方法論的開発「中学生の音楽的想像力の発展」。 基礎研究 音楽的思考の構造

音楽的思考の特異性と独創性は、音楽的能力の発達の程度、および人が暮らし、育つ音楽環境の条件によって異なります。

特に東洋と西洋の音楽文化の違いに注目してみましょう。

東洋の音楽はモノディックな思考を特徴としています: 80以上の多数のモード傾向、4分音、18音、滑るように旋律を変える、リズム構造の豊かさ、音の非平均律関係、音色と旋律の多様性を使用した音楽的思考の水平方向の発展。

ヨーロッパの音楽文化は同音調和的思考を特徴としています: ハーモニーシーケンスの動きの論理とこれに基づく合唱とオーケストラのジャンルの発展に関連した音楽的思考の垂直的発展。

音楽的思考は古くから研究されてきました。 したがって、ピタゴラスがモノコードの実験中に発見した楽音の相関関係のシステムは、音楽的思考の科学の発展の始まりを示すものであると言えます。

2. 思考の種類。 個人の考え方の特徴

音楽芸術において 視覚的現実的思考 これには、パフォーマー、教師、教育者の活動が含まれる場合があります。

視覚的・比喩的な思考具体的なことに関連する リスナーの認識。

抽象的/理論的、抽象論理的/思考は作曲家や音楽学者の活動に関連付けられています。 音楽芸術の詳細に関連して、あらゆるタイプの音楽活動の特徴であるもう 1 つのタイプの思考を区別することができます。これは創造的思考です。

これらすべてのタイプの音楽的思考には、社会歴史的な性質もあります。 特定の歴史的時代に属します。 さまざまな時代のスタイルがこうして現れる: 古代のポリフォニストのスタイル、ウィーンの古典のスタイル、ロマン主義のスタイル、印象派など。 特定の作曲家や演奏者の特徴である音楽的思考の表現方法において、創造性における音楽的思考のさらに大きな個性化を観察することができます。すべての偉大なアーティストは、社会が提案するスタイルの方向性の枠組みの中で活動しているとしても、独自の個性/personality/を持っています。

音楽的思考は芸術的イメージの誕生に直接関係しています。現代の音楽心理学では、音楽作品の芸術的イメージは、物質的、精神的、論理的という3つの原則の統一体であると考えられています。 物質的な原則には次のものが含まれます。

– 音楽テキスト、

音響パラメータ、

メロディー

調和

メトロリズム、

ダイナミクス、

登録する、

請求書;

精神的な始まりへ：

– 気分、

協会、

表現、

感情。

論理的な始まりへ:

作曲家、演奏者、聴き手の頭の中に音楽イメージのこれらすべての原則が理解されていて初めて、真の音楽的思考の存在について語ることができるのです。

音楽活動においては、主に次のような側面に思考が集中します。

作品の比喩的な構造、つまりそれらの上に立つ可能性のある連想、気分、思考について考えます。

作品の音楽構造について考える - 和声構成における思考の発展のロジック、メロディーの特徴、リズム、テクスチャー、ダイナミクス、アゴーギクス、フォーム構築。

楽器や五線紙に思考や感情を具現化するための最も完璧な方法、方法、手段を見つけること。

多くの音楽家教師によれば、現代の音楽教育では、生徒の専門的な演奏能力の訓練が優先され、豊かで理論的な知識の習得がゆっくりと行われることが多いといいます。

結論：音楽的および一般的な知的視野を広げることは、音楽的思考の発展に積極的に貢献し、それが彼の専門的能力を高めるため、若い音楽家にとって常に関心を持っているべきです。

3. 音楽的思考の発展の論理

B.V.アサフィエフのよく知られた公式によると、最も一般的な形式では、音楽的思考の論理的展開には次のものが含まれます。 – 最初の衝動、動き、そして完成。

初期衝動は、説明またはプレゼンテーションと呼ばれる、1 つまたは 2 つのトピックの最初のプレゼンテーションで与えられます。

プレゼンテーションの後、音楽的思考の展開が始まります。ここで使用される簡単な例の 1 つは反復と比較です。

音楽的思考の発展の別の例は次のとおりです。 変化と交替の原理。

プロモーション- これは、隣接する各セクションが前のセクションの要素を保持し、ab-bc-cd の式に従って新しい継続を追加するタイプの比較です。

プログレッシブ圧縮– これは、作品の一部または全体の終わりに向けて、ダイナミクスが増加し、テンポが加速し、ハーモニーがより頻繁に変化するときです。

補償– 作品の一方の部分が性質、テンポ、ダイナミクスにおいて他方の部分を補い、バランスをとるとき。

4. 音楽的思考の発達

有名な教師の一般的な教育概念によると M.I.マフムトワ, 生徒の思考力を伸ばすには、問題のある状況を利用することが重要です。 PS は以下を通じてモデル化できます。

理論的な説明が必要な生命現象や事実に学生が遭遇する。

実践的な作業の組織化。

これらの現象についてのこれまでの日常的な考えと矛盾する生命現象を生徒に提示します。

仮説の策定。

学生に既存の知識を比較、対照し、対比するよう奨励します。

学生に新しい事実を予備的に一般化するよう奨励する。

研究課題。

音楽学習の課題に関連して、問題の状況は次のように定式化できます。

音楽を知覚する過程で思考スキルを開発するには、次のことをお勧めします。

作品内の主なイントネーションの粒を特定します。

音楽作品の文体の方向性を耳で判断します。

特定の作曲家による音楽の断片を見つけます。

演奏スタイルの特徴を特定します。

ハーモニックシーケンスを耳で識別します。

味、匂い、色、文学、絵画などを音楽に合わせます。

パフォーマンスのプロセス中に思考スキルを開発するには、次のことを行う必要があります。

異なるエディションのエグゼクティブ プランを比較します。

主要なイントネーションと音楽的思考が発展する拠点を見つけます。

作品のいくつかのパフォーマンス計画を作成します。

さまざまな想像上のオーケストレーションを使用して曲を演奏します。

別の想像上の色で作業を実行します。

音楽を作曲する過程で思考力を養うには:

一般的なベース、ブルドン、リズミカルなオスティナートに基づいて、ハーモニー シーケンスをメロディックに展開します。

聞き慣れた曲を耳で見つけてください。

与えられた感情状態や芸術的イメージに基づいて、調性および無調性の性質の即興劇を上演します。

音楽素材におけるスピーチ、日常会話の具現化。

さまざまな時代、スタイル、キャラクターの即興演奏。

同じ作品の文体、ジャンルの多様性。

5. 10代の学童における音楽的思考の形成のための教育的前提条件（音楽の授業の文脈において）

音楽的思考は音楽文化の重要な要素です。 したがって、その発展のレベルが音楽文化と青少年の学生を大きく決定します。 音楽番組によって設定された目標:

生徒の感情文化の発展に音楽を活用します。

音楽作品を意識的に知覚する能力を開発する。

コンテンツについて創造的に考えてください。

音楽を通じて主題に影響を与える。

生徒のパフォーマンススキルを開発します。

これに従って、音楽の授業の要件が策定されます（中等学校、音楽学校など）。これは、生徒と音楽の間の感情的に意味のあるコミュニケーションを目的とした、総合的なものでなければなりません。

思春期の学生による音楽作品の認識は次のことを前提としています。

- 自分の感情的な観察や経験に対する意識。

- 音楽作品の内容への準拠度を判断する。すなわち、 芸術としての音楽に関する一定の知識体系と考え方の同化に基づく理解、評価。

10代の児童の音楽活動の心理的および教育的側面を考慮した音楽プログラムの分析に基づいて、ある意味で彼らの音楽的思考スキルの発達レベルを決定する多くの要因を特定することができます。

1. 心理的および教育的要因:

自然な能力（音楽に対する感情的な反応、感覚能力：メロディー、ハーモニー、その他の種類の音楽の聴覚、音楽のリズム感、生徒が音楽活動にうまく参加できるようにする）

子供の個人的および性格的特徴。感情的および意志的領域の質（注意を集中する能力、論理的および抽象的な思考スキル、受容性、感受性、アイデアの発展、空想、音楽記憶）の特定に貢献します。

音楽活動の動機の特徴（音楽とのコミュニケーションによる満足感、音楽的興味とニーズの特定）。

2. 分析的および技術的要因:

学生は、ある程度の音楽理論的および歴史的知識、音楽言語の特徴を理解するスキル、および音楽活動の過程でそれらを操作する能力を持っています。

3. 芸術的および美的要素:

一定の芸術的経験、美的発達のレベル、十分に発達した音楽的センスを有し、音楽作品をその芸術的および美的価値と意味の観点から分析および評価する能力。

思春期の学生における音楽的思考の特定の要素の存在とその形成レベルは、研究教育活動の過程で次の基準を使用して確立できます。

1. 音楽的思考の生殖要素の特徴:

音楽活動への興味。

音楽言語の要素の詳細に関する知識、その表現能力、（教師の指示に従って）音楽作品の知覚と演奏のプロセスにおいて音楽の知識を活用して操作する能力。

2. 音楽的思考の生殖的要素の特徴:

フォークソングやクラシックソングの演奏に興味がある。

曲の芸術的イメージを適切に認識し、解釈する能力。

実行と手配のための独自の計画を作成する機能。

自分の曲の演奏を客観的に評価する能力。

ドラマツルギー、ジャンルとスタイルの特徴、芸術的および美的価値の観点から音楽作品を総合的に分析する能力。

3. 音楽的思考の生産的な要素の特徴:

さまざまな種類の音楽活動における創造性の必要性の存在。

音楽および聴覚の知覚システムの開発、それらを実際の音楽活動に使用する能力。

特別な芸術的能力（芸術的ビジョンなど）。

独自の音楽サンプルを作成する過程で、音楽言語 (音声) を使用して操作する能力。

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この中で、まだ世界観を確立していない未就学児にとって無条件の権威である音楽監督である教師に大きな役割が割り当てられています。

子どもは他人の価値観を容易に受け入れ、それを仲間や親などとの関係において積極的に利用します。 彼は徐々に自分の個人的な優先事項を強調していきます。 就学前の幼児期には、活動における形成と感情の発達が起こります。 だからこそ、教師が正しく強調することが非常に重要であり、音楽のイメージや作品の意味の理解を促進します。

作品の感情的な側面を理解する上で、喜び、悲しみ、喪失、喪失、別離、出会いなど、私生活からの心理的経験の経験が大きな役割を果たします。

音楽的思考の形成は次の影響を受けます。

• 社会心理的要因。
• 音楽性のレベル (さまざまなタイプの音楽聴覚の存在: 内部、倍音、ポリフォニック、ピッチ、メロディック)。
• 注意力の発達のレベル（自発的、自発的後、量、選択性、安定性、分配する能力、切り替える能力などの性質）。

人格構造には音楽的思考と音楽的知覚が含まれており、それらは相互に関連していますが、同一ではありません。

知覚のプロセスは、音楽が演奏されている瞬間にのみ発生します。音楽的思考は、知覚と同時に、そしてその後も活動します。 音楽の知覚には精神的なプロセスが関与しており、それが知覚に影響を与えると言えます。 子供の認知活動、つまり、聞いたことを分析し、比較し、一般化し、音楽の音と物体の間のつながりや関係を見つけて理解する能力を発達させることがいかに重要であるかは知られています。

想像力豊かな思考により、子供は日常を超えて、特定の物体とその特性についてのアイデアを操作し、連想的思考を目覚めさせ、比喩的な記憶を含むことができます。 このような精神的な作業は、音楽を知覚する際に経験したことの印象を保存することを目的としています。

音楽の認識を通じた音楽的思考の発達において、想像力は大きな役割を果たします。この場合、想像力は、個人的な経験からの要素を組み合わせて状況をモデル化し、サウンドを含むイメージを作成する精神的なプロセスと考えられます。

音楽を知覚する瞬間に、凝集（イメージを作成する部分から）、類推（音楽の異なる部分で同一の瞬間を特定する）、誇張化（アイデアの増加、減少、または変化）、強調のテクニックを通じて、再生的で創造的な想像力が発達します。 (作品のフレーズまたは一部を強調表示する)、類型化 (作品内のメロディーまたは部分で繰り返されるモチーフの特定)。

音楽を知覚するときにイメージを作成するには、自発的および不随意の記憶、そのさまざまなタイプ（感情的、比喩的、論理的、短期的、長期的）を含める必要があります。

音楽は、現実世界で経験したあらゆる感​​情を伝えることができます。

しかし、これらの感覚の理解は、子どもの経験、つまり目覚めようとしている感情にのみ基づいています。 子供のメロディーに対する認識は、成長の各段階で大きく変化します。 就学前の年齢では、メロディーの知覚はイントネーションの知覚の最も重要な形式の 1 つとなり、一般に音楽的思考の積極的な発達にとって重要です。 音楽監督は、子供が自分の内なる世界を見つめ、自分自身の声に耳を傾け、自分自身を理解し、音楽的に考えることを学ぶのに役立つような、聴くためのレパートリーを選択する必要があります。

音楽の認識は自由な雰囲気の中で行われるべきです。 教師は、子どもが曲の性質に合わせて事前に調整し、リラックスして音に集中できるように促します。 音楽を耳で感じるだけでなく、香りを吸い、舌で感じ、肌で感じ、足の先から根元まで音楽が浸透するように自ら音になることを学ぶ必要があります。髪の一部... 一瞬たりとも音楽から意識を逸らさないことが重要です。

音楽的思考の発展の基礎は、音楽表現の手段（テンポ、音色、音域、サイズ、ダイナミクス、リズム、メロディー、伴奏、質感、形式など）などの概念に関する生徒のアイデアの形成です。 音楽用語と概念のシソーラス。 音楽の認識における個人的に重要な意味の出現。これは、音楽言語の意味論と人間の意味論的無意識構造の類似性と共鳴のおかげで可能になります。 音楽と共鳴する無意識のイメージは増幅され、それによって意識にアクセスできるようになります。 つまり、無意識は音楽的思考の一部なのです。 それは、思考プロセスのすべての段階と操作に、最終結果にとって重要な、必要な精神的材料を供給します。

音楽の認識は、他の種類の音楽活動 (歌、楽器の演奏、音楽リズミカルな動き) に先行し、あらゆる種類の音楽ゲームや音楽教育ゲームに存在します。

だからこそ、それは認知の必要な手段であり、音楽的思考、記憶、注意力、想像力の発達に密接に関係しています。 それは瞬間的な影響を受動的にコピーするのではなく、「生きた」創造的なプロセスです。 音楽の知覚は、感覚、知覚、想像力の関係の特定、客観的知覚と主観的知覚の関係、想像力と記憶との関係の理解、さらに意味性と一般性、客観性などの特性の形成と発展に役立ちます。完全性、速度と正確性、選択性、一貫性など。

音楽的思考は注意力、記憶力、想像力を活性化します。

さらに、作業には他のタイプの思考も含まれます。収束的（ある程度論理的）、逐次的などです。一方向的思考は、単一の正解を必要とするタスク（たとえば、曲の音楽形式を決定するなど）で現れます。 、楽器の名前を調べるなど）。 直観的かつ連想的な思考は、音楽の性質を決定する際に現れます。

作品に上記のタイプの思考を含めることは、分析（作品の構造のスキーム）、合成（最高または最低の個々の音の共鳴を作品から分離する）、一般化する能力の形成に貢献します。同じ強弱を持つ作品の部分を見つけます）、分類します（楽器、演奏作品がどのクラスに属するか）、概念の定義を与えます（音楽のジャンル、フォークダンスなどについて）。

次のタスクを使用して思考力を養うことができます。

• メロディーの動きの方向を分析し、それをグラフィカルに書き留めます。
• どの楽器が曲のメロディーを演奏するか、どの楽器が伴奏で鳴るかを決定します。
• 作品が音楽芸術のどのジャンルに属するか。
• この作品の映像をどのような音楽表現で表現できるのか、など。

発散的思考は、論理から離れたオルタナティブなものと考えられています。 それは想像力と最も密接に関連しており、独創的なアイデアや計画を生み出す創造的なものであることは明らかです。 質問に対する複数の回答、場合によっては多数の回答が想定され、それらはすべて正しいものとなります。 たとえば、仕事の内容について。 人それぞれ受け止め方が異なり、子どもの言うことはすべて真実になります。 教師は子供を褒めることを忘れてはなりません。 これは彼に自信を与え、音楽を聴き続け、それについて話し続けたいという欲求を与え、よりリラックスするのに役立ちます。

子どもたちに絵の具で音楽の音の絵を描いてもらいます。絵は誰にとっても異なり、誰にとっても正しいものになります。 音楽を知覚する際の発散的思考の発達は、独創性、柔軟性、思考の流暢さ（生産性）、連想の容易さ、過敏性、感情性などの発達に貢献します。

さらに、子供が音楽を認識した瞬間と、認識のプロセス後（作品について話し合うとき、子供たちは音楽と一緒に経験したことについて自分の考えを表現します）の両方で、あらゆる種類の思考を発達させます。論理的、視覚的比喩的、視覚効果的、およびその形式: 理論的、実践的、自発的、非自発的など。

音楽の知覚は音楽的思考を発展させる手段であると言っても過言ではありません。

それは、理論的、実践的、自発的、非自発的な形で、収束的、直観的、連想的、発散的、言語的論理的、視覚的比喩的、視覚効果的な思考などのタイプの思考を仕事に組み込むことを促進します。 したがって、音楽の知覚は未就学児の思考プロセスに関与する強力な手段の 1 つであり、全体として一般的な知性と人格の発達に貢献します。

人間の生活における創造性の重要性。

創造性の段階。

音楽レッスンにおける創造的なプロセスの構成要素とその開発方法。

心理学的概念としての思考。 思考の操作。

音楽的思考とその種類。

中等学校の音楽授業における音楽的思考の発達レベル.

音楽的思考を発展させる方法。

現代は変化の時代です。 今、私たちは創造的に考え、革新的な意思決定を行える人材をこれまで以上に必要としています。 現代の大衆学校は、ほとんどの場合、子どもたちの教育を、行動テクニックや問題解決の標準的な方法の暗記と再現に還元している。 成人期に入った卒業生は、人生の問題に直面すると自分が無力であると感じることが多く、解決するには独立して考え、困難な状況に対して非標準的な解決策を探す能力を適用する必要があります。

クリエイティブな人材はどんな職業でも必要とされています。

創造的な人は、問題に対して多くの解決策を思いつくことができますが、通常は 1 つか 2 つしか見つかりません。

クリエイティブな人は、ある側面から別の側面に簡単に移動し、1 つの視点に限定されません。

問題や課題に関して予期せぬ、重要な決定を下すこと。

創造性の段階:

多様な人生経験の蓄積。

最初は人生経験を直観的に（曖昧で無秩序に）理解して一般化する。

経験の重要性、物質性の観点から、経験の結果を意識的に初期分析し、選択する（意識のアイデアの誕生）。

経験の対象（想像力、興奮、信念）を霊的に変えたいという願望。

直感、想像力、興奮、信念の結果を論理的に処理し、意識の概念（理性の働き）と組み合わせる。

創造的なプロセス全体の一般化と個人的な解釈、意識の概念の明確化と発展、それらの最終的な定式化（理性と直観の働き）。

創造的なプロセスの構成要素:

認識の整合性– 芸術的なイメージを断片化することなく全体として認識する能力。

発想の独創性– 個人的なオリジナルの知覚を通じて、感情の助けを借りて周囲の世界の物体や現象を主観的に認識し、特定のオリジナルのイメージで具体化する能力。

柔軟性、思考の多様性– 内容的には遠い、ある主題から別の主題に移る能力。

メモリ準備完了– 情報を記憶、認識、再現する能力、記憶の量、信頼性。

アイデアの出しやすさ– 短期間でいくつかの異なるアイデアを簡単に生み出す能力。

概念の収束– 因果関係を発見し、遠く離れた概念を関連付ける能力。

潜在意識の働き– 先見性または直観力。

発見力、逆説的思考– 私たちの周りの世界の物体や現象の、これまで知られていなかった客観的に存在するパターンの確立。知識レベルに根本的な変化をもたらします。

反省する能力 – 行動を評価する能力。

想像力とか空想とか– 再現するだけでなく、イメージやアクションを作成する能力。

人間の創造力は思考の発達と密接に関係しています。 これらの能力に関連するのは、 発散的な思考 、つまり 問題の内容から出発して、問題とは異なる方向に進むタイプの思考ですが、私たちの典型的な思考は次のとおりです。 収束的思考 – さまざまなソリューションの中から唯一正しいものを見つけることを目的としています。

考え (心理学では）- 直接的な感覚認識ではアクセスできない客観的な特性、つながり、関係において現実を意識的に反映するプロセス。 思考は常に行動だけでなく、発言とも結びついています。 思考は、言葉、「凝縮されたスピーチ」、「独り言」、反省、内なるスピーチの助けを借りて一般化された現実の反映です。

思考操作:

分析 -全体を精神的に部分に分解し、その中の個々の兆候と特性を強調します。

合成 –物体や現象の部分の精神的なつながり、それらの組み合わせ、折り畳み。

分析と密接に関係しています。比較 -

物体や現象を比較して、それらの間の類似点と相違点を見つけること。一般化

- 現実の物体や現象に共通するものを精神的に特定し、これに基づいてそれらを相互に精神的に統合します。

芸術は、ファンタジーを呼び起こし、想像力を目覚めさせる驚くべき能力において、教育のあらゆる多様な要素の中で第一位を占めます。 音楽は一種の一時的な芸術であり、その完全な認識は、作品の作者の個性、教師と生徒の個性の共同創造によって可能になります。

子どもたちの創造性がはっきりと表れます。 「create」とは、創造する、創造する、生み出すという意味です。 音楽を作る - 音楽に命を吹き込む、音楽を生み出す、音楽を生み出す、誕生させるなど。 B.V.は、音楽教育システムに子供の音楽的創造性を組み込む可能性と必要性​​について書いています。 アサフィエフ。 音楽的創造性の考えは、K. Orff、Z. Kodaly らのよく知られたシステムの基礎となっています。子供の創造性の発達段階は、Yavorsky B.L. によって特定されました。 あらゆる音楽活動において創作活動の経験を積みます。音楽活動や創作活動など

-これは子供の音楽認知活動の一種であり、音楽イメージの独立した作成と解釈を目的としています（グリシャノビッチN.N.）。

音楽的思考の発達は、中等学校における音楽教育の最も重要な課題の 1 つです。 音楽的思考

音楽的思考と音楽的認識は密接で相互に関連していますが、互いに同等ではありません。 また、知覚とそれに基づいた思考というように、時間の経過とともに連続的に続くものと考えることもできません。 知覚は外部から情報を受け取ることを目的とし、思考は情報の内部処理と意味の生成を目的としています。

音楽的思考には 3 つのタイプがあります。

演奏中 – 視覚効果（実用的） – 実際の行動の過程で、人は作品を理解し、最適な演奏オプションを選択し、音楽作品を自分の方法で解釈します。

リスニング – 視覚的比喩的（比喩的） – 音楽認識の過程で、リスナーは意味、つまり音のイントネーションの意味を探します。

構成 – 抽象論理 – 作曲家は現象を理解し、素材を構成し、それを自分自身に通し、創造し、発展させます。 あらゆる種類の音楽的思考は本質的に創造的なものです。 あらゆる種類の音楽的思考の結果として、音楽作品の芸術的意味についての知識が得られます。

音楽のレッスンでは、音楽的思考は 4 つのレベルを通じて発達します。

子ども、あるいはむしろ子どもの発達の程度が、音楽学習の成果に大きく影響します。 結局のところ、イメージは常に感情を表現しており、感情はほとんどすべての音楽の主要なコンテンツです。

残念ながら、子供向けのゲームが感情的かつ比喩的な意味で興味深いものであることはほとんどありません。ほとんどの場合、無味乾燥で学術的なサウンドが聞こえます。 それが作曲家の意図通りの音であれば良いのですが。 音符の長さが正確に計算されていればさらに良いです。

さて、このペースが現在に近いのであれば、これ以上何を望むでしょうか? すべての問題は解決されました。 そんなゲームを聞くのは信じられないほど退屈だ。 「何かが間違っていても、生きた感情的な反応があればもっといいのに」と思うことがあります。

しかし、この反応が現れるためには、子供が自分がピアノでしていることに非常に誠実に興味を持っている必要があります。 この点での主な課題は、音楽に対する鮮やかな感情的な反応を実現することです。 そのような反応は、子供が音楽の中に生きているすべての明るいイメージを音で伝えたいという焦りで単に「爆発」するでしょう。

そしてそのためには、音楽の中でこれらのイメージを最初に聞くことが非常に重要です。 しかし、音楽を学び始める年齢の子供たちはまだ抽象的思考を発達させていないため、音楽の音は常に彼らの中に、幼少期からすでに慣れ親しんでいるものに近い一連の連想イメージを呼び起こすとは限りません。

この点で、子供が演奏する音楽の感情的な内容と、人生経験や他の関連芸術との接触から受け取るイメージ、感情、印象との間に意識的に橋を架けるよう促すことが非常に重要です。

音楽に隣接し、非常に近い芸術の 1 つは文学です。 特に文学や詩の朗読の場合はそうです。

音楽には「センテンス」「フレーズ」という用語があります。 また、「句読点」、「カエスラ」という概念も使用します。 しかし、音楽と表現力豊かなスピーチを結び付ける最も重要なもの、そしてそれは音楽の表現力豊かなパフォーマンスの主要な基盤の 1 つであり、イントネーションです。

文学作品の意味は言葉で表現されているので、子どもでも内容を理解するのは難しくありません。 音楽では、この内容はより抽象的に表示され、発音記号の背後に隠されており、意味を理解するには、これらの記号の解読を知る必要があります。

表現力豊かなイントネーションは、音楽の感情的な背景を伝える主要なシンボルの 1 つです。 これらのイントネーション記号は音楽のどこから来たのでしょうか、またなぜそれらはどの民族でも多かれ少なかれ同じなのでしょうか (これが音楽言語を普遍的なものにしているのです)。

その理由は、それらが私たちの口語的なスピーチ、より正確には、それに伴うイントネーションから来ているからです。 表現力豊かなスピーチ。 したがって、子供が音楽の中でこれらのイントネーションを聞くことを学ぶためには、まず通常の人間の会話でそれらを聞くように教えられなければなりません。

音楽は感情の言語であるため、イントネーションが「除去」されコピーされるスピーチは必然的に感情的なものでなければなりません。 したがって、ミュージシャンの演奏が表現力豊かになるためには、表現力豊かで感情的な朗読を学ばなければなりません。

もちろん、学校では誰もが詩を暗記するように求められ、散文の文章を表現的に読む課題もあります。 でも先生はやってみますか？ もっと正確に言えば、彼はこのスキルをすべての子供たちに発揮できるでしょうか? 結局のところ、不正確な、「間違った」、あるいは単なる悲しげなイントネーションを修正するには、多くの時間がかかることがあります。

クラスに何十人もの子供がいる場合、誰もすべての子供に気を配るわけではありません。 これは、子供が良い教育を受けられるようにすることに関心のある母親だけが行うことができます。

この場合、私たちは創造的思考の発達「だけ」について話しています。創造的思考は人間のあらゆる種類の活動に非常に必要ですが、それは非常にまれです（まさにそれが幼少期に発達していないため）！

そして同時に、芸術性とスピーチの流暢さも発達します。これは、どの社会でも適応するために必要な資質です。 ただし、これは、子供と一緒にテキストを学ぶだけでなく、表現力豊かなイントネーションを教えた場合に限ります。

そして音楽教師は、レッスンでこのスキルをどう活用するかを見つけます。 小学校では、メロディーごとに言語的なサブテキスト（「サブテキスト」）が発明されます。

子供が表現力豊かなイントネーションで感情的に言葉を発音する方法を知っていれば、このイントネーションを音楽に取り入れるのがはるかに簡単になり、音楽自体の意味がより近く、より明確になります。

学校の音楽教育の課題の一つは、子供たちに「音楽の本質的な内容を聞き、前例のない美を探求する器官としての音楽の耳を形成する」機会を提供することです。 生まれたばかりの人は、すでにイントネーションを通じて世界とのつながりを確立しています。 子どもの発達段階がどの段階であっても、子どもは子どもの感情表現に反応します。

イントネーションは、音の構造における思考の微小な集中、感情の表現、および音の微小物質における可塑的な輪郭です。 人が世界に対してどのように自分を位置づけようと、どのように世界に取り組み、どのように世界を認識しようと、その人はイントネーションで行動し、それがスピーチの本質であり、音楽の本質です。 V. メドゥシェフスキーによれば、イントネーションは私たちの「芸術的自己」です。 イントネーション球は、音楽、美術、文学、振り付け、演劇などの起源に存在に対する態度があり、その本質はF.チュッチェフの言葉で伝えることができるため、あらゆる種類の芸術に関連しています。 ：「すべては私の中にあり、私はすべての中にあります！」

イントネーションは音楽的および言語的記憶でもあり、そこには人類の生活文化経験のメロディック、リズミカル、比喩的、造形的およびその他の痕跡が隠されています。 イントネーションを理解し、その個性と独自性を感じ、そのイメージを感じ、その最も奥深い性質を洞察し、その構造の簡潔さを賞賛し、その展開を予測することは難しいですが、信じられないほど興味深いです。 この微細構造の秘密を明らかにすると、あなたはこの世界の中で自分自身を理解して聞くだけでなく、世界をより微妙に深く理解して聞くことができるようになります。 したがって、イントネーション思考の発達、つまりイントネーションを使ってイントネーションを通して考える能力は、子どもが内向きに、自分の魂と心の奥深くに向かう方法であり、音楽を通じて人生経験を蓄積する方法であることは明らかです。そして最終的には、人類の精神的および道徳的危機を克服する最も確実な方法の1つです。

G. P. Sergeeva と E. D. Kritskaya のリーダーシップの下、創造的なチームによって開発された教育的かつ方法論的なセット「音楽」は、上記の問題を解決するための最も広範な機会を提供します。 教材の同心円構造、ブロックへの分割、さまざまな連想シリーズにより、芸術のパターンとしてのイントネーションの理解に基づいて、児童向けの「イントネーション語彙」を形成することができます。 プログラム教材は、「イントネーションの荷物」が徐々に蓄積され、イントネーションの経験が豊かになるように構成されています。 似たジャンルのイントネーションや特定のスタイルのイントネーションを持つさまざまな作品を意図的に比較することで、音楽の直感が発達し、音楽認識の質が大幅に向上します。

子どもたちの思考の発達の基礎となるのは、子どもたちの認識の曖昧さ、解釈の多様性、そして「聞き方の選択肢」の多様性です。 教育的かつ方法論的なセット「音楽」は、常に子供たちに、音楽と美術、歴史、文学、彫刻、芸術的写真の間の抑揚的かつ比喩的なつながりを探求させるよう促します。 したがって、教育複合体「音楽」に基づく音楽教育の重点は、音楽の理論と歴史から、子供のイントネーションと比喩的な要素を拡張し、音楽に対する反応と芸術で自分自身を表現したいという欲求を発展させることに移ります。 B. アサフィエフによれば、このプログラムに従って行われるレッスンでは、「喜ぶことも悲しいことも、自分の中にエネルギーと厳しい勇気を感じることができます...音楽や音楽についてではなく、それをイントネーションで体験することができます。」 」

D.B.カバレフスキーによって提案され、この教育複合施設で成功裏に開発された「遠近法と回顧」の方法により、イントネーションの誕生とその発展から、イメージの具現化とイデオロギー的方向性の開示に至るまでの過程をたどることができます。主要な音楽作品の。 作者によって大きな音楽形式に埋め込まれた考えや感情は、子供にとって明白で理解できるものになります。 イントネーション領域に目を向けると、作品自体の内容を「解読」し、芸術的アイデアがどのように生まれるかを理解し、特定の道徳的および美的対立について考えることができます。 そしてそれから初めて、作品のドラマツルギー、音楽イメージの配置、それらの対立と相互作用の程度を考慮します。 その結果、イントネーション思考が芸術的かつ創造的思考の要素として形成され、子供は探索の道、創造者の道を歩み、芸術を「関係性の経験」として理解します（S. Kh. Rappoport）。

音楽形式の進化を考慮し、作品とその演奏のさまざまな解釈を比較し、音楽芸術のさまざまな層（民間伝承や宗教的伝統から、対話における現代のアカデミック音楽やポピュラー音楽まで）を習得することにより、「世界の全体的な芸術像」が徐々に完成していきます。生徒たちの心の中に組み込まれています。 世代を超えた経験としての音楽芸術に目を向け、それを自分の音楽活動の中で生きることによって、人は感情的価値、道徳的美的経験、そして音楽的および芸術的創造性の経験を積極的に形成することができます。

教育複合体「音楽」に基づいた科目を教えることで、教師は実際的な意味で何を得ることができるのでしょうか?

第一に、創造性の性質は彼らにとって馴染みがあり、理解しやすく、馴染み深いものであるため、子供たちは音楽を作曲することを恐れません。 彼らは進んで作品を作曲し、演奏します。 もちろん、これらは大規模な音楽作品ではなく、小さな形式にすぎませんが、その中にはすでに地方自治体や連邦のコンクールで発表された曲もあります。

第二に、子供たちは創造的思考を発達させます。 教師が既製の形式で理論的概念を生徒に与えることはほとんどなく、教師と生徒の間の協力や共同創造を通じて、または授業内での独立した作業の過程で理解されることが多くなります。 たとえば、2 年生の子供たちは、循環形式を構築するパターンを自分たちで推測し、循環の各部分をイントネーションまたはメロディーによって接続する必要があると提案しました。そうすれば、循環はより完全なものになるでしょう。 そして、M.P.ムソルグスキーの「展覧会の絵」の「散歩」の音の変化を追うことが、彼らにとってどれほどの喜びだったことでしょう。

第三に、子供たちは一種の「社会耳」（B.アサフィエフ）を獲得し、当時のスタイルや音楽の国民的特徴をよりよく感じ取り、「作曲家のスタイルの肖像」の感覚を獲得します。

第四に、彼らは大きな音楽形式に興味を持っています。 小学校でオペラ、バレエ、コンサート、交響曲の個々の断片を聞くのではなく、全体の動作と部分を、高校で全体の作品を聞くと、生徒たちの魂と精神の働きが目に見えてわかり、何もないことが理解されます。人が自分の内なる「私」と対話するとき、音楽とともに生きることを学ぶとき、人の人生におけるそのような瞬間を置き換えることができます。

参考文献:

1. メドゥシェフスキー V.V. 音楽のイントネーション形式。 - M.、1993年。 - 265 p。
2. Sergeeva G.P.、Kritskaya E.D. 音楽：メソッド。 手当。 - M.、2005。 - 205 p。
3. Kritskaya E. D.、Sergeeva G. P.、Shmagina T. S. 教科書「音楽」1 年生から 4 年生の学習方法。 - M.、2002年。 - 206 p。

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