ニコラ・プッサン。 ニコラ・プッサン - フランスの芸術家、古典主義スタイルの創始者

絵画の歴史におけるプッサンの創造性を過大評価することは困難です。 彼は古典主義などの絵画スタイルの創始者です。 彼以前のフランスの芸術家は伝統的にイタリア・ルネサンスの芸術に精通していました。 しかし、それらはイタリアのマニエリスム、バロック、カラヴァッジズムの巨匠の作品からインスピレーションを得たものでした。 プッサンは、レオナルド・ダ・ヴィンチやラファエロの古典的なスタイルの伝統を受け入れた最初のフランスの画家でした。 古代神話、古代史、聖書のテーマに目を向け、プッサンは現代のテーマを明らかにしました。 彼は作品によって完璧な人格を高め、高い道徳性と市民の勇気の模範を示し、歌いました。 プッサンの視覚技術の明快さ、一貫性、秩序、彼の芸術のイデオロギー的および道徳的方向性は、後に彼の作品をフランス絵画彫刻アカデミーの基準とし、美的規範、正式な規範、および芸術的創造性の一般的な拘束力のある規則を開発し始めました（いわゆる「アカデミズム」）。

ニコラ・プッサン、1594–1665 · 有名な フランスのアーティスト、古典主義スタイルの創始者。 古代神話、古代史、聖書のテーマに目を向け、プッサンは現代のテーマを明らかにしました。 彼は作品によって完璧な人格を高め、高い道徳性と市民の勇気の模範を示し、歌いました。

17世紀のフランス ヨーロッパの先進国であり、国民文化の発展に有利な条件を備え、ルネッサンスのイタリアの後継国となった。 デカルト (1596 ～ 1650 年) の見解は当時広く普及しており、科学、哲学、文学、芸術の発展に影響を与えました。 数学者、自然科学者、哲学的合理主義の創始者であるデカルトは、哲学を宗教から引き離し、それを自然と結び付け、哲学の原理は自然に由来すると主張しました。 デカルトは、感情に対する理性の優位性の原則を法律に定めました。 この考えは芸術における古典主義の基礎を形成しました。 新しいスタイルの理論家たちは、「古典主義は理性の学説である」と述べました。 対称性、調和、統一性が芸術性の条件として宣言されました。 古典主義の教義によれば、自然はありのままではなく、美しく合理的なものとして示されるべきであり、古典は同時に、真実が美しいものであると宣言し、この真実を自然から学ぶことを求めました。 古典主義は、ジャンルの厳格な階層を確立し、歴史や神話を含む「上位」と日常生活を含む「下位」に分けました。

ニコラ・プッサンは、1594 年にノルマンディーのレ・ザンデリの町近くで生まれました。 彼の父親はヘンリー 4 世 (1553 ～ 1610 年) の軍隊の退役軍人であり、息子に良い教育を与えました。 プッサンは幼い頃から絵を描く趣味で注目を集めていました。 18歳で絵を学ぶためにパリへ。 おそらく彼の最初の教師は肖像画家のフェルディナンド・ヴァン・エル（1580～1649年）で、二番目の教師は歴史画家のジョルジュ・ラレマン（1580～1636年）だった。 王室美術コレクションと図書館の管理者であるマリー・ド・メディシス王太后の従者と出会ったプッサンは、イタリアの芸術家たちの絵画を模写するためにルーヴル美術館を訪れる機会を得た。 1622 年、プッサンと他の芸術家は、サンクトペテルブルクでの生涯の場面を基にした 6 枚の大きな絵画を描くよう依頼されました。 イグナチオ・デ・ロヨラと聖ペテロ。 フランシスコ・ザビエル（保存されていない）。

1624年、プッサンはローマへ行きました。 そこで彼は古代世界の芸術、盛期ルネサンスの巨匠の作品を研究します。 1625年から1626年にかけて、彼は絵「エルサレムの破壊」（保存されていない）を描く注文を受けましたが、後にこの絵の2番目のバージョンを描きました（1636年から1638年、ウィーン、美術史美術館）。

1627年、プッサンは古代ローマの歴史家タキトゥスのプロットに基づいて「ゲルマニクスの死」（ローマ、バルベリーニ宮殿）を描き、彼はこの作品を古典主義の計画的な作品と考えている。 それは瀕死の指揮官に対する軍団兵の別れを示している。 英雄の死は公共にとって重要な悲劇として認識されています。 このテーマは、古代の物語の穏やかで厳格な英雄主義の精神で解釈されています。 絵のアイデアは義務への奉仕です。 作家は浅い空間に人物やオブジェをいくつかの平面図に分けて配置しました。 この作品は、古典主義の主な特徴、つまりアクションの明快さ、構造、構成の調和、グループの対立を明らかにしました。 プッサンの目に映った美の理想は、全体の各部分の比例性、外部の秩序、調和、構成の明瞭さであり、これらは巨匠の成熟したスタイルの特徴となるものでした。 プッサンの創作手法の特徴の 1 つは合理主義であり、それはプロットだけでなく構成の思慮深さにも反映されていました。

プッサンは主に中型のイーゼル絵画を描きました。 1627 年から 1629 年にかけて、彼は数多くの絵画を完成させました。「パルナッソス」（マドリード、プラド）、「詩人のインスピレーション」（パリ、ルーブル）、「モーセの救い」、「マラの水を浄化するモーセ」、聖ヤコブに現れる聖母」（「柱上の聖母」）（1629 年、パリ、ルーヴル美術館）。 1629 年から 1630 年にかけて、プッサンは、その表現力において顕著であり、最も重要な真実を描いた『十字架からの降下』を創作しました（サンクトペテルブルク、エルミタージュ美術館）。

1629 年から 1633 年にかけて、プッサンの絵画のテーマは変化しました。プッサンは宗教的なテーマで絵を描くことは減り、神話や宗教的なテーマの絵を描くようになりました。 文学的主題。 「ナルキッソスとエコー」（1629年頃、パリ、ルーブル美術館）、「セレナとエンディミオン」（デトロイト、美術館）。 特に注目に値するのは、トルクァット・タッソの詩「解放されたエルサレム」に基づいた一連の絵画「リナルドとアルミーダ」（1634年頃、モスクワ、プーシキン国立美術館）である。 人間の弱さと生と死の問題についての考えは、絵画「アルカディアの羊飼い」（1632年 - 1635年、イギリス、チャズワース、個人蔵）の初期バージョンの基礎を形成し、彼は1996年にこの絵に戻った。 50年代（1650年、パリ、ルーブル美術館）。 キャンバス「眠れるヴィーナス」（1630年頃、ドレスデン、絵画ギャラリー）では、愛の女神は、達成不可能な理想のままでありながら、地上の女性として表現されています。 オウィディウスの詩に基づいた絵画「フローラの王国」（1631年、ドレスデン、絵画館）は、古代のイメージを絵画的に具現化した美しさに驚かされます。 これは、古代神話の英雄たちが花に姿を変えた姿を描いた、花の起源に関する詩的な寓話です。 プッサンはすぐにこの絵の別バージョン「フローラの勝利」（1631年、パリ、ルーヴル美術館）を描きました。

1632年、プッサンはサンクトペテルブルクアカデミーの会員に選出された。 ルーク。

1640 年のプッサンの絶大な人気はルイ 13 世 (1601 ～ 1643 年) の注目を集め、その招待でプッサンはパリで働くようになりました。 芸術家は国王から、フォンテーヌブローとサンジェルマンの礼拝堂のために絵を描くよう命じられました。

1642 年の秋、プッサンは再びローマへ向かいました。 この時期の彼の絵画のテーマは、支配者、聖書や古代の英雄の美徳と勇気でした。「スキピオの寛大さ」（1643年、モスクワ、プーシキン国立美術館）。 彼はキャンバスの中で、市民としての義務に忠実で無私無欲で寛大な完璧な英雄を描きながら、市民権、愛国心、精神的偉大さという絶対普遍の理想を示しました。 現実に基づいて理想的なイメージを作成し、自然を意識的に修正し、そこから美しいものを受け入れ、醜いものを捨てました。

1940 年代後半、プッサンは「七つの秘跡」というサイクルを作成し、その中でキリスト教の教義の深い哲学的意味を明らかにしました。「使徒マタイのいる風景」、「パトモス島の使徒ヨハネのいる風景」（シカゴ美術館）。

40 年代の終わりから 50 年代の初めは、プッサンの作品において実り豊かな時期の 1 つでした。彼は「エリアザールとレベッカ」、「ディオゲネスのいる風景」、「街道のある風景」、「ソロモンの審判」などの絵画を描きました。 」、「聖パウロのエクスタシー」、「アルカディアの羊飼い」、2番目の自画像。

創造性の最後の時期（1650 ～ 1665 年）、プッサンはますます風景に目を向けるようになり、彼の登場人物は文学や神話の主題と関連付けられていました：「ポリフェムスのいる風景」（モスクワ、プーシキン国立美術館）。 1660年の夏、彼は世界と人類の歴史を象徴する聖書の場面「春」、「夏」、「秋」、「冬」を描いた一連の風景画「四季」を制作しました。 プッサンの風景は多面的であり、計画の交互は光と影の縞によって強調され、空間と深さの幻想がそれらに壮大な力と壮大さを与えました。 歴史的な絵画と同様に、主人公は通常前景に位置し、風景の不可欠な部分として認識されます。 巨匠の最後の未完のキャンバス - 「アポロンとダフネ」(1664).

絵画の歴史におけるプッサンの作品の重要性は非常に大きいです。 彼以前のフランスの芸術家は伝統的にルネサンスイタリアの芸術に精通していました。 しかし、それらはイタリアのマニエリスム、バロック、カラヴァッジズムの巨匠の作品からインスピレーションを得たものでした。 プッサンは、レオナルド・ダ・ヴィンシア・ラファエロの古典的なスタイルの伝統を取り入れた最初のフランスの画家でした。 プッサンの視覚技術の明快さ、一貫性、秩序、彼の芸術のイデオロギー的および道徳的方向性は、後に彼の作品をフランス絵画彫刻アカデミーの標準とし、美的規範、形式的な規範、および芸術的創造性の一般的な拘束力のある規則を開発し始めました。

フランス絵画の古典的な風景XVII世紀。

17 世紀、血なまぐさい内戦と経済的荒廃の時代を経て、フランス国民は経済、政治、文化生活のあらゆる分野で国家のさらなる発展という課題に直面しました。 絶対君主制の状況下 - アンリ 4 世の下、特に 17 世紀の第 2 四半期。 意志の弱いルイ13世の精力的な大臣だったリシュリューのもとで、国家中央集権体制が整備され、強化された。 封建的反対派に対する一貫した闘争、効果的な経済政策、国際的地位の強化の結果、フランスは大きな成功を収め、ヨーロッパで最も強力な大国の一つとなりました。

フランス絶対主義の確立は大衆の残忍な搾取に基づいていた。 リシュリュー氏は、国民はラバのようなもので、重い荷物を運ぶことに慣れており、仕事よりも長い休息の方が体調が悪くなる、と述べた。 フランスのブルジョワジーは、その経済政策によって発展絶対主義をひいきにしていたが、二重の立場にあった。つまり、政治的支配を目指したが、その未熟さゆえに、まだ王権と決別して大衆を指導する道を歩むことができなかった。彼らを恐れ、絶対主義によって与えられた特権を維持することに興味を持っていた。 このことは、いわゆる議会派フロンド（1648～1649年）の歴史でも確認された。このとき、ブルジョワジーは人民革命分子の力強い高揚に怯え、直接裏切りを犯し、貴族と妥協した。

絶対主義は、17 世紀のフランス文化の発展における多くの特徴をあらかじめ決定しました。 科学者、詩人、芸術家たちは王宮に魅了されました。 17世紀、フランスでは壮大な宮殿や公共の建物が建設され、壮大な都市群が形成されました。 しかし、17 世紀のフランス文化のイデオロギー的多様性をすべて削減するのは間違いです。 絶対主義の思想を表現するためだけに。 フランス文化の発展は、国益の表現と関連して、公式の要件から大きくかけ離れた傾向を含め、より複雑でした。

フランス人の創造的天才は、哲学、文学、芸術において、明るく多面的にその姿を現しました。 17 世紀のフランスには、偉大な思想家デカルトやガッサンディ、演劇界の巨匠コルネイユ、ラシーヌ、モリエールが誕生し、造形芸術においては建築家アルドゥアン＝マンサールや画家ニコラ・プッサンなどの巨匠が誕生しました。

深刻な社会闘争は、当時のフランス文化の発展全体に決定的な痕跡を残しました。 社会的矛盾は、特にフランス文化の一部の指導的人物が王宮との対立状態にあり、フランス国外での生活と労働を余儀なくされたという事実に現れた。デカルトはオランダに行き、プッサンはほぼ生涯を費やした。イタリアでの生活。 17世紀前半の公式宮廷美術。 主に豪華なバロック様式で発展しました。 との戦いで 公式アート 2 つの芸術的なラインが誕生し、それぞれが時代の高度で現実的なトレンドを表現しました。 これらの最初の方向性の巨匠たちは、フランスの研究者たちからpeintres de la realiteという名前を受け取った、つまり現実世界の画家たちで、首都だけでなく地方の美術学校でも働いていました。ひとつに団結した 共通機能：理想的な形を避け、彼らは現実の現象やイメージを直接的かつ直接的に具現化することに目を向けました。 彼らの最高の業績は主に次のことに関連しています。 日常の写真そして肖像画。 聖書や神話の主題も、これらの巨匠によって日常の現実に触発されたイメージで具現化されました。

しかし、この時代の本質的な特徴の最も深い反映は、フランスでこれらの進歩的な運動の 2 つ目の形、つまり古典主義の芸術に現れました。

芸術文化のさまざまな分野の特性が、演劇、詩、建築、美術におけるこのスタイルの進化の特定の特徴を決定しましたが、これらすべての違いにもかかわらず、フランス古典主義の原則には一定の統一性があります。

絶対主義体制の条件下では、社会制度、国家規制、階級の壁に対する個人の依存が特に鋭く露呈するはずだった。 古典主義のイデオロギー計画が最も完全に表現された文学では、市民の義務、つまり個人原則に対する社会原則の勝利というテーマが支配的になります。 古典主義は、現実の不完全性を合理性と個人の厳格な規律という理想と対比させ、その助けを借りて現実生活の矛盾を克服しなければなりません。 古典主義のドラマツルギーの特徴である理性と感情、情熱と義務の間の対立は、この時代の特徴である人間と周囲の世界との間の矛盾を反映していた。 古典主義の代表者たちは、古代芸術が彼らにとって美的規範を体現したものであったのと同じように、古代ギリシャと共和制ローマに彼らの社会的理想の具体化を見出しました。

17 世紀初頭、内戦の時代とそれに伴う文化生活の有名な衰退を経て、建築と同様に美術においても、古い時代の残存者と社会の新芽との闘いが観察できました。不活性な伝統と大胆な芸術的革新を踏襲する新しい例。

ほとんど 興味深いアーティストこの時代に、17 世紀の最初の数十年間に活躍した彫刻家兼製図師のジャック カロ (1592 年頃 - 1635 年) がいました。 彼はロレーヌのナンシーで生まれ、若い頃にイタリアに渡り、最初はローマ、次にフィレンツェに住み、1622年に祖国に戻るまでフィレンツェに留まりました。

非常に多作な芸術家であるカロは、テーマが非常に多様な 1,500 を超える版画を制作しました。 彼はフランス王宮とトスカーナとロレーヌの公爵裁判所で働かなければなりませんでした。 しかし、宮廷生活の輝きは、繊細で鋭い観察者である彼から、社会の鋭いコントラストと残酷な軍事的混乱に満ちた周囲の現実の多様性を覆い隠すことはありませんでした。

カロは過渡期のアーティストです。 彼の時代の複雑さと矛盾は、彼の芸術の矛盾した特徴を説明しています。 カロの作品にはマンネリズムの残骸も目立ちます。それらはアーティストの世界観と視覚的テクニックの両方に影響を与えます。 同時に、カロの作品は、フランス芸術への新しい現実的なトレンドの浸透の鮮やかな例を提供します。

カロはエッチング技術に取り組み、それを完成させました。 通常、マスターは彫刻する際にエッチングを繰り返し使用するため、特に鮮明なラインとデザインの硬さを実現することができました。



ジャック・カロ。 「ベガーズ」シリーズのエッチング。 1622年



ジャック・カロ。 カッサンダー。 シリーズ「スリー・パンタロン」のエッチング。 1618

カロットの作品の中で 初期やはりファンタジー要素が強いですね。 それらは、奇妙なプロットや誇張されたグロテスクな表現力への欲求に反映されています。 アーティストのスキルは、時として、自己完結的な妙技の性格を帯びることがあります。 これらの特徴は、イタリアの仮面コメディの影響下で制作された、1622 年の一連の彫刻「バリー」（「踊り」）と「ゴビ」（「ザトウクジラ」）に特に顕著です。 この種の作品は、依然として表面的な部分が多く、この芸術家の外面的な表現力へのやや一方的な探求を証明しています。 しかし、他の一連の彫刻では、現実的な傾向がすでにより明確に表現されています。 これは、芸術家が路上で直接見ることができたタイプのギャラリー全体です：町民、農民、兵士（カプリッチシリーズ、1617）、ジプシー（ジプシーシリーズ、1621）、浮浪者、物乞い（乞食シリーズ、1622）。 これらの小さな人物は、並外れた鋭さと観察力で制作され、並外れた可動性、鋭い性格、そして表情豊かな姿勢や身振りを持っています。 卓越した芸術性を備えたカルドは、紳士の優雅な気楽さ (カプリッチ シリーズ)、イタリアの俳優の姿とそのふざけたダンスの明確なリズム (バリー シリーズ)、地方の貴族の重厚な硬直感 (ロレーヌ貴族) を伝えます。シリーズ）、ぼろを着た老人の人物（「乞食」）



ジャック・カロ。 聖ペテロの殉教 セバスチャン。 エッチング。 1632～1633年

カロの作品で最も意味のあるのは、複数の人物を描いた作品です。 彼らのテーマは非常に多様です。宮廷の祭典（「ナンシーの大会」、1626 年）、見本市（「インプルネータの見本市」、1620 年）、軍事的勝利、戦闘（パノラマ「ブレダの包囲」、1627 年）、狩猟（「 「グレートハント」、1626）、神話と宗教の主題に関するシーン（「聖セバスティアヌスの殉教」、1632-1633）。 これらの比較的小さなシートの中で、マスターは人生の幅広い絵を描きます。 カロの彫刻は本質的にパノラマ的です。 アーティストは、起こっていることを遠くから見るかのように見ます。これにより、最も広い空間範囲を実現し、膨大な数の人々、数多くの多様なエピソードをイメージに含めることができます。 カロの作品に含まれる人物（さらに細部）のサイズは非常に小さいことが多いにもかかわらず、それらは芸術家によって驚くべき精度で描かれているだけでなく、活力と個性を十分に備えています。 しかし、カロットの手法は隠蔽されていた。 マイナス面; キャラクターの個々の特徴や個々の詳細は、イベントの多数の参加者の総量の中でとらえどころがなくなり、主要なものが二次的なものに埋もれてしまいます。 カロが自分の場面をあたかも逆さまの双眼鏡で見るかのように見ていると言われるのには理由がないわけではありません。カロの認識は、描かれた出来事からの画家の距離を強調しています。 カロのこの特徴は決して形式的なものではなく、彼の芸術的世界観と自然に結びついています。 カロは、ルネサンスの理想が力を失い、新しい前向きな理想がまだ確立されていなかった危機の時代に活動しました。 カロトの男は、外部の力の前では本質的に無力である。 カロのいくつかの作品のテーマが悲劇的な響きを帯びているのは偶然ではありません。 たとえば、「聖ペテロの殉教」という彫刻がその例です。 セバスチャン。」 この作品の悲劇的な始まりは、プロットの解決策だけではなく、まるで射撃場で的を狙うかのように、支柱に縛り付けられたセバスチャンに矢を放つ多数の射手たちを、冷静かつ慎重に描写しただけでなく、孤独感にもある。そして、まるで見分けがつかない小さな聖人の姿に矢雲が降り注ぐことで表現される無力さは、あたかも広大な無限の空間に迷い込んだかのようだ。

カロは、2 つのシリーズ「戦争の惨事」(1632-1633) で最大の痛切に達します。 容赦のない真実性を示した 苦しみの芸術家、それは彼の故郷ロレーヌに落ち、王軍によって捕らえられました。 このサイクルの彫刻には、処刑や強盗、略奪者の処罰、火事、戦争の犠牲者、路上の物乞いや足の不自由な人々が描かれています。 アーティストが詳しく語る 恐ろしい出来事。 これらのイメージには、理想化や感傷的な哀れみはありません。 カロは何が起こっているのかについて自分の個人的な態度を表明していないようで、冷静な観察者であるようだ。 しかし、戦争の惨状を客観的に示すという事実そのものに、この作家の作品のある方向性と進歩的な意味が含まれている。

の上 初期段階宮廷美術におけるフランスの絶対主義はバロックの方向性によって支配されていました。 しかし当初、フランスには重要な巨匠がいなかったため、宮廷は有名な外国の芸術家に目を向けました。 たとえば、1622 年にルーベンスは、新しく建てられたリュクサンブール宮殿を飾る記念碑的な作品の制作に招待されました。

徐々に外国人と一緒に前に出てきて、 フランスの巨匠。 1620年代の終わり。 シモン・ヴーエ（1590-1649）は「国王の最初の芸術家」の名誉称号を受け取りました。 ヴューは長い間イタリアに住んでいて、教会の絵画や後援者からの注文に取り組んでいました。 1627年、ルイ13世によりフランスに召喚された。 ヴーエが描いた絵画の多くは今日まで残っておらず、版画で知られています。 彼は、明るくカラフルな色調でデザインされた、宗教的、神話的、寓意的な内容を含む尊大な作品を所有しています。 彼の作品の例としては、「St. シャルル・ボロメアン」（ブリュッセル）、「神殿への持参」（ルーブル）、「オリンポスの神々の中のヘラクレス」（エルミタージュ）。

ヴーエは、フランス芸術における公式の宮廷運動を創設し、主導しました。 彼は信奉者たちとともに、イタリアとフランドルのバロックの技術をフランスの記念碑的な装飾絵画に移しました。 本質的に、このマスターの創造性はそれ自体では十分ではありませんでした。 ヴーエの後期の作品における古典主義への訴えも、純粋に外部からの借用に還元されました。 真の記念碑性や力強さを欠いており、時には甘美で、表面的で、外部効果を追求しようとするヴーエとその追随者たちの芸術は、生きている国家の伝統との結びつきが弱かった。

フランス芸術における公式の方向性に対する闘争の中で、ペイントレ・デ・ラ・レアリテ（「現実世界の画家」）という新しい写実的な運動が形成され、強化されました。 この運動の最高の巨匠たちは、芸術を現実の具体的なイメージに変え、フランス人の人間的で威厳のあるイメージを生み出しました。

この運動の発展の初期段階で、この運動に参加した巨匠の多くはカラヴァッジョの芸術に影響を受けました。 ある人にとっては、カラヴァッジョは自分自身でテーマや芸術的技法をあらかじめ決めておいた芸術家であることが判明しましたが、他の巨匠はカラヴァッジョの手法の貴重な側面をより創造的に自由に使用することができました。

その最初の一人がヴァランタン（実際はジャン・ド・ブローニュ、1594-1632）でした。 1614 年にヴァレンティンはローマに到着し、そこで活動を始めました。 他のカラヴァッジストと同様に、ヴァレンティンは宗教的な主題をジャンルの精神で解釈して絵画を描きましたが（たとえば、プーシキン美術館の「ピョートルの否定」）、彼の大型のジャンルの構図が最も有名です。 ヴァレンティンは、カラヴァジズムの伝統的なモチーフをその中に描きながら、それらをより鋭く解釈しようと努めています。 その例としては、彼の最高の絵画の 1 つである「カードプレイヤー」（ドレスデン、ギャラリー）があり、そこでは状況のドラマが効果的に展開されています。 経験の浅い青年の無邪気さ、彼を翻弄する鋭利な青年の冷静さと自信、そして特にマントに身を包み青年の背後から合図を与える共犯者の邪悪な姿が表情豊かに描かれている。 この場合、明暗法コントラストは、プラスチックモデルの作成だけでなく、画面の劇的な緊張感を高めるためにも使用されます。

ジョルジュ・ド・ラトゥール (1593-1652) は、当時の傑出した巨匠の一人でした。 当時は有名でしたが、後には完全に忘れ去られてしまいました。 このマスターの姿が明らかになったのはつい最近のことだ。

これまでのところ、このアーティストの創造的な進化はほとんど不明のままです。 少し 略歴、ラトゥールについて保存されているものは非常に断片的です。 ラトゥールはロレーヌのナンシー近郊で生まれ、その後リュネヴィル市に移り、そこで残りの人生を過ごしました。 彼は若い頃にイタリアを訪れたという推測があります。 ラトゥールはカラヴァッジョの芸術に強い影響を受けましたが、彼の作品は単にカラヴァッジョの技法に従うだけではありませんでした。 リュネヴィルの巨匠の芸術には、17 世紀に台頭しつつあったフランス国民絵画の本来の特徴が表現されています。

ラトゥールは主に宗教的な主題を描きました。 彼が生涯を地方で過ごしたという事実は、彼の芸術にその痕跡を残しました。 彼のイメージの素朴さ、彼の作品のいくつかに感じられる宗教的なインスピレーションの色合い、イメージの強調された静的な性質、そして彼の芸術的言語の独特な要素の中に、中世の世界観の反響が今でも感じられます。ある程度。 しかし、彼の最高の作品では、芸術家は稀有な精神的な純粋さと偉大な詩的力のイメージを作成します。



ジョルジュ・ド・ラトゥール。 クリスマス。 1640年代

ラトゥールの最も叙情的な作品の 1 つは、絵画「キリスト降誕」（レンヌ、美術館）です。 シンプルさ、ほとんどケチさが特徴です 芸術的手段そして同時に、思慮深い優しさで子供を抱きしめる若い母親や、火のついたろうそくを注意深く手で覆い、生まれたばかりの赤ちゃんの様子を見つめる年配の女性の深い真実が描かれています。 この構図では光が非常に重要です。 夜の闇を払いのけ、彼は可塑的な触感で、人物の非常に一般化されたボリューム、農民風の顔、そしてくるみに包まれた子供の感動的な姿を強調します。 光の影響で、衣服の深く豊かな色調が輝きます。 均一で落ち着いた輝きが荘厳な雰囲気を醸し出します。 夜の沈黙、眠っている子供の測定された呼吸によってのみ妨げられます。

「クリスマス」に近い雰囲気を持っているのが、ルーヴル美術館の「羊飼いの礼拝」です。 この芸術家は、フランスの農民の真実の姿、彼らの素朴な感情の美しさを、魅惑的な誠実さで体現しています。



ジョルジュ・ド・ラトゥール。 大工の聖ヨセフ。 1640年代



ジョルジュ・ド・ラトゥール。 天使セントの登場 ジョセフ。 1640年代

宗教をテーマにしたラトゥールの絵画は、ジャンルの精神で解釈されることが多いですが、同時に、些細な日常や日常の雰囲気が欠けています。 すでに述べた「キリスト降誕」と「羊飼いの礼拝」、「悔い改めのマグダラ」（ルーヴル美術館）、そしてラトゥールの真の傑作である「聖ペテロ」がそれです。 大工のジョゼフ』（ルーヴル美術館）と『聖ペテロの天使の出現』 ジョセフ」（ナント美術館）では、ろうそくの灯りで居眠りするジョセフの手に、ほっそりとした少女の天使が、力強くも優しいしぐさで触れる。 これらの作品における精神的な純粋さと穏やかな熟考の感覚は、ラトゥールのイメージを日常生活よりも高めています。

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   ジョルジュ・ド・ラトゥール。 聖セバスティアヌス、聖ペテロに追悼されました。 イリーナ。 1640～1650年代

   ラトゥールの最高の功績には、『サン・ピエトロ大聖堂』などがある。 セバスチャン、聖ペテロの死を悼む。 イリーナ」（ベルリン）。 深い夜の静寂の中で、ろうそくの明るい炎だけが照らす中、彼を悼む女性たちの悲痛な姿が、矢で貫かれてひれ伏したセバスチャンの体の上に垂れ下がっていた。 芸術家はここで、アクションに参加するすべての参加者を団結させる一般的な感情だけでなく、4人の会葬者それぞれのこの感情の色合い、つまりしびれの凍りつき、悲痛な当惑、苦々しい叫び、悲劇的な絶望を伝えることができました。 しかし、ラトゥールは苦しみを表現することを非常に抑制しており、どこにも誇張を許さず、顔というよりも動きや身振り、人物のシルエットそのものが膨大な感情的表現力を獲得したことで、イメージのインパクトがより強くなりました。 新しい機能がセバスチャンのイメージに取り込まれています。 彼の美しく崇高な裸体は英雄的な原理を体現しており、それがこのイメージを古典主義の巨匠の作品に似せています。

   この絵において、ラトゥールは、日常的なイメージの彩色から、彼の初期の作品に固有のやや素朴な初歩性から離れました。 かつての部屋のような現象の報道、集中した親密さのムードは、ここではより大きな記念碑、悲劇的な壮大さの感覚に取​​って代わられました。 ラトゥールのお気に入りのろうそくの炎のモチーフですら、違った形で、より哀れな形で捉えられています。上向きに運ばれるその巨大な炎は、たいまつの炎に似ています。

   17世紀前半のフランスの写実絵画において極めて重要な場所。 ルイ・ル・ナンの芸術を占めています。 ルイ・ル・ナインは、兄弟のアントワーヌやマチューと同様に、主に農民ジャンルの分野で活動しました。 農民の生活の描写は、レーネン家の作品に明るい民主的な色彩を与えています。 彼らの芸術は長い間忘れられていましたが、それは 19 世紀半ばになってからでした。 彼らの作品を研究し、収集し始めました。

   レナン兄弟 - アントワーヌ (1588-1648)、ルイ (1593-1648)、マチュー (1607-1677) - はピカルディ地方のラナ市の出身でした。 彼らは小ブルジョア家庭の出身でした。 故郷のピカルディで過ごした青春時代は、田舎の生活についての最初で最も鮮明な印象を彼らに与えました。 パリに移住したレーネン夫妻は、首都の喧騒や華やかさに疎いままだった。 彼らは長男のアントワーヌが率いる共通の作業場を持っていました。 彼は弟たちの直接の教師でもありました。 1648 年、アントワーヌとルイ・ルナンは、新設された王立絵画彫刻アカデミーに入学を認められました。

   アントワーヌ・ルナンは良心的ではありましたが、それほど才能のある芸術家ではありませんでした。 肖像画が大半を占めていた彼の作品には、依然として古風なものがたくさんあります。 構成は断片化され凍結されており、特徴は多様ではありません（「家族の肖像」、1642年、ルーブル美術館）。 アントワーヌの芸術は、彼の弟たち、そしてとりわけ最大の弟たち、ルイ・ル・ナンの創造的な探求の始まりとなった。

   ルイ・ル・ナインの初期の作品は兄の作品に近い。 ルイはマチューと一緒にイタリアへ旅行した可能性があります。 カラヴァジストの伝統は彼の芸術の形成に一定の影響を与えました。 1640 年以来、ルイ・ル・ナンは完全に独立した独創的なアーティストであることを示しました。

   ジョルジュ・ド・ラ・トゥールは、宗教をテーマにした作品の中で人々を描きました。 ルイ・ル・ナインは、作品の中でフランスの農民の生活に直接言及しました。 ルイ・ル・ナインの革新性は、人々の生活に対する根本的に新しい解釈にあります。 芸術家が人間の最良の側面を見るのは農民の中にある。 彼は自分のヒーローたちに深い敬意を持って接します。 彼の農民生活の場面は、堂々と穏やかで、威厳があり、控えめで、ゆっくりとした人々が行動しており、厳しさ、単純さ、真実さの感覚に満ちています。

   彼のキャンバスでは、レリーフのように平面上に構図を展開し、特定の空間境界内に人物を配置します。 明確で一般的な輪郭線によって明らかにされる人物像は、思慮深い構成デザインに基づいています。 素晴らしいカラリスト、ルイ・ル・ナインは抑制されたものを抑制します カラースキームシルバートーンで、カラフルなトランジションと関係性の柔らかさと洗練を実現します。

   ルイ・ル・ナンの最も成熟した完璧な作品は 1640 年代に制作されました。

   

   ルイ・レナン。 おばあちゃんの訪問。 1640年代

   「農民の食事」（ルーブル美術館）に描かれている貧しい農民家族の朝食は質素なものだが、少年がヴァイオリンで奏でるメロディーを熱心に聴きながら、労働者たちにはなんと自尊心のようなものが染み込んでいるのだろう。 常に抑制されており、行動によって互いにほとんどつながりがありませんが、レナンの英雄たちは、気分の統一と共通の人生認識によって団結した集団の一員として認識されています。 彼の絵画「夕食前の祈り」（ロンドン、ナショナル・ギャラリー）には詩的な感情と誠実さが染み込んでいます。 エルミタージュの絵画「祖母への訪問」では、孫たちが農民の老婦人を訪問する場面が、いかなる感傷性もなく厳格かつ簡潔に描かれている。 厳かで穏やかな陽気に満ちた、古典的に澄んだ「ホースマンズ・ホールト」（ロンドン、ヴィクトリア＆アルバート博物館）。

   

   ルイ・レナン。 ツグミの家族。 1640年代

   1640年代。 ルイ・ル・ナンも、彼の最高傑作のひとつである「ツグミの家族」（エルミタージュ美術館）を制作しています。 霧のかかった早朝。 農民の家族が市場に行きます。 作家は、労働と苦難で年老いた牛乳搾り、疲れた農民、頬の肥えた思慮深い少年、そして年を重ねても病弱で生真面目な少女など、素朴な人々の率直な表情を温かい気持ちで描いている。 プラスチック的に完成したフィギュアは、明るく風通しの良い背景に対してはっきりと目立ちます。 広い渓谷、地平線上の遠くの街、銀色の霞に覆われたどこまでも続く青い空など、その風景は素晴らしいです。 アーティストは、物体の物質性、質感の特徴、銅缶の鈍い輝き、岩だらけの土の硬さ、農民のシンプルな手織りの服の粗さ、ロバの毛むくじゃらの毛などを、優れた技術で伝えます。 ブラシストロークのテクニックは非常に多様です。滑らかで、ほとんどエナメルのような書き込みと、自由で敬虔なペイントが組み合わされています。

   

   ルイ・レナン。 フォージ。 1640年代

   ルイ・ル・ナンの最高の功績は、彼のルーヴル美術館の「鍛冶場」と呼ぶことができます。 通常、ルイ・ル・ナインは、食事、休憩、娯楽の間の農民を描きました。 ここで彼の描写の対象は労働現場でした。 芸術家が人間の真の美しさを作品の中に見たということは注目に値します。 ルイ・ル・ナインの作品には、家族に囲まれた素朴な鍛冶屋である彼の「鍛冶場」の英雄ほど強さと誇りに満ちたイメージは見当たりません。 構図の自由度、動き、鮮明さが増しました。 以前の均一な拡散照明は明暗法的なコントラストに置き換えられ、画像の感情的な表現力が高まりました。 ストローク自体にはより多くのエネルギーがあります。 この場合、伝統的な主題を超えて新しいテーマに目を向けることが、ヨーロッパ美術における初期の印象的な労働イメージの 1 つを生み出すことに貢献しました。

   ルイ・ル・ナンの農民というジャンルには、特別な高貴さとあたかも浄化されたような明確な人生認識が染み込んでおり、当時の鋭い社会矛盾が直接的な形で反映されていません。 心理学的に、彼のイメージは時々ニュートラルすぎることがあります。穏やかな落ち着きの感覚が、登場人物の経験の多様性をすべて吸収しているように見えます。 それにも関わらず、フランス農民の生活をほとんど動物の生活レベルにまで引き上げた、最も残酷な大衆搾取の時代、社会の深部で成長する強力な民衆抗議の状況の中で、ルイ・ル・ナンの芸術は、フランス国民の人間の尊厳、道徳的純粋さ、道徳的強さを肯定するこの運動は、非常に進歩的な意義を持っていました。

   絶対主義がさらに強化された時期には、現実的な農民のジャンルはその発展に好ましい見通しを持っていませんでした。 このことは、レーニン家の最年少であるマチューの創造的進化の例によって確認されています。 彼はルイより14歳年下で、本質的には異なる世代に属していた。 マチュー・ル・ナインは、芸術において好みに引き寄せられました。 貴族社会。 彼はルイ・ル・ナン（「酒場の農民」、エルミタージュ美術館）の信奉者としてキャリアをスタートさせました。 その後、彼の作品のテーマと全体の性格が劇的に変化します。マチューは、貴族の肖像画と「善良な社会」の生活からの優雅な風俗シーンを描きます。

   多くの地方の芸術家が「現実世界の画家」運動に属しており、彼らはジョルジュ・ド・ラ・トゥールやルイ・ル・ナンなどの巨匠に比べれば著しく劣っていたが、なんとか生き生きとした真実の作品を生み出すことができた。 例えば、厳格で表現力豊かな絵画「十字架からの降下」（トゥールーズ美術館）の作者、ロベール・トゥルニエ（1604年 - 1670年）や、十字架の鋭い肖像画を描いたリチャード・タッセル（1580年 - 1660年）などがその例である。修道女カトリーヌ・ド・モントロン（ディジョン、美術館）ほか。

   17世紀前半。 フランスの肖像画の分野でも写実的な傾向が発展しています。 この時代最大の肖像画家はフィリップ・ド・シャンパーニュ（1602 - 1674）でした。 生まれはフランドル人で、生涯をフランスで過ごしました。 シャンパーニュは宮廷に近いことから、国王とリシュリューの後援を受けました。

   シャンパーニュは装飾絵画の巨匠としてキャリアをスタートし、宗教的な主題の絵画も描きました。 しかし、シャンパーニュの才能が最も広く発揮されたのは肖像画の分野でした。 彼は当時の歴史学者のような存在でした。 彼は王室メンバー、政治家、科学者、作家、フランス聖職者代表の肖像画を所有している。

   

   フィリップ・ド・シャンパーニュ。 アルノー・ダンディヤの肖像 1650

   シャンパーニュの作品の中で最も有名なのはリシュリュー枢機卿の肖像画（1636年、ルーヴル美術館）である。 枢機卿は全高で描かれています。 ゆっくりと目の前を通り過ぎていくように見えます。 大きく流れるような襞のある枢機卿のローブを着た彼の姿は、錦のカーテンを背景にはっきりとした輪郭で輪郭を描かれています。 ピンクがかった赤のローブと金色の背景の豊かな色調が、枢機卿の薄く青白い顔と動き回る手を際立たせています。 しかし、その華やかさにもかかわらず、この肖像画には外見的な誇らしさはなく、装飾品で過剰に装飾されていません。 その真の記念碑性は、内なる強さと落ち着きの感覚、そして芸術的な解決策のシンプルさにあります。 当然のことながら、シャンパーニュの肖像画は、代表的な人物を欠いていても、より一層の厳しさと生き生きとした説得力によって際立っています。 巨匠の最高の作品の中には、ルーヴル美術館に所蔵されているアルノー・ダンディリーの肖像画 (1650 年) があります。

   古典主義の芸術家と「現実世界の画家」は両方とも、人間の尊厳についての高い考え、彼の行動の倫理的評価への欲求、そして人間に対する明確な認識といった、当時の先進的な考えに近づきました。ランダムにすべてが取り除かれた世界。 このため、絵画における双方の方向性は、違いはあれど密接に接触していました。

   古典主義は、17 世紀の第 2 四半期以降、フランス絵画において主要な重要性を獲得しました。 その最大の代表者であるニコラ プッサンの作品は、17 世紀のフランス芸術の頂点です。

   プッサンは 1594 年にノルマンディーのアンデリー市近くで貧しい軍人の家庭に生まれました。 プッサンの若い頃と初期の作品についてはほとんど知られていません。 おそらく彼の最初の教師は、この数年間にアンデリを訪れた放浪の芸術家クエンティン・ヴァレンであり、彼との出会いがこの青年の芸術的使命を決定する決定的なものとなった。 ヴァレンヌを追ってプッサンは両親に密かに故郷を離れパリへ向かう。 しかし、この旅行は彼に幸運をもたらしませんでした。 わずか1年後、彼は二度目に首都に戻り、そこで数年間を過ごします。 プッサンは若い頃から大きな決意と飽くなき知識欲を示しています。 彼は数学、解剖学、古代文学を研究し、版画からラファエロやジュリオ・ロマーヌの作品に親しんでいます。

   パリでは、プッサンはファッショナブルなイタリアの詩人キャヴァリエ・マリーノと会い、彼の詩「アドニス」の挿絵を描きます。 今日まで残っているこれらの挿絵は、パリ初期のプッサンの信頼できる唯一の作品です。 1624年、芸術家はイタリアへ向かい、ローマに定住しました。 プッサンは生涯のほとんどをイタリアで過ごす運命にありましたが、故郷を情熱的に愛し、フランス文化の伝統と密接に結びついていました。 彼は出世主義には無縁で、簡単な成功を求める傾向がありませんでした。 彼のローマでの生涯は、粘り強く体系的な仕事に捧げられました。 プッサンは古代の彫像をスケッチして測定し、科学と文学の研究を続け、アルベルティ、レオナルド・ダ・ヴィンチ、デューラーの論文を研究しました。 彼はレオナルドの論文のコピーの 1 つに挿絵を描きました。 現在、この最も貴重な写本はエルミタージュ美術館に保管されています。

   1620 年代のプッサンの創造的な探求。 とても難しかったです。 マスターは芸術的手法を確立するために長い道のりを歩んできました。 古代美術とルネサンスの芸術家は彼の最高のモデルでした。 彼は当時のボローニャの巨匠の中で最も厳格なドメニキーノを高く評価していました。 プッサンはカラヴァッジョに対して否定的な態度をとっていましたが、それでも彼の芸術に無関心ではありませんでした。

   1620 年代を通じて。 プッサンは、すでに古典主義の道を歩み始めていましたが、しばしばその範囲を鋭く超えていました。 彼の絵画には、「無実の人の虐殺」（シャンティイ）、「聖ペテロの殉教」などがあります。 エラスムス」（1628年、バチカン・ピナコテーク）は、カラヴァッギズムとバロックへの近さ、よく知られたイメージの縮小、状況の誇張された劇的な解釈という特徴を特徴としています。 エルミタージュの「十字架からの降下」（1630年頃）は、プッサンにとって、胸が張り裂けるような悲しみの感情を表現する際にその表現力が高まっているのが珍しい。 ここでの状況のドラマは、風景の感情的な解釈によって強化されます。アクションは、赤く不気味な夜明けが反射する嵐の空を背景に行われます。 古典主義の精神に基づいて制作された彼の作品は、異なるアプローチで特徴づけられています。

   理性の崇拝は古典主義の主な特質の一つであり、したがって17世紀の偉大な巨匠のいずれもそうではありません。 合理的原理はプッサンほど重要な役割を果たしていない。 巨匠自身は、芸術作品を認識するには集中した思考と懸命な思考が必要であると述べました。 合理主義は、プッサンの倫理的および芸術的理想への意図的な固執だけでなく、彼が作成した視覚システムにも反映されています。 彼はいわゆるモードの理論を構築し、それを自分の作品で従おうとしました。 プッサンのモードとは、ある種の比喩的な鍵、つまり、特定のテーマの表現と最も一致する、比喩的・感情的な特徴づけと構成的・絵画的な解決策のテクニックの合計を意味しました。 プッサンは、音楽構造のさまざまなモードのギリシャ語名に基づいて、これらのモード名を付けました。 それで、例えば、このトピックは、 道徳的達成芸術家によって厳密かつ厳格な形で具体化され、プッサンによって「ドリアン旋法」の概念で統一され、劇的な性質のテーマが「フリジアン旋法」の対応する形で、楽しく牧歌的なテーマが、 「イオニアン」モードと「リディアン」モード。 プッサン作品の強みは、これらの芸術的手法によって明確に表現されたアイデア、明確な論理、そしてコンセプトの完成度の高さにあります。 しかし同時に、芸術を特定の安定した規範に従属させ、そこに合理主義的な側面を導入することは、大きな危険も意味します。なぜなら、これは揺るぎない教義の支配、生きた創造的プロセスの死滅につながる可能性があるからです。 これはまさに学者全員がプッサンの外面的方法だけに従って到達したことである。 その後、この危険はプッサン自身にも直面しました。

   

   プッサン。 ゲルマニクスの死。 1626-1627

   古典主義のイデオロギー的および芸術的プログラムの特徴的な例の 1 つは、プッサンの作品「ゲルマニクスの死」（1626/27 年、ミネアポリス美術館）です。 ここでは、英雄の選択自体が示唆的です-勇敢で高貴な指揮官、ローマ人の最も希望の拠点が、疑い深く嫉妬深い皇帝ティベリウスの命令で毒殺されました。 この絵には、家族と忠実な兵士たちに囲まれ、興奮と悲しみに打ちひしがれながら死の床にあるゲルマニクスが描かれています。

   プッサンの仕事にとって非常に有益だったのは、1620 年代後半のティツィアーノ芸術への魅了でした。 ティツィアーノの伝統へのアピールは、プッサンの才能の最も鮮やかな側面を明らかにすることに貢献しました。 ティツィアーノの色彩主義は、プッサンの芸術的才能の発展においても大きな役割を果たしました。

   

   プッサン。 フローラ王国。 断片。 わかりました。 1635年

   彼のモスクワの絵画「リナルドとアルミーダ」（1625-1627）では、タッソの詩「解放されたエルサレム」からプロットが取られており、中世の騎士道伝説のエピソードがむしろ古代神話のモチーフとして解釈されています。 眠っている十字軍の騎士リナルドを見つけた魔術師アルミーダは、彼を魔法の庭園に連れて行きます。雲の中を戦車を引き、美しい少女たちにかろうじて拘束されているアルミーダの馬は、太陽神ヘリオスの馬のように見えます（このモチーフは後に登場します）。プッサンの絵画によく見られます）。 プッサンにとって、人の道徳的高さは、彼の感情と行動が合理的な自然法則に従うかどうかによって決まります。 したがって、プッサンの理想は、自然とともに幸せな単一の人生を生きる人です。 画家は、「アポロとダフネ」（ミュンヘン、ピナコテーク）、ルーヴル美術館とロンドン・ナショナル・ギャラリーの「バッカナリア」、そして「フローラの王国」（ドレスデン、ギャラリー）など、1620年代から1630年代の絵画をこのテーマに捧げました。 彼は、暗いサテュロス、ほっそりしたニンフ、陽気なキューピッドが美しく楽しい自然と一体となって描かれた古代神話の世界を復活させます。 プッサンの作品では、これほど穏やかな場面、魅力的な女性像はこれ以降決して登場しません。

   造形的に具体的な人物が全体のリズムの中に組み込まれている絵画の構造には、明快さと完全性があります。 常に明確に見つかるものは特に表現力豊かです。 図形の動き、プッサンによれば、これは「ボディーランゲージ」です。 多くの場合、彩度が高く豊かな配色は、カラフルなスポットの思慮深いリズミカルな関係にも左右されます。

   1620年代。 プッサンの最も魅力的なイメージの 1 つであるドレスデンの「眠れるヴィーナス」が制作されました。 美しい風景に囲まれて眠りにつく女神のイメージというこの絵のモチーフは、ヴェネツィア・ルネサンスの例にまで遡ります。 しかし、この場合、芸術家はルネサンスの巨匠からイメージの理想性ではなく、その他の本質的な性質、つまり巨大な活力を受け取りました。 プッサンの絵の中で、まさに女神のタイプである、眠っていてピンク色の顔をした、ほっそりとした優美な姿をした若い女の子は、このイメージが人生からそのまま掴み取られたような自然さと、ある種の特別な親密感に満ちています。 眠っている女神の穏やかな平和とは対照的に、蒸し暑い日の雷鳴のような緊張感がさらに強く感じられます。 ドレスデンの絵画では、プッサンとティツィアーノの色彩主義とのつながりが他のどこよりも明白です。 全体的に茶色がかった濃い金色を基調とした絵と比べて、女神の裸体の色合いがひときわ美しく際立っています。

   

   プッサン。 タンクレッドとエルミニア。 1630年代

   エルミタージュの絵画「タンクレッドとエルミニア」（1630年代）は、十字軍の騎士タンクレッドに対するアマゾンエルミニアへの愛という劇的なテ​​ーマに捧げられています。 そのプロットも達宗の詩から取られています。 砂漠地帯の岩だらけの土壌で、決闘で負傷したタンクレッドが体を伸ばしている。 彼の忠実な友人ヴァフリンは、思いやりのある優しさで彼をサポートします。 エルミニアは馬から降りたばかりで恋人の元に駆け寄り、輝く剣を素早く振り、傷に包帯を巻くためにブロンドの髪を一束切り落とした。 彼女の顔、タンクレッドに釘付けになった視線、彼女のほっそりした体型の素早い動きは、偉大な内なる感情に触発されています。 ヒロインのイメージの感情的な高揚感は、彼女の服の配色によって強調されており、グレースチールと深いブルーの色調のコントラストがより力強く響き、絵全体の劇的な雰囲気が、幻想的な雰囲気で満たされた風景の中で反響しています。夜明けの燃えるような輝き。 タンクレッドの鎧とエルミニアの剣は、その反射の中でこの豊かな色彩をすべて反映しています。

   その後、プッサンの作品における感情的な瞬間は、心の組織原理とより結びついていることが判明しました。 1630年代半ばの作品。 芸術家は理性と感情の間の調和のとれたバランスを達成します。 道徳的偉大さと精神的な強さの体現としての英雄的で完璧な人物のイメージは、主要な重要性を獲得します。

   

   プッサン。 アルカディアの羊飼い。 1632年から1635年の間

   プッサンの作品におけるテーマの深く哲学的な展開の例は、「アルカディアの羊飼い」という作品の 2 つのバージョン (1632 年から 1635 年の間、チャズワース、デヴォンシャー公のコレクション、il を参照) と 1650 年、ルーヴル美術館にあります。 穏やかな幸福の国、アルカディアの神話は、多くの場合、芸術の中に具体化されました。 しかし、プッサンはこの牧歌的なプロットの中で、人生のはかなさと死の必然性についての深い考えを表現しました。 彼は、羊飼いたちが予期せず「そして私はアルカディアにいた...」という碑文が刻まれた墓を見た、と想像した。 人が曇りのない幸福感で満たされている瞬間、人は死の声を聞いているようです-それは人生のはかなさ、避けられない終わりを思い出させます。 最初の、より感情的でドラマチックなロンドン版では、あたかも明るい世界に侵入する死を前にして突然現れたかのように、羊飼いたちの混乱がより明確に表現されています。 2 番目の、ずっと後のルーブル版では、英雄たちの顔には曇りさえなく、冷静さを保ち、死を自然なパターンとして認識しています。 この思いは、美しい作品のイメージに特別な深みを持って具現化されています。 若い女性、その外観はアーティストがストイックな知恵の特徴を与えました。

   

   プッサン。 詩人のインスピレーション。 1635年から1638年の間

   ルーヴル美術館の絵画「詩人のインスピレーション」は、抽象的なアイデアがプッサンによって深く力強いイメージで具体化される方法の一例です。 本質的に、この作品のプロットは寓話に近いようだ。アポロンとミューズの前で花輪をかぶった若い詩人の姿が見えるが、この絵に最も欠けているのは寓意的な無味乾燥さと突飛さである。 絵画のアイデア、つまり芸術における美の誕生、その勝利は、抽象的なものではなく、具体的な比喩的なアイデアとして認識されています。 17世紀に一般的だったものとは異なります。 ルーヴル美術館の絵画は、イメージが修辞的に外部的に統合されている寓意的な構成であり、感情の共通の構造、創造性の崇高な美しさのアイデアによるイメージの内部的な統合によって特徴付けられます。 プッサンの絵画に描かれた美しいミューズのイメージは、古典ギリシャ芸術の中で最も詩的な女性像を思い出させます。

   絵画の構成構造は、ある意味で古典主義の模範的です。 それは非常にシンプルであることが特徴です。アポロンの像が中央に配置され、その両側にミューズと詩人の像が対称的に配置されています。 しかし、この決定には無味乾燥さや人為性は少しもありません。 小さな、微妙なずれ、回転、人物の動き、横に倒された木、飛んでいるキューピッド - これらすべてのテクニックは、構図の明瞭さとバランスを損なうことなく、この作品を従来の図式的なものから区別する生命感を導入しています。プッサンを模倣した学者の作品。

   プッサンの絵画の芸術的および構成的概念を発展させる過程において、彼の素晴らしい素描は非常に重要でした。 光と影のスポットの並置に基づいて、並外れた幅広さと大胆さで実行されたこれらのセピア色のスケッチは、作品のアイデアを完全な絵画全体に変換するための準備的な役割を果たします。 生き生きとしてダイナミックなそれらは、イデオロギーの概念に対応する構成のリズムと感情の鍵を探求するアーティストの創造的な想像力の豊かさをすべて反映しているようです。

   その後、1630 年代の最高の作品が調和的に統合されました。 徐々に失われていく。 プッサンの絵画では、抽象性と合理性の特徴が増大しています。 彼の創造性の危機は、フランスへの旅行中に急激に悪化します。

   プッサンの名声はフランスの宮廷にも届きました。 フランスに戻るよう招待を受けたプッサンは、あらゆる手段で旅行を延期する。 ルイ13世からの冷酷な命令の親書だけが彼に服従を強いる。 1640 年の秋、プッサンはパリへ向かいました。 フランスへの旅行は、芸術家に多くのひどい失望をもたらしました。 彼の芸術は、宮廷で働いていたシモン・ヴーエ率いる装飾バロック運動の代表者らの激しい抵抗に遭いました。 「これらの動物」（画家が手紙の中でそう呼んでいた）に対する汚い陰謀と非難のネットワークが、非の打ちどころのない評判の男であるプッサンを巻き込む。 宮廷生活全体の雰囲気が彼に嫌悪感を抱かせる。 彼の言葉を借りれば、アーティストはスタジオの静寂の中で再び制作するために、首に掛けた縄を解く必要があるという。 本物の芸術「もし私がこの国に留まれば」と彼は書いている、「私はここにいる他の人々と同じように、汚い奴にならなければならないだろう」。 宮廷は偉大な芸術家を惹きつけられない。 1642 年の秋、プッサンは妻の病気を口実に、今度は永久にイタリアへ戻りました。

   1640年代のプッサンの作品。 深刻な危機の特徴が特徴です。 この危機は、アーティストの伝記に示された事実によってあまり説明されませんが、主に 内部矛盾古典主義そのもの。 当時の現実は、合理性や市民の美徳という理想には程遠いものでした。 古典主義の積極的な倫理プログラムは地歩を失い始めました。

   パリで働いている間、プッサンは宮廷芸術家として自分に割り当てられた任務を完全に放棄することができませんでした。 パリ時代の作品は冷酷で公式的な性質を持っており、外部効果を達成することを目的としたバロック美術の特徴を明確に表現しています（「時間は羨望と不和から真実を救います」、1642年、リール、美術館、「聖フランシスコの奇跡」）ザビエル」、1642年、ルーブル美術館）。 この種の作品は、後にチャールズ・ルブラン率いるアカデミック陣営の芸術家たちによって模範として認識されるようになった。

   しかし、巨匠が古典主義の芸術的教義を厳密に遵守したそれらの作品であっても、彼はもはやイメージの以前の深さと活力を達成できませんでした。 このシステムの特徴である合理主義、規範性、感情に対する抽象的な概念の優位性、理想性への欲求は、彼の中で一方的に誇張された表現を受けています。 一例は、美術館の「スキピオの寛大さ」です。 A.S.プーシキン（1643年）。 捕虜となったカルタゴの王女に対する権利を放棄し、彼女を花婿に返したローマの司令官スキピオ・アフリカヌスを描いたこの芸術家は、賢明な軍事指導者の美徳を称賛しています。 しかしこの場合、道徳的義務の勝利というテーマは冷酷で修辞的な具体化を受け、イメージは活力と精神性を失い、身振りはありきたりなものとなり、思考の深さは人工性に取って代わられた。 人物は凍ったように見え、色彩は多彩で、冷たい局地的な色彩が優勢で、絵画のスタイルは不快な滑らかさによって区別されます。 1644 年から 1648 年に作成されたものも同様の特徴を持っています。 「七つの秘跡」の第 2 サイクルの絵画。

   古典主義的手法の危機は、主にプッサンの主題の作品に影響を与えました。 すでに1640年代後半から。 アーティストの最高の業績は、肖像画や風景などの他のジャンルにも現れています。

   プッサンの最も重要な作品の 1 つは、1650 年に遡ります。彼の有名なルーブル美術館の自画像です。 プッサンにとって、芸術家とはまず第一に思想家です。 肖像画が外部の代表性の特徴を強調し、イメージの重要性がモデルと単なる人間を隔てる社会的距離によって決定されていた時代に、プッサンは人の価値を知性の強さ、創造力に見出しました。 そして、自画像では、アーティストは構成構造の厳密な明瞭さと、線形および体積の解決策の明瞭さを維持しています。 プッサンの「自画像」は、そのイデオロギー的内容の深さと驚くべき完成度により、フランスの肖像画家の作品を大幅に上回り、17世紀のヨーロッパ芸術の最高の肖像画に属します。

   プッサンの風景に対する魅力は変化と結びついています。 彼の世界観。 プッサンが 1620 年から 1630 年代の彼の作品の特徴であった、人間についての不可欠な概念を失ったことに疑いの余地はありません。 1640 年代のプロット構成でこのアイデアを具体化する試み。 失敗につながった。 1640 年代後半のプッサンの比喩体系。 さまざまな原則に基づいて構築されています。 今回の作品では、作家は自然のイメージに焦点を当てています。 プッサンにとって、自然は存在の最高の調和を体現したものです。 人間はその中での支配的な地位を失いました。 彼は自然の多くの創造物の一つとしてのみ認識されており、彼はその法則に従うことを強いられています。

   ローマの街を歩きながら、芸術家は持ち前の探究心でローマのカンパニア地方の風景を研究しました。 彼の直接の印象は、人生の素晴らしい風景画で伝えられ、その並外れた新鮮な認識と微妙な叙情性によって区別されます。

   プッサンの絵のように美しい風景には、彼の絵に特有の自発性の感覚がありません。 彼の絵画では、理想的で一般的な原則がより強く表現されており、その中の自然は完璧な美と雄大さを持っているように見えます。 素晴らしいイデオロギー的かつ感情的な内容がたっぷりと詰まったプッサンの風景画は、17 世紀の大衆絵画の最高の成果に属します。 いわゆる英雄的な風景。

   プッサンの風景には、世界の壮大さと偉大さの感覚が染み込んでいます。 積み上げられた巨大な岩、緑豊かな木々の群生、透き通った湖、石の間を流れる冷たい泉、木陰の茂みが、空間計画の交互配置に基づいて可塑的に透明で全体的な構成に組み合わされており、それぞれがキャンバスの平面に平行に配置されています。 。 リズミカルな動きを追う鑑賞者の視線は、その空間をその雄大さで包み込みます。 配色は非常に抑制されており、ほとんどの場合、空と水の冷たい青と青みがかった色調と、土壌と岩の暖かい茶色がかった灰色の色調の組み合わせに基づいています。

   それぞれの風景の中で、アーティストは独自のイメージを作成します。 「ポリフェムスのいる風景」（1649年、エルミタージュ美術館）は、自然への広範かつ厳粛な賛歌として認識されています。 彼女の力強い壮大さは、モスクワの「ヘラクレスのいる風景」（1649年）で征服されます。 パトモス島の福音記者ヨハネを描いた作品（シカゴ美術館所蔵）、プッサンはこのプロットの伝統的な解釈を拒否している。 彼は、珍しい美しさと雰囲気の強さの風景、つまり美しいヘラスの生きた擬人化を作成します。 プッサンの解釈におけるヨハネのイメージは、キリスト教の隠者ではなく、古代の思想家に似ています。

   晩年には、プッサンは風景画の主題を具現化することさえしました。 これは彼の絵画「フォシオンの葬儀」（1648年以降、ルーヴル美術館）です。 古代の英雄フォキオンは、恩知らずの同胞の評決によって処刑されました。 彼は祖国での埋葬さえ拒否されました。 芸術家は、奴隷たちがフォキオンの遺体を担架でアテネから運び出す瞬間を表現した。 寺院、塔、城壁が青い空と緑の木々を背景に際立っています。 人生はいつも通り続きます。 羊飼いが群れを放牧し、道では牛が荷車を引き、騎手が急いでいます。 特別な感動を伴う美しい風景は、永遠の自然を前にした人間の孤独、無力さ、弱さというこの作品の悲劇的なアイデアを感じさせます。 主人公の死でさえ、彼女の無関心な美しさを覆い隠すことはできません。 以前の風景が自然と人間の統一を肯定していた場合、「フォシオンの葬式」では、主人公と彼の周囲の世界を対比させるというアイデアが現れ、この時代に特徴的な人間と現実の間の対立を擬人化しています。

   悲劇的な矛盾における世界の認識は、プッサンの有名な風景サイクル「四季」に反映されています。 ここ数年彼の生涯（1660年から1664年、ルーブル美術館）。 アーティストはこれらの作品の中で、生と死、自然と人間の問題を提起し、解決します。 それぞれの風景には特定の象徴的な意味があります。 たとえば、「春」（この風景ではアダムとイブが楽園で表現されています）は世界の開花、人類の幼少期を表し、「冬」は洪水、生命の死を表しています。 悲劇的な「冬」におけるプッサンの性質は偉大さと強さに満ちています。 容赦のない必然性を持って大地に湧き出る水は、あらゆる生き物を飲み込みます。 どこにも逃げ場はない。 稲妻の閃光が夜の闇を切り裂き、世界は絶望に囚われ、石化して動けなくなったかのように現れます。 プッサンは、画面に広がる冷たいしびれの感覚の中で、無慈悲な死に近づくという考えを体現しています。

   悲劇的な「冬」はアーティストの最後の作品でした。 1665 年の秋、プッサンは亡くなりました。

   プッサンの時代とその後の時代におけるプッサンの芸術の重要性は計り知れません。 彼の真の後継者は、17世紀後半のフランスの学者ではなく、この芸術の形で当時の偉大なアイデアを表現することができた18世紀の革命的古典主義の代表者でした。

   プッサンの作品に、歴史絵画、神話絵画、肖像画、風景など、さまざまなジャンルが深く実装されている場合、フランス古典主義の他の巨匠は主に1つのジャンルで働いていました。 一例として、プッサンと並ぶ古典主義的風景の最大の代表者であるクロード・ロラン（1600-1682）を挙げることができます。

   クロード・ジェルはロレーヌ（フランス語でロレーヌ）生まれで、そのためニックネームはロレーヌです。 彼は農民の家庭の出身でした。 幼い頃に孤児となったロレンは、少年時代にイタリアに渡り、そこで絵を学びました。 ロレーヌは、ナポリでの 2 年間の滞在とロレーヌへの短期間の訪問を除いて、人生のほとんどすべてをローマで過ごしました。

   ロランは古典的な風景の創造者でした。 入選作品この種の芸術は、16 世紀後半から 17 世紀初頭のイタリアの巨匠、アンニーバレ カラッチやドメニキーノの芸術に登場しました。 ローマで働いていたドイツの画家エルスハイマーは、風景画に多大な貢献をしました。 しかし、ロランだけが風景を完全なシステムに発展させ、独立したジャンルに変えました。 ロランは、実際のイタリアの自然のモチーフにインスピレーションを受けましたが、これらのモチーフを古典主義の規範に対応する理想的なイメージに変換しました。 自然を英雄的な言葉で捉えたプッサンとは異なり、ロランは主に作詞家です。 彼には、より直接的に表現された生活感、個人的な経験の色合いがあります。 彼は、果てしなく広がる海（ロランは港をよく描きました）、広い地平線、日の出や日没の光の戯れ、夜明け前の霧、深まりゆく夕暮れを描くのが大好きです。 ロランの初期の風景は、建築モチーフの過剰な多さ、茶色がかった色調、照明の強いコントラストによって特徴付けられます。たとえば、カンポ ヴァッチーノ (1635 年、ルーヴル美術館) では、人々が古代ローマのフォーラムの敷地内にある草原を描いています。遺跡。

   

   クロード・ロラン。 アシスとガラテアの海の風景。 1657年

   ロランは 1650 年代に創作の全盛期を迎えました。 この時から彼の 最高の作品。 これは、たとえば「ヨーロッパのレイプ」（1655年頃、A.S.プーシキン美術館）です。 成熟したロランの作品には、いくつかの例外を除いて、特定の風景モチーフは描かれていません。 それらはある種の一般化された自然のイメージを作り出します。 モスクワの写真には、美しい紺碧の湾が描かれており、その海岸は穏やかな輪郭の丘と透明な木々の群生に囲まれています。 風景には明るい日差しがあふれていますが、湾の中心部だけが海の上に雲による軽い影があります。 すべてが至福の平和に満ちています。 ロランでは、人物像はプッサンの風景画ほど重要な意味を持っていません（ロラン自身は人物像を描くのが好きではなく、その制作を他の巨匠に任せていました）。 しかし、雄牛に変身したゼウスによるヨーロッパの美しい少女の誘拐に関する古代神話のエピソードは、牧歌的な精神で解釈され、風景の全体的な雰囲気に対応しています。 同じことがロランの他の絵画にも当てはまります。自然と人々は、特定のテーマの関係で描かれています。 1650 年代のロランの最高の作品へ。 1657年のドレスデン作曲「アシスとガラテア」を指す。

   で 遅い創造性ロレーナの自然に対する認識はますます感情的になっていきます。 たとえば、時間による風景の変化に興味を持っています。 気分を伝える主な手段は光と色です。 このように、レニングラードエルミタージュ美術館に保管されている絵画では、画家はある種の完全なサイクルで、「朝」の繊細な詩、「正午」の澄んだ平和、「夕方」の霧のかかった金色の夕焼け、そして青みがかった暗闇を体現しています。 "夜"。 これらの絵画の中で最も詩的なのは「朝」（1666年）です。 ここのすべては、夜明けの銀青色の霧に包まれています。 暗くなった大きな木の透明なシルエットが、明るくなる空に際立っています。 アンティークな遺跡が今も薄暗い影に沈んでいる、澄んだ静かな風景に一抹の哀愁をもたらすモチーフ。

   ロランは、彫刻エッチング師および製図者としても知られています。 特に注目に値するのは、ローマ郊外を歩きながらアーティストが描いた人生の風景スケッチです。 これらの素描には、ロラン本来の感情的で直接的な自然感覚が並外れた明るさで反映されています。 インクとウォッシュで作られたこれらのスケッチは、その驚くべき幅広さと画風の自由さ、そして簡単な手段を使って強力な効果を達成する能力によって区別されます。 絵のモチーフは非常に多様です。今ではそれはパノラマのような自然の風景であり、いくつかの大胆なブラシストロークが無限の広がり、今では密集した路地、そして木の葉を突き抜ける太陽の光の印象を作り出しています。道路に倒れる木々、今は川岸の苔むした石、そして最後に、美しい公園に囲まれた荘厳な建物（「ヴィラ・アルバーニ」）の完成図が完成しました。

   ロランの絵画は、19 世紀初頭まで、風景画の巨匠のモデルとして長い間残されました。 しかし、彼の信者の多くは、彼の外面的な視覚技術のみを受け入れ、真に生きた自然の感覚を失いました。

   ロランの影響は、同時代のガスパール・デュゲイ（1613-1675）の作品にも感じられ、特に憂慮すべき雷雨の照明の効果を伝える際に、古典的な風景に興奮とドラマの要素を導入しました。 デュゲイの作品の中で最も有名なのは、ドーリア パンフィーリとコロンナのローマ宮殿の風景のサイクルです。

   ユスタシュ・ルシュール（1617-1655）は古典派の方向に加わりました。 彼はヴーエの生徒で、彼の装飾作業を手伝っていました。 1640年代。 ルシュールはプッサンの芸術に強い影響を受けました。

   ルシュールの作品は、宮廷や聖職者サークルが芸術に定めた要件に古典主義の原則を適応させた一例です。 彼の最大の作品であるパリのランベール ホテルの壁画では、ルシュールは古典主義の美的教義の原理と純粋に装飾的な効果を組み合わせようとしました。 したがって、彼の大きなサイクルの中で「聖ペテロの生涯」が描かれたのは偶然ではありません。 ブルーノ」（1645～1648年、ルーヴル美術館）は、教会サークルからの依頼で制作されたもので、バロック運動に近い特徴があり、イメージの甘い理想化と、このサイクル全体に浸透するカトリックの狂信の一般的な精神に反映されています。 ルシュールの芸術は、古典主義運動が宮廷アカデミズムに変質する最初の症状の 1 つです。

   17世紀後半。 フランスの絶対王政は最大の経済的・政治的権力と対外的繁栄を達成した。

   国家の中央集権化のプロセスがついに完了した。 フロンド家の敗北（1653年）後、国王の権力は強化され、無制限の専制的な性格を帯びるようになりました。 17 世紀後半の反対派文学の匿名のパンフレット。 ルイ14世はフランス全土を犠牲にした偶像と呼ばれています。 貴族の経済的地位を強化するために、重要な措置が講じられました。 経済システムは征服戦争と重商主義政策の一貫した実施に基づいて導入されました。 このシステムはコルベール主義と呼ばれ、国王の初代大臣コルベールにちなんで名付けられました。 王宮は国の政治の中心地でした。 彼の住居は壮大な田舎の邸宅であり、とりわけ（1680年代以降）有名なベルサイユでした。 宮廷での生活は、終わりのない祝賀の中で過ごした。 この人生の焦点は太陽王の人柄でした。 眠りからの目覚め、朝のトイレ、昼食など、すべてが特定の儀式の対象となり、厳粛な儀式の形で行われました。

   絶対主義の中央集権的な役割は、17 世紀後半の王宮周辺の事実にも反映されていました。 本質的にフランスの文化力がすべて集結したのです。 最も著名な建築家、詩人、劇作家、芸術家、音楽家は宮廷の命令に従って創作されました。 ルイ 14 世のイメージは、寛大な君主として、あるいは誇り高き勝者として、歴史的、寓意的な、戦闘画、儀式用の肖像画、タペストリーのテーマとして機能しました。

   以来、フランス芸術のさまざまな傾向は、高貴な君主制の「グランド スタイル」に統一されました。 この国の芸術活動は最も厳格な中央集権化の対象となった。 1648 年に王立絵画彫刻アカデミーが設立されました。 アカデミーの創設は、芸術家の活動がギルド制度の抑圧から初めて解放され、秩序ある美術教育体系が創設されたという積極的な意義を持っていた。 しかし、その存在の最初から、アカデミーの活動は絶対主義の利益に従属していました。 1664 年、コルベールは新たな任務に従ってアカデミーを再組織し、完全に宮廷に奉仕する国家機関に変えました。

歴史絵画の巨匠リャホヴァ・クリスティーナ・アレクサンドロヴナ

ニコラ・プッサン (1594–1665)

ニコラ・プッサン

プッサンはイタリアでは非常に人気があり、定期的に注文を受けていたという事実にもかかわらず、彼の祖国であるフランスでは、宮廷芸術家たちは彼の作品について否定的に言いました。 そしてプッサン自身も、フランス宮廷での生活を余儀なくされ、太陽の光が降り注ぐイタリアに憧れ、妻に雄弁な手紙を書き、その中で首に縄をかけ、「動物たち」の権力から解放されたいと願っていた自分を非難した。工房に戻って本物のアートを作りましょう。

フランス人アーティスト、ニコラ・プッサンは、レ・ザンデリ市近くのノルマンディーで生まれました。 彼の父親は軍人で、家族は貧しい生活を送っていました。 ニコラの子供時代と青年期についてはほとんど情報が残されていません。 彼の最初の教師は、プッサンが住んでいた地域に来た旅行芸術家、クエンティン・ヴァレンヌだったと考えられています。

ヴァレンは同じ場所に長くは住めませんでした - 彼はすぐにパリに行きました。 絵を描くことに興味を持ったニコラは、18歳でこっそり家を出て、先生についていきました。 彼はパリで成功を収めることができず、すぐにパリを去った。 わずか数年後、芸術家は首都に戻り、しばらくの間首都に住んでいました。

プッサンは絵画だけでなく、数学や解剖学を学び、古代の作家の作品を読み、ルネサンスの巨匠の作品も賞賛しました。 ニコラはイタリアに旅行する機会がなかったので、版画を通してラファエロ、ティツィアーノ、その他の芸術家の作品に親しみました。

パリに住んでいる間、プッサンは J. ラレマンと F. エルの工房で絵画を学びました。 若い男は才能のある学生であることが判明し、すぐにすべてのレッスンを学びました。 すぐに、ニコラは自分の絵を描き始め、それが彼を確立された巨匠として特徴づけました。 プッサンの人気は年々高まり、1710年代の終わりには（ニコラはまだ25歳に達していなかった）、すでにパリのリュクサンブール宮殿の注文を終えていた。 すぐに、芸術家は聖母の生神女就寝の大きな祭壇像を作成する注文を受けました。

この頃、プッサンはイタリアの詩人、キャヴァリエ・マリーノと出会い、彼の詩は当時非常に人気がありました。 マリノのリクエストに応じて、アーティストはオウィディウスの詩「変身」のイラストを完成させ、次に彼自身の詩「アドニス」のイラストを完成させました。

注文が成功したおかげで、プッサンはすぐに彼の夢であるイタリア旅行を実現するためのお金を貯めることができました。 1624年、彼はすでに有名になっていたパリを離れ、ローマへ向かいました。

イタリアの首都に到着したプッサンは、版画ですでに知っていた有名な芸術家の作品に触れる機会がありました。 しかし、彼はただ大聖堂や美術館を歩き回り、見たものを鑑賞したりスケッチしたりしただけではありませんでした。 彼はローマで過ごした時間を教育を補うために利用しました。 プッサンは彫像を注意深く調べて測定し、アルベルティ、レオナルド・ダ・ヴィンチ、デューラーの作品を注意深く読みました（ダ・ヴィンチの作品リストの1つに対するアーティストのイラストは保存されています）。

で 自由時間プッサンは科学に興味があり、よく本を読みました。 包括的な教育のおかげで、彼は博学で芸術家兼哲学者としての評判を得ました。 彼の友人であり顧客であるカッシアーノ・デル・ポッツォは、プッサンの人格形成に強い影響を与えました。

N.プッサン。 「リナルドとアルミーダ」、1625 ～ 1627 年、プーシキン美術館、モスクワ

プッサンは、絵画の題材を文学から取ることがよくありました。 たとえば、キャンバス「リナルドとアルミーダ」（1625～1627年、モスクワのプーシキン美術館）の制作動機は、トルクァート・タッソの詩「解放されたエルサレム」でした。

手前には眠っている十字軍のリーダー、リナルドがいます。 邪悪な魔術師アルミーダは彼を殺すつもりで彼にかがみかかりました。 しかし、リナルドがあまりにもハンサムなので、アルミーダは彼女の計画を実行できません。

この作品は、当時流行していたバロック様式の伝統に従って書かれています。追加のキャラクターが導入されています。たとえば、キャンバスの右側には、マスターが水の音で​​リナルドを眠りに誘う川の神を描いています。左側 - 鎧で遊ぶキューピッド。

1626年から1627年にかけて、芸術家は歴史画「ゲルマニクスの死」（ミネアポリス美術館）を制作した。 プッサンは、誰も信頼しなかった嫉妬深い皇帝ティベリウスの命令によって毒殺された、ローマ人の希望である勇敢な指揮官のイメージを完璧に伝えました。

ゲルマニクスはベッドに横たわっており、その周りには兵士たちが群がっている。 何が起こったのかに対する彼らの混乱と同時に、司令官の死の責任者を処罰したいという彼らの決意と願望が感じられる。

この作品はプッサンに成功をもたらし、すぐにサン・ピエトロ大聖堂の祭壇画制作の名誉注文を受けました。 1628年、芸術家は「聖ペテロの殉教」という絵画を完成させた。 エラスムス」（ローマのバチカン絵画館）、そしてそのすぐ後に - 「十字架からの降下」（1630年頃、エルミタージュ、サンクトペテルブルク）。 これらの絵画はどちらもバロックの伝統に最も近いものです。

その後、巨匠はタッソの作品に戻り、「タンクレッドとエルミニア」（1630年代、サンクトペテルブルクのエルミタージュ）を描きました。 視聴者には、地面に横たわる負傷したタンクレッドが表示されます。 友人のヴァフリンが彼を応援しようとする中、エルミニアは急いで彼らのもとへ向かう。

彼女は馬から降りたばかりで、愛する人の傷に包帯を巻くために、素早い手の動きで剣で髪の毛を切り落としました。

30 年代には、プッサンは他の作品も描きましたが、その中で最も有名なのは「アルカディアの羊飼い」（1632 年から 1635 年、デヴォンシャー公爵チャズワース所蔵、バージョン 1650 年、パリのルーブル美術館）です。 同時に、芸術家はリシュリュー枢機卿の命令を遂行し、彼の宮殿を飾るために一連のバッカナリアを作成しました。 これらの絵画のうち、現存しているのは「ネプチューンとアンフィトリテの勝利」（フィラデルフィア美術館）の 1 点だけです。

このアーティストの人気は急速に高まり、すぐにフランスでもその名を知られるようになりました。 主人は祖国に戻るよう招待を受けましたが、可能な限り旅行を遅らせました。 最後に、ルイ13世から直ちに命令に従うよう命じる手紙が渡された。

1640 年の秋、プッサンはフランスに到着し、王令に従って王宮で行われるすべての芸術作品の責任者に任命されました。 パリでは、彼はかなり冷たく迎えられました。宮廷芸術家たちは彼の絵が気に入らず、彼の成功に嫉妬し、ニコラに対して陰謀を織り始めました。 プッサン自身もイタリアに戻る機会を見つけようとした。 手紙の中で彼は次のように述べている。「もし私がこの国に留まれば、ここにいる他の人々と同じように、私も汚い男にならざるを得なくなるでしょう。」

2年後、プッサンは妻が重病であることを知る手紙を受け取ったと述べている。 この口実の下で、彼はイタリアに戻り、残りの人生をこの国で過ごし、そこで常に温かく迎えられました。

フランスで描かれた絵画の中で最も成功したのは、「嫉妬と不和から真実を救う時間」（1642年、リール美術館）と「聖ペテロの奇跡」です。 フランシスコ・ザビエル」（1642年、パリ、ルーブル美術館）。

プッサンのその後の作品はすでに古典主義のスタイルで制作されていました。 最も重要なものの 1 つ 面白い作品「スキピオの寛大さ」（1643年、モスクワのプーシキン美術館）と考えられています。 これは、ローマの軍事指導者、カルタゴの征服者スキピオ アフリカヌスの伝説に基づいています。スキピオ アフリカヌスは、勝利の権利により、捕虜の少女ルクレティアを自分の所有物として受け取りました。 しかし、彼は側近だけでなく、敗北したカルタゴ人も驚かせる高貴な行為を行いました。ローマ人は、美しい捕虜を愛していましたが、彼女を新郎に返しました。

マスターは、アンティークのレリーフのように、人物をキャンバス上に一列に配置しました。 このおかげで、玉座に座るスキピオ、彼の前で敬意を表して頭を下げる新郎、二人の間に立つルクレティアなど、このイベントの各参加者のポーズ、ジェスチャー、顔の表情を見ることができます。

人生の終わりに、プッサンは風景と肖像画という新しいジャンルに興味を持つようになった（「ポリフェムスのいる風景」、1649年、サンクトペテルブルクのエルミタージュ、「ヘラクレスのいる風景」、1649年、モスクワのプーシキン美術館、「自画像」） 、1650年、ルーブル美術館、パリ）。

芸術家はその風景にとても魅了され、その要素を別の歴史的な絵画「フォシオンの葬儀」、1648年、ルーヴル美術館、パリに導入しました。 英雄フォキオンは同胞によって不当に処刑されました。 彼の遺骨は祖国に埋葬されることを禁じられていた。

N.プッサン。 「スキピオの寛大さ」、1643年、プーシキン美術館、モスクワ

プッサンはこの絵の中で、フォシオンの遺体を担架で街から運び出す使用人たちを描いた。

この作品では、主人公の周囲の自然に対する反対が初めて現れます。彼の死にもかかわらず、人生は続き、牛車が道に沿ってゆっくりと進み、騎手は疾走し、羊飼いは群れを草します。

アーティストの最後の作品は、一般的なタイトル「Seasons」の下の一連の風景でした。 最も興味深い絵は「春」と「冬」です。 1 枚目では、プッサンは花咲く楽園のアダムとイブを、2 枚目では洪水を描きました。

「冬」という絵が彼の最後の作品となった。 秋にニコラ・プッサンが亡くなった。 彼の作品は、17 世紀後半から 18 世紀にかけてのイタリアとフランスの芸術家に大きな影響を与えました。

17世紀、スペインはオランダやイギリスなどのヨーロッパ諸国とは異なり、後進的で反動的な国家でした。 著者 リャホワ・クリスティーナ・アレクサンドロヴナ

ヤコポ・ティントレット (1518–1594) ヤコポ・ティントレットは、ヴェネツィアのフォンダメンタ・デイ・モリ沿いの質素な地区のひとつで生まれ育ちました。 そこで彼は家族を築き、生涯を過ごしました。 富や贅沢には無関心で無関心なので、芸術家はよく絵を描きます