Römische Statuen. Die Geschichte der Entstehung antiker Skulpturen Roms. Mit Halbsäulen geschmücktes Gebäude

Die römische Skulptur schuf im Gegensatz zur griechischen Skulptur keine Beispiele einer ideal schönen Person und wurde mit dem Bestattungskult der Ahnen – Beschützer des Herdes – in Verbindung gebracht. Die Römer versuchten, das Porträtbild des Verstorbenen genau wiederzugeben, weshalb Merkmale der römischen Skulptur wie Konkretheit, Nüchternheit und Realismus bis ins Detail reichten und manchmal übertrieben wirkten. Eine der Wurzeln des Realismus des römischen Porträts war seine Technik: Vielen Wissenschaftlern zufolge entwickelte sich das römische Porträt aus Totenmasken, die üblicherweise von den Toten abgenommen und zusammen mit Figuren von Laren und Penaten am Hausaltar aufbewahrt wurden. Im Lararium wurden neben Wachsmasken auch Ahnenbüsten aus Bronze, Marmor und Terrakotta aufbewahrt. Abgegossene Masken wurden direkt aus den Gesichtern der Verstorbenen angefertigt und dann bearbeitet, um sie lebensechter zu machen. Dies führte dazu, dass römische Meister hervorragende Kenntnisse über die Merkmale der Muskeln des menschlichen Gesichts und seinen Gesichtsausdruck erlangten.

Während der Republik wurde es üblich, an öffentlichen Orten Ganzkörperstatuen politischer Beamter oder Militärkommandeure aufzustellen. Eine solche Ehrung wurde durch Beschluss des Senats verliehen, meist zur Erinnerung an Siege, Triumphe und politische Erfolge. Solche Porträts wurden meist von einer Widmungsinschrift begleitet, die über ihre Verdienste berichtete.

Mit der Entstehung des Kaiserreichs wurde das Porträt des Kaisers und seiner Familie zu einem der wirkungsvollsten Propagandamittel.

Das römische Skulpturenporträt als eigenständiges und einzigartiges künstlerisches Phänomen lässt sich seit Beginn des 1. Jahrhunderts v. Chr. eindeutig nachweisen. - die Zeit der Römischen Republik. Ein charakteristisches Merkmal von Porträts dieser Zeit ist der extreme Naturalismus und die Wahrhaftigkeit bei der Darstellung der Gesichtszüge dessen, was eine bestimmte Person von jeder anderen Person unterscheidet. Diese Trends gehen auf die etruskische Kunst zurück.

Die Herrschaft von Kaiser Octavian Augustus wurde zum goldenen Zeitalter der römischen Kultur. Ein wichtiger Aspekt, der die Entstehung der römischen Kunst dieser Zeit beeinflusste, war die griechische Kunst der klassischen Zeit, deren strenge Formen sich bei der Schaffung eines majestätischen Reiches als nützlich erwiesen.

Das Porträt einer Frau erhält eine eigenständigere Bedeutung als zuvor.

Unter den Nachfolgern von Kaiser Augustus – Herrschern aus der julisch-claudischen Dynastie – wurde das Bild eines vergöttlichten Kaisers zur Tradition.

Zur Zeit des Kaisers Flavius ​​entstand eine Tendenz zur Idealisierung – der Verleihung idealer Merkmale. Die Idealisierung erfolgte auf zwei Arten: Der Kaiser wurde als Gott oder Held dargestellt; seinem Bild wurden Tugenden beigelegt, seine Weisheit und Frömmigkeit betont. Die Größe solcher Bilder überstieg oft die Lebensgröße, die Porträts selbst hatten ein monumentales Bild, die einzelnen Gesichtszüge wurden zu diesem Zweck geglättet, was die Gesichtszüge regelmäßiger und allgemeiner machte.

Zur Zeit Trajans wendet sich die Gesellschaft auf der Suche nach Halt der Ära der „tapferen Republik“ zu, „der einfachen Moral unserer Vorfahren“, einschließlich ihrer ästhetischen Ideale. Es entsteht eine Reaktion gegen den „korrupten“ griechischen Einfluss. Diese Gefühle entsprachen auch dem strengen Charakter des Kaisers selbst.

Zur Zeit des Kaisers Marcus Aurelius – des Philosophen auf dem Thron – entstand ein Reiterstandbild, das zum Vorbild für alle nachfolgenden Reiterdenkmäler in Europa wurde.

Gemälde des antiken Roms

Die römische Kunst, die sich im Rahmen der antiken Sklavenzeit entwickelte, unterschied sich gleichzeitig stark davon. Die Entstehung und Entstehung der römischen Kultur erfolgte unter unterschiedlichen historischen Bedingungen. Das Weltwissen der Römer nahm neue Formen an. Das künstlerische Lebensverständnis der Römer war von einer analytischen Haltung geprägt. Ihre Kunst wird im Gegensatz zur griechischen als prosaischer wahrgenommen. Ein auffälliges Merkmal der Kunst Roms ist ihre enge Verbindung zum Leben. Viele historische Ereignisse spiegelten sich in künstlerischen Denkmälern wider. Veränderungen im Gesellschaftssystem – die Ablösung einer Republik durch ein Imperium, ein Wechsel der Dynastien der Herrscher Roms – wirkten sich direkt auf Veränderungen der bildnerischen, skulpturalen und architektonischen Formen aus. Deshalb ist es manchmal nicht schwer, den Entstehungszeitpunkt eines bestimmten Werkes anhand stilistischer Merkmale zu bestimmen.

Mit der Verlagerung des Schwerpunkts auf den Innenraum und dem Erscheinungsbild von Prunkräumen in römischen Häusern und Villen entwickelte sich ein System hochkünstlerischer Gemälde, das auf der griechischen Tradition basiert. Pompejanische Gemälde stellen die Hauptmerkmale antiker Fresken vor. Die Römer nutzten die Malerei auch zur Verzierung von Fassaden und nutzten sie als Schilder für Geschäftsräume oder Handwerksbetriebe. Pompejanische Gemälde werden von Natur aus normalerweise in vier Gruppen eingeteilt, die üblicherweise als Stile bezeichnet werden. Der erste Stil, Intarsien, verbreitete sich im 2. Jahrhundert. Chr Simuliert eine Wandverkleidung mit Quadraten aus mehrfarbigem Marmor oder Jaspis. Die Gemälde des ersten Typs sind konstruktiv und betonen die architektonische Grundlage der Wand. Sie entsprechen dem strengen Lakonismus der Formen, der der republikanischen Architektur innewohnt. Seit den 80er Jahren des 1. Jahrhunderts. Chr Der zweite Stil wurde verwendet – die architektonische Perspektive. Die Wände blieben glatt und wurden von malerisch illusorischen Säulen, Pilastern, Gesimsen und Portiken durchzogen. Der Innenraum erlangte Glanz durch die Tatsache, dass zwischen den Säulen oft eine große mehrfigurige Komposition platziert wurde, die Szenen zu mythologischen Themen aus den Werken berühmter griechischer Künstler realistisch wiedergab. Die den Römern innewohnende Anziehungskraft auf die Natur ermutigte sie, Landschaften auf Bühnen in Linear- und Luftperspektiven illusorisch nachzubilden und so den Innenraum des Raumes gleichsam zu erweitern. Der dritte Stil, die Orientierung, ist charakteristisch für die Kaiserzeit. Im Gegensatz zum Prunk des zweiten Stils zeichnet sich der dritte Stil durch Strenge, Anmut und Augenmaß aus. Ausgewogene Kompositionen, lineare Muster vor einem hellen Hintergrund betonen die Wandebene. Manchmal wird der zentrale Bereich der Wand hervorgehoben, wo Gemälde berühmter antiker Meister reproduziert werden. Der vierte Dekorationsstil breitet sich in der Mitte des 1. Jahrhunderts aus. ANZEIGE Mit seiner Prunk- und Dekorativität, räumlichen und architektonischen Gestaltung führt es die Tradition des zweiten Stils fort. Gleichzeitig erinnert der Reichtum an ornamentalen Motiven an Gemälde des dritten Stils. Fantastische und dynamische, perspektivisch ausgerichtete Strukturen zerstören die Isolation und Flachheit der Wände und erwecken den Eindruck einer Theaterkulisse, indem sie die komplizierten Fassaden von Palästen, durch ihre Fenster sichtbaren Gärten oder Kunstgalerien nachbilden – Kopien berühmter Originale, frei ausgeführt bildhafte Art und Weise. Der vierte Stil vermittelt eine Vorstellung von antiken Theaterlandschaften. Pompejanische Gemälde spielten eine wichtige Rolle bei der Weiterentwicklung der dekorativen Künste Westeuropas.

Literatur des antiken Roms

Die ersten Schritte der römischen Fiktion sind mit der Verbreitung der griechischen Bildung in Rom verbunden. Frühe römische Schriftsteller imitierten klassische Beispiele der griechischen Literatur, verwendeten jedoch römische Handlungsstränge und einige römische Formen. Es gibt keinen Grund, die Existenz mündlicher römischer Poesie zu leugnen, die in einer fernen Zeit entstanden ist. Die frühesten Formen poetischer Kreativität sind zweifellos mit Kult verbunden.

So entstand eine religiöse Hymne, ein heiliges Lied, ein Beispiel dafür ist das Lied der Salievs, das uns überliefert ist. Es besteht aus Saturnversen. Dies ist das älteste Denkmal des italienischen freien poetischen Metrums, zu dem wir in der mündlichen Poesie anderer Völker Analogien finden.

In Patrizierfamilien wurden Lieder und Legenden komponiert, die berühmte Vorfahren verherrlichten. Eine der Arten der Kreativität waren Elogien, die zu Ehren verstorbener Vertreter adliger Familien verfasst wurden. Das früheste Beispiel einer Elelogie ist das L. Cornelius Scipio dem Bärtigen gewidmete Epitaph, das auch ein Beispiel für die Größe des Saturn darstellt. Zu den weiteren Arten römischer mündlicher Kreativität zählen Begräbnislieder, die von besonderen Trauergästen vorgetragen werden, sowie alle Arten von Beschwörungsformeln und Zaubersprüchen, die auch in Versen verfasst sind. So schufen die Römer lange vor dem Aufkommen der römischen Belletristik im eigentlichen Sinne des Wortes ein poetisches Versmaß, den Saturnvers, der von den ersten Dichtern verwendet wurde.

Die Anfänge des römischen Volksdramas sind in verschiedenen ländlichen Festen zu suchen, seine Entwicklung ist jedoch mit dem Einfluss benachbarter Völker verbunden. Die Hauptart dramatischer Aufführungen waren Atellans.

Oki tauchten in Etrurien auf und wurden mit Kultaktivitäten in Verbindung gebracht; aber diese Form wurde von den Oskern entwickelt, und der Name „Atellin“ stammt von der kampanischen Stadt Atella. Atellans waren besondere Theaterstücke, deren Inhalt dem Landleben und dem Leben in Kleinstädten entnommen war.

Bei den Atellanern spielten die gleichen Typen die Hauptrollen in Form charakteristischer Masken (Vielfraß, prahlerischer Lumpen, dummer alter Mann, buckliger List usw.). Zunächst wurden die Atellaner spontan vorgestellt. Anschließend, im 1. Jahrhundert. Chr. wurde diese Improvisationsform von römischen Dramatikern als besondere Komödiengattung genutzt.

Auch die Anfänge der römischen Prosa reichen bis in die Antike zurück. In der Frühzeit erschienen schriftliche Gesetze, Verträge und liturgische Bücher. Die Bedingungen des öffentlichen Lebens trugen zur Entwicklung der Beredsamkeit bei. Einige der gehaltenen Reden wurden aufgezeichnet.

Cicero wusste beispielsweise von der Rede des Appius Claudius Caecus im Senat über den Vorschlag von Pyrrhus, mit ihm Frieden zu schließen. Wir finden auch Hinweise darauf, dass in Rom bereits in früher Zeit Trauerreden aufkamen.

Die römische Literatur entwickelt sich zu einer nachahmenden Literatur. Der erste römische Dichter war Livius Andronicus, der die Odyssee ins Lateinische übersetzte.

Livius war ursprünglich ein Grieche aus Tarentum. Im Jahr 272 wurde er als Gefangener nach Rom gebracht, dann freigelassen und begann, die Kinder seines Gönners und anderer Aristokraten zu unterrichten. Die Übersetzung der Odyssee erfolgte in saturnischen Versen. Seine Sprache zeichnete sich nicht durch Anmut aus und enthielt sogar Wortbildungen, die der lateinischen Sprache fremd waren. Dies war das erste poetische Werk, das in lateinischer Sprache verfasst wurde. Viele Jahre lang studierten römische Schulen anhand der Übersetzung der Odyssee von Andronicus.

Livius Andronicus schrieb mehrere Komödien und Tragödien, bei denen es sich um Übersetzungen oder Adaptionen griechischer Werke handelte.

Während des Lebens von Livius begann die dichterische Tätigkeit von Gnaeus Naevius (ca. 274–204), einem gebürtigen Kampaner, der ein episches Werk über den ersten punischen Krieg mit einer kurzen Zusammenfassung der früheren römischen Geschichte besitzt.

Darüber hinaus schrieb Naevius mehrere Tragödien, darunter auch solche, die auf römischen Legenden basierten.

Denn in den Tragödien des Naevius traten die Römer in einem formellen Kostüm auf – einer Toga mit violettem Rand. Naevius schrieb auch Komödien, in denen er seine demokratischen Überzeugungen nicht verbarg. In einer Komödie sprach er ironisch über den damals allmächtigen Scipio den Älteren; An die Metellas gerichtet, sagte er: „Durch das Schicksal der bösen Metella sind die Konsuln in Rom.“ Naevius wurde wegen seiner Gedichte inhaftiert und nur dank der Fürsprache der Volkstribunen von dort freigelassen. Er musste jedoch Rom verlassen.

Religion des antiken Roms

Die frühe römische Religion war animistisch, d. h. erkannte die Existenz aller Arten von Geistern an; es enthielt auch Elemente des Totemismus, die sich insbesondere in der Verehrung der kapitolinischen Wölfin widerspiegelten, die Romulus und Remus säugte. Unter dem Einfluss der Etrusker, die wie die Griechen Götter in Menschengestalt darstellten, wechselten die Römer nach und nach zum Anthropomorphismus. Der erste Tempel in Rom – der Jupitertempel auf dem Kapitol – wurde von etruskischen Handwerkern erbaut. Die römische Mythologie wurde in ihrer ursprünglichen Entwicklung auf den Animismus reduziert, d. h. Glaube an die Belebung der Natur. Die alten Italiener verehrten die Seelen der Toten, und der Hauptgrund für die Anbetung war die Angst vor ihrer übernatürlichen Macht. Für die Römer wie für die Semiten schienen die Götter schreckliche Mächte zu sein, mit denen man rechnen musste und die sie durch die strikte Einhaltung aller Rituale besänftigten. Der Römer hatte jede Minute seines Lebens Angst vor der Ungnade der Götter und um sich ihre Gunst zu sichern, unternahm oder vollbrachte er keine einzige Tat ohne Gebet und festgelegte Formalitäten. Im Gegensatz zu den künstlerisch begabten und aktiven Hellenen gab es bei den Römern keine volksepische Dichtung; Ihre religiösen Vorstellungen drückten sich in wenigen, eintönigen und inhaltsarmen Mythen aus. Die Römer sahen in den Göttern nur den Willen (numen), der in das menschliche Leben eingriff.

Die römischen Götter hatten weder einen eigenen Olymp noch eine eigene Genealogie und wurden in Form von Symbolen dargestellt: Mana – unter dem Deckmantel von Schlangen, Jupiter – unter dem Deckmantel von Stein, Mars – unter dem Deckmantel eines Speers, Vesta – unter dem Deckmantel des Feuers. Das ursprüngliche System der römischen Mythologie – nach den Daten zu urteilen, die uns die antike Literatur erzählt und die unter verschiedenen Einflüssen verändert wurde – lief auf eine Auflistung symbolischer, unpersönlicher, vergöttlichter Konzepte hinaus, unter deren Schirmherrschaft das Leben eines Menschen von der Empfängnis bis zum Tod bestand ; Nicht weniger abstrakt und unpersönlich waren die Seelengötter, deren Kult die älteste Grundlage der Familienreligion bildete. Auf der zweiten Stufe mythologischer Vorstellungen gab es Naturgottheiten, vor allem Flüsse, Quellen und die Erde, als Erzeuger aller Lebewesen. Als nächstes kommen die Gottheiten des himmlischen Raums, die Gottheiten des Todes und der Unterwelt, Gottheiten – Personifikationen der spirituellen und moralischen Aspekte des Menschen sowie verschiedener Beziehungen des gesellschaftlichen Lebens und schließlich fremde Götter und Helden.

Neben den Göttern verehrten die Römer weiterhin unpersönliche Kräfte. Matzos – die Seelen der Toten, Genies – Geister – Gönner der Menschen, Lares – Hüter des Herdes und der Familie, Penaten – Gönner des Hauses und der ganzen Stadt galten als menschenfreundlich. Böse Geister galten als Larven – die Seelen unbegrabener Verstorbener, Lemuren – Geister der Toten, die Menschen jagen usw. Bereits in der Königszeit kann man einen gewissen Formalismus in der Haltung der Römer zur Religion feststellen. Alle Kultfunktionen wurden auf verschiedene Priester verteilt, die in Kollegien zusammengeschlossen waren. Die Hohepriester waren die Päpste, die andere Priester beaufsichtigten und für Rituale, Bestattungskulte usw. verantwortlich waren. Eine ihrer wichtigsten Aufgaben bestand darin, Kalender zu erstellen, die günstige Tage für die Abhaltung von Versammlungen, den Abschluss von Verträgen, den Beginn militärischer Operationen usw. markierten. Es gab spezielle Priesterkollegien – Wahrsager: Auguren erzählten Wahrsagen durch den Flug von Vögeln, Haruspices – durch die Eingeweide von Opfertieren. Flamninpriester dienten dem Kult bestimmter Götter, Fetialpriester überwachten die strikte Einhaltung der Grundsätze des Völkerrechts. Wie in Griechenland sind die Priester in Rom keine besondere Kaste, sondern gewählte Beamte.

Abschluss

Die Kultur und Kunst des antiken Roms hat der Menschheit ein enormes Erbe hinterlassen, dessen Bedeutung kaum zu überschätzen ist. Als großer Organisator und Schöpfer moderner Normen des zivilisierten Lebens hat das antike Rom das kulturelle Erscheinungsbild eines großen Teils der Welt entscheidend verändert. Allein dafür verdient er bleibenden Ruhm und das Andenken seiner Nachkommen. Darüber hinaus hinterließ die Kunst der Römerzeit viele bemerkenswerte Denkmäler in den unterschiedlichsten Bereichen, von architektonischen Werken bis hin zu Glasgefäßen. Jedes antike römische Denkmal verkörpert eine durch die Zeit komprimierte und zu ihrem logischen Abschluss gebrachte Tradition. Es enthält Informationen über Glauben und Rituale, den Sinn des Lebens und die kreativen Fähigkeiten der Menschen, denen es gehörte, und über den Platz, den dieses Volk im grandiosen Reich einnahm. Der römische Staat ist sehr komplex. Er allein hatte die Mission, sich von der tausend Jahre alten Welt des Heidentums zu verabschieden und jene Prinzipien zu schaffen, die die Grundlage der christlichen Kunst des New Age bildeten.

Kultur des antiken Griechenlands

Planen

Einführung Skulptur im antiken Griechenland (Polykleitos, Myron, Phidias)

Literatur im antiken Griechenland (Platon, Aristoteles)

Theater im antiken Griechenland (Aischylos, Sophokles, Euripides, Aristophanes)

Abschluss

Einführung

Das antike Griechenland und seine Kultur nehmen einen besonderen Platz in der Weltgeschichte ein. Denker aus verschiedenen Epochen und Richtungen stimmen in ihrer hohen Einschätzung der antiken (d. h. griechisch-römischen) Zivilisation überein. Der französische Historiker des letzten Jahrhunderts, Ernest Renan, nannte die Zivilisation des antiken Hellas ein „griechisches Wunder“. Die höchsten Schätzungen der griechischen Zivilisation scheinen nicht übertrieben zu sein. Doch wie entstand die Idee eines „Wunders“? Die griechische Zivilisation ist weder die einzige noch die älteste. Als es auftauchte, maßen einige Zivilisationen des alten Ostens ihre Geschichte in Tausenden von Jahren. Dies gilt beispielsweise für Ägypten und Babylon. Die Idee des Wunders der griechischen Zivilisation ist höchstwahrscheinlich auf ihre ungewöhnlich schnelle Blüte zurückzuführen. Die Gesellschaft und Kultur des alten Ägypten befand sich bereits zu Beginn des dritten Jahrtausends v. Chr. in einem Entwicklungsstadium, das es uns ermöglicht, vom Übergang von der Barbarei zur Zivilisation zu sprechen. Die Entstehung der griechischen Zivilisation geht auf die Zeit der „Kulturrevolution“ zurück – 7. – 5. Jahrhundert. Chr E. Im Laufe von drei Jahrhunderten entstand in Griechenland eine neue Staatsform – die erste in der Geschichte der Demokratie. In Wissenschaft, Philosophie, Literatur und bildender Kunst hat Griechenland die Errungenschaften der antiken östlichen Zivilisationen übertroffen, die sich seit mehr als dreitausend Jahren entwickelt haben. War das nicht ein Wunder? Natürlich dachte niemand an den übernatürlichen Ursprung der griechischen Zivilisation, aber es erwies sich als ziemlich schwierig, die historischen Gründe für das Erscheinen des „griechischen Wunders“ anzugeben. Die Entstehung und Blüte der griechischen Zivilisation, die tatsächlich über mehrere Generationen hinweg stattfand, war selbst für die Griechen selbst ein Rätsel. Bereits im 5. Jahrhundert. Chr e. Es gab erste Versuche, dieses Phänomen zu erklären. Ägypten wurde zum Stammvater vieler Errungenschaften der griechischen Kultur erklärt. Einer der ersten hier war der „Vater der Geschichte“ Herodot, der die Kultur des alten Ägypten äußerst schätzte. Der berühmte Rhetoriker und Sokrates argumentierten, dass Pythagoras seine Philosophie in Ägypten übernommen habe und Aristoteles dieses Land als den Geburtsort der theoretischen Mathematik bezeichnet. Der Begründer der griechischen Philosophie, Thales, war ein gebürtiger Phönizier. Als er in Ägypten ankam, studierte er bei den Priestern und entlehnte von ihnen die Vorstellung vom Wasser als dem Anfang aller Dinge sowie Kenntnisse in Geometrie und Astronomie. Dieselben Informationen finden wir bei antiken Autoren über Homer, Lykurg, Solon, Demokrit, Herokletos und andere herausragende Vertreter der griechischen Kultur. Was veranlasste die Griechen, nach den östlichen Wurzeln ihrer eigenen Kultur zu suchen? Die moderne Wissenschaft weist auf mehrere Gründe hin. Erstens haben die Griechen beim Kennenlernen der ägyptischen Kultur und der Kultur anderer Länder des Alten Ostens tatsächlich viele Anleihen übernommen, und in anderen Fällen entdeckten sie Ähnlichkeiten zwischen ihrer Kultur und den Kulturen des Ostens. Da die Griechen um das große Alter der östlichen Zivilisationen wussten, neigten sie dazu, den Ursprung dieses oder jenes Phänomens der griechischen Kultur durch Anleihen bei den Hellenen im Osten zu erklären, was logisch erschien. Zweitens wurde dies durch den für alle antiken Gesellschaften charakteristischen Konservatismus des Lebensstils erleichtert. Griechenland war in dieser Hinsicht keine Ausnahme. Die alten Griechen hatten großen Respekt vor der Antike. Aus diesem Grund waren die Griechen bereit, ihre eigenen Errungenschaften großzügig an andere Nationen zu verschenken. Die moderne Wissenschaft liefert andere Erklärungen für den Ursprung der antiken griechischen Zivilisation. Den Grund für das „griechische Wunder“ sah Renan in den angeblich den arischen Sprachen innewohnenden Eigenschaften: Abstraktion und Metaphysik. Sie hoben die besondere Begabung der Griechen im Vergleich zu anderen Völkern der Antike hervor. Verschiedene Hypothesen werden im Buch des Historikers A. I. Zaitsev „Die Kulturrevolution im antiken Griechenland im 8. – 5. Jahrhundert v. Chr.“ diskutiert. Er lieferte konkrete Informationen, die rassistische Hypothesen widerlegen. Viele Historiker kommen zu dem Schluss, dass die Gründe für die Größe der griechischen Zivilisation nicht in der rassischen Vorgeschichte Griechenlands, sondern in der spezifischen historischen Realität des ersten Jahrtausends v. Chr. Zu suchen sind. e. Der berühmte Schweizer Wissenschaftler Andre Bonnard argumentiert in seinem Buch „Greek Civilization“, dass die griechische Zivilisation und antike Kultur auf der antiken Sklaverei beruhten. Das griechische Volk durchlief die gleichen Entwicklungsstadien wie andere Völker. Bonnard behauptet, dass es kein griechisches Wunder gibt. Sein Buch konzentriert sich auf die Menschen, die die griechische Zivilisation geschaffen haben und von ihr geschaffen wurden. „Der Ausgangspunkt und das Ziel der gesamten griechischen Zivilisation ist der Mensch. Sie geht von seinen Bedürfnissen aus, sie hat seinen Nutzen und seinen Fortschritt im Auge. Um sie zu erreichen, pflügt sie gleichzeitig die Welt und den Menschen, einen durch den anderen.“ Der Mensch und die Welt sind aus Sicht der griechischen Zivilisation ein Spiegelbild voneinander – sie sind einander gegenübergestellte Spiegel, die sich gegenseitig lesen.“

Die Kunst Roms beginnt mit einem Porträt, so wie die etruskischen Römer Wachs- oder Gipsabdrücke des Gesichts des Verstorbenen anfertigten. Alle Details des Gesichts wurden zu einem Mittel zur Charakterisierung des Bildes, in dem es keinen Platz für Ideale gibt, jeder ist, wer er ist.

Nach dem Vorbild der griechischen Kunst (nach 146 v. Chr., zur Zeit des Augustus) begannen die Römer, Kaiser in unzähligen idealisierten Statuen von Patriziern, Atlantern und Göttern darzustellen, obwohl das Modell natürlich heroisch und der Kopf ein Porträt ist des Kaisers.

Statue des Augustus von Primaporte.

Augustus als Zeus.

Aber häufiger ist die Porträtskulptur der Römer eine Büste.

Anfang des 1. Jahrhunderts Chr – geprägt von bewusster Einfachheit und Zurückhaltung.

Porträt von Nero

Bis zur Mitte des 1. Jahrhunderts. ANZEIGE – der Wunsch nach Dekorativität und starken Lichteffekten verstärkt sich. (Dies ist die flavische Ära)

Die Porträts erinnern an hellenistische Bilder, das Interesse an der menschlichen Persönlichkeit zeigt sich, die subtilen Eigenschaften von Gefühlen werden ohne Veränderungen in der Idealisierung, aber sehr prominent vermittelt. Insbesondere bei aufwändigen Damenfrisuren nutzt der Künstler komplexe Marmorverarbeitungstechniken.

Porträt einer Frau.

Porträt von Vittelius.

Im II. Jahrhundert. ANZEIGE (die Ära von Hadrian, Antoninov) - Die Porträts zeichnen sich durch sanfte Modellierung, Raffinesse, einen selbstverliebten Blick, einen Hauch von Traurigkeit und Distanziertheit aus.

Porträt von Sirpanka.

Die Richtung und Belebung des Blickes wird nun durch die ausgeschnittene Pupille betont (früher war sie gezeichnet und gemalt).

Um 170 wurde eine Reiterstatue des Kaisers Marcus Aurelius gegossen (steht heute auf dem Kapitolplatz in Rom). Der vermeintliche Heldentum des Bildes deckt sich nicht mit dem Erscheinen des Kaiser-Philosophen.

III Jahrhundert geprägt von den Merkmalen des nahenden Endes der antiken Zivilisation. Die Verschmelzung lokaler und antiker Traditionen, die sich in der römischen Kunst entwickelt hatte, wurde durch mörderische Kriege und den Zerfall des Sklavenwirtschaftssystems zerstört.

Das skulpturale Porträt ist voller grausamer und roher Bilder, inspiriert vom Leben selbst. Die Bilder sind wahrhaftig und gnadenlos aufschlussreich, tragen Angst und Unsicherheit in sich, schmerzliche Widersprüchlichkeit. III Jahrhundert ANZEIGE Man nannte es die Ära der Soldatenkaiser oder die Ära des Verismus.

Porträt von Karakkana.

Porträt Philipps des Arabers.

Die Römer waren die Schöpfer des sogenannten historischen Reliefs.

Wand des Friedensaltars (13–9 v. Chr.) – Kaiser Augustus marschiert mit seiner Familie und seinen Gefährten in einer feierlichen Prozession von Opfergaben für die Göttin des Friedens.

Trajanssäule (113 n. Chr.) – Auf dem Trajansforum (Rom) erhebt sich eine dreißig Meter hohe Säule, die zu Ehren des Sieges über die Daker errichtet wurde. Das Relief windet sich wie ein etwa einen Meter breites und 200 Meter langes Band spiralförmig um den gesamten Säulenstamm.

Die wichtigsten Ereignisse von Trajans Feldzug werden in historischer Abfolge dargestellt: der Bau der Brücke über die Donau, die Überquerung, die Schlacht selbst, die Belagerung der dakischen Festung, der Gefangenenzug, die triumphale Rückkehr. Trajan an der Spitze des Heeres, alles ist zutiefst realistisch dargestellt und vom Pathos der Siegerverherrlichung durchdrungen.

Gemälde des antiken Roms

Bis zur Mitte des 1. Jahrhunderts. Chr Das antike Rom wird zu einem reichen Staat. Es entstanden Paläste und Villen, die mit Fresken geschmückt waren. Die Böden und Terrassen wurden mit Mosaiken verziert – eingelegten Gemälden aus natürlichen Kieselsteinen sowie aus farbiger Glaspaste (Smalt). Besonders viele Fresken und Mosaike sind in den Villen von Pompeji erhalten geblieben (die durch den Ausbruch des Vesuvs im Jahr 74 n. Chr. zerstört wurden).

Im Haus des Fauns in Pompeji (der Name stammt von der im Haus gefundenen Bronzefigur eines Fauns) wurde ein 15 Quadratmeter großes Mosaik freigelegt, das die Schlacht von A. Mazedonien mit dem persischen König Darius darstellt. Die Aufregung der Schlacht wird perfekt vermittelt, die Porträtmerkmale der Kommandeure werden durch die Schönheit der Farben betont.

Im 2. Jahrhundert. Chr Das Fresko imitierte farbigen Marmor, den sogenannten Intarsienstil.

Im 4. Jahrhundert v. Chr Es entwickelt sich ein architektonischer (perspektivischer) Stil. Als Beispiel - die Gemälde der Villa der Mysterien: Auf dem roten Hintergrund der Wand, fast in voller Höhe, befinden sich große mehrfigurige Kompositionen, darunter die Figuren des Dionysos und seiner Gefährten - Tänzer, die mit ihrer malerischen Statuette in Erstaunen versetzen und plastische Bewegungen.

Während der Zeit des Kaiserreichs IV. ANZEIGE Es entsteht ein dritter Stil, der Ornamental oder Kandelaber genannt wird und durch ägyptische Motive gekennzeichnet ist, die an Kandelaber erinnern (Haus von Lucretius Frontin).

In der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts. ANZEIGE Die Gemälde sind mit Bildern der Architektur von Gärten und Parks gefüllt und erweitern illusorisch den Raum der Räume. In der Mitte der Wand sind mythologische Szenen wie ein separates Bild in einem Rahmen gemalt (das Haus der Vettii).

Der Hauptvorteil der antiken römischen Skulptur ist der Realismus und die Authentizität der Bilder. Dies ist vor allem auf die Tatsache zurückzuführen, dass die Römer einen starken Ahnenkult hatten und es seit der frühesten Zeit der römischen Geschichte den Brauch gab, Totenwachsmasken zu entfernen, die später von Bildhauermeistern als Grundlage für Skulpturen verwendet wurden Porträts.

Der Begriff „antike römische Kunst“ selbst hat eine sehr bedingte Bedeutung. Alle römischen Bildhauer waren griechischer Herkunft. In ästhetischer Hinsicht sind alle antiken römischen Skulpturen Nachbildungen griechischer Skulpturen. Die Innovation war die Kombination des griechischen Harmoniestrebens mit der römischen Starrheit und dem Kult der Stärke.

Die Geschichte der antiken römischen Skulptur ist in drei Teile gegliedert: etruskische Kunst, Skulptur der Republikzeit und kaiserliche Kunst.

Etruskische Kunst

Skulptur der Römischen Republik

Die wichtigste Errungenschaft der Bildhauerei dieser Epoche ist jedoch das realistische skulpturale Porträt. Im Gegensatz zu Griechenland, wo der Meister bei der Erstellung eines Porträts alle individuellen Merkmale des Modells auf die eine oder andere Weise den Gesetzen der Harmonie und Schönheit unterordnete, kopierten römische Meister sorgfältig alle Feinheiten des Aussehens der Modelle. Andererseits führte dies oft zu vereinfachten Bildern, groben Linien und einer Distanz zum Realismus.

Skulptur des Römischen Reiches

Die Kaiserstatuen in den Foren Roms sind in rauer, grober Manier gefertigt. Von der griechischen Harmonie und Schönheit, die für die frühe römische Kunst charakteristisch war, ist keine Spur mehr vorhanden. Die Meister mussten zuallererst starke und harte Herrscher darstellen. Es gab auch eine Abkehr vom Realismus. Römische Kaiser wurden als athletisch und groß dargestellt, obwohl nur selten einer von ihnen einen harmonischen Körperbau aufwies.

Während des Römischen Reiches wurden Götterskulpturen fast immer mit den Gesichtern der herrschenden Kaiser dargestellt, sodass Historiker mit Sicherheit wissen, wie die Kaiser des größten antiken Staates aussahen.

Obwohl die römische Kunst zweifellos in die Weltschatzkammer vieler Meisterwerke aufgenommen wurde, ist sie im Wesentlichen nur eine Fortsetzung der antiken griechischen Kunst. Die Römer entwickelten die antike Kunst, machten sie prächtiger, majestätischer und heller. Andererseits waren es die Römer, die den Sinn für Proportionen, Tiefe und ideologische Inhalte der frühantiken Kunst verloren.

EINFÜHRUNG

Probleme der Geschichte der römischen Kultur erregten und erregen weiterhin große Aufmerksamkeit sowohl bei breiten Leserkreisen als auch bei Spezialisten verschiedener Wissenschaftsbereiche. Dieses Interesse wird maßgeblich durch die enorme Bedeutung des kulturellen Erbes bestimmt, das Rom den nachfolgenden Generationen hinterlassen hat.

Die Ansammlung neuen Materials ermöglicht uns einen neuen Blick auf eine Reihe etablierter, traditioneller Vorstellungen über die römische Kultur. Allgemeine kulturelle Veränderungen wirkten sich auch auf die Kunst aus, entsprechend auch auf die Bildhauerei.

Die Skulptur des antiken Roms entwickelte sich wie die des antiken Griechenlands im Rahmen einer Sklavengesellschaft. Darüber hinaus halten sie sich an die Reihenfolge – zuerst Griechenland, dann Rom. Die römische Bildhauerei führte die Traditionen hellenischer Meister fort.

Die römische Skulptur durchlief vier Phasen ihrer Entwicklung:

1. Die Ursprünge der römischen Skulptur

2. Die Entstehung der römischen Skulptur (VIII – I Jahrhundert v. Chr.)

3. Die Blütezeit der römischen Skulptur (I. – II. Jahrhundert)

4. Die Krise der römischen Skulptur (III. – IV. Jahrhundert)

Und in jeder dieser Phasen erfuhr die römische Skulptur Veränderungen, die mit der kulturellen Entwicklung des Landes verbunden waren. Jede Etappe spiegelt die Zeit ihrer Epoche mit ihren Merkmalen in Stil, Genre und Richtung der Bildhauerkunst wider, die sich in den Werken der Bildhauer manifestieren.

DIE URSPRÜNGE DER RÖMISCHEN SKULPTUR

1.1 Kursive Skulptur

„Im antiken Rom beschränkte sich die Bildhauerei hauptsächlich auf historische Reliefs und Porträts. Die plastischen Formen griechischer Sportler werden stets offen präsentiert. Bilder wie ein betender Römer, der den Saum seines Gewandes über seinen Kopf wirft, sind meist in sich geschlossen, konzentriert. Wenn die griechischen Meister bewusst mit der spezifischen Einzigartigkeit von Merkmalen brachen, um das weit gefasste Wesen der dargestellten Person – eines Dichters, Redners oder Kommandanten – zu vermitteln, dann konzentrierten sich die römischen Meister in skulpturalen Porträts auf die persönlichen, individuellen Eigenschaften eines Person."

Die Römer schenkten der bildenden Kunst weniger Aufmerksamkeit als die damaligen Griechen. Wie bei anderen italienischen Stämmen der Apenninenhalbinsel war ihre eigene monumentale Skulptur (sie brachten viele hellenische Statuen mit) selten; Es überwogen kleine Bronzefiguren von Göttern, Genies, Priestern und Priesterinnen, die in Heimheiligtümern aufbewahrt und in Tempel gebracht wurden. aber das Porträt wurde zur Hauptform der bildenden Kunst.

1.2 Etruskische Skulptur

Die bildende Kunst spielte im täglichen und religiösen Leben der Etrusker eine bedeutende Rolle: Tempel wurden mit Statuen geschmückt, Skulpturen und Reliefskulpturen wurden in Gräbern aufgestellt, es entstand ein Interesse an Porträts und auch die Dekoration war charakteristisch. Der Beruf des Bildhauers genoss in Etrurien jedoch kaum einen hohen Stellenwert. Die Namen der Bildhauer sind bis heute kaum überliefert; Es ist nur das von Plinius erwähnte Werk bekannt, das am Ende des 6. und 5. Jahrhunderts tätig war. Meister Vulka.

ENTSTEHUNG DER RÖMISCHEN SKULPTUR (VIII. – I. JAHRHUNDERT V. CHR.)

„In den Jahren der Reife- und Spätrepublik entstanden verschiedene Arten von Porträts: Statuen von Römern, die in eine Toga gehüllt waren und ein Opfer darbrachten (das beste Beispiel befindet sich im Vatikanischen Museum), Generäle in heroischer Gestalt mit dem Bild von a Anzahl militärischer Rüstungen (Statue aus dem Tivoli des Nationalmuseums von Rom), adlige Adlige, die das Altertum mit einer Art Ahnenbüsten demonstrieren, die sie in den Händen halten (Wiederholung des 1. Jahrhunderts n. Chr. im Palazzo Conservatori), Redner Reden vor dem Volk halten (Bronzestatue des Aulus Metellus, ausgeführt von einem etruskischen Meister). In der bildhauerischen Porträtskulptur waren nichtrömische Einflüsse immer noch stark, aber in den Grabporträtskulpturen, wo offensichtlich alles Fremde weniger erlaubt war, waren davon nur noch wenige übrig. Und obwohl man annehmen muss, dass die Grabsteine ​​ursprünglich unter Anleitung hellenischer und etruskischer Meister hergestellt wurden, haben offenbar die Kunden stärker ihre Wünsche und Geschmäcker diktiert. Die Grabsteine ​​der Republik, horizontale Platten mit Nischen, in denen Porträtstatuen aufgestellt waren, sind äußerst schlicht. Zwei, drei und manchmal fünf Personen wurden in einer klaren Reihenfolge dargestellt. Nur auf den ersten Blick wirken sie aufgrund der Monotonie der Posen, der Faltenanordnung und der Handbewegungen einander ähnlich. Es gibt keinen Menschen, der dem anderen gleicht, und was sie gemeinsam haben, ist die für alle charakteristische fesselnde Zurückhaltung der Gefühle, der erhabene stoische Zustand angesichts des Todes.“

Die Meister vermittelten jedoch nicht nur individuelle Charakteristika in skulpturalen Bildern, sondern machten auch die Spannung der harten Zeit der Eroberungskriege, der Bürgerunruhen und der anhaltenden Angst und Unruhe spürbar. Bei Porträts wird die Aufmerksamkeit des Bildhauers vor allem auf die Schönheit der Volumina, die Stärke des Rahmens, das Rückgrat des plastischen Bildes gelenkt.

DER FLUSS DER RÖMISCHEN SKULPTUR (I. – II. JAHRHUNDERT)

3.1 Zeit des Fürstentums Augustus

In den Jahren des Augustus achteten Porträtmaler weniger auf die einzigartigen Merkmale des Gesichts, glätteten die individuelle Originalität, betonten etwas Gemeinsames, Charakteristisches für alle und verglichen ein Motiv mit einem anderen, je nach dem Typ, der dem Kaiser gefiel. Es war, als ob typische Standards geschaffen würden.

„Dieser Einfluss kommt besonders deutlich in den Heldenstatuen des Augustus zum Ausdruck. Am berühmtesten ist seine Marmorstatue von Prima Porta. Der Kaiser wird ruhig und majestätisch dargestellt, mit einladend erhobener Hand; Als römischer General verkleidet schien er vor seinen Legionen zu erscheinen. Seine Rüstung ist mit allegorischen Reliefs verziert und sein Umhang ist über die Hand geworfen, die einen Speer oder Stab hält. Augustus wird mit unbedecktem Kopf und nackten Beinen dargestellt, was bekanntlich eine Tradition in der griechischen Kunst ist, die herkömmlicherweise Götter und Helden nackt oder halbnackt darstellt. Die Posierung der Figur orientiert sich an Motiven hellenistischer Männerfiguren aus der Schule des berühmten griechischen Meisters Lysippos.

Das Gesicht des Augustus weist Porträtzüge auf, ist aber dennoch etwas idealisiert, was wiederum auf die griechische Porträtskulptur zurückzuführen ist. Solche Kaiserporträts, die Foren, Basiliken, Theater und Bäder schmücken sollten, sollten die Idee der Größe und Macht des Römischen Reiches und der Unantastbarkeit der kaiserlichen Macht verkörpern. „Das Zeitalter des Augustus schlägt eine neue Seite in der Geschichte der römischen Porträtmalerei auf.“

In der Porträtskulptur operierten Bildhauer heute gerne mit großen, schlecht modellierten Flächen von Wangen, Stirn und Kinn. Diese Vorliebe für Flächigkeit und Ablehnung der Dreidimensionalität, die sich besonders deutlich in der dekorativen Malerei manifestierte, spiegelte sich auch in den skulpturalen Porträts dieser Zeit wider.

Zur Zeit des Augustus entstanden mehr Frauen- und Kinderporträts als zuvor, die zuvor sehr selten waren. Am häufigsten handelte es sich dabei um Bilder der Frau und der Tochter des Princeps; die Thronfolger wurden in Marmor- und Bronzebüsten und Jungenstatuen dargestellt. Der offizielle Charakter solcher Werke wurde von allen erkannt: Viele wohlhabende Römer installierten solche Skulpturen in ihren Häusern, um ihre Zuneigung zur Herrscherfamilie zu betonen.

3.2 Julio-claudische und flavische Zeit

Das Wesen der Kunst im Allgemeinen und der Bildhauerei im Besonderen des Römischen Reiches begann in den Werken dieser Zeit vollständig zum Ausdruck zu kommen.

Die monumentale Skulptur nahm andere Formen an als die hellenische. Der Wunsch nach Spezifität führte dazu, dass die Meister den Gottheiten sogar die individuellen Merkmale des Kaisers verliehen. Rom war mit vielen Götterstatuen geschmückt: Jupiter, Roma, Minerva, Victoria, Mars. Die Römer, die die Meisterwerke der hellenischen Bildhauerei schätzten, behandelten sie manchmal mit Fetischismus.

„Während der Blütezeit des Imperiums wurden Trophäendenkmäler zu Ehren von Siegen errichtet. Zwei riesige Domitian-Trophäen aus Marmor schmücken noch immer die Balustrade des Kapitolinischen Platzes in Rom. Majestätisch sind auch die riesigen Statuen der Dioskuren in Rom, auf dem Quirinal. Sich aufbäumende Pferde, kräftige junge Männer, die die Zügel halten, werden in einer entschlossenen, stürmischen Bewegung gezeigt.“

Die Bildhauer jener Jahre wollten vor allem die Menschen in Erstaunen versetzen. Die Kunst des Imperiums verbreitete sich in der ersten Periode ihrer Blütezeit,

Es gibt jedoch auch Kammerskulpturen – Marmorfiguren, die die Innenräume schmückten und häufig bei Ausgrabungen in Pompeji, Herculaneum und Stabia gefunden wurden.

Die skulpturale Porträtmalerei dieser Zeit entwickelte sich in verschiedene künstlerische Richtungen. Während der Zeit von Tiberius hielten die Bildhauer an der klassizistischen Manier fest, die unter Augustus vorherrschte und zusammen mit neuen Techniken beibehalten wurde. Unter Caligula, Claudius und insbesondere den Flavianern begann die idealisierende Interpretation des Aussehens durch eine genauere Darstellung der Gesichtszüge und des Charakters einer Person ersetzt zu werden. Unterstützt wurde es durch den republikanischen Stil mit seiner scharfen Ausdruckskraft, die keineswegs verschwand, sondern in den Jahren des Augustus gedämpft wurde.

„In den Denkmälern, die zu diesen verschiedenen Bewegungen gehören, kann man die Entwicklung eines räumlichen Verständnisses von Volumina und die Stärkung einer exzentrischen Interpretation der Komposition beobachten. Ein Vergleich von drei Statuen sitzender Kaiser: Augustus von Cumae (St. Petersburg, Eremitage), Tiberius von Privernus (Vatikan von Rom) und Nerva (Vatikan von Rom) überzeugt dies bereits bei der Statue des Tiberius, die die klassizistische Interpretation bewahrt des Gesichts hat sich das plastische Formenverständnis verändert. Die Zurückhaltung und Formalität der Haltung des Kuma Augustus wurde durch eine freie, entspannte Körperhaltung ersetzt, eine sanfte Interpretation von Volumina, die nicht im Gegensatz zum Raum stehen, sondern bereits mit ihm verschmolzen sind. Die Weiterentwicklung der plastisch-räumlichen Komposition der Sitzfigur zeigt sich in der Statue der Nerva mit zurückgelehntem Oberkörper, hoch erhobener rechter Hand und einer entschiedenen Kopfdrehung.

Auch im Kunststoff der aufrechten Statuen kam es zu Veränderungen. Die Skulpturen des Claudius haben viel mit Augustus aus Prima Porta gemeinsam, doch auch hier sind exzentrische Tendenzen spürbar. Bemerkenswert ist, dass einige Bildhauer versuchten, diesen spektakulären plastischen Kompositionen Porträtstatuen gegenüberzustellen, die im Geiste einer zurückhaltenden republikanischen Manier gestaltet waren: Die Inszenierung der Figur im riesigen Titus-Porträt aus dem Vatikan ist betont schlicht, die Beine ruhen voll auf Füße, die Arme sind an den Körper gedrückt, nur der rechte ist leicht entblößt.“

„Wenn in der klassizistischen Porträtkunst der Zeit des Augustus das grafische Prinzip vorherrschte, stellten die Bildhauer nun durch voluminöse Formengestaltung die individuelle Erscheinung und den Charakter der Natur wieder her. Die Haut wurde dichter, markanter und verbarg die Struktur des Kopfes, die auf republikanischen Porträts deutlich zu erkennen war. Die Plastizität der skulpturalen Bilder erwies sich als reicher und ausdrucksvoller. Dies zeigte sich sogar in den Provinzporträts römischer Herrscher, die an der fernen Peripherie auftauchten.“

Der Stil kaiserlicher Porträts wurde auch von privaten Porträts nachgeahmt. Generäle, reiche Freigelassene, Geldverleiher versuchten in allem – ihrer Haltung, ihren Bewegungen, ihrem Verhalten – den Herrschern zu ähneln; die Bildhauer verliehen der Landung der Köpfe Stolz und den Wendungen Entschlossenheit, ohne jedoch die scharfen, nicht immer attraktiven Züge der individuellen Erscheinung abzuschwächen; Nach den strengen Normen des augusteischen Klassizismus in der Kunst begannen sie die Einzigartigkeit und Komplexität der physiognomischen Ausdruckskraft zu schätzen. Die spürbare Abweichung von den griechischen Normen, die während der Jahre des Augustus vorherrschten, erklärt sich nicht nur aus der allgemeinen Entwicklung, sondern auch aus dem Wunsch der Meister, sich von fremden Prinzipien und Methoden zu befreien und ihre römischen Merkmale zu offenbaren.

Bei Marmorporträts wurden wie zuvor Pupillen, Lippen und möglicherweise Haare mit Farbe gefärbt.

In diesen Jahren entstanden häufiger als zuvor weibliche skulpturale Porträts. In den Bildern der Ehefrauen und Töchter von Kaisern sowie edlen römischen Ehefrauen der Meister

Zunächst folgten sie den klassizistischen Prinzipien, die unter Augustus vorherrschten. Dann begannen komplexe Frisuren in Frauenporträts eine immer größere Rolle zu spielen, und die Bedeutung plastischer Verzierungen wurde stärker ausgeprägt als in Männerporträts. Porträts von Domitia Longina, die bei der Interpretation von Gesichtern hohe Frisuren verwendeten, hielten sich jedoch oft an einen klassizistischen Stil, idealisierten Gesichtszüge, glätteten die Marmoroberfläche und milderten die Schärfe des individuellen Erscheinungsbilds so weit wie möglich. „Ein prächtiges Denkmal aus der Zeit der späten Flavier ist eine Büste einer jungen Römerin aus dem Kapitolinischen Museum. Bei der Darstellung ihrer lockigen Locken entfernte sich die Bildhauerin von der Flächigkeit, die in den Porträts von Domitia Longina auffällt. Bei Porträts älterer römischer Frauen war der Widerstand gegen den klassizistischen Stil stärker. Die Frau im Vatikanporträt wird vom flavischen Bildhauer mit aller Unparteilichkeit dargestellt. Ein geschwollenes Gesicht mit Tränensäcken modellieren, tiefe Falten auf eingefallenen Wangen, schielende, als ob tränende Augen, schütteres Haar – alles offenbart die erschreckenden Zeichen des Alters.“

3.3 Zeit von Trojan und Hadrian

Während der zweiten Blütezeit der römischen Kunst – zur Zeit der frühen Antoniner – Trajan (98–117) und Hadrian (117–138) – blieb das Reich militärisch stark und florierte wirtschaftlich.

„Die runde Skulptur während der Jahre des Klassizismus Hadrians ahmte weitgehend die hellenische nach. Es ist möglich, dass die riesigen Statuen der Dioskuren, die auf griechische Originale zurückgehen und den Eingang zum römischen Kapitol flankieren, in der ersten Hälfte des 2. Jahrhunderts entstanden sind. Sie haben nicht die Dynamik der Dioskuren des Quirinals; Sie sind ruhig, zurückhaltend und führen selbstbewusst die Zügel ruhiger und gehorsamer Pferde. Etwas Monotonie, Lethargie der Formen lässt einen denken,

dass sie die Schöpfung von Adrians Klassizismus sind. Auch die Größe der Skulpturen (5,50m – 5,80m) ist charakteristisch für die nach Monumentalisierung strebende Kunst dieser Zeit.“

In den Porträts dieser Zeit lassen sich zwei Phasen unterscheiden: die Trajans, die durch eine Tendenz zu republikanischen Prinzipien gekennzeichnet ist, und die Adrians, in deren Plastiken sich eher griechische Vorbilder anlehnen. Kaiser erschienen in der Gestalt gepanzerter Feldherren, in der Pose opfernder Priester, in Gestalt nackter Götter, Helden oder Krieger.

„Bei den Büsten Trajans, der an den parallelen Haarsträhnen, die ihm in die Stirn fallen, und der kräftigen Falte seiner Lippen zu erkennen ist, herrschen stets ruhige Wangenflächen und eine gewisse Schärfe der Gesichtszüge vor, die sowohl in Moskau als auch in Moskau besonders deutlich zu erkennen ist.“ Vatikanische Denkmäler. Die in einem Menschen konzentrierte Energie kommt in den St. Petersburger Büsten deutlich zum Ausdruck: der hakennasige Römer Sallust, ein junger Mann mit entschlossenem Blick, und der Liktor.“ Die Oberfläche der Gesichter in den Marmorporträts der Zeit Trajans vermittelt die Ruhe und Unflexibilität der Menschen; Sie scheinen eher in Metall gegossen als in Stein gemeißelt zu sein. Durch die subtile Wahrnehmung physiognomischer Farbtöne schufen römische Porträtmaler alles andere als eindeutige Bilder. Auch in ihren Gesichtern hinterließ die Bürokratisierung des gesamten Systems des Römischen Reiches ihre Spuren. Müde, gleichgültige Augen und trockene, fest zusammengepresste Lippen eines Mannes auf einem Porträt aus dem Nationalmuseum

Neapel zeichnet sich durch einen Mann einer schwierigen Zeit aus, der seine Gefühle dem grausamen Willen des Kaisers unterordnete. Die weiblichen Bilder sind von der gleichen Zurückhaltung und Willensspannung erfüllt, nur gelegentlich gemildert durch leichte Ironie, Nachdenklichkeit oder Konzentration.

Die Wende unter Hadrian zum griechischen ästhetischen System ist ein wichtiges Phänomen, aber im Wesentlichen war diese zweite Welle des Klassizismus nach der Augustwelle noch äußererer Natur als die erste. Auch unter Hadrian war der Klassizismus nur eine Maske, unter der die römische Einstellung zur Form selbst nicht starb, sondern sich entwickelte. Die Originalität der Entwicklung der römischen Kunst mit ihren pulsierenden Manifestationen entweder des Klassizismus oder des römischen Wesens selbst mit seiner Räumlichkeit der Formen und Authentizität, genannt Verismus, zeugt von der sehr widersprüchlichen Natur des künstlerischen Denkens der Spätantike.

3.4 Zeit der letzten Antoniner

Die späte Blütezeit der römischen Kunst, die in den letzten Regierungsjahren Hadrians und unter Antoninus Pius begann und bis zum Ende des 2. Jahrhunderts andauerte, war durch das Verblassen von Pathos und Prunk in künstlerischen Formen gekennzeichnet. Diese Zeit war geprägt von einer Bemühung im kulturellen Bereich individualistischer Tendenzen.

„Das skulpturale Porträt erfuhr damals große Veränderungen. Die monumentale Rundskulptur der späten Antoniner bewahrte zwar die Traditionen Hadrians, zeugte aber auch von der Verschmelzung idealer Heldenbilder mit bestimmten Charakteren, meist dem Kaiser oder seinem Gefolge, und der Verherrlichung oder Vergöttlichung einer einzelnen Persönlichkeit. Den Gesichtern von Gottheiten in riesigen Statuen wurden die Züge von Kaisern verliehen, monumentale Reiterskulpturen wurden gegossen, ein Beispiel dafür ist die Statue von Marcus Aurelius, und die Pracht des Reiterdenkmals wurde durch Vergoldung verstärkt. Doch selbst in den monumentalen Porträtbildern des Kaisers selbst machten sich Müdigkeit und philosophisches Nachdenken bemerkbar.“ Die Porträtkunst, die in den Jahren des frühen Hadrian aufgrund der starken klassizistischen Tendenzen eine Art Krise erlebte, erlebte unter den späten Antoninern eine Blütezeit, die sie selbst in den Jahren der Republik und des Zweiten Weltkriegs nicht erlebt hatte Flavianer.

In der bildhauerischen Porträtmalerei entstanden weiterhin heroische Idealbilder, die die Kunst der Zeit Trajans und Hadrians bestimmten.

„Seit den dreißiger Jahren des 3. Jahrhunderts. N. e. In der Porträtkunst werden neue künstlerische Formen entwickelt. Die Tiefe der psychologischen Charakterisierung wird nicht durch die Detaillierung der plastischen Form erreicht, sondern im Gegenteil durch Lakonizität und Sparsamkeit bei der Auswahl der wichtigsten charakterisierenden Persönlichkeitsmerkmale. Dies ist beispielsweise das Porträt Philipps des Arabers (St. Petersburg, Eremitage). Die raue Oberfläche des Steins vermittelt gut die verwitterte Haut der „Soldaten“-Kaiser: Verallgemeinerte Lenka, scharfe, asymmetrisch angeordnete Falten an Stirn und Wangen, Bearbeitung von Haaren und kurzem Bart nur mit kleinen scharfen Kerben lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Augen , auf der ausdrucksstarken Linie des Mundes.“

„Porträtkünstler begannen, die Augen neu zu interpretieren: Die plastisch dargestellten Pupillen, die in den Marmor einschnitten, verliehen dem Blick nun Lebendigkeit und Natürlichkeit. Leicht bedeckt mit breiten Oberlidern wirkten sie melancholisch und traurig. Der Blick wirkte geistesabwesend und verträumt; die unterwürfige Unterwerfung unter höhere, nicht völlig verwirklichte, geheimnisvolle Kräfte herrschte.“ Hinweise auf die tiefe Spiritualität der Marmormasse spiegelten sich auf der Oberfläche in der Nachdenklichkeit des Blicks, der Beweglichkeit der Haarsträhnen, den zitternden, leichten Kurven von Bart und Schnurrbart wider. Porträtmaler schlugen bei der Herstellung lockiger Haare einen Bohrer hart in den Marmor und bohrten manchmal tiefe innere Hohlräume aus. Von den Sonnenstrahlen beleuchtet, wirkten solche Frisuren wie eine Masse lebender Haare.

Das künstlerische Bild ähnelte dem echten und wir kamen uns immer näher

Bildhauer und das, was sie besonders darstellen wollten: die flüchtigen Bewegungen menschlicher Gefühle und Stimmungen.

Die damaligen Meister verwendeten für Porträts verschiedene, oft teure Materialien: Gold und Silber, Bergkristall und Glas, die weit verbreitet waren. Bildhauer schätzten dieses Material – zart, transparent, das wunderschöne Akzente setzt. Sogar Marmor verlor unter den Händen von Meistern manchmal die Festigkeit von Stein und seine Oberfläche schien wie menschliche Haut. Ein differenzierter Realitätssinn machte das Haar in solchen Porträts üppig und beweglich, die Haut seidig und die Stoffe der Kleidung weich. Sie polierten das Marmorgesicht einer Frau sorgfältiger als das eines Mannes; jugendlich unterschied sich in seiner Textur von senil.

Krise der römischen Bildhauerei (III. – IV. Jahrhundert)

4.1 Ende der Ära des Fürstentums

In der Entwicklung der Kunst des späten Rom lassen sich mehr oder weniger deutlich zwei Phasen unterscheiden. Die erste ist die Kunst des Endes des Fürstentums (III. Jahrhundert) und die zweite ist die Kunst der Dominantenzeit (vom Beginn der Herrschaft Diokletians bis zum Untergang des Römischen Reiches). „In Kunstdenkmälern, insbesondere der zweiten Periode, ist das Aussterben alter heidnischer Ideen und die zunehmende Äußerung neuer, christlicher Ideen spürbar.“

Skulpturales Porträt im 3. Jahrhundert. Hat besonders auffällige Veränderungen erfahren. Die Statuen und Büsten behielten jedoch noch die Techniken der späten Antoniner bei

die Bedeutung der Bilder hat sich bereits verändert. Vorsicht und Misstrauen lösten in der zweiten Hälfte des 2. Jahrhunderts die philosophische Nachdenklichkeit der Charaktere ab. Die Anspannung war auch in den Gesichtern der damaligen Frauen spürbar. In Porträts im zweiten

Viertel des 3. Jahrhunderts Die Volumina wurden dichter, die Meister verzichteten auf den Bohrer, machten Haare mit Kerben und erzielten einen besonders ausdrucksstarken Ausdruck weit geöffneter Augen.

Der Wunsch innovativer Bildhauer, die künstlerische Wirkung ihrer Werke auf diese Weise zu steigern, löste in den Jahren Gallienus (Mitte des 3. Jahrhunderts) eine Reaktion und eine Rückkehr zu alten Methoden aus. Zwei Jahrzehnte lang stellten Porträtisten Römer wieder mit lockigem Haar und lockigem Bärt dar und versuchten, zumindest in künstlerischen Formen, die alten Sitten wiederzubeleben und so an die einstige Größe der bildenden Kunst zu erinnern. Allerdings erfolgte nach dieser kurzfristigen und künstlichen Rückkehr zu antoninischen Formen bereits am Ende des dritten Viertels des 3. Jahrhunderts. Wieder einmal zeigte sich der Wunsch der Bildhauer, die emotionale Spannung der inneren Welt eines Menschen mit äußerst lakonischen Mitteln darzustellen. Während der Jahre blutiger Bürgerkriege und häufiger Wechsel der Kaiser, die um den Thron kämpften, verkörperten Porträtmaler Nuancen komplexer spiritueller Erfahrungen in neuen Formen, die damals geboren wurden. Nach und nach interessierten sie sich nicht mehr für einzelne Merkmale, sondern für jene manchmal schwer fassbaren Stimmungen, die sich in Stein, Marmor und Bronze ohnehin nur schwer ausdrücken ließen.

4.2 Ära der Dominanz

In Werken der Bildhauerei des 4. Jahrhunderts. Heidnische und christliche Themen existierten nebeneinander; Künstler wandten sich der Darstellung und Verherrlichung nicht nur mythologischer, sondern auch christlicher Helden zu; Fortsetzung dessen, was im 3. Jahrhundert begann. Sie lobten die Kaiser und ihre Familienangehörigen und bereiteten die für byzantinische Hofzeremonien typische Atmosphäre hemmungsloser Lobreden und Kultkults vor.

Die Gesichtsmodellierung interessierte Porträtmaler nach und nach nicht mehr. Die spirituellen Kräfte des Menschen, die in der Zeit, als das Christentum die Herzen der Heiden eroberte, besonders deutlich zu spüren waren, schienen in den starren Formen von Marmor und Bronze eingeengt zu sein. Das Bewusstsein für diesen tiefen Konflikt der Zeit, die Unmöglichkeit, Gefühle in plastischen Materialien auszudrücken, gab künstlerische Denkmäler des 4. Jahrhunderts. etwas Tragisches.

Weit verbreitet in Porträts des 4. Jahrhunderts. Augen, die manchmal traurig und gebieterisch, manchmal fragend und ängstlich blickten, erwärmten die kalten, verknöcherten Massen aus Stein und Bronze mit menschlichen Gefühlen. Das Material der Porträtmaler wurde immer seltener zu warmem Marmor, der von der Oberfläche her durchscheinend war; immer häufiger wählten sie Basalt oder Porphyr, um Gesichter darzustellen, die den Eigenschaften des menschlichen Körpers weniger ähnelten.

ABSCHLUSS

Alles in allem wird deutlich, dass sich die Bildhauerei im Rahmen ihrer Zeit, d. h. es stützte sich sehr stark auf seine Vorgänger sowie auf das Griechische. Während der Blütezeit des Römischen Reiches brachte jeder Kaiser etwas Neues, Eigenes in die Kunst ein, und mit der Kunst veränderte sich auch die Bildhauerei entsprechend.

Die christliche Skulptur ersetzt die antike Skulptur; Um die mehr oder weniger einheitliche griechisch-römische Skulptur zu ersetzen, die im Römischen Reich weit verbreitet war, wurden provinzielle Skulpturen durch wiederbelebte lokale Traditionen ersetzt, die den „barbarischen“ Traditionen, die sie ersetzten, bereits nahe standen. Eine neue Ära in der Geschichte der Weltkultur beginnt, in der römische und griechisch-römische Skulptur nur als einer ihrer Bestandteile enthalten ist.

In der europäischen Kunst dienten oft antike römische Werke als Originalstandards, die von Architekten, Bildhauern, Glasbläsern und Keramikern nachgeahmt wurden. Das unschätzbare künstlerische Erbe des antiken Roms lebt als Schule klassischer Exzellenz für moderne Kunst weiter.

LITERATUR

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3. Voshchinina A.I. Römisches Porträt. L., 1974

4. Dobroklonsky M.V., Chubova A.P., Kunstgeschichte des Auslands, M., 1981

5. Sokolov G.I. Antike Schwarzmeerregion. L., 1973

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7. Sokolov G.I. Kunst des Ostens und der Antike. M., 1977

8. Shtaerman E.M. Krise des 3. Jahrhunderts im Römischen Reich - Frage. Geschichten, 1977, Nr. 5

Die Kultur des antiken Roms existierte mehr als 12 Jahrhunderte lang und hatte ihre eigenen einzigartigen Werte. Die Kunst des antiken Roms verherrlichte die Verehrung der Götter, die Liebe zum Vaterland und die Ehre des Soldaten. Über das antike Rom wurden viele Berichte erstellt, die über seine Errungenschaften berichten.

Kultur des antiken Roms

Wissenschaftler teilen die Geschichte der antiken römischen Kultur in drei Perioden ein:

• Zarski (8.-6. Jahrhundert v. Chr.)
• Republikaner (6.-1. Jahrhundert v. Chr.)
• Kaiserlich (1. Jahrhundert v. Chr. – 5. Jahrhundert n. Chr.)

Das Zarenreich gilt hinsichtlich der kulturellen Entwicklung als eine primitive Zeit, allerdings entwickelten die Römer damals ihr eigenes Alphabet.

Die künstlerische Kultur der Römer ähnelte der hellenischen, hatte jedoch ihre eigenen charakteristischen Merkmale. Zum Beispiel erlangte die Skulptur des antiken Roms Emotionen. Auf den Gesichtern der Figuren begannen römische Bildhauer, den Geisteszustand zu vermitteln. Es gab besonders viele Skulpturen von Zeitgenossen – Cäsar, Crassus, verschiedene Götter und einfache Bürger.

Zur Zeit des antiken Roms tauchte erstmals ein literarisches Konzept wie ein „Roman“ auf. Unter den Dichtern, die Komödien schrieben, war Lucilius der berühmteste, der Gedichte zu Alltagsthemen schrieb. Sein Lieblingsthema war die Verspottung der Besessenheit, verschiedene Reichtümer zu erreichen.

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Der Römer Livius Andronicus, der als Tragödienschauspieler tätig war, beherrschte Griechisch. Es gelang ihm, Homers Odyssee ins Lateinische zu übersetzen. Wahrscheinlich wird Vergil unter dem Eindruck des Werkes bald seine „Aeneis“ über den Trojaner Aeneas schreiben, der zum entfernten Vorfahren aller Römer wurde.

Reis. 1. Die Vergewaltigung der Sabinerinnen.

Die Philosophie hat eine außergewöhnliche Entwicklung vollzogen. Es entstanden folgende philosophische Bewegungen: der römische Stoizismus, dessen Aufgabe es war, spirituelle und moralische Ideale zu erreichen, und der Neuplatonismus, dessen Kern die Entwicklung des höchsten spirituellen Punktes der menschlichen Seele und das Erreichen der Ekstase war.

In Rom schuf der antike Wissenschaftler Ptolemaios ein geozentrisches Weltsystem. Er besitzt außerdem zahlreiche Werke zur Mathematik und Geographie.

Die Musik des antiken Roms kopierte die griechische. Aus Hellas wurden Musiker, Schauspieler und Bildhauer eingeladen. Die Oden von Horaz und Ovid waren beliebt. Im Laufe der Zeit erlangten Musikdarbietungen einen spektakulären Charakter, begleitet von Theateraufführungen oder Gladiatorenkämpfen.

Von dem römischen Dichter Martial ist ein Brief erhalten, in dem er behauptet, dass ihm ein angenehmes Alter garantiert sei, wenn er Musiklehrer werde. Dies deutet darauf hin, dass Musiker in Rom sehr gefragt waren.

Die bildende Kunst in Rom hatte einen utilitaristischen Charakter. Es wurde von den Römern als eine Möglichkeit vorgestellt, Wohnraum zu füllen und zu organisieren. Es wurde wie die Architektur in Form von Monumentalität und Erhabenheit umgesetzt.

Zusammenfassend stellen wir fest, dass die römische Kultur als Nachfolger der griechischen Kultur angesehen werden kann, die Römer haben sie jedoch eingeführt und vieles verbessert. Mit anderen Worten: Der Schüler hat den Lehrer übertroffen.

Reis. 2. Bau einer Römerstraße.

In der Architektur bauten die Römer ihre Gebäude so, dass sie Jahrhunderte überdauern konnten. Die Caracalla-Thermen sind ein eindrucksvolles Beispiel für Gigantismus im Bauwesen. Architekten verwendeten Techniken wie die Nutzung von Palästra, Peristylhöfen und Gärten. Die Bäder waren mit anspruchsvoller technischer Ausstattung ausgestattet.

Zu den majestätischen römischen Bauwerken gehören noch heute genutzte Straßen, die berühmten Verteidigungswälle von Trajan und Hadrian, Aquädukte und natürlich das flavische Amphitheater (Kolosseum).

Reis. 3. Kolosseum.

Was haben wir gelernt?

Wenn wir kurz über die Kultur des antiken Roms sprechen, stellen wir fest, dass die mit einer militaristischen und majestätischen Ausrichtung geschaffene Kultur, die über Jahrhunderte geschaffen wurde, den Grundstein für die gesamte zukünftige europäische Kultur legte, ihre Spuren in der Entwicklung der Zivilisation hinterließ und bei den Nachkommen Bewunderung hervorrief.

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