションハウス手数料を含む) に達しました。 (3,957万7,000米ドル)）。 これまでのところ、これはアジアの存命アーティストの中で絶対的な記録です。
30年間中国の現代美術に携わってきた画商のジョンソン・チャン氏によると、この作家の作品の価格を上げたいという無条件の願望があるが、経験豊富なコレクターが望んでいないような価格レベルですべてが行われているという。何かを買うために。 「中国人は、香港のポリ社が主催するような大規模な国際オークションで作品の価格を吊り上げて、アーティストの評価を上げたいと考えているが、これらの評価が完全に捏造であることは疑いの余地がない」とジョンソン・チャンは崔氏についてコメントした。 Ruzhuoの最新記録。
もちろん、これは一個人のディーラーの意見にすぎませんが、すべてのデータベースに記録された実際の記録があります。 したがって、私たちは彼を考慮に入れます。 崔如卓自身も、その発言から判断すると、オークションでの成功に関してはゲルハルト・リヒターのような謙虚さには程遠い。 どうやら彼はこの記録競争に本気で魅了されているようだ。 「今後5～10年で、私の作品の価格がピカソやゴッホのような西洋の巨匠の作品の価格を超えることを願っています。 これは中国の夢です」と崔如卓氏は言います。
5. ジャスパー・ジョーンズ フラグ。 1983年。3,600万ドル
存命アーティストランキング3位はアメリカ人 ジャスパー・ジョーンズ (1930)。 ジョーンズの作品の現在の最高価格は$です 3,600万。 彼らは彼の有名な作品のために大金を払った "フラグ"クリスティーズのオークションで 2014 年 11 月 12 日.
ジョーンズが軍隊から戻った直後の 1950 年代半ばに始めた一連の「旗」絵画は、ジョーンズの作品の中心的なものの 1 つになりました。 若い頃でさえ、芸術家は既製のアイデア、つまり日常の物体を芸術作品に変えるというアイデアに興味を持ちました。 しかし、ジョーンズの旗は本物ではなく、キャンバスに油彩で描かれていました。 このように、芸術作品は日常生活からの性質を獲得しており、同時に旗のイメージでもあり、旗そのものでもありました。 旗を使った一連の作品は、ジャスパー・ジョーンズに世界的な名声をもたらしました。 しかし、彼の抽象的な作品も同様に人気があります。 長年にわたり、上記のルールに従って編集された最も高価な作品のリストの先頭には、彼の要約が掲載されていました。 「不正スタート」。 1959 年にジョーンズによって描かれたこの非常に明るく装飾的なキャンバスは、2007 年までは、存命のアーティスト (生涯の古典でさえも) にはほとんど手が届かない価格であると考えられていました。 1700万。 それが美術品市場に金で支払った金額だ 1988年.
興味深いことに、ジャスパー・ジョーンズの記録保持者としての在職期間は継続的ではありませんでした。 1989年、彼は同僚のウィレム・デ・クーニングの作品によって中断され、2メートルの抽象作品「ブレンディング」がサザビーズで2,070万ドルで落札されたが、8年後の1997年にデ・クーニングは亡くなった。そして、ジョーンズの『False Start』は、約10年にわたって存命アーティストのオークションランキングで再び1位を獲得しました。
しかし 2007 年にすべてが変わりました。 フォールス・スタートの記録は、若くて野心的なダミアン・ハーストとジェフ・クーンズの作品によって初めて覆されました。 その後、ルシアン・フロイト（現在は故人のため、この評価には参加していません）の絵画「睡眠手当の検査官」が3,360万ドルで記録的な落札となりました。 それからゲルハルト・リヒターのレコードが始まりました。 一般的に、これまでの現在の記録は 3,600 万で、ネオ ダダイズム、抽象表現主義、ポップ アートの交差点で活躍するアメリカ戦後芸術の巨匠の 1 人、ジャスパー ジョーンズが栄誉ある 3 位にランクインしています。
6. エド・ラッシー スマッシュ。 1963年。3,040万ドル
アメリカ人アーティストによる絵画「スマッシュ」の突然の成功 エドワード・ラシェイ (1937 年生まれ)オークションで クリスティーズ 2014 年 11 月 12 日この作家は最も高価な存命アーティストの一人となった。 エド・ルシャ（姓のルシャはロシア語で「ルシャ」と発音されることが多いが、正しい発音はルシャ）の作品のこれまでの最高額は「わずか」698万ドルで、その額が彼のキャンバス「燃えるガス」に支払われた。ステーション』（2007年） 7年後 "スマッシュ"推定1500万～2000万ドルはハンマープライスに達した 3040万ドル。 この作家の作品の市場が新たなレベルに達したことは明らかです。バラク・オバマがホワイトハウスを彼の作品で飾り、ラリー・ガゴシアン自身が彼のギャラリーで彼の作品を展示しているのは当然のことです。
エド・ルシャは、抽象表現主義の熱狂が渦巻く戦後のニューヨークに引き寄せられることはありませんでした。 その代わりに、40 年以上にわたってカリフォルニアにインスピレーションを求め、18 歳でネブラスカ州から移住しました。 このアーティストは、ポップアートと呼ばれる芸術における新しい運動の原点に立っていました。 エドワード・ルシャは、ウォーホル、リキテンスタイン、ウェイン・ティーボー、その他のポップカルチャーの歌手とともに、1962年にパサデナ美術館で開催された「普通のものの新しいイメージ」展に参加しました。この展覧会は、アメリカのポップアートの最初の美術館展となりました。 しかし、エド・ルシャ自身は、自分の作品がポップアート、コンセプチュアリズム、またはその他の芸術運動に分類されることを好んでいません。
彼の独特のスタイルは「テキストペイント」と呼ばれます。 1950 年代後半から、エド ルシャは言葉を描き始めました。 ウォーホルにとってスープの缶が芸術作品になったのと同じように、エド・ラシェイにとってこれらは、スーパーマーケットの看板やパッケージ、あるいは映画のクレジットから引用された平凡な単語やフレーズでした（ハリウッドは常に彼らにとって「近く」でした）ルシェイ、そして多くのアーティスト仲間とは異なり、ルシェは「夢の工場」を尊敬していました。 彼のキャンバス上の言葉は三次元のオブジェクトの性質を獲得しており、これらは言葉の本物の静物です。 彼のキャンバスを見るとき、最初に頭に浮かぶのは、描かれた言葉の視覚的および聴覚的な認識であり、その後に初めて意味論的な意味が浮かび上がります。 後者は、原則として、明確に解読することはできません。 Rushay の言葉やフレーズの選択はさまざまな方法で解釈できます。 深い青色の背景にある同じ明るい黄色の単語「スマッシュ」は、何かまたは誰かを粉々に打ち砕くという攻撃的な呼びかけとして認識される可能性があります。 文脈を無視して取り出された孤独な形容詞として（たとえば、新聞の見出しの一部として）、あるいは単に都市の視覚的イメージの流れの中に捉えられた別の単語として。 エド・ルシャはこの不確実性を楽しんでいます。 「私はいつも奇妙で説明のつかないものに対して深い敬意を抱いてきました…説明はある意味、物事を殺してしまいます」と彼はインタビューで語った。
7. クリストファー・ウール 無題（ライオット）。 1990年。2,993万ドル
アメリカのアーティスト クリストファー・ウール（1955年）は、作品「地獄の黙示録」を2,650万ドルで販売した後、2013年に初めて存命アーティストのランキングにランクインしました。この記録により、彼はすぐにジャスパー・ジョーンズやゲルハルト・リヒターと同等になりました。 この歴史的な取引額（2,000万ドル以上）は、以前はアーティストの作品の価格が800万ドルを超えなかったため、多くの人を驚かせました。しかし、クリストファー・ウールの作品の市場の急速な成長は、その時点ですでに明らかでした。実績には、金額が 100 万ドルを超えるオークション取引が 48 件含まれており、そのうち 22 件 (ほぼ半分) が 2013 年に行われました。 2 年後、100 万ドル以上で販売されたクリス ウールの作品の数は 70 に達し、新しい自己記録が達成されるのもそう長くはありませんでした。 オークションで サザビーズ2015年5月12日作品『無題（RIOT）』ドルで売られました 2,993万人バイヤーズプレミアムを含む。
クリストファー・ウールは、主に白いアルミニウム板に黒い文字を描いた大規模な作品で知られています。 原則として、オークションで記録を樹立するのは彼らです。 これらはすべて1980年代後半から1990年代前半のものです。 伝説によると、ある日ウールが夕方にニューヨークを歩いていると、突然新しい白いトラックに黒い文字でセックスとマブラヴという言葉が書かれた落書きを目にしました。 この光景に非常に感銘を受けた彼は、すぐに作業場に戻り、同じ言葉で自分のバージョンを書きました。 それは 1987 年のことであり、アーティストが「手紙」作品のための言葉やフレーズをさらに模索したことは、この時代の矛盾した精神を反映しています。 これは映画「地獄の黙示録」のウールがとった「家を売ろう、車を売ろう、子供たちを売ろう」というスローガンと、大文字の「FOOL」（「愚者」）と「RIOT」という言葉です。 （「反乱」）、当時の新聞の見出しによく見られました。
ウールは、アルキドまたはエナメル塗料を使用したステンシルを使用して、言葉やフレーズをアルミニウム シートに適用し、しずく、ステンシルの跡、その他の創作プロセスの証拠を意図的に残しました。 芸術家は、視聴者がすぐに意味を理解できないような方法で単語を分割しました。 最初は文字の塊だけが見えます。つまり、単語を視覚的なオブジェクトとして認識し、それから初めてフレーズや単語の意味を読んで解読します。 ウールは第二次世界大戦後にアメリカ軍で使用されたフォントを使用しており、命令、指令、スローガンの印象を高めます。 これらの「文字」作品は、街路上のオブジェクトの表面の清潔さを侵害する違法な落書きのように、都市景観の一部として認識されます。 クリストファー・ウールのこの一連の作品は、言語抽象化の頂点の 1 つとして認識されているため、現代美術の愛好家から非常に高く評価されています。
8. ピーター・ドイグ ローズデール。 1991年。2,881万ドル
イギリス人 ピーター・ドイグ（1959）では、彼はポストモダニストのクーンズとハーストの世代に属していますが、長い間先進的な芸術家に好まれなかった完全に伝統的な風景のジャンルを自分自身で選びました。 ピーター・ドイグは、彼の作品によって、比喩絵画に対する人々の薄れつつある関心を復活させました。 彼の作品は批評家や専門家以外からも高く評価されており、その証拠に彼の作品の価格は急速に高騰しています。 1990 年代初頭に彼の風景画の価格が数千ドルだったとしても、今では数百万ドルの価格がかかります。
ドイグの作品はしばしばマジック リアリズムと呼ばれます。 現実の風景を基に、幻想的で神秘的で、しばしば暗いイメージを生み出します。 芸術家は、森の真ん中にル・コルビュジエが建てた老朽化した建物や、森の湖面に浮かぶ空の白いカヌーなど、人々に放棄された物体を描くのが大好きです。 自然と想像力に加えて、ドイグはホラー映画、古いポストカード、写真、アマチュアビデオなどからインスピレーションを受けています。 ドイグの絵画はカラフルで複雑、装飾的で挑発的ではありません。 このような絵画を所有できることは光栄です。 コレクターの関心は、この作者の生産性の低さによっても高まっています。トリニダードに住むこの芸術家は、年間にせいぜい 12 点しか絵画を制作しません。
2000 年代初頭、アーティストによる個々の風景画は数十万ドルで取引されました。 同時に、ドイグの作品はサーチ ギャラリー、ホイットニー美術館ビエンナーレ、MoMA のコレクションに収蔵されました。 2006 年には、オークションの基準である 100 万ドルを突破し、翌年には予期せぬ躍進が起こりました。2007 年 2 月 7 日にサザビーズで出品された作品「White Canoe」は、推定 080 万ドルから 120 万ドルで落札されました。暫定予想を上回り、570万ポンド（1130万ドル）で落札された。 これは当時、存命のヨーロッパの芸術家による作品の記録的な価格でした。
2008 年、ドイグはパリのテート ギャラリーと近代美術館で個展を開催しました。 ドイグの作品には数百万ドルの値札が付くのが常態となっている。 ピーター・ドイグの個人記録は最近、年に数回更新され始めています。私たちにできる時間は、存命作家のランキングにおけるこのアーティストの写真と順位を変更することだけです。
現在までにピーター・ドイグの最も高価な作品は、1991 年の雪の風景「ローズデール」です。 興味深いことに、この記録はサザビーズやクリスティーズではなく、フィリップス オークション ハウスでの現代美術のオークションで樹立されました。 これは2017年5月18日に起こりました。 雪に覆われたトロントの近隣ローズデールの風景が電話購入業者に2,881万ドルで落札され、これまでの記録（「泥沼に飲み込まれて」の2,590万ドル）を約300万ドル上回った。 「ローズデール」は、1998年にロンドンのホワイトチャペル・ギャラリーで行われたドイグの重要な展覧会に参加しており、一般的にこの作品は市場では新鮮なものであったため、記録的な価格が付くのは当然だ。
9. フランク・ステラ ケープ・オブ・パインズ。 1959年。2,800万ドル
フランク・ステラは、絵画以降の芸術における抽象化とミニマリズムの著名な代表者です。 ある段階ではハードエッジ画風の代表格に分類される。 ステラは当初、自分の絵画の厳格な幾何学性、禁欲的なモノクロ、構造化された性質を、ジャクソン・ポロックのような抽象表現主義者の絵画の自発性と混沌と対比させていました。
1950年代後半、このアーティストは有名なギャラリーオーナーのレオ・カステッリの目に留まり、初めて展覧会の受賞を果たしました。 その上で彼は、いわゆる「黒い絵画」、つまり平行な黒い線でペイントされたキャンバスと、その間に描かれていないキャンバスの薄いスペースを提示しました。 線は幾何学的な形状を形成し、目の錯覚を彷彿とさせます。同じ絵がちらつき、動き、ねじれ、長い間見ていると深い空間の感覚を生み出します。 ステラは、アルミニウムと銅を使った作品の中で、細い分割縞のある平行線のテーマを継続しました。 色、絵画の基礎、さらには絵の形さえも変化しました（とりわけ、U、T、Lの文字の形をした作品が目立ちました）。 しかし、彼の絵画の主な原則は依然として輪郭の明瞭さ、記念碑性、シンプルな形、そしてモノクロでした。 その後の数十年で、ステラはそのような幾何学的な絵画から滑らかで自然な形や線を目指し、単色絵画から明るく多様な色の移り変わりを目指しました。 1970 年代、ステラは船の塗装に使用される巨大なパターンに魅了されました。 芸術家はそれらを集合要素のある巨大な絵画に使用しました - 彼は作品に鋼管や金網の破片を含めました。
フランク・ステラは初期のインタビューで、自分の作品に込められた意味、あるいはむしろ意味の欠如について率直に語っています。「あなたが見ているものは、あなたが見ているものなのです。」 絵画はそれ自体がオブジェクトであり、何かを複製したものではありません。 「それはペイントが施された平らな表面で、他には何もありません」とステラは言いました。
さて、フランク・ステラの署名が入ったこの「ペイントが施された表面」は、今日では数百万ドルの価値があるかもしれません。 フランク・ステラは、2015年に「デラウェアを渡る」（1961年）という作品を手数料込みで1369万ドルで販売し、初めて存命アーティストのランキングに入った。
4年後の2019年5月15日、初期（1959年）の作品「ケープ・オブ・パインズ」によって新記録が樹立された。ハンマープライスは手数料を含めて2,800万ドルを超えた。 これは、ステラがニューヨークでの最初の展覧会でデビューしたものと同じ、29 点の「黒い絵画」のうちの 1 つです。 プリンストン大学卒業生のフランク・ステラは当時23歳。 彼は芸術家のために油絵の具を買うのに十分なお金を持っていないことがよくありました。 この若い芸術家は修復作業でお金を稼ぎ、絵の具の純粋な色をとても気に入ったので、この絵の具をキャンバス上で制作するというアイデアが生まれました。 ステラは黒いエナメル絵の具を使って平行なストライプを描き、その間に下塗りされていないキャンバスの細い線を残します。 さらに、彼は定規を使わず、下絵も描かずに目で書いています。 ステラは、特定の絵に黒い線が何本あるのかを正確に知りませんでした。 たとえば、「ケープ・オブ・パインズ」という絵には、35 個のそれらが描かれています。作品のタイトルは、マサチューセッツ湾の岬の名前、つまりポイント・オブ・パインズを指します。 20 世紀初頭、ここは大きな遊園地でしたが、現在はリビア市のエリアの 1 つです。
10. 奈良良智 背中にナイフ。 2000年。2,495万ドル
奈良美智 (1959 年) は、日本のネオポップアートの重要人物の 1 人です。 日本人 - 世界的な名声と長年の海外での仕事にもかかわらず、彼の作品は依然として顕著な国民的アイデンティティによって区別されているからです。 ナラのお気に入りのキャラクターは、日本のマンガやアニメコミックのスタイルの女の子と犬です。 彼が発明したイメージは、長年にわたり「人々の手に渡って」、T シャツにプリントされたり、お土産やさまざまな「商品」が作られたりしています。 首都から遠く離れた貧しい家庭に生まれた彼は、その才能で愛されるだけでなく、立身出世の人物としても評価されている。 アーティストは素早く、表現力豊かに仕事をします。 彼の傑作のいくつかは文字通り一夜にして完成したことが知られています。 奈良美智の絵画や彫刻は、表現手段がケチではないにしても、概して非常に簡潔ですが、常に強い感情を伴っています。 奈良の10代の女の子たちは、見る人を不親切な目を細めて見ることがよくあります。 彼らの目には大胆さ、挑戦、そして攻撃性があります。 彼の手にはナイフかタバコのどちらかが握られています。 描かれた倒錯的な行動は、抑圧的な社会道徳、さまざまなタブー、日本人が採用した教育原則に対する反応であるという意見があります。 ほとんど中世のような厳しさと恥辱が内面に問題を引き起こし、遅れて感情が爆発する土壌を作り出します。 「The Knife Behind Your Back」は、アーティストの主要なアイデアの 1 つを簡潔に反映しています。 この作品には、少女の憎しみに満ちた視線と、後ろ手に脅迫的に差し伸べられた手が描かれています。 2019年までに、奈良美智の絵画や彫刻はすでに100万点、あるいは数百万点に達することが何度かあった。 でも2000万は初めてです。 ナラは世界で最も有名な日本生まれのアーティストの一人です。 そして今、生きている中で最も高価なものです。 2109年10月6日、香港のサザビーズで、彼は村上隆からこのタイトルを奪い、90歳の前衛芸術家草間彌生を見事に破った（彼女の絵画の最高落札価格はすでに900万ドルに近づいている）。
11. ゼン・ファンジー 最後の晩餐。 2001年。2,330万ドル
香港のサザビーズオークションにて 2013 年 10 月 5 日年の大規模キャンバス "最後の晩餐"北京のアーティスト 曽範志 (1964)記録的な金額の1億6,000万香港ドルで売却されました - 2,330万ドルアメリカ合衆国。 もちろん、レオナルド・ダ・ヴィンチの影響下で書かれた樊志の作品の最終的な価格は、曾樊志の以前の価格記録である約1,000万ドルの2倍であることが判明した。 960万、2008 年 5 月のクリスティーズの香港オークションでこの作品の代金が支払われました。 「マスクシリーズ。 1996年。いいえ。 6".
「最後の晩餐」は、1994 年から 2001 年までの期間を描いた「マスク」シリーズの中で樊志による最大の絵画 (2.2 × 4 メートル) です。 このサイクルは、経済改革の影響下での中国社会の進化に特化しています。 中国政府による市場経済の要素の導入は、都市化と中国人の不和をもたらしました。 Fanzhi は、太陽の当たる場所を求めて戦わなければならない現代中国の都市の住民を描いています。 樊志の朗読では、レオナルドのフレスコ画のよく知られた構成がまったく異なる意味を帯びる。行動の場面はエルサレムから典型的な象形文字の板が壁に貼られた中国の学校の教室に移される。 「キリスト」と「使徒」は緋色のネクタイを締めた開拓者となり、「ユダ」だけが金色のネクタイを締めています。これは、西側資本主義が社会主義国の通常の生活様式に浸透し、破壊していることの比喩です。
Zeng Fanzhi の作品は、スタイル的にはヨーロッパの表現主義に近く、同様にドラマチックです。 しかし同時に、それらは中国の象徴性と特異性に満ちています。 この多用途性が、中国と西洋の両方のコレクターをこのアーティストの作品に魅了します。 これを直接裏付けるのは、「最後の晩餐」の出所です。この作品は、1980 年代から 1990 年代初頭の中国の前衛芸術の有名なコレクターであるベルギーの男爵、ガイ・ウレンスによってオークションに出品されました。
12. ロバート・ライマン 橋。 1980年。2,060万ドル
オークションで クリスティーズ 2015 年 5 月 13 日抽象的な作品 "橋" 85歳のアメリカ人アーティスト ロバート・ライマン（ロバート・ライマン）は、 2060万ドル手数料を考慮すると、下限見積もりの 2 倍の費用がかかります。
ロバート・ライマン（1930）は、自分が芸術家になりたいとはすぐには気づきませんでした。 23歳のとき、ジャズサックス奏者になりたくてテネシー州ナッシュビルからニューヨークに移住した。 有名なミュージシャンになるまで、彼はニューヨーク近代美術館で警備員として働かなければならず、そこでソル・ルウィットやダン・フレイビンと出会った。 一人目は博物館で夜間秘書として働き、二人目は警備員とエレベーターのオペレーターとして働いた。 ロバート・ライマンは、MoMA で見たロスコ、デ・クーニング、ポロック、ニューマンといった抽象表現主義者の作品に感銘を受け、1955 年に自ら絵を描き始めました。
ライマンはミニマリストとみなされることが多いですが、幻想を作り出すことに興味はなく、使用する素材の品質を実証するだけなので、「リアリスト」と呼ばれることを好みます。 彼の作品のほとんどは、簡潔な正方形の形状に基づいて、あらゆる可能な白の色合い（灰色がかったまたは黄色がかったものからまばゆい白まで）の絵の具で描かれています。 ロバート・ライマンはそのキャリアの中で、多くの素材や技法を試しました。キャンバス、スチール、プレキシガラス、アルミニウム、紙、段ボール、ビニール、壁紙などに、油絵、アクリル、カゼイン、エナメル、パステル、ガッシュなどで絵を描きました。友人でプロの修復家であるオリン・ライリーは、彼が使用しようと考えていた材料の腐食性について彼にアドバイスしました。 アーティストはかつてこう言いました。 何書いてください、主なことは どうやって書く"。 質感、ストロークの性質、塗装面とベースのエッジの境界、そして作品と壁の関係がすべてです。 1975 年以来、彼の作品の特別な要素は表具であり、ライマンはそれを自らデザインし、意図的に目に見える状態にし、彼の作品が「掛けられている壁と同じくらい本物である」ことを強調しています。 ライマンは自分の作品に「タイトル」ではなく「名前」を付けることを好みます。 「名前」はある作品を別の作品と区別するのに役立ちます。ライマンはよく自分の作品に絵の具のブランドや企業などの名前を付けます。「タイトル」はある種の暗示や深い隠された意味を主張し、それが彼の作品に存在します。アーティストは定期的に否定します。 素材と技術以外は何も重要ではありません。
13. ダミアン・ハースト 眠い春。 2002年。1920万ドル
イギリス人アーティストへ ダミアン・ハースト (1965)は、生きたクラシック、ジャスパー・ジョーンズとの論争の中で、この評価で最初に1位になる運命にありました。 すでに言及した作品「False Start」は、もしそうであれば、長い間不沈のリーダーであり続けた可能性があります。 2007 年 6 月 21 日当時42歳のハーストによるインスタレーション 「眠い春」(2002) はサザビーズで £ で販売されませんでした 976万、つまり1,920万ドル。 ところで、この作品はかなり珍しいフォーマットを持っています。 一方で、ダミーの錠剤 (6,136 錠) が入った展示キャビネットがあり、基本的に古典的なインスタレーションです。 一方、このショーケースは平面（奥行き10cm）にし、額縁に入れてプラズマパネルのように壁に掛けることで、絵画特有の所有感を十分に確保している。 2002 年には、このインスタレーションの姉妹作品である「Sleepy Winter」が半額以上の 740 万ドルで落札されました。 誰かが、冬には錠剤の色あせが増えると言って、価格の違いを「説明」しました。 しかし、そのようなものの価格設定メカニズムはもはや装飾的な性質とは無関係であるため、この説明がまったく根拠がないことは明らかです。
2007 年、多くの人がハーストを存命アーティストの中で最も高価な作品の作者として認めました。 ただし、この質問は「数え方による」というカテゴリーのものです。 事実は、ハーストは高価なポンドで売られ、ジョーンズは今では安いドルで、さらには20年前にも売られていた。 しかし、20年間のインフレを考慮せずに額面通りに数えたとしても、ハーストの作品はドルで換算すると高価であり、ジョーンズの作品はポンドで換算すると高価だった。 状況は境界線にあり、誰が最も大切であるとみなされるかを誰もが自由に決めることができました。 しかし、ハーストは第一位で長くは続かなかった。 同じ2007年、彼は「ハンギング・ハート」でクーンズに首位の座を奪われた。
現代美術の世界的な価格下落の前夜、ハーストは若手アーティストとしては前例のない事業に着手した。自身の作品の個展が2008年9月15日にロンドンで開催された。 前日に発表されたリーマン・ブラザーズ銀行破産のニュースは、現代美術愛好家の食欲を少しも損なうものではなかった。サザビーズが提供した223点の作品のうち、新しい所有者が見つからなかったのはわずか5点だった（ちなみに、購入者の1人はビクター・ピンチューク）。 仕事 「ゴールデントーラス」- 金の円盤を冠した、ホルムアルデヒドでできた巨大な雄牛の剥製 - できるだけ多くの物を持ち帰った 1,030万ポンド（1,860万ドル）。 これは、ポンド (取引が実行された通貨) で計算した場合のハーストの最良の結果です。 ただし、私たちはドルの観点からランキングしているため、（ゴールデンカーフの許しを祈りますが）それでも「Sleepy Spring」がハーストのベストセールであると考えます。
2008年以来、ハーストは「Sleepy Spring」や「The Golden Calf」ほどの売り上げを上げていない。 2010 年代の新記録 - リヒター、ジョーンズ、ファンジ、ウール、クーンズの作品 - により、ダミアンはランキングで 6 位になりました。 しかし、ハースト時代の終わりについて断定的な判断を下すのはやめましょう。 アナリストによれば、「スーパースター」としてのハーストはすでに歴史に名を残している。つまり、彼は非常に長い間買われることになるだろう。 しかし、将来的に最も価値が高くなるのは、彼のキャリアの中で最も革新的な時期、つまり1990年代に制作された作品であると予測されている。
14. マウリツィオ・カテラン 彼。 2001年。1,719万ドル
イタリア人のマウリツィオ・カテラン (1960 年) は、警備員、料理人、庭師、家具デザイナーとして働いた後、芸術の世界に入りました。 独学で学んだこのアーティストは、皮肉を込めた彫刻やインスタレーションで世界的に有名になりました。 彼は法王に隕石を落とし、顧客の妻を狩猟用トロフィーに変え、オールド・マスターズ・ミュージアムの床に穴を開け、ミラノ証券取引所に巨大な中指を見せ、フリーズ・フェアに生きたロバを持ち込んだ。 カテランさんは近い将来、グッゲンハイム美術館に金のトイレを設置すると約束している。 最終的に、マウリツィオ・カテランのふざけた態度は美術界で広く知られるようになった。彼はヴェネツィア・ビエンナーレに招待された（2011年のインスタレーション「Others」は、すべてのパイプや梁から群衆に向かって威嚇する2,000羽のハトの群れ）下を通過する訪問者）、彼はニューヨークのグッゲンハイム美術館で回顧展（2011年11月）を受け、最終的に彼の彫刻に対して多額の報酬を得ることができました。
2010年以来、マウリツィオ・カテランの最も高価な作品は、床の穴から外を見つめる男性の蝋人形で、外見は芸術家自身に似ている（無題、2001年）。 この彫刻インスタレーションは、作者のコピーと 3 つのコピーが存在し、ロッテルダムのボイマンス ファン ベーニンゲン美術館で最初に展示されました。 そして、このいたずら好きなキャラクターは、18 ～ 19 世紀のオランダの画家による絵画が飾られたホールの床の穴から外を眺めました。 この作品で、マウリツィオ・カテランは、巨匠の絵画が展示された美術館ホールの神聖な空間に侵入する大胆な犯罪者に自分自身を関連付けます。 したがって、彼は美術館の壁が芸術に与える神聖さの光を芸術から奪いたいと考えています。 この作品は展示するたびに床に穴を開ける必要があり、サザビーズで792万2000ドルで落札された。
この記録は2016年5月8日まで続き、ひざまずくヒトラーを描いたカテランのさらに挑発的な作品「Him」が1718万9000ドルで競売にかけられた。 名前は奇妙です。 キャラ選びはリスクが高い。 カテランのすべてのように。 彼はどういう意味でしょうか？ 「彼の」それとも「地獄の威厳」？ 私たちが総統のイメージを美化することについて話しているわけではないことは明らかです。 この作品では、ヒトラーはむしろ無力で哀れな姿で登場する。 そして不条理なことに、サタンの化身は子供の身長と同じくらいの身長で作られ、男子学生の衣装を着て、謙虚な表情でひざまずいています。 カテランにとって、このイメージは絶対的な悪の性質と恐怖を取り除く方法について考えるよう促すものです。 ところで、彫刻「ヒム」は西洋の観客によく知られています。 シリーズの彼女の兄弟は、ポンピドゥーセンターやソロモン・グッゲンハイム美術館など、世界中の主要な美術館で10回以上展示されています。
15. MARK GROTJAN 無題 (S III フランスフェイス 43.14 にリリース)。 2011年。1,680万ドル
2017 年 5 月 17 日、これまでオークションに出品されたマーク・グロッチャンの絵画の中で最も力強い作品の 1 つが、ニューヨークのクリスティーズ イブニング オークションに登場しました。 絵画「無題 (S III フランス フェイス 43.14 に公開)」は、パリの収集家パトリック・セガンによって 1,300 万～1,600 万ドルの推定価格で出品されましたが、区画の売却は第三者によって保証されていたため、特に驚く人はいませんでした。 49歳のアーティストによる新たな個人オークション記録の樹立により。 1,475万ドル（バイヤーズプレミアムの1,680万ドルを含む）というハンマープライスは、グロッチャンのこれまでのオークション記録を1,000万ドル以上上回り、彼を8桁の金額で作品が売れる存命アーティストのクラブに加えた。 マーク・グロッチャン氏のオークション金庫には、すでに約 37 桁の落札結果 (売上 100 万ドル以上、1,000 万ドル以下) が登録されています。
マーク・グロッチャン (1968 年) は、その作品にモダニズム、抽象的なミニマリズム、ポップアート、オプアートの影響があると専門家が見ていますが、友人のブレント・ピーターソンとともにロサンゼルスに移り、そこでギャラリーをオープンした後、1990 年代半ばに彼の特徴的なスタイルに到達しました。 「702号室」 アーティスト自身が回想しているように、その時、彼は芸術において自分にとって何が第一かを考え始めました。 彼は実験するモチーフを探していました。 そして私は、彼が常に線と色に興味を持っていたことに気づきました。 線遠近法、多数の消失点、多色の抽象的な三角形を用いたレイヨニズムとミニマリズムの精神に基づく実験は、最終的にグロッチャンに世界的な名声をもたらしました。
複数の地平線と遠近法の消失点を備えた抽象的なカラフルな風景から、彼は最終的に蝶の羽を思わせる三角形に到達しました。 グロッチャンの絵画 2001–2007 それは彼らが「蝶」と呼ぶものです。 今日、消失点を移動したり、空間的に離れた複数の消失点を同時に使用したりすることは、アーティストの最も強力なテクニックの 1 つと考えられています。
次の大規模な作品シリーズは「Faces」と呼ばれました。 このシリーズの抽象的な線では、マティス、ヤウレンスキー、ブランクーシの精神でマスクの状態に単純化された人間の顔の特徴を識別できます。 研究者たちは、形の極端な単純化と様式化、絵画の構成的解決について語り、目と口の散在する輪郭が森の藪から私たちを見ているように見えるとき、グロッジャンの「顔」と絵画の芸術とのつながりに注目しています。アフリカやオセアニアの原始部族をイメージしていますが、アーティスト自身は単純に「ジャングルから見渡すイメージの目が好きです。 時々ヒヒやサルの顔を想像しました。 私が意識的にも無意識的にもアフリカの原始芸術から影響を受けていたとは言えません。むしろ、その影響を受けたアーティストから影響を受けました。 ピカソは最も明白な例です。」
「Faces」シリーズの作品は、残酷かつエレガントで、目にも心地よく、心にも心地よいと評されています。 時間の経過とともに、これらの作品の質感も変化します。内部空間の効果を生み出すために、アーティストは厚い絵の具を広範囲にストロークし、ポロックのスタイルで飛び散ることさえありますが、絵の表面は平らになっているため、よく見ると絵の表面が滑らかに見えます。完全に平らに見えます。 オークション記録を樹立した絵画「無題（S III フランス フェイス 43.14 に公開）」は、まさにマーク・グロッチャンによるこの有名なシリーズに属します。
16. 村上隆 私の孤独なカウボーイ。 1,516万ドル
日本語 村上隆 (1962)彫刻で評価を入力しました 「マイ・ロンリー・カウボーイ」、2008年5月にサザビーズで$で販売されました。 1,516万。 この売却により、村上隆は、曾凡志の『最後の晩餐』の売却によってその地位を奪われるまで、長らく存命するアジア人アーティストの中で最も成功していると考えられていた。
村上隆は画家、彫刻家、ファッションデザイナー、アニメーターとして活動しています。 村上は、西洋やその他の借用物ではなく、真に日本的なものを自分の作品の基礎として採用したいと考えていました。 学生時代、彼は伝統的な日本画に魅了されましたが、後にアニメやマンガの人気芸術に取って代わられました。 こうして、まるで日本の漫画のページからそのまま飛び出してきたかのような、サイケデリックなミスター DOB、微笑む花の模様、明るく輝くグラスファイバーの彫刻が誕生しました。 村上の芸術はファストフードで下品さの具現化であると考える人もいるし、この芸術家を日本のアンディ・ウォーホルと呼ぶ人もいる――そして、私たちが見ているように、後者の階級には非常に裕福な人々がたくさんいる。
村上は、自分の彫刻の名前をアンディ・ウォーホルの映画『ロンリー・カウボーイズ』（1968年）から借用した。彼自身認めたように、日本人は映画を観たことはなかったが、彼はこの言葉の組み合わせがとても好きだった。 村上は、日本のエロティックな漫画のファンを喜ばせ、ある彫刻で彼らを笑わせました。 サイズが大きくなり、立体化されると、アニメのヒーローは大衆文化のフェティッシュに変わります。 この芸術的表現は、古典的な西洋のポップアートの精神をかなり反映しています（アレン・ジョーンズやクーンズの「ピンクパンサー」の家具セットを思い出してください）が、国家的なひねりが加えられています。
17. カウズ。 KAWSのアルバム。 2005年。14,784,505ドル
KAWS は、ニュージャージー州出身のアメリカ人アーティスト、ブライアン・ドネリーのペンネームです。 彼は 1974 年生まれで、ランキングの最年少参加者です。 ドネリーはディズニーでアニメーターとしてスタートしました（漫画『101 ダルメシアン』などの背景を描いていました）。 彼は若い頃からグラフィティに興味を持っていました。 当初の彼の特徴的なデザインは、眼窩の代わりに「X」の付いた頭蓋骨でした。 この若い作家の作品はショービジネス界の人物やファッション業界の人々に愛され、カニエ・ウェストのアルバムのジャケットを手掛けたり、ナイキ、コム デ ギャルソン、ユニクロとのコラボレーション作品をリリースしたりしました。 時間が経つにつれて、KAWS は現代アートの世界でよく知られる人物になりました。 ミッキーマウスを彷彿とさせる彼の特徴的なフィギュアは、美術館、公共スペース、個人のコレクションに根付いています。 かつて、KAWS は My Plastic Heart ブランドとともに限定版のビニール玩具をリリースし、一躍コレクション性の高い話題となりました。 これらの「おもちゃ」の熱心なコレクターの 1 人が、ブラック スターの創設者であるラッパーのティマティです。彼は「Cavs Companions」シリーズをほぼ完全に収集しています。
KAWSの作品は、2019年4月1日に香港で開催されたサザビーズのオークションで、アーティストの作品の記録である1,470万ドルを樹立した。 以前、彼女は日本のファッションデザイナーNIGOのコレクションに所属していました。 KAWS アルバムは、ビートルズの有名な 1967 年のアルバム『サージェント ペパーズ ロンリー ハーツ クラブ バンド』のカバーへのオマージュです。 人物の代わりに、目の代わりに「X」が付いたアニメシリーズ「ザ・シンプソンズ」の様式化されたキャラクターであるキンプソンだけが描かれています。
18. ジン・シャニ タジキスタン人の花嫁。 1983年。1,389万ドル
比較的若い現代中国の芸術家たちは全員、中国美術における 1980 年代後半のいわゆる「ニューウェーブ」に属しており、まったく予想外にも、まったく異なる世代、異なる流派の代表者が私たちの評価に含まれていました。 現在80歳を超えたジン・シャンイーは、共産主義中国における第一世代の芸術家の著名な代表者の一人である。 この芸術家グループの見解は、最も近い共産主義同盟国であるソ連の影響下で大部分が形成されました。
ソビエトの公式美術、社会主義リアリズム、そして（伝統的な中国の水墨画とは対照的に）当時の中国では珍しかった油絵は、1950 年代に人気のピークに達し、ソビエトの芸術家コンスタンチンが北京芸術大学で教えるようになりました。メトディエヴィチ・マクシモフに3年間（1954年から1957年まで）。 当時グループの最年少だったジン・シャニが彼のクラスに入学した。 芸術家はいつも先生をとても温かく思い出し、モデルを正しく理解して描くことを教えてくれたのはマクシモフだと言いました。 K.M.マクシモフは、今や古典となった中国のリアリストの銀河全体を訓練しました。
ジン・シャンの作品には、ソ連の「厳格なスタイル」とヨーロッパの絵画派の両方の影響を感じることができます。 芸術家は、ルネサンスと古典主義の遺産の研究に多くの時間を費やしましたが、一方で、作品の中に中国の精神を保存することが必要であると考えていました。 1983年に描かれた絵画「タジキスタンの花嫁」は、ジン・シャンの作品の新たなマイルストーンであり、広く認められた傑作とみなされています。 2013年11月にチャイナ・ガーディアンによってオークションに出品され、手数料込みの1,389万ドルで推定額の数倍で落札された。
19. バンクシーは議会を崩壊させた。 2008年。1,214万ドル
バンクシーのタグが付けられた壁画は、1990 年代後半に都市の壁に (最初は英国で、その後世界中で) 表示され始めました。 彼の哲学的であると同時に心を痛める落書きは、国民の自由に対する国家の攻撃、環境に対する犯罪、無責任な消費、不法移民制度の非人道性の問題に捧げられていました。 時間が経つにつれて、バンクシーの壁の「非難」はメディアで前例のない人気を博しました。 実際、彼は資本主義システムに不正を増大させている国家や企業の偽善を非難する世論の主要な提唱者の一人となった。
バンクシーの重要性、「時間の神経」の感覚、そして彼の比喩の正確さは、視聴者だけでなくコレクターからも高く評価されました。 2010年代には、彼の作品に数十万ドル、場合によっては100万ドル以上の賞金が与えられました。 バンクシーの落書きが壁の破片とともに盗まれる事態にまで発展した。
高度なデジタル監視の時代においても、バンクシーは依然として匿名性を維持しています。 これはもはや一人ではなく、才能のある女性が率いる数人のアーティストのグループであるというバージョンがあります。 それは多くのことを説明するでしょう。 そして、目撃カメラのレンズに映った作家たちの外見的な相違点、非個人的なステンシルの適用方法（高速であり、作者の直接の参加を必要としない）、そして絵の主題の感動的なロマンス（ボール、雪の結晶など）。 それはともかく、バンクシーのプロジェクトに携わる人々は、彼のアシスタントも含めて、口を閉ざす方法を知っている。
2019年、バンクシーの最も高価な作品は、予想外にも4メートルのキャンバス「Devolved Parliament」（「劣化した」、「衰退した」、または「権限を委譲された」議会）となった。 スキャンダラスな英国EU離脱の年に、下院で議論するチンパンジーは聴衆を嘲笑しているかのようだ。 この絵がこの歴史的転換点の10年前に描かれたことは驚くべきことであり、したがって誰かがそれを予言的であると考えています。 2019年10月3日のサザビーズオークションでは、熾烈な入札が行われ、正体不明の買い手がこの原油を1,214万3,000ドルで購入した。これは暫定推定額の6倍だった。
20. ジョン・カレン「甘くてシンプル。」 1999年。1200万7000ドル
アメリカのアーティスト ジョン・カラン (1962)挑発的な性的および社会的テーマを題材とした風刺的な比喩的な絵画で知られています。 カレンの作品は、古い巨匠（特にルーカス・クラナッハ長老とマニエリスム派）の絵画技術と、光沢のある雑誌のファッション写真をうまく組み合わせています。 よりグロテスクな表現を実現するカレンは、人体の比率を歪めたり、個々の部分を拡大または縮小したり、壊れた行儀の悪いポーズでヒーローを描いたりすることがよくあります。
カレンは 1989 年に学校のアルバムから描き直した女の子のポートレートからスタートしました。 1990 年代初頭には、コスモポリタンやプレイボーイの写真にインスピレーションを得た、巨乳の美女の絵が続きました。 1992年には裕福な年配の女性の肖像画が登場した。 そして1994年、カレンは彫刻家のレイチェル・ファインスタインと結婚し、彼女は長年彼の主要なミューズおよびモデルとなった。 1990 年代後半までに、カレンの熟練した技術とキッチュでグロテスクな絵画が人気を博しました。 2003 年にラリー ガゴシアンがアーティストのプロモーションの仕事を引き受けました。ガゴシアンのようなディーラーがアーティストを引き受ければ、成功は保証されます。 2004年、ホイットニー美術館でジョン・カランの回顧展が開催された。
この頃、彼の作品は6桁の金額で売れるようになった。 ジョン・カレンの絵画の現在の最高記録は、2016年11月15日にクリスティーズで1200万ドルで落札された作品で、2人の裸体を描いたこの絵画は、下限予想の1200～1800万ドルをかろうじて超えた。現在50歳を超えたジョン・カランにとって、これは間違いなく私のキャリアにおける画期的な出来事だ。 2008年の彼のこれまでの最高記録は550万ドルだった（ちなみに同じ作品「Sweet and Simple」に対して支払われた）。
21. ブライス・マーデン 出席しました。 1996 ～ 1999 年 1091万7000ドル
私たちのランキングに入っているもう一人の存命のアメリカ抽象芸術家は、ブライス・マーデン (1938 年) です。 マーデンのミニマリズム スタイルの作品、および 1980 年代後半以降のジェスチャー ペインティングは、その独特でわずかに落ち着いたパレットで際立っています。 マーデンの作品の色の組み合わせは、ギリシャ、インド、タイ、スリランカなど、世界中を旅したことからインスピレーションを得ています。 マーデンの発展に影響を与えた作家の中には、ジャクソン・ポロック（1960年代初頭、マーデンはユダヤ博物館で警備員として働いており、そこでポロックの「滴り落ち」を自分の目で目撃した）、アルベルト・ジャコメッティ（パリで彼の作品に親しんだ）がいる。そしてロバート・ラウシェンバーグ（マーデンは一時期彼のアシスタントとして働いていた）。 マーデンの作品の最初の段階は、色付きの長方形のブロック (水平または垂直) で構成される古典的なミニマリズムのキャンバスに捧げられました。 人間が描いたものではなく、あたかも機械で印刷されたかのように見える作品の理想的な品質を追求した他の多くのミニマリストとは異なり、マーデンはアーティストの作品の痕跡を保存し、異なる素材（ワックスと油絵の具）を組み合わせました。 1980 年代半ば以降、東洋のカリグラフィーの影響を受けて、幾何学的な抽象化は、同じモノクロのカラーフィールドを背景とした曲がりくねった蛇行のような線に置き換えられました。 これらの「意味のある」作品の 1 つである「The Attended」は、2013 年 11 月にサザビーズで手数料込みの 1091 万 7000 ドルで落札されました。
22. ピエール・スーラージュ 絵画 186 x 143 cm、1959 年 12 月 23 日、1,060 万ドル
23. 張暁干 永遠の愛。 1020万ドル
中国現代美術のもう一人の代表者 - 象徴主義者でありシュルレアリスム主義者 張暁剛 (1958)。 香港のサザビーズオークションにて 2011 年 4 月 3 日、ベルギーの男爵ガイ・ウレンズのコレクションからの中国の前衛芸術、張暁剛の三連祭壇画が販売されました。 "永遠の愛"ドルで売られました 1,020万。 当時、これはアーティストだけでなく、中国の現代美術全体の記録でもありました。 小剛さんの作品は、自身の美術館の開設を計画している億万長者の妻ワン・ウェイ氏が購入したものだという。
神秘主義と東洋哲学に興味を持つ張暁剛は、生、死、再生の 3 部構成で「永遠の愛」の物語を書きました。 この三連作は、1989 年に国立美術館で開催された象徴的な展覧会「中国/前衛」に展示されました。 1989年にも天安門広場で学生デモが軍によって残酷に鎮圧された。 この悲劇的な出来事の後、ねじは締められ始めました - 国立博物館での展示は分散され、多くの芸術家が移住しました。 上から押しつけられた社会主義リアリズムに応えて、シニカル・リアリズムの方向性が生まれ、その主な代表者の一人が張暁剛であった。
24. ブルース・ナウマン 無力なヘンリー・ムーア。 1967年。990万ドル
アメリカ人 ブルース・ナウマン (1941)、第48回ヴェネツィア・ビエンナーレ（1999年）で主要賞を受賞したこの作品は、その記録を達成するまでに長い時間がかかりました。 ナウマンは 60 年代にキャリアをスタートしました。 愛好家たちは、彼をアンディ・ウォーホルやヨーゼフ・ボイスとともに、20世紀後半の芸術において最も影響力のある人物の一人と呼んでいます。 しかし、彼の作品のいくつかには強烈な知性と装飾性がまったく欠如していたために、明らかに一般大衆の間で彼の急速な認知と成功が妨げられました。 ナウマンはよく言語を実験し、よく知られたフレーズから予期せぬ意味を発見します。 言葉は、ネオンの擬似サインやパネルなど、彼の作品の多くの中心人物となっています。 ナウマン自身は自らを彫刻家と呼んでいますが、過去40年間にわたり、彫刻、写真、ビデオアート、パフォーマンス、グラフィックなど、まったく異なるジャンルに挑戦してきました。 90年代初頭、ラリー・ガゴシアンは「私たちはナウマンの業績の真の価値をまだ理解していない」と予言的な言葉を発した。 それは次のとおりです。 2001 年 5 月 17 日クリスティーズにて、ナウマンの1967年の作品 「無力なヘンリー・ムーア（後ろ姿）」(『ヘンリー・ムーア バウンド・トゥ・フェイル (バックビュー)』) は、戦後の芸術分野で新記録を打ち立てました。 後ろ手に縛られたナウマンの手の石膏とワックスで作られた模型が、1ドルでハンマーにかけられた。 990万フランスの大物フランソワ・ピノー（他の情報源によると、アメリカ人のフィリス・ワティス）のコレクションに。 この工事の見積もりはわずか 200 ～ 300 万ドルだったので、この結果は誰もが本当に驚きました。
この伝説的なセールが行われるまで、ナウマンの作品のうち 100 万ドルを超えていたのは 2 つだけでした。 そして、彼のオークションキャリア全体の中で、これまでのところ、7桁の金額がついた作品は「ヘンリー・ムーア...」を除いてわずか6作品だけですが、その結果は依然として900万とは比較できません。
「Helpless Henry Moore」は、60 年代に 20 世紀で最も偉大な彫刻家の一人とみなされていたイギリスの芸術家、ヘンリー ムーア (1898 ～ 1986 年) の人物像に関するナウマンの一連の論争的作品の 1 つです。 認められた巨匠の影に自分たちがいることに気づいた若い作家たちは、彼を熱烈な批判で攻撃した。 ナウマンの作品は、この批判に対する応答であると同時に、創造性というテーマについての考察でもあります。 作品のタイトルは、英語の単語「bound（文字通りの意味で）束縛される」と「特定の運命に運命づけられる」の2つの意味を組み合わせたもじゃれになっています。
注意！ サイト上のすべての資料およびサイト上のオークション結果のデータベース（オークションで販売された作品に関する図解された参考情報を含む）は、第 2 条に従ってのみ使用することを目的としています。 ロシア連邦民法典 1274 年。 商業目的での使用、またはロシア連邦民法によって定められた規則に違反する使用は許可されていません。 当サイトは、第三者が提供する素材の内容については責任を負いません。 第三者の権利が侵害された場合、サイト管理者は、権限のある機関からの要請に基づいて、第三者をサイトおよびデータベースから削除する権利を留保します。
レオナルド・ディ・セル・ピエロ・ダ・ヴィンチ（Leonardo di ser Piero da Vinci、1452年4月15日 - 1519年5月2日）は、有名なイタリアの画家、建築家、哲学者、音楽家、作家、探検家、数学者、エンジニア、解剖学者、発明家、地質学者でした。 彼は、「最後の晩餐」と「モナ・リザ」が最も有名な絵画と、時代をはるかに先取りしていながら紙の上にのみ残された数多くの発明で知られています。 さらに、レオナルド・ダ・ヴィンチは、解剖学、天文学、テクノロジーの発展に重要な貢献をしました。
ラファエル・サンティ (1483 年 3 月 28 日 – 1520 年 4 月 6 日) は、15 世紀後半から 16 世紀初頭にかけてのルネサンス期に活躍した偉大なイタリアの芸術家、建築家です。 伝統的に、ラファエロはミケランジェロ、レオナルド・ダ・ヴィンチと並び、この時代の三大巨匠の一人とみなされています。 彼の作品の多くは、バチカンの使徒宮殿、ラファエロのスタンザと呼ばれる部屋にあります。 とりわけ、彼の最も有名な作品「アテネの学堂」はここにあります。
ディエゴ・ロドリゲス・デ・シルバ・イ・ベラスケス（1599年6月6日 - 1660年8月6日） - スペインの画家、肖像画家、フェリペ4世の宮廷画家であり、スペイン絵画の黄金時代の最大の代表者。 過去の歴史的および文化的場面を描いた数多くの絵画に加えて、彼はスペイン王室や他のヨーロッパの有名な人物の肖像画も数多く描きました。 ベラスケスの最も有名な作品は、マドリードのプラド美術館に所蔵されている 1656 年の絵画「ラス メニーナス」（または「フェリペ 4 世の家族」）と考えられています。
パブロ・ディエゴ・ホセ・フランシスコ・デ・パウラ・フアン・ネポムセノ・マリア・デ・ロス・レメディオス・シプリアーノ・デ・ラ・サンティシマ・トリニダード・マルティール・パトリシオ・ルイス・イ・ピカソ（1881年10月25日 - 1973年4月8日） - 世界的に有名なスペインの芸術家、彫刻家、美術運動の創始者 - キュビズム。 20世紀の美術の発展に影響を与えた最も偉大な芸術家の一人と考えられています。 専門家は彼を過去100年間に生きた最高の芸術家であると同時に、世界で最も「高価な」芸術家であると認めました。 ピカソは生涯に約2万点の作品を制作しました（他の情報源によると8万点）。
フィンセント・ウィレム・ファン・ゴッホ (1853 年 3 月 30 日 – 1890 年 7 月 29 日) は、死後に名声を博した有名なオランダの芸術家でした。 多くの専門家によると、ゴッホはヨーロッパ美術史上最も偉大な芸術家の一人であり、ポスト印象派の最も著名な代表の一人でもあります。 870 点の絵画、1,000 点の素描、133 点のスケッチを含む 2,100 点以上の芸術作品の作者。 彼の数多くの自画像、風景、ポートレートは、世界で最も有名で高価な芸術作品の 1 つです。 フィンセント・ファン・ゴッホの最も有名な作品は、おそらく「ひまわり」と呼ばれる一連の絵画と考えられています。
ミケランジェロ・ブオナローティ（Michelangelo Buonarroti、1475年3月6日 - 1564年2月18日）は、世界文化全体に消えることのない足跡を残した世界的に有名なイタリアの彫刻家、芸術家、建築家、詩人、思想家です。 この芸術家の最も有名な作品はおそらくシスティーナ礼拝堂の天井のフレスコ画でしょう。 彼の彫刻の中で最も有名なのは「ピエタ」（「キリストの哀歌」）と「ダビデ」です。 建築作品の中には、サン・ピエトロ大聖堂のドームのデザインがあります。 ミケランジェロが生前に伝記が書かれた最初の西ヨーロッパ芸術の代表者となったことは興味深い。
世界で最も有名な芸術家ランキングの第 4 位は、他の巨匠に多大な影響を与えたイタリアの偉大な芸術家、マザッチョ (1401-1428 年 12 月 21 日) です。 マサッチョの生涯は非常に短かったため、彼に関する伝記的証拠はほとんどありません。 彼のフレスコ画のうち現存しているのは 4 点だけですが、それらは間違いなくマサッチョの作品です。 他のものは破壊されたと考えられています。 マサッチョの最も有名な作品は、イタリアのフィレンツェにあるサンタ マリア ノヴェッラ教会の三位一体のフレスコ画であると考えられています。
ピーター・パウル・ルーベンス（Peter Paul Rubens、1577年6月28日 - 1640年5月30日）は、フランドル（南オランダ）の画家で、バロック時代の最も偉大な芸術家の一人であり、その贅沢なスタイルで知られています。 彼は当時最も多才なアーティストと考えられていました。 ルーベンスは作品の中で、色の活力と官能性を強調し、具体化しました。 彼は神話、宗教、寓意を主題とした肖像画、風景画、歴史画を数多く描きました。 ルーベンスの最も有名な作品は、1610 年から 1614 年にかけて描かれた三連作「十字架からの降下」であり、この作品によってルーベンスは世界的に有名になりました。
ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジオ（Michelangelo Merisi da Caravaggio、1571年9月29日 - 1610年7月18日）は、バロック初期の偉大なイタリアの芸術家であり、17世紀のヨーロッパ写実絵画の創始者です。 カラヴァッジョは作品の中で光と影のコントラストを巧みに使い、細部に焦点を当てました。 彼はしばしば、普通のローマ人、街路や市場の人々を聖人や聖母の姿で描きました。 例としては、「福音記者マタイ」、「バッカス」、「サウルの回心」などが挙げられます。カラヴァッジョの最も有名な絵画の 1 つは、カラヴァッジョが最も成功した絵画と呼んだ「リュート奏者」(1595 年) です。
レンブラント ハルメンシュ ファン レイン (1606-1669) は、世界で最も偉大で最も有名な芸術家とみなされている有名なオランダの画家兼彫刻家です。 約600点の絵画、300点のエッチング、2000点の素描の作者。 光の演出と深い陰影を巧みに使った演出が特徴。 レンブラントの最も有名な作品は、1642 年に描かれ、現在アムステルダム国立美術館に保管されている 4 メートルの絵画「夜警」であると考えられています。
偉大なアーティストはすべて過去にいると思っているなら、それがどれほど間違っているかわかりません。 この記事では、現代の最も有名で才能のあるアーティストについて学びます。 そして、信じてください、彼らの作品は、過去の時代の巨匠の作品と同じくらいあなたの記憶に深く残るでしょう。
ヴォイチェフ・バブスキー
ヴォイチェフ・バブスキーはポーランドの現代アーティストです。 彼はシレジア工科大学で学業を終えましたが、自分自身はシレジア工科大学に所属していました。 最近は主に女性を描いている。 感情の表現に重点を置き、シンプルな手段で最大限の効果を得ようと努めます。
色が大好きですが、最高の印象を与えるために黒やグレーの色合いをよく使います。 さまざまな新しいテクニックを試すことを恐れません。 近年ではイギリスを中心に海外での人気も高まっており、作品の販売も成功しており、すでに多くの個人コレクションに収蔵されている。 芸術に加えて、彼は宇宙論や哲学にも興味を持っています。 ジャズを聴きます。 現在はカトヴィツェに住んで働いています。
ウォーレン・チャン
ウォーレン・チャンはアメリカの現代アーティストです。 1957 年に生まれ、カリフォルニア州モントレーで育ち、1981 年にパサデナのアート センター カレッジ オブ デザインを優秀な成績で卒業し、学士号を取得しました。 その後 20 年間、カリフォルニアとニューヨークのさまざまな企業でイラストレーターとして働き、2009 年にプロのアーティストとしてのキャリアを開始しました。
彼の写実的な絵画は、伝記的な室内絵画と職場の人々を描いた絵画の 2 つの主なカテゴリに分類できます。 このスタイルの絵画に対する彼の興味は 16 世紀の芸術家ヨハネス フェルメールの作品にまで遡り、主題、自画像、家族、友人、学生の肖像画、スタジオのインテリア、教室、家庭にまで及びます。 彼の目標は、光の操作と落ち着いた色の使用を通じて、写実的な絵画に雰囲気と感情を作り出すことです。
チャンは伝統美術に転向してから有名になりました。 過去 12 年間にわたり、彼は数多くの賞や栄誉を獲得してきましたが、その中で最も名誉ある賞は、米国最大の油絵コミュニティであるオイルペインターズ オブ アメリカからのマスター シグネチャーです。 この賞を受賞できるのは50人中1人だけです。 ウォーレンは現在モントレーに住んでスタジオで働いており、サンフランシスコ芸術アカデミーでも教鞭をとっています（有能な教師として知られています）。
アウレリオ・ブルーニ
アウレリオ・ブルーニはイタリアのアーティストです。 1955年10月15日ブレア生まれ。 彼はスポレト美術館で舞台美術の学位を取得しました。 アーティストとして彼は独学で学び、学校で築いた基礎の上に独自に「知識の家を建てた」のです。 19歳から油絵を描き始める。 現在はウンブリア州に住んで働いています。
ブルーニの初期の絵画はシュルレアリスムに根ざしていますが、時間が経つにつれて、叙情的なロマン主義と象徴主義の近接性に焦点を当て始め、この組み合わせを彼の登場人物の絶妙な洗練さと純粋さで強化します。 アニメーションと無生物は同等の威厳を獲得し、ほとんど超現実的に見えますが、同時にカーテンの後ろに隠れるのではなく、魂の本質を見ることができます。 多才さと洗練さ、官能性と孤独、思慮深さと実り豊かさがアウレリオ ブルーニの精神であり、芸術の素晴らしさと音楽のハーモニーによって養われています。
アレクサンダー・バロス
アルカサンダー・バロスは、油絵を専門とするポーランドの現代アーティストです。 1970年にポーランドのグリヴィツェで生まれましたが、1989年からは米国のカリフォルニア州シャスタに住んで働いています。
幼い頃から独学で芸術家であり彫刻家でもあった父ヤンの指導のもとで美術を学び、幼い頃から芸術活動は両親の全面的な支援を受けていた。 1989年、18歳のとき、バロスはポーランドを離れて米国へ向かい、そこで学校の教師でパートタイムアーティストのケイティ・ガグリアルディがアルカサンダーに美術学校への入学を勧めた。 その後、バロスは全額奨学金を受けてウィスコンシン州ミルウォーキー大学に入学し、そこで哲学教授ハリー・ロジンのもとで絵画を学びました。
1995 年に学士号を取得して卒業した後、バロスはシカゴに移り、美術学校で学びました。その手法はジャック＝ルイ・ダヴィッドの作品に基づいています。 90 年代から 2000 年代初頭にかけて、比喩的な写実主義と肖像画がバロスの作品の大部分を形成しました。 現在、バロスは人間の姿を利用して、人間存在の特徴や欠点を強調していますが、解決策は何も提示していません。
彼の絵画の主題の構成は、鑑賞者によって独立して解釈されることを意図しており、それによって初めて絵画は真の時間的かつ主観的な意味を獲得します。 2005 年にアーティストは北カリフォルニアに移り、それ以来彼の作品の主題は大幅に拡大し、現在では絵画を通じて存在のアイデアや理想を表現するのに役立つ抽象化やさまざまなマルチメディア スタイルなど、より自由な絵画手法が取り入れられています。
アリッサ・モンクス
アリッサ・モンクスはアメリカの現代アーティストです。 1977年、ニュージャージー州リッジウッド生まれ。 私はまだ子供の頃から絵を描くことに興味を持ち始めました。 彼女はニューヨークのニュースクールとモントクレア州立大学で学び、1999 年にボストン大学を卒業して学士号を取得しました。 同時に、彼女はフィレンツェのロレンツォ・デ・メディチアカデミーで絵画を学びました。
その後、ニューヨーク芸術アカデミーの具象美術科の修士課程で勉強を続け、2001 年に卒業しました。 彼女は 2006 年にフラートン大学を卒業しました。 しばらくの間、彼女は全米の大学や教育機関で講義をし、ニューヨーク芸術アカデミーのほか、モントクレア州立大学やライム芸術アカデミーでも絵画を教えた。
「ガラス、ビニール、水、蒸気などのフィルターを使って人体を歪めます。 これらのフィルターを使用すると、人体の一部である色の島が透けて見える、抽象的なデザインの広い領域を作成できます。
私の絵画は、入浴する女性のすでに確立された伝統的なポーズやジェスチャーに対する現代的な見方を変えます。 彼らは、水泳やダンスなどの利点など、一見自明のことについて、注意深い視聴者に多くのことを伝えることができました。 私の登場人物たちはシャワー窓のガラスに体を押しつけ、自分の体を歪め、それによって裸の女性に対する悪名高い男性の視線に影響を与えていることに気づきます。 絵の具の厚い層を混ぜ合わせて、遠くからガラス、蒸気、水、肉を模倣します。 しかし、間近で見ると、油絵具の驚くべき物性が明らかになります。 ペイントと色のレイヤーを試してみることで、抽象的なブラシストロークが別のものになるポイントを見つけます。
初めて人体を描き始めたとき、私はすぐに人体に魅了され、取り憑かれさえし、自分の絵をできるだけリアルに描かなければならないと信じていました。 私はリアリズムが解明され、それ自体の矛盾が明らかになり始めるまで、リアリズムを「公言」しました。 私は現在、具象絵画と抽象絵画が出会う絵画スタイルの可能性と可能性を模索しています。両方のスタイルが同時に共存できるのであれば、そうするつもりです。」
アントニオ・フィネリ
イタリアのアーティスト「 タイムオブザーバー」 – アントニオ・フィネッリは1985年2月23日に生まれました。 現在はイタリアのローマとカンポバッソの間に在住し、活動しています。 彼の作品は、ローマ、フィレンツェ、ノヴァーラ、ジェノバ、パレルモ、イスタンブール、アンカラ、ニューヨークなど、イタリア国内外のいくつかのギャラリーで展示されており、個人および公共のコレクションでも見ることができます。
鉛筆画」 タイムオブザーバー「アントニオ フィネッリは、人間の時間性の内なる世界と、それに関連するこの世界の綿密な分析を巡る永遠の旅に私たちを連れて行きます。その主な要素は時間の経過とそれが皮膚に残す痕跡です。
フィネリは、年齢、性別、国籍を問わず、その表情が時間の経過を示す肖像画を描いていますが、画家はまた、登場人物の身体に時間の無慈悲さの証拠を見つけたいと考えています。 アントニオは、自分の作品を「自画像」という一般的なタイトルで定義しています。これは、鉛筆画で人物を描くだけでなく、鑑賞者が人の内部の時間の経過の実際の結果を熟考できるようにするためです。
フラミニア・カルローニ
フラミニア・カルローニは37歳のイタリア人アーティストで、外交官の娘です。 彼女には 3 人の子供がいます。 彼女はローマに 12 年間、イギリスとフランスに 3 年間住んでいました。 彼女は BD School of Art で美術史の学位を取得しました。 その後、美術修復家としての資格を取得しました。 天職を見つけて絵を描くことに専念する前は、彼女はジャーナリスト、カラリスト、デザイナー、女優として働いていました。
フラミニアの絵画への情熱は幼少期に芽生えました。 彼女は「コワファー・ラ・パテ」をするのが大好きで、素材を使って遊ぶのが大好きなので、主な媒体はオイルです。 彼女は、アーティストのパスカル・トルアの作品にも同様のテクニックがあることに気づきました。 フラミニアは、バルテュス、ホッパー、フランソワ ルグランなどの絵画の巨匠や、ストリート アート、中国リアリズム、シュルレアリスム、ルネッサンス リアリズムなどのさまざまな芸術運動からインスピレーションを受けています。 彼女の好きなアーティストはカラヴァッジョです。 彼女の夢は、芸術の癒しの力を発見することです。
デニス・チェルノフ
デニス・チェルノフは、1978 年にウクライナのリヴィウ地方サンビールで生まれた才能あるウクライナ人アーティストです。 1998 年にハリコフ美術学校を卒業した後、ハリコフに留まり、現在もそこで暮らしています。 彼はハリコフ国立デザイン芸術アカデミーのグラフィックアート学科でも学び、2004 年に卒業しました。
彼は定期的に美術展に参加しており、これまでにウクライナ国内外で 60 以上の展覧会が開かれています。 デニス・チェルノフの作品のほとんどは、ウクライナ、ロシア、イタリア、イギリス、スペイン、ギリシャ、フランス、アメリカ、カナダ、日本の個人コレクションに保管されています。 一部の作品はクリスティーズで販売されました。
デニスは幅広いグラフィックや絵画のテクニックを使って活動しています。 鉛筆画は彼の最もお気に入りの絵画手法の 1 つであり、彼の鉛筆画のテーマのリストも非常に多様で、風景、肖像画、ヌード、ジャンルの構成、本の挿絵、文学的および歴史的な再構築、ファンタジーなどを描いています。
世界はクリエイティブな人々で溢れており、毎日何百もの新しい絵画が登場し、新しい曲が書かれています。 もちろん、芸術の世界には失敗もありますが、本物の巨匠による、ただただ息を呑むような傑作もあります。 今日は彼らの作品を紹介します。
鉛筆の拡張現実
写真家のベン・ハイネは、鉛筆画と写真を組み合わせたプロジェクトに取り組み続けています。 まず、紙に鉛筆でフリーハンドのスケッチを描きます。 次に、実際のオブジェクトを背景にして図面を撮影し、Photoshop でコントラストと彩度を追加して、得られた画像を調整します。 結果は魔法です！
イラスト：アリサ・マカロワ
アリサ・マカロワはサンクトペテルブルク出身の才能あるアーティストです。 ほとんどの画像がコンピューターを使用して作成される時代において、伝統的な絵画形式に対する同胞の関心は尊敬を呼び起こします。 彼女の最新プロジェクトの 1 つは、魅力的な燃えるようなキタキツネが描かれた三連作「ホンドギツネ ホンドギツネ」です。 美しさ、それだけです！
細かい彫刻
木工アーティストのポール・ロダンとヴァレリア・ルーは、「The Moth」と呼ばれる新しい彫刻作品の制作を発表した。 著者たちの骨の折れる仕事と絶妙な職人技は、最も頑固な懐疑論者でさえ無関心ではありません。 この版画は、11月7日にブルックリンで開催される展覧会で展示される予定です。
ボールペン画
おそらく誰もが、講義中に一度は、先生の言葉を書き留める代わりに、ノートにさまざまな図形を描いたことがあるでしょう。 アーティストのサラ・エステヘがこれらの生徒の一人であったかどうかは不明です。 しかし、彼女のボールペン画が印象的であることは紛れもない事実です！ サラは、本当に興味深いものを作るのに特別な素材は必要ないことを証明しました。
アルチョム・チェボカの超現実的な世界
ロシアのアーティスト、アルチョム チェボカは、海、空、そして無限の調和だけが存在する素晴らしい世界を創造します。 彼の新しい作品のために、アーティストは非常に詩的なイメージを選びました - 未知の場所を旅する放浪者や雲の波の中で旋回するクジラ - この巨匠の想像力の飛行はまさに無限です。
スポットポートレート
ブラシストロークのテクニックを考える人もいれば、光と影のコントラストを考える人もいますが、アーティストのパブロ・フラド・ルイスは点で絵を描きます。 アーティストは、新印象派時代の作家に固有の点描ジャンルのアイデアを発展させ、細部が絶対にすべてを決定する独自のスタイルを作成しました。 紙に何千回もタッチすることで、ただ眺めていたくなるようなリアルなポートレートが生まれます。
フロッピー ディスクからの絵画
多くのモノやテクノロジーが特急列車の通過の速さで陳腐化する時代において、不要なジャンクを処分するのはごく一般的なことです。 しかし、結局のところ、すべてがそれほど悲しいわけではなく、古いオブジェクトから非常に現代的な芸術作品を作ることができます。 イギリスのアーティスト、ニック・ジェントリーは、友人から正方形のフロッピーディスクを集め、絵の具の入った瓶を取り出し、その上に見事な肖像画を描きました。 とても綺麗になりました！
リアリズムとシュルレアリスムの境目
ベルリンのアーティスト、ハーディング マイヤーは肖像画を描くのが大好きですが、別のハイパーリアリストにならないために、実験を決意し、現実とシュールレアリズムの境界で一連の肖像画を作成しました。 これらの作品は、人間の顔を単なる「乾いた肖像画」以上のものとして見ることを可能にし、その基礎であるイメージを強調します。 このような検索の結果、ハーディングの作品はミュンヘンの現代美術館に注目され、11月7日にハーディングの作品が展示されることになりました。
iPadでのフィンガーペイント
現代のアーティストの多くは、絵画を制作するために素材を試していますが、日本人アーティストの山岡聖光は、iPad をキャンバスとして使用することでそれらすべてを上回りました。 彼は ArtStudio アプリケーションをインストールするだけで、絵を描くだけでなく、最も有名な芸術の傑作を再現し始めました。 しかも、彼は特別な筆ではなく指でこれを行うので、芸術の世界から遠く離れた人々の間でも賞賛を呼び起こします。
「木」の絵
木工アーティストのマンディ・ツンは、インクからお茶に至るまであらゆるものを使用して、情熱とエネルギーに満ちた真に魅惑的な絵画を制作しました。 彼女は、神秘的な女性像と現代社会における彼女の立場をメインテーマに選びました。
超現実主義者
ハイパーリアリストのアーティストの作品を見つけるたびに、あなたは思わず自問自答します。「なぜ彼らはこんなことをしているのでしょう?」 それぞれがこの哲学に対して独自の答えを持っており、時には非常に矛盾した哲学を持っています。 しかし、アーティストのディノ・トミックは、「私は家族をとても愛しているだけです」と率直に言います。 彼は昼も夜も絵を描き、親戚の肖像画の細部を一つも見逃さないように努めました。 そのような絵の 1 枚を描くのに少なくとも 70 時間かかりました。 両親が喜んでくれたのは言うまでもありません。
兵士の肖像画
10月18日、ロンドンのオペラ・ギャラリーでジョー・ブラックの作品展「Ways of Seeing」が開幕した。 絵画を作成するために、アーティストは絵の具だけでなく、ボルト、胸章など、最も珍しい素材も使用しました。 しかし、主な素材は……おもちゃの兵隊だった！ この展覧会で最も興味深い展示品は、バラク・オバマ、マーガレット・サッチャー、毛沢東の肖像画です。
官能的なオイルポートレート
韓国のアーティスト、イ・リムは数日前まではそれほど有名ではありませんでしたが、彼女の新しい絵画「Girls in Paint」はアート界で幅広い反響と共鳴を引き起こしました。 リーは、「私の作品の主なテーマは人間の感情と心理状態です。 私たちは異なる環境に住んでいるとしても、ある時点で、物体を見て同じように感じます。」 おそらくこれが、彼女の作品を見て、この少女を理解し、彼女の考えに入り込みたいと思う理由です。
