音楽の最も重要な特性は何ですか? 音楽とは何ですか？人間の生活における音楽の役割。音楽の性質とリスナーの気質との関係

その手段は音と沈黙です。おそらく誰もが人生で少なくとも一度は森の中で川のせせらぎを聞いたことがあるでしょう。メロディックな音楽を思い出しませんか？そして騒音春の雨屋上で～メロディーっぽく聞こえませんか？人が自分の周りのそのような細部に気づき始めたとき、彼は音楽が彼の周りにあることに気づきました。それは音が集まって独特のハーモニーを生み出す芸術です。そして人間は自然から学び始めました。しかし、調和のとれたメロディーを生み出すには、音楽は芸術であるという単純な理解だけでは十分ではありませんでした。何かが欠けていたので、人々は実験し、音を伝達する手段を探し、自分自身を表現し始めました。

音楽はどのようにして生まれたのですか？

時間が経つにつれて、人間は歌を通して自分の感情を表現することを学びました。したがって、この曲は人間自身によって作成された最初の音楽でした。彼は初めて、メロディーを使って愛、この素晴らしい感情について語りたいと考えました。最初の曲は特に彼女について作曲されました。そして、悲しみが来たとき、その男は自分の気持ちを表現し、その中で示すために、自分についての歌を歌うことにしました。こうして葬儀、葬儀の歌、教会の賛美歌が生まれたのです。

ダンスの発展以来、リズムを維持するために、指を鳴らす、手をたたく、タンバリンやドラムを叩くなど、人間の身体そのものによって音楽が演奏されるようになりました。ドラムとタンバリンは最初の楽器です。彼らの助けを借りて、人類は音を生み出すことを学びました。これらの楽器は非常に古いものであり、あらゆる民族の間で発見されるため、その起源を追跡するのは困難です。今日の音楽は音符の助けを借りて記録され、演奏の過程で実現されます。

音楽は私たちの気分にどのような影響を与えるのでしょうか?

音と構造による音楽の特徴

音楽はサウンドや構造によっても特徴づけられます。 1 つはよりダイナミックに聞こえ、もう 1 つは穏やかに聞こえます。音楽には、明確で調和のとれたリズミカルパターンがある場合もあれば、ギザギザのリズムがある場合もあります。多くの要素が全体のサウンドを決定しますさまざまな構成。最もよく質問される 4 つの用語、モード、ダイナミクス、バッキングトラック、リズムを見てみましょう。

音楽のダイナミクスとリズム

音楽におけるダイナミクスとは、音楽の記譜とその音の音量に関連する記譜です。ダイナミクスとは、音楽、音量、アクセント、およびその他のいくつかの用語の突然および段階的な変化を指します。

リズムとは、シーケンス内のノート (またはサウンド) の長さの関係です。これは、一部の音符が他の音符よりわずかに長く聞こえるという事実に基づいています。それらはすべて音楽の流れの中でひとつにまとまっています。リズミカルな変化は音の長さの比率によって生成されます。これらのバリエーションを組み合わせると、リズミカルなパターンが形成されます。

若者

音楽の概念としてのモードには多くの定義があります。調和のとれた中心的な位置を占めています。フレットの定義をいくつか挙げてみましょう。

Yu.D. エンゲルは、これはある音の系列を構築するための図式であると考えています。 B.V. アサフィエフ - これは彼らの相互作用におけるトーンの組織化であると。 I.V. スポソビンは、モードとは音間の接続のシステムであり、特定の主音中心、つまり 1 つの音または協和音によって結合されると指摘しました。

さまざまな研究者が独自の方法で音楽モードを定義しています。しかし、1つ明らかなことは、彼のおかげで、音楽が調和して聞こえるということです。

バッキングトラック

次の概念、バッキングトラックについて考えてみましょう。それは音楽とは何かを語るときに必ず明かされるはずだ。バッキングトラックの定義は次のとおりです。ボーカルが削除されているか、楽器の音が抜けている楽曲です。楽器および/またはボーカルの 1 つ以上の部分がバッキングトラックから欠落していますが、構成が変更される前のオリジナルバージョンには存在していました。最も一般的な形式は、曲から単語を削除して、テキストなしで音楽だけが聞こえるようにすることです。

この記事では、音楽とは何かについて説明しました。この美しい芸術形式の定義は、まだ簡単に示されているだけです。もちろん、彼女に深い興味を持っている人にとっても、プロレベル、その理論と実践、法律と基礎を研究することは理にかなっています。この記事では、いくつかの質問に対する回答のみを提供します。音楽は、学ぶのに非常に長い時間がかかる芸術です。

音楽コンテンツの本質とは何か（2時間）

一般化は音楽コンテンツの最も重要な特性です（パート I の例を使用）月光ソナタ L.ベートーベン）。

音楽素材:

L.ベートーベン。ピアノのためのソナタ第14番。パート I (リスニング); パート II と III (教師のリクエストによる);
L.ベートーベン。交響曲第7番第I部と第II部（教師のリクエストによる）。
L. ベートーベン、E. アレクサンドロワによるロシア語のテキスト。「友情」（歌）。

活動の説明:

音楽作品のコンテンツを具体化する方法を分析します。
内容と形式の統一性の観点から音楽作品を認識し、評価します（教科書に示されている基準を考慮して）。
西ヨーロッパ音楽（ウィーン古典主義の時代）の優れた例をマスターします。

音楽の内容を理解しようとする場合、論理的な法則や分析方法は無力です。私たちが音楽を信じているのは、あらゆる論理に反して、否定できず明らかに音楽が私たちに影響を与えているからだけです。自分の中に存在するものを信じないことは可能でしょうか？

音楽コンテンツに含まれる謎について考えなければならなかった人なら誰でも、おそらく感じたことがあるでしょう。音楽は、私たちの経験や人生の知識よりも計り知れないほど広く豊かな何かについて私たちに教えてくれます。

たとえば、ベートーベンの「月光」ソナタを聴くと、次のような絵が想像できます。月夜: 特定の地域、特定の風景の一夜だけではなく、神秘的なざわめきと香りを伴う月夜の精神、無限に広がる星空広大な、神秘的な。

しかし、この仕事の内容は景観協会に限定されたものなのでしょうか？結局のところ、このソナタを聴くと、報われない愛、別離、孤独、人間の悲しみのすべての憂鬱な苦しみを想像することができます。

そして、これらすべての異なるアイデアは、ベートーヴェンのソナタの性格、つまり集中した瞑想的な雰囲気と矛盾するものではありません。それは、月夜の悲しみだけでなく、世界のすべての悲しみ、すべての涙、苦しみ、憂鬱について、私たちに悲しみを教えてくれるからです。そして、この苦しみを引き起こす可能性のあるすべてのものは、誰もが自分の精神的経験を推測するソナタの内容の説明になる可能性があります。

皆さんのほとんどはムーンライトソナタを知っていて、本当に愛しています。これは何度聞いても魔法の音楽、彼女はその美しさで私たちを魅了し、彼女の中に具現化された感情の強力な力で私たちを深く興奮させます。
このソナタの音楽の抗しがたい衝撃を体験するには、それがどのような生活環境で作曲されたのかさえ分からないかもしれません。ご存知ないかもしれませんが、ベートーヴェン自身がこの曲を「幻想ソナタ」と呼び、「ルナール」という名前は、作曲家の死後、ベートーヴェンの友人の一人である詩人ルートヴィヒ・レルシュタブの軽い気持ちでこの曲に付けられました。で詩的な形式レルシュタブはソナタの最初の部分で、月明かりの夜、静かな湖面、そして静かに航行するボートの絵を見た、と述べた。
今日このソナタを聴いていただければ、そのような解釈はベートーヴェンの音楽の実際の内容からはかけ離れたものであり、「月光」という名前は、私たちがどれほど慣れ親しんでいても、まったくそのようなものではないということに同意していただけると思います。この音楽の性格と精神に対応しています。
そして、その音楽が作成された実際の状況、したがって作曲家がそれを作成したときにどのような考えや感情を抱いていたのかを知っている場合、その音楽に何らかの独自のプログラムを「追加」する必要さえあるのでしょうか。
さて、あなたが知っているなら、少なくとも、概要、「月光ソナタ」誕生の歴史を知ると、これまでとは異なる聴き方や捉え方をされることは間違いありません。
ベートーベンが経験し、ハイリゲンシュタットの遺書に記された深い精神的危機についてはすでに話しました。それはこの危機の前夜であり、間違いなくベートーヴェンの人生において彼にとって重要な出来事が起こり、それがさらに近づき、より鮮明になった。ちょうどこの時、難聴が近づいていると感じたとき、彼は人生で初めて、真の愛。彼は、魅力的な教え子である若い伯爵夫人ジュリエッタ・グイチャルディを将来の妻として考えるようになりました。「...彼女は私を愛しています、そして私も彼女を愛しています。この2年間で初めての明るい瞬間だ」とベートーベンは医師に手紙を書き、愛の幸福が恐ろしい病気を克服する助けになることを願った。
そして彼女は？貴族の家庭に育った彼女は、有名ではあるが身分が低く、耳が聞こえない教師を軽蔑していた。「残念ながら、彼女は別の階級に属しています」とベートーベンは認め、自分と最愛の人の間にある溝を悟った。しかし、ジュリエットは彼女の優秀な教師を理解できませんでした。彼女はあまりにも軽薄で表面的でした。彼女はベートーヴェンに二重の打撃を与えました。彼女はベートーヴェンから背を向け、凡庸な作曲家ではあるが伯爵であるロバート・ガレンベルクと結婚しました。
ベートーベンは偉大な音楽家であり、偉大な人物でした。巨大な意志、力強い精神、崇高な思想と深い感情を持った男。彼の愛、苦しみ、そしてこの苦しみを克服したいという願望がどれほど大きかったか想像できますか。
「月光ソナタ」は、彼の人生のこの困難な時期に制作されました。本当のタイトル「Sonata quasi una Fantasia」、つまり「幻想のようなソナタ」の下で、ベートーヴェンは「ジュリエッタ・グイチャルディ伯爵夫人に捧げます」と書きました。
今すぐこの音楽を聴いてください！耳だけでなく心で聴いてみてください！そしておそらく今、あなたは最初の部分で、これまで聞いたことのないような計り知れない悲しみを聞くでしょう。
2番目の部分では、彼らはこれまで気付かなかったほど明るく、同時にとても悲しい笑顔でした。
そして最後に、フィナーレでは、激しく沸騰する情熱、悲しみと苦しみの束縛から抜け出したいという信じられないほどの願望、それは真の巨人だけができることです。ベートーベンは、不幸に見舞われながらも、その重みに屈しなかった、まさに巨人でした。
「月光ソナタ」は、私たちをベートーヴェンの悲しみと苦しみの世界、そして一世紀半以上にわたって何百万人もの人々の心を揺さぶり続けてきたベートーヴェンの最も深い人間性に、私たちを近づけてくれました。本物の音楽。

同様に、楽しい音楽は、世界のあらゆる喜び、人々を笑わせ、楽しませるあらゆるものを私たちに明らかにします。

喜びのテーマは、有名な第九交響曲を含むベートーベンの多くの作品で聞かれます。そのフィナーレでは、ベートーベンは（交響楽史上初めて！）合唱団とソリストが力強い賛美歌を歌うことを導入しました。喜び」とシラーの言葉を伝えた。
しかし、交響曲第 7 番は、苦闘の終わりとしてではなく、困難や障害を克服する過程ででもなく、あたかもこの勝利の喜びをもたらした苦闘が終わったかのように、喜び、恍惚、熱狂的な喜びが生じるベートーベンの数少ない作品の 1 つです。私たちが見たことも聞いたこともない、以前のどこかにあります。
しかし、現実の生活の複雑さや移り変わりを忘れて、軽率に要素の喜びの力に身を委ねていたら、ベートーベンはベートーベンではなかったでしょう。
第 7 交響曲は、ベートーベンの他のほとんどの交響曲と同様、4 つの楽章から構成されています。これらの楽章の最初の楽章には、長くゆっくりとした序奏が続きます。多くの批評家は、この序文の中に、ベートーヴェン自身がよく語った自然への愛の響きを感じました。たとえば、彼が作曲するのに最適であると考えた交響曲第 6 番では、多くのことが自然と結びついています。私自身の言葉で、彼はカッコウ、コウライウグイス、ウズラ、ナイチンゲールに助けられました。
交響曲第7番の序奏で、自然の朝の目覚めの情景を聞くのは確かに難しいことではありません。しかし、ベートーベンのすべての作品と同様に、ここの自然も力強く、太陽が昇ると、その最初の光線が明るく燃えるような光で周囲すべてを照らします。あるいは、これらもまた、明らかに簡単ではなかったにもかかわらず起こったあの闘争の遠い残響なのかもしれません...
しかし今、序奏は終わり、ベートーベンは文字通り私たちに喜びの要素をもたらします。交響曲の 3 つの部分がこれで満たされています。もし音楽の強さ、音楽によって表現される感情の強さを測ることができるそのような道具があったとしたら、ベートーベンの交響曲第 7 番だけでも、おそらく多くの人が集めたすべての作品には見られないほどの喜びを見つけることになるでしょう。他の作曲家たち。
何という芸術の奇跡、そして、お望みなら人生の奇跡でもあるのでしょう。人生にまったく喜びがなかったベートーベン、かつて絶望の中でこう言ったベートーベン、「ああ、運命よ、せめて一日だけ純粋な喜びを私に与えてください！」 - 彼自身がその芸術によって、今後何世紀にもわたって人類に深淵の喜びを与えました。
実際、これは奇跡ではないでしょうか。計り知れない苦しみを熱狂的な喜びに溶かし、死んだ聴覚障害者からまばゆいばかりの明るい音を生き返らせることです!...
しかし、交響曲第 7 番の 3 つの楽しい楽章は、第 1 楽章、第 3 楽章、第 4 楽章です。そして二番目は？
ベートーベンはここで、彼自身の困難な個人的経験から学んだ人生の真実に忠実であり続けました。これまで交響曲第 7 番を聞いたことがない人でも、第 2 楽章の音楽はおそらく聞き覚えがあるでしょう。これは悲しい音楽です。歌というほどではなく、行進曲というほどでもありません。この曲には、ベートーベンの葬送行進曲でよく聞かれる英雄的な音符や悲劇的な音符は含まれていません。しかし、この曲は非常に誠実で心からの悲しみに満ちているため、私たち全員にとって大切な傑出した人々の葬儀の悲痛な日に、民葬の儀式でしばしば演奏されます。
この楽章の途中に登場する軽いエピソード（本質的には、半世紀後に書かれたショパンの葬送行進曲でも同じことが起こっている）によっても、この音楽全体の悲しげな雰囲気が損なわれるわけではない。
交響曲全体のこの部分は、あたかも「私たちは皆、喜びを求めて努力している、喜びは素晴らしい！」と言っているかのように、驚くべき人生のような真実味を与えます。しかし、悲しいことに、私たちの人生は喜びだけでできているわけではありません...
交響曲の初演の際、観客の要望に応えてこの部分が二度反復された。この部分は、ベートーベンの音楽の中で最も美しく人気のあるページの 1 つです。 （D.B.カバレフスキー。青少年のための音楽についての会話）。

音楽には世界の同様の現象をすべて一般化する能力があり、あらゆる状態を音で表現することで、常に一人の人間の魂の体験を超えた計り知れない以上のことを与えることがわかります。

喜びも悲しみもすべて素晴らしい奇跡、ファンタジーのすべての豊かさ、人生の理解できない深みに隠されているすべての神秘的で魔法的なもの-これらすべてが音楽に含まれており、目に見えない、素晴らしい、隠されたものの主な指数です。

質問とタスク:

喜び、悲しみ、怒り、喜びなど、人間の基本的な感情を体現する、あなたが知っている音楽作品を挙げてください。
これらの詩を聞いてください。ベートーベンの月光ソナタのイメージに一番合うのはどれだと思いますか？あなたの選択を説明してください。

プレゼンテーション

含まれるもの:
1. プレゼンテーション、ppsx;
2. 音楽の音:
ベートーベン。交響曲第7番：
パート 1。ポコ・ソステヌート・ヴィヴァーチェ、mp3;
パート 2。アレグレット、mp3;
ベートーベン。交響曲No. 9、歓喜の歌（フィナーレ）、mp3;
ベートーベン。ソナタ第14番：
パート 1。アダージョ・ソステヌート（交響楽団と交響楽団の2バージョンの演奏）ピアノ)、mp3;
パート 2。アレグレット (ピアノ)、mp3;
パート 3。プレスト・アジタート（ピアノ）、mp3;
3. 群れ、docx に同行します。

音楽は、時間の中で音と沈黙が混ざり合った最終結果として、感情的な雰囲気、それを書いた人の微妙な感情を伝えます。

一部の科学者の研究によると、音楽は心理的および心理的影響の両方に影響を与える能力を持っています。体調人。当然のことながら、そのような音楽作品には、作成者が意図的または無意識的に定めた独自の性格があります。

テンポとサウンドによって音楽の性質を決定します。

V.I.ペトルシンの作品から、ロシアの音楽家と教育心理学者の意見を聞くと、この作品の音楽的キャラクターの次のような基本を強調できます。

サウンドとスローなテンポが切なさの感情を伝えます。このような音楽は、取り返しのつかない輝かしい過去に対する後悔を内に秘め、悲しみと落胆を伝える悲しい音楽と言えます。
音とゆっくりとしたテンポが、安らぎと満足感を伝えます。キャラクター音楽この場合、それは平和、熟考、バランスを体現しています。
短調の響きと速いテンポが怒りの感情を暗示します。音楽の特徴は、情熱的で興奮しており、非常にドラマチックであると言えます。
大きな色彩と速いテンポは間違いなく喜びの感情を伝え、楽観的で人生を肯定し、陽気で歓喜に満ちた性格によって示されます。

ダイナミクス、音色、ハーモニーの手段などの音楽の表現力の要素は、感情を反映するために非常に重要であり、作品の音楽的特徴の伝達の明るさはそれらに大きく依存することを強調する必要があります。実験を行って、同じメロディーを長音か短音か、速いテンポか遅いテンポで演奏すると、そのメロディーはまったく異なる感情を伝えることになるため、一般的な性格楽曲が変わります。

音楽の性質とリスナーの気質との関係。

作品を比較してみるとクラシックの作曲家現代の巨匠の作品を参照すると、音楽の色彩の発展における特定の傾向をたどることができます。ますます複雑かつ多面的になっていきますが、感情的な背景や性格は大きく変わりません。したがって、音楽作品の性質は、時間が経っても変化しない不変のものです。 2〜3世紀前に書かれた作品は、同時代の人々の間で人気があった時期と同じ影響をリスナーに与えます。

人は気分だけで聴く音楽を選ぶのではなく、無意識のうちに自分の気質を考慮して聴く音楽を選ぶことが明らかになりました。

メランコリック – スローマイナー音楽、感情 – 悲しみ。
コレリック – マイナー、速い音楽 – 感情 – 怒り。
無気力 – ゆっくりとしたメジャーな音楽 – 感情 – 穏やか。
Sanguine – 長調、速い音楽 – 感情 – 喜び。

絶対にすべての音楽作品には独自の性格と気質があります。それらはもともと、作成時の感情や感情に導かれて、作者によって定められました。しかし、知覚は主観的であり、聞き手の個人的な気質に基づいた感覚や感情のプリズムを通過するため、聞き手は必ずしも作者が伝えたかったことを正確に解読できるとは限りません。

現代の心理学および教育学の文献では、音楽の知覚は「内省の過程、つまり人の心の中に音楽的なイメージが形成されること」と考えられています。このプロセスは、知覚された作品に対する評価的な態度に基づいています。」

音楽知覚には別の定義があります。それは、「音楽を適切に反映し、音楽素材の実際の知覚（知覚）と、音楽および一般的な生活経験（知覚）、認知、感情経験、および音楽の評価からのデータを組み合わせることを目的とした複雑な活動」です。仕事"

音楽の知覚は複雑で、精神的に複数の要素から構成されるプロセスです。単純な物理的聴覚を持つ人なら誰でも、音楽が再生されている場所と、さまざまな物体、機械、その他の物体によって発生する単なるノイズがある場所を判断できます。しかし、誰もが音楽の音の中で最も微妙な経験の反映を聞くことができるわけではありません。

その上、音楽的認識- 歴史的、社会的、時代の概念。それは、音楽作品、一般的な歴史、人生、ジャンルを伝える文脈、認識の外部および内部条件といった決定要因のシステムによって決定されます。年齢や性別によっても決まります。音楽の認識は作品のスタイルとジャンルに影響されます。たとえば、パレストリーナのミサ曲は、ショスタコーヴィチの交響曲やソロヴィヨフ＝セドフの歌とは異なる聴き方で聴かれます。歴史あるフィルハーモニーホール、特にホールでは音楽の捉え方が異なります。アカデミックチャペル彼ら。 M.I. グリンカ、または文化とレクリエーションの公園のオープンステージで。そしてそれはそれだけではありません音響特性これらのコンサート会場だけでなく、コンサートの構造や装飾など、リスナーの中に醸し出される雰囲気やインテリアなども同様です。劇場ホールこれは建築の最も難しいタスクの 1 つであり、応用芸術。コンサートホールを花で飾り、絵画、彫刻などが並外れたものを演出します有益な影響音楽的な認識について。

音楽的知覚を発達させるということは、特別な方法で編成された音の演奏を通じて、作曲家が表現した感情や気分に共感することをリスナーに教えることを意味します。これは、非言語コミュニケーションの言語で表現されたアイデアやイメージに対する積極的な共同創造と共感のプロセスにリスナーを参加させることを意味します。これは、アーティスト、ミュージシャン、作曲家、または演奏家が特定の美的効果を達成する手段を理解することも意味します。活動に加えて、音楽の知覚は、精神的能力を含む人間の精神に有益で発展していく影響を明らかにする多くの性質によって特徴付けられます。

音楽の知覚は、他に類を見ない、その鮮やかな感情とイメージによって区別されます。様々な面に影響を及ぼします感情領域。音楽言語の抽象性にもかかわらず、音楽の内容は多様で、そのイメージは鮮やかです。そして、彼らの知覚の特異性は、これらのイメージの厳密な固定性にあるのではなく、その可変性にあります。生殖的思考の働きは、音楽の知覚とその固有の評価活動に関連しています。

音楽認識の詳細について言えば、次の違いを理解する必要があります。聴覚音楽、聴覚音楽と感知音楽。音楽を聴くということは、音楽だけに注意を集中することを意味するものではなく、聴くことはすでに音楽に注意を集中することを必要とし、知覚は音楽の意味を理解することに関連しており、知的機能を含めることを必要とします。さらに、音楽が複雑で大規模であればあるほど、それを知覚する際に人はより激しい知的作業を必要とします。音楽を聴くこととその知覚の間の中間段階は、コミタット知覚、一種の「軽量」知覚、「半耳」です。これが何千年もの間支配的でした。

本格的な音楽認識の形成は、多角的に相互に関連した複雑なプロセスを証明しています。第一に、人の知的成長について、第二に、その人の基本的な能力すべての向上についてです。音楽的能力、第三に、についてハイレベル発達音楽芸術、その頂点は古典的なソナタと交響曲の出現でした。交響曲やソナタなどのジャンルの認識には、最大の知的努力と集中力が必要です。

音楽認識の発達はあらゆるタイプのプロセスで起こります音楽活動。たとえば、曲を学ぶには、まず曲を聞かなければなりません。歌を演奏するときは、メロディーのイントネーションの純粋さとサウンドの表現力に耳を傾けることが重要です。音楽に合わせて、そのリズミカルでダイナミックなテンポの変化や展開をたどり、作品に対する姿勢を動きで伝えます。

音楽を知覚する過程では、いくつかの段階に分けることができます。

これから聴こうとしている作品への関心を高め、その認識に対する態度を形成する段階。

リスニングステージ

理解して体験する段階では、

解釈と評価の段階、

段階の順序は変化する可能性があり、ある期間の認識が別の期間と融合する可能性があるため、分割は条件付きであることに気づきます。

音楽認識のプロセスを分析すると、それを表裏一体の 2 つの活動面で想像できます。関連する友人友人と - それ自体の認識と音楽のアイデア、つまり完成イメージ動作します。音楽を繰り返し知覚（反復）することによってのみ、人は作品の本格的な全体的なイメージを形成することができます。音楽を繰り返し認識する過程で、聴覚動作とその調整の程度は常に改善されます。初めて聞くとき、認識の主な作業は、すべてをおおよそカバーすることです。音楽的に個々の断片を強調した作品。繰り返し聴く過程で、以前に形成されたアイデアに基づいて、音楽活動の構造に予測と期待が現れ始めます。リスナーは何が鳴っているかを比較します。現時点で以前に知覚された、それ自体の連想シリーズとの時間。最後に、合成による詳細な分析に基づくその後の認識のプロセスで、音楽素材の合理的かつ論理的な習得、その感情的な意味の包括的な理解と経験が発生します。

上記から、音楽の知覚は特定の特性によって特徴付けられることが明らかにわかります。それらの中には、特に音楽の知覚に特化したもの (感情、イメージ) もあれば、あらゆるタイプの知覚に共通のもの (完全性、意味、選択性) もあります。

音楽の認識について言えば、次のような不可欠な要素を無視することはできません。感情。美的感情は美の経験として理解されます芸術的なイメージ、音楽によって呼び覚まされる感情、思考。音楽の美的認識は常に感情的なものであり、感情なしでは考えられません。同時に、感情的な認識は美的ではない可能性があります。音楽を聴いているとき、人はその美的内容について考えることなく、単にその気分に「屈」したり、音楽に「感染」したり、ただ幸せになったり悲しくなったりすることができます。一定の知識と音楽的知識を得て、音楽とコミュニケーションする経験を積むための目的を持った活動の結果として、徐々に初めて、彼は音楽作品の美的側面を強調し、音楽の響きの美しさと深さに気づき、認識し始めます。。

時には、その美的経験が非常に強く鮮やかであり、人は大きな幸福感を感じることがあります。「作曲家D.ショスタコーヴィチが定義したこの感覚は、音楽の影響下で、これまで眠っていた魂の力が人の中に目覚め、それを認識するという事実から生じます。」

もう一つ特徴的な性質音楽的な認識は 誠実さ。人はまず音楽を全体として認識しますが、これは個々の要素の表現力の認識に基づいて行われます。音楽スピーチ: メロディー、ハーモニー、リズム、音色。知覚される音楽イメージは、さまざまな手段が複雑に結合したものです音楽的な表現力、特定のことを伝えるために作曲家によって創造的に使用されています。芸術的なコンテンツ。芸術的な音楽イメージは常に総合的に人によって認識されますが、各個人の発達レベルに応じて完成度と差別化の程度は異なります。

「音楽認識の完全性という概念は、その完全な区別という概念には不十分です。当然のことながら、準備ができていないリスナーは、プロの音楽家のように、音楽イメージを作成する手段のシステム全体を適切に認識することはできません。それにもかかわらず、彼は作品の中にその全体的なイメージ、つまり作品の雰囲気、性格を認識しています。

一般的な知覚、特に音楽的知覚の最も重要な (最も重要ではないにしても) 要素の 1 つは次のとおりです。 意味深さ。心理学者は、思考の参加なしでは、認識されているものの認識と理解なしでは、認識は不可能であると主張します。 V.N. シャツカヤは、「音楽作品の基本的な認識とは、音楽、そのアイデア、経験の性質などすべてに対する美的評価と認識に関連する認識を意味します」と書いています。表現手段、音楽的なイメージを形成します。」

音楽の認識における感情と意識の統一に関する理論は、ロシアの科学者の研究にも見られます。それを最初に策定した人の一人が B.V. アサフィエフ。「多くの人が音楽を聴きます」と彼は書いています。「しかし、それを聴く人、特にインストゥルメンタル音楽を聴く人はほとんどいません。器楽夢を見るのはいいことだ。芸術を鑑賞するような方法で聞くということは、すでに強い注目を集めているということです。精神的な仕事、憶測です。」音楽の知覚と演奏における感情と意識の統一は、音楽教育学の基本原則の 1 つです。

論理は音楽の認識において重要な役割を果たします。考え。そのすべての操作 (分析、合成) と形式 (判断、推論) は、音楽イメージの認識と音楽表現手段を目的としています。それがなければ、音楽認識のプロセスは起こりません。

音楽を認識するための最も重要な思考操作の 1 つは、比較。音楽の認識の基礎、つまり音楽の「成り立ち」はまさに、たとえば、ある作品の前後の音のイントネーションや、異なる作品で繰り返される複合協和音を比較するプロセスです。

本質的に重要なのは、分類と一般化の操作であり、音楽を特定のジャンルやスタイルに分類するのに役立ちます。非常に理解しやすくなります。思考形式 - 判断と推論 - は、特定の音楽作品の評価、プロセス全体の基礎となります。芸術教育そして音楽文化一般的に。

選択性知覚力は、イントネーションの表現力を把握し、メロディーや音楽テーマの展開を追う能力として現れます。音楽知覚の選択性については、より広い意味で、どちらかの好みとして話すことができます。音楽スタイル、ジャンル、特定の音楽作品。この場合、知覚の選択性が芸術的センスの形成の基礎であると考えることができます。

音楽知覚の特性としての選択性は、特に子供においてはまだ十分に研究されていません。大衆教育学的観察や調査によると、大多数の子供たちは「本格的な」音楽よりも「軽い」音楽を好みます。しかし、この現象は科学的に説明されていません。なぜ子供たちが一部の作品を好きで理解し、他の作品を退屈で理解できないとして拒否するのかは明らかではありません。

音楽的な認識というのは、複雑なプロセスこれは、現実の芸術的かつ比喩的な反映としての作品の音楽内容を聞いて体験する能力に基づいています。知覚の過程で、リスナーは「慣れ」ているように見えます。音楽の画像動作します。ただし、音楽の雰囲気を感じることがすべてではなく、作品のアイデアを理解することが重要です。適切な思考と感情の形成、アイデアの理解は、彼の感情の活性化によってリスナーに生じます。音楽的思考、それは一般的および音楽的発達のレベルによって異なります。

音楽知覚のプロセスの分析を要約すると、知覚を発達させる必要性が、子供の聴衆と直接仕事をしている現役の音楽学者によって繰り返し注目されてきたことは注目に値します。音楽的知覚の発達は、生徒の音楽経験を拡大および強化し、思考を活性化します。重要な条件思考能力の発達は、直接的な感情の知覚です。この後初めて、作業の詳細な分析に進むことができます。

したがって、知覚の特殊性を考慮して音楽を「聴く」ことを正しく組織することは、音楽活動の活性化、興味の発展、音楽の趣味学生たち、そしてその結果、音楽文化が徐々に形成されていきました。

音楽教育における知識、技術、能力の習得は、芸術的な素材。あらゆる種類の活動における音楽作品の認識は、本質的に常に独創的で創造的です。創造的な学習活動は、知識の獲得、スキルと能力の開発のプロセス全体に浸透する必要があるため、学習の独立した要素として目立つものではありません。

上記に関連して、音楽教育の内容の要素は次のとおりです。 - 音楽（つまり、音楽自体）に具体化された、現実に対する人の感情的および道徳的態度の経験。音楽素材"); - 音楽の知識; - 音楽スキル - 音楽スキル。

選定基準音楽教育の内容の主な構成要素である音楽教材は次のとおりです。

芸術性。

子供にとって楽しくてアクセスしやすい。

教育上の実現可能性。

教育的価値（形成の可能性）道徳的理想そして学生たちの美的センス。

音楽の知識。音楽芸術を理解するための基礎は、次の 2 つのレベルの知識です。1) 音楽芸術の全体的な理解の形成に貢献する知識。 2) 特定の音楽作品の認識に役立つ知識。

最初のレベルの知識は、社会現象としての音楽芸術の性質、社会におけるその機能と役割を特徴づけます。公生活、美的基準。

2 番目のレベルは、次の知識です。重要な機能音楽言語、音楽の構築と発展のパターン、音楽表現の手段。

音楽科学のこれらの規定は、音楽に関する知識の選択へのアプローチを決定しました。彼らによれば、D.B. カバレフスキーは、音楽教育の内容における一般化された（「鍵」）知識を特定しました。これは音楽芸術の最も一般的な現象を反映する知識です。それらは、音楽と生活の間の典型的で安定したつながりを特徴づけており、子供の音楽発達のパターンと相関しています。音楽芸術とその個々の作品を理解するには、重要な知識が必要です。

学校の音楽教育の内容において、2番目の知識グループは通常「プライベート」と呼ばれる知識と相関関係があります（D.B.カバレフスキー）。それらは主要なものに従属します。このカテゴリには、音楽スピーチの個々の特定の要素 (ピッチ、メトロリズム、テンポ、ダイナミクス、モード、音色、アゴジクスなど) に関する知識が含まれます。略歴作曲家、演奏家について、作品創作の歴史、知識について楽譜等

音楽的スキル。音楽に対する認識は、学童における音楽文化の形成の基礎です。その本質的な側面は認識です。知覚は知識と密接に関係しており、芸術的鑑賞も含まれます。作品の美的評価を与える能力は、学生の音楽文化の指標の 1 つとして役立ちます。認識はあらゆる種類のパフォーマンスの基礎です。音楽に対する感情的かつ意識的な態度がなければ、評価なしには不可能であるからです。

したがって、音楽を知覚する過程で知識を実際に適用する学生の能力は、音楽スキルの形成に現れます。

「鍵」の知識はあらゆる音楽に活かされます教育活動したがって、彼らに基づいて形成されたスキルは主要なスキルとみなされます。

主要な音楽スキルに加えて、特定の音楽スキルも区別され、特定の活動形式でも形成されます。

「プライベート」スキルの中では、次の 3 つのグループに区別できます。

音楽スピーチの個々の要素 (ピッチ、リズム、音色など) の知識に関連するスキル。

アプリケーションに関連するスキル音楽の知識作曲家や演奏家について、楽器等。;

楽譜の知識に関連するスキル。

したがって、指導的および個人的なスキルは、重要な個人的な知識だけでなく、さまざまな形の音楽教育活動とも相関関係があります。

音楽的スキル学童の教育音楽活動と直接関係があり、特定の音楽演奏技術を使用して演奏します。演奏スキルも音楽的認識に基づいて形成されます。これらを習得しなければ、学習内容を完全に吸収することはできません。

主題 6:

音楽教育の概念と音楽プログラム D.B. カバレフスキーの過去と現在

1. 一般的な特性

20世紀の70年代までに、国内の教育学は学童の音楽教育の分野で豊富な経験を蓄積しました。同時に、学童の音楽文化の形成に明確な方向性を与える、統一された一般化された概念を作成する必要があります。

辞書によると、概念とは、現象に関する見方の体系、この現象を見るための主な視点、主要な考え方などです。

率いる若い科学者のグループ有名な作曲家そして公人ドミトリー・ボリソビッチ・カバレフスキー。この概念とプログラムは、1973 年から 1979 年にかけて、RSFSR の教育省学校研究所の研究室で開発されました。このコンセプトの主なアイデアは、音楽プログラムの前にある記事「中等学校のための音楽プログラムの基本原則と方法」に具体化されています。番組自体が出てきた小規模版「実験的」というメモが付いています。同時に、プログラムの音楽的サポートのために音楽アンソロジーが出版され、また、プログラムのすべての作品の録音を含む音声聴覚療法も出版されました。プログラムの実験的テスト中、モスクワの学校の1つでの音楽の授業はカバレフスキー自身によって教えられました。この授業はテレビで放映されました。 D.B. が書いた子供向けの本「About Three Whales and Much More」も全国に広く配布されました。子供向けのカバレフスキー。

大人数向け、1～3年生向けの音楽プログラム（レッスン付き）方法論の発展) は 1980 年にリリースされ、4 年生から 7 年生向けは 1982 年にリリースされました。

カバレフスキーのプログラムは我が国で今でも広く使用されています。新しい音楽番組開発の出発点となります。ただし、近年このプログラムはますます批判の対象となっている。同時に、彼女には多くの支持者もいます。時代遅れで不適切であると考えるのは違法であるようです。

このコンセプトは、画期的な私たちの文化。彼女は吸収した最高の体験また、美術史と社会生活のあらゆる側面の両方において、多くの質的に新しいプロセスが出現することも予期していました。すなわち、精神文化を保存し育成したいという願望、普遍的な人間の価値観の優先順位の認識です。このコンセプトには大きな発展の可能性があります。本質を維持しながら、この開発は次の方向性を持っています。

芸術的教訓と芸術教育学の理論の発展。

番組の音楽素材の正当性。

番組の音楽素材の拡充。

即興演奏、ボーカル、インストゥルメンタルの音楽制作の役割を拡大。

民間伝承、神聖な音楽、現代民俗のサンプルでレッスンを充実させる音楽的創造性等

の 1 つ最も重要なタスク DBプログラムの下で働く教師カバレフスキー - 人間主義的な概念のアイデアを開発すること。その内容に沿って教育プロセス異なる文化間の精神的な対話です。その内容は、芸術そのものを通じて、子供たちに現実に対する道徳的かつ美的態度を植え付けるプロセスになります。芸術活動芸術における彼の「人生」としての子供、個人としての彼自身の創造、彼自身への視線。

したがって、このコンセプトの内容を、音楽を通じて、経験、感覚、印象を通じて子どもの精神性を形成するプロセスとして理解すると、プログラムには更新すべき点は何もないと主張できます。

プログラムのコンテンツの更新が、音楽素材、音楽とのコミュニケーション方法などの更新として話される場合、このプロセスは、一定であり、必要であり、自然であるという概念に固有のものです。

このプログラムは、音楽素材を置き換えることができるという事実と、プログラムを実施する際に、実践的な音楽制作の方法や形式を選択する際に教師の創造的なアプローチが必要であるという事実に焦点を当てています。

1994年出てきた新版バーダーとセルゲイワが作ったプログラム。再発行の主な目的は、内容のイデオロギー的な内容を排除し、教師が授業計画に創造的なイニシアチブを発揮できるようにすることだ。したがって、この版では音楽素材が変更され、レッスンベースの方法論的展開は削除されました。

2. 音楽プログラムの目的、目的、原則および基本的な方法

DBのリーダーシップの下で開発されました。カバレフスキー

音楽レッスンの目的 V 中等学校– 一般的な精神文化の必要な一部として学童の音楽文化を育成する。

主要なタスク: 1) 音楽の認識に基づいた音楽に対する感情的な態度の形成。 2）音楽に対する意識的な態度の形成。 3) まず第一に、演奏の過程において音楽に対する積極的かつ実践的な態度を形成すること。合唱一番としてアクセシブルなフォーム音楽を演奏しています。

プログラムの基本原則:

音楽そのものの法則に頼って、生きた芸術としての音楽を研究する。

音楽と人生のつながり。

音楽教育への関心と情熱。

感情と意識の統一。

芸術的かつ技術的な融合。

音楽番組のテーマ構成。

最後の原則に従って、各四半期には独自のテーマがあります。徐々に複雑になり、深みが増し、レッスンごとに明らかになります。クォーターとステージ（学年）の間には連続性があります。すべての二次的な、二次的なトピックは主要なトピックに従属しており、それらと関連して学習されます。各四半期のトピックは 1 つの「重要な」知識に対応します。

プログラムの基本的な手法。プログラム全体の主要な方法は、主に目標を達成し、コンテンツの同化を組織することを目的としています。それらは、芸術のレッスンとしての音楽レッスンにおける音楽学習のプロセスの完全性の確立に貢献します。つまり、規制、認知、および制御を実行します。コミュニケーション機能。これらのメソッドは他のすべてのメソッドと相互作用します。

方法音楽の一般化 。各トピックは本質的に一般的なものであり、あらゆる形式と種類の活動を結び付けます。このトピックは一般化する性質のものであるため、一般化の方法によってのみ習得することができます。学生は音楽的認識に基づいた一般的な知識を習得します。この方法まず第一に、音楽的思考の形成において、子供たちの音楽に対する意識的な態度を育むことを目的としています。

音楽の一般化の方法は、音楽に関する重要な知識を習得し、指導的なスキルを開発することを目的とした生徒の活動を組織する累積的な方法の形で現れます。

このメソッドには、次のような一連のアクションが多数含まれています。

1回目のアクション。課題は、その音楽と音楽を活性化することです。人生経験学童、トピックを紹介したり深めたりするために必要です。準備段階の期間は、一般化された知識の性質によって決まります。準備期間は生徒の音楽経験のレベルによっても異なります。重要なことは、十分な聴覚経験に頼らずに、そのトピックを形式的に研究できないようにすることです。

2番目のアクション。目的は新しい知識を導入することです。生産的な性質のテクニック、つまり検索状況を整理するためのさまざまなオプションが最も重要です。検索プロセスでは、次の 3 つの点が際立っています。1) 教師によって明確に定式化された課題。 2) 徐々に生徒と一緒に、誘導的な質問の助けを借りて問題を解決し、何らかのアクションを組織します。 3) 最終的な結論。生徒自身が作成し、宣言する必要があります。

3 番目のアクションは、知識の統合に関連しています。さまざまな種類獲得した知識に基づいて音楽を独自にナビゲートする能力の形成を伴う教育活動。この行動の実行には、生産的および生殖的な性質のさまざまな技術の組み合わせの使用が含まれます。

取材した内容を「先へ走る」「戻る」方法。プログラムの内容は、相互に関連するトピックのシステムです。教師と生徒の心の中にあるレッスンが、テーマ全体とプログラム全体のリンクとして機能することが重要です。教師は、一方では、次のトピックに向けて常に基礎を準備する必要があり、他方では、新しいレベルで理解するために、取り上げられている内容に常に戻る必要があります。

このメソッドを実装するとき、教師の仕事は、特定のクラスに最適な「実行」と「戻り」のオプションを選択することです。ここには 3 つのレベルの接続があります。

1. 学習段階間のつながり 2. クォーターのトピック間のつながり。 3. プログラムのトピックを研究する過程での特定の音楽作品間のつながり。

感情的なドラマツルギーの手法。レッスンは主に 2 つの感情の原則に従って構成されています。感情のコントラストと、レッスンのいずれかの感情のトーンを一貫して豊かにし、発展させることです。

これに基づいて、プログラムで提案されているレッスン構築の原則を、特定の条件、音楽のレベル、および音楽のレベルと関連付けることが課題となります。一般的な開発学生たち。

感情的なドラマツルギーの方法は、主に音楽に対する学童の感情的な態度を活性化することを目的としています。それは、音楽の研究に対する情熱と強い関心の雰囲気を作り出すのに役立ちます。この方法では、必要に応じて、レッスンの特定の条件に従って、レッスンのために計画された一連の作業（その開始、継続、最高潮、つまりレッスンの特に重要な瞬間、最後）を明確にすることができます。

最良の条件を見極めることが重要このクラスの音楽活動（アクティビティ）の形式と種類の組み合わせ。

教師の個性（音楽の演奏、判断力、生徒を評価する際の客観性などに表れる、その科目に対する情熱）は、教室での児童の活動を強化する強力な動機として機能します。