コンサートではそれを生音と呼びます。 なぜライブ音楽は私たちを幸せにしてくれるのでしょうか？ イベントの伴奏 - 何を選ぶか

この記事は、ミュージシャンのライブ パフォーマンスと、リスナーにコンサートから最大限の喜びを与え、...可能な限り騙すために彼らが行うトリックに焦点を当てています。

この記事は、コンサートサウンドを理解していない人に向けて、ライブパフォーマンスのプロセスを理解するのに役立つことを目的としています。

前回の記事で、コンサートで音がどのように形成され、どのような原理で音が作られるのかについて書きました。 ここではアーティストがコンサートでどのようにパフォーマンスを行うかを調べます。 わかりやすくするために、パフォーマンス モデルをリストとアルゴリズムの形式で示します。

1. サウンドトラックに合わせたパフォーマンス

サウンドチェックが欠落または不足しています。 ミュージシャンまたはバンドがステージに上がります。 ミュージシャンは手に楽器を持ち、ボーカリストはマイクを持っています。 ステージ上の機材は撮影のみに使用したダミーです。 サウンドエンジニアはコントロールパネルの背後にいて、アーティストのパフォーマンスにおいて重要な役割を果たしています。彼のミスはアーティストの評判を落とす可能性があるためです。 このパフォーマンスでの彼の任務は、時間内にサウンドトラックをオンまたはオフにすることです。

ステージ上にはモニターだけがあり、ミュージシャンは音を聞き、音楽に合わせて動きを追うことができます。 ミュージシャンは演奏するふりをし、ボーカリストは歌うふりをしますが、音は出しません。

ここではすべてが明らかです。聴衆は音を聞き、ミュージシャンがどのように演奏するかを観察します。これはコンサートというよりもショーです。 個人的な欺瞞。 コンサートに来ている人の4分の1は騙されていると気づいていると思いますが、見事に騙されています。 したがって、そのようなアーティストには、ほとんどの場合、独自の聴衆がいます。

2.フルプラスのパフォーマンス

サウンドチェックが欠落または不足しています。 アーティストまたはバンドがステージに上がります。 ミュージシャンは手に楽器を持ち、ボーカリストはマイクを持っています。 サウンド エンジニアは音楽をオンにして、楽器の音と人の声をレコード信号にミックスします。

モニターライン、ギターとベースのアンプ、ドラムセットなど、すべての機器がステージ上で動作し、すべての機器が鳴ります。 ミュージシャンは本当に演奏し、ボーカリストは歌います。 ただし、同じサウンドトラックを上から再生します。 つまり、彼らはスタジオで録音されたものを繰り返しますが、それはライブでのみ行われます。

これ自体を欺瞞と呼ぶことはできませんが、依然として存在しています。 ライブパフォーマンスに比べて音質が大幅に向上し、サウンドセットアップのコストとスピードが削減されるため、このようなパフォーマンスは現在では一般的です。 このようなパフォーマンスの利便性と利点は、肉眼で確認できます。

3. ライブサウンド

コンサートの前には長いサウンドチェックが行われます。 ミュージシャンは演奏のずっと前に会場に登場し、楽器や声の調整が行われます。 コンサートの開始後、サウンドエンジニアは、これまでとは異なり、その機能を完全に実行します。 この公演ではすべての音はステージから発せられるため、サウンドチェック時に設定された音のみが頼りとなります。

バックやサウンドトラックを伴って演奏するのとは対照的に、これが生音の難しさです。 録音の後ろに隠れることはできません。リスナーは今ここにあるものしか理解できません。 でも、それがライブの醍醐味でもあります。 ミュージシャンは同じものを演奏しますが、毎回前のものとは異なり、即興の瞬間があります。

そうですね、リスナーは、スタジオで以前に作成された録音を聞くのではなく、目の前で生まれるサウンド、パフォーマンス、演奏者の感情を聞くので、喜びを得ることができ、彼はこれの目撃者になります。

4. マイナス下での業績

マイナスの下でのパフォーマンスは 2 つのカテゴリに分類できます。

• 最初のアルゴリズムは前のアルゴリズムと似ています。 グループのライブサウンドのみがサウンドエンジニアによって録音されたものとミックスされます。 これには、ステージ上に存在しない、または存在できない背景、エフェクト、バッキング ボーカル、楽器が含まれています。 すべてがライブで演奏され、録音はパフォーマンスを装飾するだけであるため、これはサウンドトラックではありません。
• 2 つ目では、ボーカリストであれ楽器奏者であれ、演奏者が自分のパートをライブで演奏し、バックグラウンドで演奏する録音 (バッキング トラック) があります。 たまに会えることもある ライブパフォーマンスマイナストラックのソリストと、マイナストラックの演奏を描いた風景の形で立つミュージシャン。

スピーチの他の選択肢としては、上で概説したものの解釈、またはそれらの部分的な混合が考えられます。

もちろん、どのように演奏するかは演奏者それぞれが自分で選択します。 それはすべて、パフォーマンスとその後の収益に投資された資金、パフォーマーのスキル、会場の技術的設備、パフォーマーの評判とその能力に依存します。

Orange VINIlが独占ライブを行うバンドです！ 生ドラム、ベース、ギター、キー、ボーカル、サックスのみです。 会社のイベントに来ています フルスタッフそして最も人気のある曲を演奏します！

ライブで音楽を聴くのが好きな人はたくさんいます。 そして、何千人も集まるコンサートに行くか、それとも居心地の良いジャズクラブを好むかはまったく問題ではありません。 説明するのはとても簡単です。 結局 ライブミュージック私たちをもっと幸せにしてくれます。 この現象の理由を解明することを提案します。

新しい人に出会う機会

U 現代人デートの機会はあまりありません。 これは、オフィスではなく自宅で働く私たちに特に当てはまります。 ライブ音楽コンサートに行くと、人々が何か共通点を持っているフレンドリーな環境にいることがすぐにわかります。 ここでは簡単に友達を作ることができます。 結局のところ、たとえばロックンロールにとって、愛は見知らぬ二人をしっかりと結びつける接着剤なのです。

また、ライブコンサートも開催 興味深い人々芸術の世界から。 そして、彼らとの出会いは、どんな人の人生においても常に素晴らしい出来事となるでしょう。

日常から心を解放する機会

定期的にライブ音楽コンサートに参加できないと不安になりイライラする人もいます。 説明するのは簡単です。 結局のところ、コンサートに行くと、完全に音楽に浸ることができます。 このような瞬間、あなたはもう悩まされません 電話、手紙の着信通知、SMSメッセージの音など。 あなたの心は日常から解放され、休息します。 そのような瞬間、人々は原則として無限の幸福を感じます。

だからこそ、コンサート中に誰かがメッセージを送り始めると非常にイライラしてしまうのです。 結局のところ、これでは今起こっていることを楽しんだり、煩わしいものから脳を解放したりすることはできません。 現時点で重要ではありません。 ちなみに、感覚を比較する人もいます。 良いコンサートを瞑想の効果で。 結局のところ、人はリフレッシュされ、休息し、リラックスし、力に満ちていると感じます。

世界を発見する機会

ご存知のとおり、世界中で定期的にさまざまなイベントが開催されています。 音楽祭そしてイベント。 さらに、ミュージシャンやこの業界に直接関係する人たちだけでなく、彼らも訪れます。 はい、どの場合でも 大きな祭り世界中から来た人々に出会うでしょう グローブ。 やっぱり多くの人が使ってますね 音楽イベントこれまでに行ったことのない国に旅行する良い理由として。 次の休暇には、どこか目的地への旅行を計画してみてはいかがでしょうか。 面白い祭り? これにより、ライブで演奏される優れた音楽を楽しむだけでなく、新しい国を訪れたり、知り合いになったりすることもできます。 独特の文化そして地元住民。

メンタルヘルスを改善できる

本のリストには終わりがありませんが、 科学研究音楽がどのような影響を与えるかについて メンタルヘルス人。 人々は古くからメロディーを作曲し、さまざまな音楽を構築してきました。 楽器。 結局のところ、これが彼らが自分の経験、感情、感情を伝えようとした方法です。 これはまさにうつ病と戦うために必要なことです。 不機嫌。 そして、ライブで演奏されるお気に入りの曲も聞くと、あなたの魂は前向きな感情と幸福感で満たされるため、憂鬱の痕跡は残らないでしょう。

ユニークな人生経験が得られます

クラブやコンサートに参加すると、貴重な経験が得られます。 したがって、新しい興味深いコミュニティの一員になる機会が得られます。 さらに、出演者をより深く知る機会も得られます。 もしかしたら、あなたのお気に入りのバンドのメンバーが、それがどんな感じかを教えてくれるかもしれません プロのミュージシャン。 さらに、あなたは狂気の出来事の目撃者や参加者になるかもしれません。 結局のところ、人々は頻繁にコンサートに参加します クリエイティブな個性並外れた思考力で。 他では得られない新しい体験にオープンな場合は、好きなジャンルのライブ音楽が楽しめるクラブに気軽に行ってください。

あなたには人として成長するチャンスがあります

上記に列挙したすべての点を要約すると、それらはすべて私たちの発展を可能にすると言えます。 しかし、これこそが私たちの人生の最終的な意味なのです。 結局のところ、人は自分が人間として成長していること、新しいことを学んでいること、新しい友達を作っていることなどを見ることによってのみ幸せを感じるのです。 これらすべての機会はライブ音楽によって提供されます。

他のすべての条件が同じであれば、顧客がバラエティーエンターテイメントプログラムのある施設を好む状況は非常に典型的です。 そして、結婚式や記念日の宴会でのそのようなプログラムの存在、友好的または 企業パーティーしばしば絶対的になる 必要な条件.

技術の問題

そこで、レストランで生演奏を行うことに決めました。 どこから始めればよいでしょうか？ もちろん舞台装置からも。 高さは40〜50cm以上で、マイクスタンド3本、スピーカー、アンプ、ミキシングコンソールを配置できる広さでなければなりません（もちろんミュージシャン自身のことも忘れないでください）。 条件付きではありますが、ステージには何らかのフェンスがあることが望ましいです。

出演者は光に照らされ、ゲストの注目を集める必要があります。 カラーおよび音楽機器、ライトガン、スモークマシンなど、現代の照明機器の市場は巨大です。しかし、私自身の経験から言えば、太古の昔に発明され、「魔法のような空間」を生み出す回転ミラーボールが必ず必要になります。 」 グレア効果、それだけです。残りは好みと予算に応じて選択してください。

レストランの音響設備には2つの選択肢があります。 1つ目は、レストラン自体がアンサンブルの作業に使用する音響機器を購入していることです。 次に、チームは独自の装備を持ち込んでいます。 違いは何ですか? あなたが購入した機器は、パワーと音質の両方の点で専門家によってあなたの施設向けに特別に設計されました。 これは私の意見では、 最良の選択肢なぜなら、ミュージシャン自身が提供する機材が必ずしも部屋の音響特性に対応するとは限らないからです。

100平方メートルのレストランには次の音響設備をお勧めします。

アンプ + ミキシング コンソール + 音声処理 + イコライザー;
合計出力が少なくとも 1000 W のスピーカー。
アクティブサブウーファーにより低周波の音質が向上します。
音声イコライゼーション用のコンプレッサー。
オートポーズ機能付きミニディスクプレーヤー、耐衝撃機能付きCDプレーヤー、良好な機能を備えたラップトップ サウンドカード;
キーボードとマイクを表します。
マイク;
接続コード。

有名なメーカーのこのような機器セットの費用は約90〜120,000ルーブルです。 もちろん、お金を節約して「安い」会社から機器を購入することもできますが、練習が示すように、説得力がなく、頻繁に故障し、不快な周波数でゲストを悩ませ、ダンサーを「オン」にせず、邪魔をします。テーブルに座っている人々の会話。 ところで、 際立った特徴プロのハイエンドクラスの機器 - 大音響を背景に、対話者のスピーチがはっきりと聞こえます。

多くのレストランがあることを忘れてはなりません。 住宅, そのため、音が同居人に迷惑にならないことが重要です。 この一般的に単純な問題は、防音工事または音響専門家による適切な機器の選択によって解決する必要があります。 彼らはあなたの部屋を「計算」し、夕方と夜の時間帯に最適な音と音量を決定します。

人事がすべてを決める

いつまでも記憶に残る「 ソ連時代「レンコンサートでは、ミュージシャンにレニングラードのレストランで働く許可を与える認定委員会がありました。 すべてのアーティストは年に一度認定を受け、少なくとも二次的な専門家を持たなければなりませんでした 音楽教育。 当時はレストランがほとんどなく、たとえばネヴァやメトロポールに入ることが大成功だと考えられていました。 カラオケの時代となった今、コンピューター上で声を「作る」ことができ、簡単なアレンジを作成するのに原則的に音楽教育は必要ないため、ミュージシャンのイメージはやや低くなりました。 このような状況下で、多くの疑似歌手が現れ、レストランに突入しました。 音楽ビジネス。 ほとんどの場合、彼らは歌い方や演奏の仕方を知りませんが、サウンドトラックに合わせて自信を持って表現しています。 ミュージシャンを雇うときは、必ず学歴を尋ね、それを裏付ける書類を確認し、以前どこで働いていたかを調べてください。

レストランのアンサンブルの標準的かつ最適な構成は、キーボード奏者兼ボーカリスト、ギタリスト兼ボーカリスト、歌手の 3 人です。 サックスやその他の生楽器（ヴァイオリン、アコーディオンなど）も一般の人々に非常に好評です。 一人のミュージシャンが一晩中歌ったり演奏したりするワンマン・オーケストラとして活動するオプションもあります。 ちなみに、ゲストはピアニストの演奏も気に入っています。これにより、施設内にサロンの雰囲気が生まれます。

サンクトペテルブルクでは平均して、20時から23時までの3時間の演奏で1人の音楽家の単価は、40分間演奏し、20分間の休憩をとった場合、約3000～5000ルーブルとなる。 宴会でのパフォーマンスは費用が高くなる傾向があります。

そして忘れてはいけないのが「フナ」

アンサンブルの高品質で多様なレパートリーが、訪問者の間でこの施設が成功する鍵となっています。 優れたレストランのミュージシャンは、すべてではないにしても、ゲストが聞きたいほぼすべてを演奏し、歌う必要があります。 そして、これらはほとんどの場合、80年代の「黄金の」ヒット曲です。 ビートルズの曲、ブルース、ロックンロール、1930年代から1970年代の「主要なものについての古い歌」、ロシアのシャンソン、 民謡そしてロマンス、インストゥルメンタル、ジャズの作品。

場合によっては、ゲストが自分で曲を演奏したい場合、ミュージシャンは「フリーランス」の歌手と一緒に演奏し、できれば大きな文字で歌詞を提供しなければなりません。

音楽家同士で曲を注文することを「フナ」といいます（注文が来るときは「カルシアン・フナ」の意味）。 レストランアーティストにとって、フナを稼ぐことは主なインセンティブです。 ミュージシャンのクラスやレストランにもよりますが、「フナ」の値段は平均して 1 曲あたり 200 ～ 500 ルーブルです。 あるクールなクライアントが 100 ドルを支払ったことが起こりました (そしてレストランのミュージシャンは通常、夜に仕事の後に電話で伝説を交換します)。

彼らの道徳

ミュージシャンは、政府がどの曲を歌ってどの曲を歌わないかを指示することをあまり好みません。 あなたが気に入らない曲もあるかもしれませんが、ゲストは喜んでくれます。 ここでは、レストランの音楽ポリシーと会いたい訪問者の聴衆についてよく理解する必要があります。 アンサンブルのレパートリーを事前に規定する必要があり、それには「熱意」、つまり特徴、つまり特定の特徴があることが望ましいです。 特徴的な機能.

常連のゲストは「自分の」お気に入りの歌手、歌手、ミュージシャンに会いたいと考えているため、アンサンブルの仕事の安定性は非常に重要です。 ただし、レストランのポリシーがさまざまなチームをローテーションすることである場合は、同じメンバーのグループを選択するようにしてください。 プロレベル。 あなたのレストランで市内最高のライブ音楽が流れるようにサポートしてくれるアートディレクターなしでは、これを行うことはできません。

ミュージシャン向けのおおよその価格、 音楽グループサンクトペテルブルクのオリジナルジャンルのアーティストと

注記

多くのグループやパフォーマーは、施設が多額のチップを受け入れた場合、作品の料金を大幅に下げることができます。 同時に、アーティストがラジオやテレビに頻繁に出演し、人気があるとみなされる場合、これらの価格は上昇します。

音楽は自然そのものから生まれる魔法であり、時間と空間の中で組織化された静寂と音の魔法のような組み合わせが同時に行われます。 ライブ音楽は、宇宙の調和としか比較できません。なぜなら、ライブ音楽は、涙、喜び、優しさ、情熱、歓喜、驚き、平和、そして時には憤り、苛立ち、怒りなど、最も矛盾した感情や感情を私たちの中に呼び起こすからです。 彼女は私たちを過去に戻し、現在を大切にし、未来の地平線を描いてくれます。 おそらくそれが音楽が永遠である理由なのではないでしょうか？

ライブミュージック - それは何ですか?

音楽のライブパフォーマンスは、それを生み出す人の特定のエネルギーが吹き込まれた、秩序ある音を再生します。 再生される音のエネルギーは、その音を送信した瞬間に今ここでのみ感じられるため、ユニークで模倣のないものであり、最も重要なことに、それは音楽家の内的で最も奥深い経験と感情を伝えます。 さらに、楽器の音を聞くか、声を聞くかは問題ではなく、重要なことは、それらは呼吸、思考、感情という「生きた物質」によって私たちに与えられるということです。 特定の時間に、その行為自体が行われる場所でのみ音楽を提供します。 このことから、音楽のライブパフォーマンスは人間の魂の魅惑的な噴出であることがわかります。

何世紀にもわたって、音楽は人々の心を揺さぶり、人類のはけ口のようなものでした。 彼女はインスピレーションを与え、導き、落ち着かせ、保護し、精神を高揚させ、蓄積された世俗的な否定性を解消しました。 そして、文明とテクノロジーの発展に伴い、人々がいつでもどこでも音楽を聴き、お気に入りの曲で耳を楽しませたいという強い欲求を抱くようになったのも不思議ではありません。

録音の歴史

したがって、彼の素晴らしい発見で最初に世界を驚かせ、喜ばせたのは、1857 年にフランスの図書館司書兼書店員エドゥアール・レオン・スコット・ド・マルタンヴィルでした。 彼は音楽分野の発展において世界的な進歩を遂げ、フォノオートグラフと呼ばれる最初の録音装置を作成することに成功しました。 この装置により可視化が可能になりました 音の振動ただし、再現しないでください。 そして1877年になって初めて、アメリカの発明家トーマス・エジソンは幸運にも蓄音機と呼ばれるマーティンビルの装置を改良することができました。 彼は音を録音するだけでなく、それを再生することもできました。 当時、ミュージシャン、歌手、講演者のパフォーマンス、パフォーマンスからの抜粋の最初の録音が行われました。

18 世紀の終わりから 19 世紀の初めに、最初のレコードが登場し、レコード会社が設立されました。 年々人々は進歩している 音楽的方向性そのおかげで、私たちは今日、音楽の変換と増幅のための技術的能力を獲得し、自分自身を制限することなく音楽の魔法のサウンドを楽しむ機会を得ることができました。 電子技術、音響システム、マイク、ミキサー、コンソール、コンバーター、あらゆる種類のガジェット、最新の「スマート」楽器 - これらすべてが現代のシステムの発展に貢献しました。 音楽業界、それを完璧に近づけ、さまざまな音楽ジャンルや方向性の形成に近づけます。

最近では、音楽のライブパフォーマンスだけでなく、音楽を発表するための選択肢もたくさんあります。

プラスレコード

プラスまたはプラス フォノグラムは、現代アーティストにとって最も便利で広く普及している方法であり、この分野での作業が大幅に簡素化され、最小限の労力と時間で自分の才能を大衆に提示することが可能になります。

プラス フォノグラムは、ポップ ミュージックが世界中で急速に発展していた 80 年代から 90 年代にトレンドセッターとなりました。 アーティストたちは都市や国をツアーし、1日に3〜4回コンサートを開催し、ファンやアマチュアの巨大なスタジアムを集めました。 その後、彼女なしではそれは不可能であることが判明しました。

基本的に、プラスは、特別な録音機器を使用して歌手または歌手の声を重ね合わせた、事前に録音された音楽の伴奏です。

このおかげで、アーティストは演奏したりコンサートを開催したりすることがずっと簡単になります。 彼らはステージ上でその役割を適切に果たし、サウンドトラックに合わせて口を開け、ホールにお祭りの雰囲気を作り出すだけで十分です。

プラスパッドの使用は非常に実用的ですが、非常に大きな欠点があります。 レコーディングのおかげで、演奏者が歌い、ライブでサウンドを生み出す瞬間に発せられるエネルギーの流れが失われるため、アーティストが100パーセント解放されることはありません。 もちろん、視聴者との接触は感情的ではなくなり、自然になります。 しかし、「スター」の主な仕事は、リスナーとのエネルギー的なつながりを確立し、忘れられない雰囲気を彼に与えることです。 そのため、現在ではライブパフォーマンスを復活させようとしており、音楽のライブパフォーマンスに戻るミュージシャンが増えています。

バッキングトラック

バッキング トラックは録音されたインストゥルメンタル トラックであり、場合によっては録音されたバッキング ボーカルが含まれます。 「プラス」同様、アレンジャーによってスタジオで録音されています。 専門家は素晴らしい仕事をします 音楽素材、いわば各楽器（ドラム、バイオリン、キーボードセクション、ギター、ベースギター、管楽器）を個別に録音します。 音楽用語、その後、プリセットが蓄積されます。 次に、必要に応じて必要な効果を適用しながら、それらをまとめます (接続します)。 そこに演奏者が自分のボーカルを乗せる、つまり生で歌うのです。

バッキングトラックはアーティストの間でも一般的な形式です。これにより、パフォーマンスの企画がはるかに簡単になり、コストが安くなり、重要な点が得られます。 事前に録音されたバッキングトラックに合わせて演奏するには、多くの労力が必要です 装備が少ないそしてこのイベントに関わった方々。 場合によっては、特定の会場の技術的能力がバックトラックなしでコンサートを開催できない場合があります。 歌手がマイナスで働いているとき、それは聞こえるので、音楽の問題の複雑さをすべて理解していない人でも、ボーカリストがライブで歌っていると判断できます。

音楽ライブ演奏

これはミュージシャンが電子楽器を演奏したり、 古典楽器あるいはリアルタイムで、今ここで歌います。 しかし、いずれにせよ、今日ではあらゆる種類の技術的装置が使用されています。 これは、特定の作品のイメージを明らかにしたり、新しい色や色合いを導入したり、ニュアンスを強調したり、隠したりするために必要です。

テクノロジーの助けを借りて、欠点や専門的な間違いを改善し、ライブ音楽ショーをより活気に満ちた、壮観で、珍しい、個性的なものにすることができます。

伝説的なミュージシャンはライブのみで演奏することを好みます。 なぜなら、彼らは「成功の秘訣」を理解しており、観客と同じエネルギー交換をすることが非常に重要であり、このプロセスの中で感情的かつ物理的に完全に観客に身を委ねることができるからです。 さらに、音楽のライブパフォーマンスは、品質とプロフェッショナリズムの紛れもない兆候です。 だからこそ、カバーバンドなどのこのタイプのグループは、もちろん本物のプロでない限り、ライブでしか活動しません。

「A」から「Z」までのライブコンサート

ライブサウンドは当初、特別に設計されたプラットフォームとホールを前提としており、建築家は建築計画を作成するときでも、正しい音響を再現するためにあらゆるニュアンスを考慮します。 生音の深みや量感を美しく抽出することに貢献します。 もちろん、ミュージシャンが自分の仕事のやり方を知っているのなら、 音楽リテラシー。 すべてのイントネーションとダイナミックな瞬間、巧みなパッセージ、理論的なタッチとテンポを、作者が意図したとおりに正確に伝える 実行された仕事。 例としてはオーケストラの演奏があります。 演奏中に上記のすべてが維持されていれば、私たちは音楽の神聖な力を喜んで楽しむことができ、一時的に別の、この世のものとは思えない次元に陥ることができます。

結論として、私は次のことに注意したいと思います - 歌や音楽の生き生きとしたパフォーマンスを作成し実行するには、 クリエイティブな人たち専門的なスキルや技術的な「追加機能」に加えて、インスピレーションと神聖な賜物、つまり才能を持っていることが必要です。 この場合のみ 音楽の歴史新しい傑作が補充され、パフォーマンスは成功し比類のないものとなり、リスナーは感謝と献身的な気持ちを持ち、アーティストに拍手と嵐のような拍手を送るでしょう。

1. 歌手の声が平坦すぎるように聞こえる

激しい動きは歌に影響します。そのため、ダンス ソングのフレーズは、叙情的なスロー ソングよりも必然的に短くなります。 アーティストがステージ上を飛び回っている間、歌の性格がまったく変化せず、彼の呼吸が聞こえない場合、これは「合板」がオンになっている兆候です。

ライブサウンドの最も有名な闘士の一人であり、2007年には採択されなかったモスクワ市下院法案「レコードについて」の起草者であるアンドレイ・コバレフは、ステージ上での「合板」擁護派の最も頻繁な反論についてトゥルドに語った。 ：「かつてマドンナとエルトン・ジョンの間で論争が勃発した。 サー・エルトンはこう言いました。「親愛なるマドンナ、私はあなたのコンサートに行きました、そして何ですか？ あなたはサウンドトラックに合わせて曲の半分を演奏しました。 マドンナは「はい、親愛なるエルトン、私はステージでジャンプしたり踊ったりするので」と答えた。 エルトンは「でも、私はあなたがジャンプするのを見るためにお金を払ったわけではない。私はあなたの歌を聞くためにお金を払ったのよ」と反論した。

もちろん、マドンナの発言は言い訳だ。 激しい動きでも普通に歌うことができます。 スリップノットの仕組みをご覧ください。 あるいはアイアン・メイデン - 彼らのリーダーであるブルース・ディキンソンは60歳を超えていますが、彼はステージを走り回りながら何というボーカルを発するのでしょうか。 それはすべて欲望に関するものであり、 体力。 トレーニングに最適な方法は、歌を歌いながらトレッドミルで走ることです。 そして、私たちはアクティブです 踊る人々、専らライブで歌っています。 たとえば、Anzhelika Varum や Leonid Agutin は、広告を掲載したコンサートはもちろん、企業イベントの主催者にもライブサウンド用の設備を要求しています。

2. サウンドエンジニアの手元に注目してください

サウンド エンジニアのコンソールから遠くないホールに座っている場合は、彼の仕事を見てください。 一部のアーティスト (Glucose など) は、楽器の伴奏を個別に録音し、 自分の声。 これにより、次のような操作が可能になります。ある瞬間に、歌手は聴衆にマイクを渡すことができます。彼らは、自分で歌って、音が生きていることを確認してくださいと言います。 この数秒間、サウンド エンジニアに注目してください。ノブの 1 つを急激に上げた場合は、ソリストのマイクをフルパワーに切り替えた可能性が高く、サウンドが本当に生き生きとしています。 そしてその前には「合板」がありました。

「ロックミュージシャンは皆、ライブで仕事をしています」とアンドレイ・コバレフは言います。 - すべてのシャンソニエのように。 しかし、ポップシンガーの平均年齢は五分五分だ。 たとえば、私はフィリップ・キルコロフのことを理解できません。彼は素晴らしい歌手で、いつでもライブで歌うことができますが、彼は自分の曲の最大30パーセントをサウンドトラックに合わせて演奏します。 ディマ・ビランはいわゆるダブルスを使用します。彼は録音したトラックに生の声を乗せるので、生のサウンドは 20 ～ 30 パーセントしかありません。 ボリス・モイセーエフはサウンドトラックのみに取り組んでいます。 でも、ニコライ・バスコフ、ヴァレリー・メラゼ、オレグ・ガズマノフ、あるいは「ラネツキ」はいつもライブで歌います。」

3. ある声で話し、別の声で歌う

今日、パフォーマーは、「あなたはなんて素晴らしいのでしょう！」「あなたの手はどこにありますか？」など、あらゆる種類のアピールを大衆に向けて行うのが大好きです。 等々。 専門家は、この点に注意を払うようアドバイスしています。 同じ声の強さでも、話し言葉での音色が歌で聞こえたものと大きく異なる場合、これは表音文字が使用されているという確かな兆候です。 たとえば、これはほとんどの撮影時に発生します。 テレビ番組、伝統的に既製のサウンドトラックに書き込まれます。

4.「合板」の仲間、テレビカメラ

ホールでテレビカメラを持ったクレーンを見たら、90% 確信できるでしょう。ここでは「合板」の音が聞こえます。 そして、コンサートがグループコンサート、つまり多くのアーティストが参加して行われる場合、各アーティストに100パーセント機材を迅速に設定することは不可能だからです。 「ピルグリムグループで働いた経験から、サウンドを調整するには少なくとも3時間はかかることがわかっています」とコバレフは言う。 ――もちろん、全国コンサートではそんなことをする人はいません。 しかしこの場合、視聴者はこう考えるべきだ、その光景は苦労する価値があるのだろうか？ 大金彼らはそれに何を払ったのですか？ 結局のところ、実際には、彼らはエキストラにされたのです、つまり、彼らではなく撮影に対してお金が支払われるべきなのです。」

つまり、「ソング・オブ・ザ・イヤー」や同様のイベントはすべて完全な「合板」です。 実際のところ、私たちは不完全な機器で録音できなかった時代から大きく進歩しました。 高音質ライブショーで。 今日はそのような機会があります。 一部のテレビ番組では、サウンドはすでにライブであり、非常に高品質です。 つまり、すべてはテレビ局関係者が生の音響をいじりたいか、望まないかにかかっているのです。

5. ディスク上と同じように

ライブパフォーマンスには常に何らかの問題があります 個々の特性そして粗さ。 ここではリズムが少し速くなり、メロディーの装飾が追加されました。歌が聞こえたら、前に 細部までディスクやラジオ放送で知られているレコードと一致しており、これはまさにここで聞こえるものであることを意味します。

ただし、この方法は常に機能するとは限りません。 「一部の達人はトリックに頼る」とアンドレイ・コバレフはトゥルドに語った。 — パフォーマンスに荒削りな「プラスワン」の特別なコンサートを書く手段を持っているスターたち。 たとえば、1970 年代に、ソフィア ロタルは、声が壊れているかのように、意図的にキックを加えたサウンドトラックを録音しました。 この時点で彼女は優しく謝り、観客は生で歌っているような印象を受けました。」

世論調査: 「レコードは悪ですか?」

ジョセフ・コブゾン、歌手：「レコードには特別な罰則はない」

— 私が下院文化委員会の委員長だったとき、このテーマについてよく話し合いました。 消費者の権利の保護に関する法律はありますが、その施行のための仕組みがなく、罰則もありません。 ロスポトレブナゾルの一部としてではなく、新しい組織として検査官のスタッフを創設する必要がある。

ジョゼフ・プリゴジン、プロデューサー：「レコード製作者は企業イベントに参加している」

— 公開コンサートを通じて存在する人たちは、ライブで活動します。 そして、レコード作家たちは企業イベントに出かけました。 全国コンサートではサウンドトラックが出るかもしれません。 プログラムのすべての歌手を 1 つの生のオーケストラが伴奏させることは、私たちにとって習慣的ではありません。

イリヤ・チャート、r オーケー、ミュージシャン： 「表音文字は嘘だ」

— ロックミュージックはポップミュージックと違って、サウンドトラックを想像することが不可能です。 それは嘘と呼ばれます。 ステージ上では、彼らは口を開け、誰かの録音（自分自身の録音、時には他の人の録音）に合わせてお尻を振ります。 ライブサウンドによって一部のショーで技術的な問題が発生するという話は言い訳になります。

ロックミュージシャン、ヴャチェスラフ・ブトゥソフ：「人々の良心を育てる必要がある」
— 「合板」は、当社のコンサート事業の許す限り、当社のコンサート事業に浸透しています。 私たちの「ビジネス」の概念は大きく歪められており、単に原始的な図式を意味するにすぎないため、より少なく与え、より多くを受け取り、そうすれば私たちのすべてが得られます。 コンサート活動オスタップ・ベンダーによれば、強盗のようだ。 なぜロッカーはライブで活動し、ポップミュージックは「合板」の下で演奏することが多いのでしょうか? ロッカーは苦行者なので、甘いものを食べたり、ゆっくり眠る必要はありません。 この精神的注意の分散のおかげで、彼らはなんとか支払うことができます 長い時間この人生の有益な側面。