Geheimnisse berühmter Gemälde. Welche Geheimnisse verbergen sich in den Gemälden berühmter Künstler? Michelangelos Fresko „Die Erschaffung Adams“

Zu einer Ausstellung mit Gemälden von Aivazovsky. Aber jetzt hier, in Tretjakow-Galerie Im Ingenieurgebäude findet eine einzigartige Ausstellung statt Geheimnisse alter Gemälde. Wenn Sie auf die Rückseite des Gemäldes schauen und feststellen, dass es auf der anderen Seite der Leinwand auch interessante Geheimnisse gibt. Wann sonst zeigt man Ihnen, was sich in der Röntgenstrahlung unter der Hauptschicht des Gemäldes verbirgt? Wann sonst sieht man Skizzen berühmter Gemälde, in denen die Motive und Gesichter völlig unterschiedlich sein können?

Beginnen wir mit dem berühmtesten Gemälde von Vasily Pukirev „Ungleiche Ehe“. Achten Sie auf den jungen Mann mit Bart, der hinter der Braut steht. Dies ist Vasily Pukirev selbst und es wurde angenommen, dass dies die Geschichte seiner unglücklichen Liebe ist, als seine Braut gezwungen wurde, Alexei Markovich Poltoratsky, den Anführer des Twerer Adels, zu heiraten.

Aber... Schauen wir uns die Skizze des Gemäldes an und was sehen wir? Hast du es bemerkt? Hinter der Braut steht eine ähnliche, aber etwas andere Person.

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Das ist Pukirevs Freund Sergej Michailowitsch Varentsov. Er war in Sofya Nikolaevna Rybnikova verliebt, die mit Andrei Aleksandrovich Karzinkin verheiratet wurde. Und Varentsov war bei dieser Hochzeit anwesend

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04. Aber was sehen wir sonst noch, wenn wir das Bild und die Geschichte analysieren? Es stellt sich heraus, dass Andrei Karzinkin aus der zweiten Version zum Zeitpunkt der Hochzeit erst 37 Jahre alt war, während Alexey Poltoratsky ein ziemlich alter Mann war, was wir in der Skizze „Kopf eines alten Mannes“ sehen, die für die Hochzeit geschrieben wurde Malerei. Obwohl es Versionen gibt, dass der Kopf vom Fürsten Pavel Tsitsianov oder vom Koch Wladimir Iwanowitsch, der bei den Varentsovs diente, kopiert wurde

05. Und hier, viele Jahre später, im Jahr 1907, erscheint ein Joker – eine Bleistiftzeichnung von V.D. Und darauf steht die Inschrift: „Praskovya Matveevna Varentsova, mit der der Künstler V.V. Pukirev vor 44 Jahren sein berühmtes Gemälde „Frau Varentsova“ gemalt hat, lebt in Moskau im Armenhaus von Mazurin.“ Damit war das Geheimnis des Gemäldes gelöst

Lass uns weitermachen. Hier ist Isaac Brodskys Gemälde „Park Alley“, gemalt im Jahr 1930. Es scheint, was ist daran ungewöhnlich? Ein Park, in dem sowjetische Menschen spazieren gehen. Doch die Forscher achteten auf Bäume, deren Krone für sowjetische Parks nicht sehr typisch war

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Bekannt war das gleiche Gemälde von Brodsky aus dem 1911 entstandenen italienischen Zyklus „Parkallee in Rom“. Sie galt als verschollen. Und so beschlossen die Forscher, das Gemälde „Park Alley“ mit Röntgenstrahlen zu beleuchten. Und was haben sie gesehen? Sie sahen dasselbe Gemälde „Park Alley in Rom“, das als verschollen galt. Stellen Sie sich 1930 vor. Das Schwungrad der Unterdrückung beginnt sich zu entspannen. Und ein Bild. Das Lob des bürgerlichen Italiens könnte dem Künstler große Probleme bereiten. Und Brodsky verwandelt, indem er die Figuren der Menschen leicht verändert, einen italienischen Park in einen sowjetischen Park. Aber dank Röntgenstrahlen und den unermüdlichen Forschern der Tretjakow-Galerie können wir das Gemälde „Parkgasse in Rom“ sehen. Sie können vergleichen

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08. „Porträt einer unbekannten Person mit Dreispitz“ von Fjodor Stepanowitsch Rokotow. Es scheint, was ist daran ungewöhnlich? Nun, das Gesicht sieht aus wie das einer Frau. Aber mehr scheint da nicht zu sein. Es wurde angenommen, dass es sich hierbei um ein Porträt des Grafen Bobrinsky handelte.

09. Aber nein. Das Röntgenbild zeigte uns das Gesicht einer Frau, vermutlich der Frau des Gutsbesitzers Struisky, Olimpiada Sergeevna Balbekova. Sie starb im Alter von 20 Jahren

10. „Porträt von Elizaveta Petrovna in ihrer Jugend“ von einem unbekannten Künstler scheint ebenfalls ein klassisches Porträt der Mitte des 18. Jahrhunderts zu sein. Dies ist eine Kopie des Gemäldes des Hofmalers L. Caravaque „Porträt der Zarewna Elizaveta Petrovna im Herrenanzug“

11. Auf der Rückseite des Bildes sehen wir jedoch ein Spiegelbildnis Elisabeths mit der Aufschrift „Ihre kaiserliche Hoheit die Kronprinzessin von Danzig in ihrem jungen Kleid, das nach der durchsichtigsten Zarin von Danzig, Elisawet Petrowna, benannt ist.“ Interessant ist, dass das Porträt auf der dünnsten Leinwand gemalt wurde. Das ist der einzige Job dieser Art auf der Welt

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13. Mit dem Gemälde „Die Nonne“ von Ilja Repin ist eine lustige Geschichte verbunden. Das ist Sofia Repina, die den Bruder des Künstlers geheiratet hat. Aber warum wird sie als Nonne dargestellt?

14. Tatsache ist, dass sich Repin und Sophia nach den Erinnerungen der Nichte des Künstlers, L.A. Shevtsova-Spore, gestritten haben und der Künstler ausgeflippt ist. Nun, ein kreativer Mensch passiert. Ich habe es genommen und das helle Porträt von Sophia in einem Spitzenkleid in ein klösterliches Porträt umgewandelt.

Ich denke, ich werde hier aufhören und die Geheimnisse der anderen alten Gemälde nicht mehr preisgeben. Es muss ein Geheimnis für Sie geben. Und glauben Sie mir, es gibt immer noch viele Geheimnisse verschiedener berühmter Gemälde, die gelüftet werden können. Also los, lauft dringend zu dieser einzigartigen Ausstellung. Es läuft bis zum 21. August. Sie haben noch Zeit, es zu fangen.

Danke Gruschenka , catherine_catty , Lotta20 , balakina_ann , julia_lambert , da_dmitriy , nastyono4ka , bulyukina_e ,

Veröffentlichungen in der Rubrik Museen

Geheimnisse berühmter Gemälde

Besondere Beliebtheit erlangen Kunstwerke oft dann, wenn sich Legenden um sie ranken oder sich unerwartet herausstellt, dass sie nicht das sind, was sie auf den ersten Blick scheinen. „Kultura.RF“ enthüllt die Geheimnisse berühmter – und weniger berühmter – russischer Gemälde.

„Die Nonne“ von Ilja Repin

Ilja Repin. Nonne. 1878. Staatliche Tretjakow-Galerie / Porträt im Röntgenbild

Auf dem Porträt blickt ein junges Mädchen in strenger Klosterkleidung den Betrachter nachdenklich an. Das Bild ist klassisch und vertraut – ohne die Memoiren von Lyudmila Shevtsova-Spore, der Nichte von Repins Frau, hätte es wahrscheinlich kein Interesse bei Kunstkritikern geweckt. Sie enthüllten eine interessante Geschichte.

Dies hinderte den Künstler nicht daran, immer wieder Porträts von Sophia zu malen. Für einen von ihnen posierte das Mädchen in einem formellen Ballkleid: einem leichten, eleganten Kleid, Spitzenärmeln und einer hohen Frisur. Während der Arbeit an dem Gemälde hatte Repin einen ernsthaften Streit mit dem Modell. Wie Sie wissen, kann jeder einen Künstler beleidigen, aber nur wenige können sich so kreativ rächen wie Repin. Der beleidigte Künstler „kleidete“ Sophia im Porträt in klösterliche Kleidung.

Die einer Anekdote ähnliche Geschichte wurde durch ein Röntgenbild bestätigt. Die Forscher hatten Glück: Repin entfernte die ursprüngliche Farbschicht nicht und konnte so das ursprüngliche Outfit der Heldin im Detail untersuchen.

„Park Alley“ von Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Parkgasse. 1930. Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau / Isaac Brodsky. Allee des Parks in Rom. 1911

Ein ebenso interessantes Rätsel hinterließ Repins Schüler Isaac Brodsky den Forschern. Die Tretjakow-Galerie beherbergt sein Gemälde „Park Alley“, das auf den ersten Blick unauffällig ist: Brodsky hatte viele Werke zu „Park“-Themen. Je weiter man jedoch in den Park vordringt, desto mehr bunte Schichten gibt es.

Einer der Forscher bemerkte, dass die Komposition des Gemäldes verdächtig an ein anderes Werk des Künstlers erinnerte – „Park Alley in Rom“ (Brodsky war geizig mit Originaltiteln). Dieses Gemälde galt lange Zeit als verschollen und seine Reproduktion wurde 1929 nur in einer eher seltenen Auflage veröffentlicht. Mit Hilfe von Röntgenaufnahmen wurde die römische Gasse gefunden, die auf mysteriöse Weise verschwunden war – direkt unter der sowjetischen. Der Künstler hat das bereits fertige Bild nicht aufgeräumt, sondern lediglich einige einfache Änderungen vorgenommen: Er hat die Passanten nach der Mode der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts gekleidet, den Kindern die Kleidung „weggenommen“ und den Marmor entfernt Statuen und veränderte die Bäume leicht. So verwandelte sich der sonnige italienische Park mit ein paar leichten Handbewegungen in einen vorbildlichen sowjetischen Park.

Auf die Frage, warum Brodsky beschloss, seine römische Gasse zu verstecken, fanden sie keine Antwort. Es ist jedoch davon auszugehen, dass die Darstellung des „bescheidenen Charmes des Bürgertums“ im Jahr 1930 aus ideologischer Sicht nicht mehr unangemessen war. Dennoch ist „Park Alley“ von allen postrevolutionären Landschaftswerken Brodskys das interessanteste: Trotz der Veränderungen behielt das Bild die bezaubernde Anmut des Jugendstils, die es im sowjetischen Realismus leider nicht mehr gab.

„Morgen im Kiefernwald“ von Ivan Shishkin

Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Morgen in einem Kiefernwald. 1889. Staatliche Tretjakow-Galerie

Eine Waldlandschaft mit Bärenjungen, die auf einem umgestürzten Baum spielen, ist vielleicht das berühmteste Werk des Künstlers. Aber die Idee für die Landschaft wurde Ivan Shishkin von einem anderen Künstler, Konstantin Savitsky, vorgeschlagen. Er malte auch einen Bären mit drei Jungen: Der Waldexperte Shishkin hatte mit Bären kein Glück.

Shishkin hatte ein tadelloses Verständnis der Waldflora; er bemerkte die kleinsten Fehler in den Zeichnungen seiner Schüler – entweder war die Birkenrinde falsch dargestellt, oder die Kiefer sah aus wie eine Fälschung. Allerdings waren Menschen und Tiere in seinen Werken schon immer selten. Hier kam Savitsky zur Rettung. Übrigens hinterließ er mehrere vorbereitende Zeichnungen und Skizzen mit Bärenjungen – er war auf der Suche nach passenden Posen. „Morgen im Kiefernwald“ war ursprünglich nicht „Morgen“: Das Gemälde hieß „Bärenfamilie im Wald“ und es waren nur zwei Bären darauf zu sehen. Als Co-Autor brachte Savitsky auch seine Unterschrift auf die Leinwand.

Als die Leinwand dem Kaufmann Pavel Tretjakow übergeben wurde, war er empört: Er bezahlte Shishkin (bestellte ein Originalwerk), erhielt aber Shishkin und Savitsky. Als ehrlicher Mensch hat Shishkin sich selbst nicht die Urheberschaft zugeschrieben. Aber Tretjakow befolgte den Grundsatz und löschte Savitskys Unterschrift blasphemisch mit Terpentin vom Gemälde. Savitsky verzichtete später vornehm auf das Urheberrecht und die Bären wurden lange Zeit Shishkin zugeschrieben.

„Porträt eines Chormädchens“ von Konstantin Korovin

Konstantin Korowin. Porträt einer Chorsängerin. 1887. Staatliche Tretjakow-Galerie / Rückseite des Porträts

Auf der Rückseite der Leinwand fanden Forscher eine Botschaft von Konstantin Korowin auf Karton, die sich als fast interessanter herausstellte als das Gemälde selbst:

„Im Jahr 1883 entstand in Charkow ein Porträt einer Chorsängerin. Geschrieben auf einem Balkon in einem kommerziellen öffentlichen Garten. Repin sagte, als S. I. Mamontov ihm diese Skizze zeigte, dass er, Korowin, schreibe und nach etwas anderem suche, aber wofür es sei – das sei Malerei nur um der Malerei willen. Serov hatte zu diesem Zeitpunkt noch keine Porträts gemalt. Und die Bemalung dieser Skizze wurde für unverständlich befunden??!! Also bat mich Polenov, diese Skizze aus der Ausstellung zu entfernen, da sie weder den Künstlern noch den Mitgliedern – Herrn Mosolov und einigen anderen – gefiel. Das Model war keine schöne Frau, sogar einigermaßen hässlich.“
Konstantin Korowin

Der „Brief“ entwaffnete durch seine Direktheit und gewagte Herausforderung an die gesamte Künstlergemeinschaft: „Serow hatte damals noch keine Porträts gemalt“, aber er, Konstantin Korowin, malte sie. Und er war angeblich der erste, der Techniken verwendete, die für den Stil charakteristisch waren, der später als russischer Impressionismus bezeichnet wurde. Doch all dies stellte sich als Mythos heraus, den der Künstler absichtlich geschaffen hatte.

Die harmonische Theorie „Korowin ist der Vorläufer des russischen Impressionismus“ wurde durch objektive technische und technologische Forschung gnadenlos zerstört. Auf der Vorderseite des Porträts fanden sie die Unterschrift des Künstlers in Farbe und direkt darunter in Tinte: „1883, Charkow.“ Der Künstler arbeitete von Mai bis Juni 1887 in Charkow: Er malte Bühnenbilder für Aufführungen der Russischen Privatoper Mamontow. Darüber hinaus haben Kunsthistoriker herausgefunden, dass das „Porträt eines Chormädchens“ auf eine bestimmte künstlerische Weise gemalt wurde – a la prima. Diese Ölmaltechnik ermöglichte es, ein Bild in einer Sitzung zu malen. Korovin begann diese Technik erst Ende der 1880er Jahre anzuwenden.

Nach der Analyse dieser beiden Widersprüche kamen die Mitarbeiter der Tretjakow-Galerie zu dem Schluss, dass das Porträt erst 1887 gemalt wurde, und Korowin fügte ein früheres Datum hinzu, um seine eigene Innovation hervorzuheben.

„Der Mann und die Wiege“ von Ivan Yakimov

Iwan Jakimow. Mann und Wiege.1770. Staatliche Tretjakow-Galerie / Vollversion des Werkes

Lange Zeit verwirrte Ivan Yakimovs Gemälde „Mann und Wiege“ Kunstkritiker. Dabei ging es nicht einmal darum, dass solche Alltagsskizzen für die Malerei des 18. Jahrhunderts absolut untypisch sind – das Schaukelpferd in der rechten unteren Bildecke hat ein zu unnatürlich gedehntes Seil, das logischerweise auf dem Boden hätte liegen müssen . Und für ein Kind war es noch zu früh, von der Wiege an mit solchen Spielzeugen zu spielen. Außerdem passte der Kamin nicht einmal zur Hälfte auf die Leinwand, was sehr seltsam aussah.

Die Situation wurde im wahrsten Sinne des Wortes durch ein Röntgenbild „geklärt“. Sie zeigte, dass die Leinwand rechts und oben geschnitten war.

Die Tretjakow-Galerie erhielt das Gemälde nach dem Verkauf der Sammlung von Pawel Petrowitsch Tugoi-Swinin. Er besaß das sogenannte „Russische Museum“ – eine Sammlung von Gemälden, Skulpturen und Antiquitäten. Doch 1834 musste die Sammlung aus finanziellen Gründen verkauft werden – und das Gemälde „Mann und Wiege“ landete in der Tretjakow-Galerie: nicht alles, sondern nur die linke Hälfte. Das rechte Exemplar ist leider verloren gegangen, aber Sie können das Werk dank einer weiteren einzigartigen Ausstellung der Tretjakow-Galerie immer noch in seiner Gesamtheit sehen. Die vollständige Version von Jakimows Werk befand sich im Album „Sammlung hervorragender Werke russischer Künstler und neugieriger inländischer Antiquitäten“, das Zeichnungen der meisten Gemälde aus Swinins Sammlung enthält.

Die Entwicklung der Malerei in Russland vom 10. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts

Fast jedes bedeutende Kunstwerk hat ein Geheimnis, einen „doppelten Boden“ oder eine geheime Geschichte, die Sie aufdecken möchten.

Musik auf dem Gesäß

Hieronymus Bosch, „Der Garten der Lüste“, 1500-1510.

Fragment eines Teils eines Triptychons

Streitigkeiten über die Bedeutungen und verborgenen Bedeutungen des berühmtesten Werkes des niederländischen Künstlers haben seit seinem Erscheinen nicht nachgelassen. Der rechte Flügel des Triptychons mit dem Titel „Musikalische Hölle“ zeigt Sünder, die in der Unterwelt mit Hilfe von Musikinstrumenten gefoltert werden. Einer von ihnen hat Musiknoten auf seinem Gesäß eingeprägt. Amelia Hamrick, Studentin an der Oklahoma Christian University, die das Gemälde studierte, übersetzte die Notation aus dem 16. Jahrhundert in eine moderne Variante und nahm „ein 500 Jahre altes Hinternlied aus der Hölle“ auf.

Nackte Mona Lisa

Die berühmte „La Gioconda“ existiert in zwei Versionen: Die nackte Version heißt „Monna Vanna“ und wurde von dem wenig bekannten Künstler Salai gemalt, der ein Schüler und Dargestellter des großen Leonardo da Vinci war. Viele Kunsthistoriker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, dass Salai, gekleidet in ein Frauenkleid, als Abbild der Mona Lisa selbst diente.

Alter Fischer

Im Jahr 1902 malte der ungarische Künstler Tivadar Kostka Csontvary das Gemälde „Der alte Fischer“. Es scheint, dass das Bild nichts Ungewöhnliches enthält, aber Tivadar hat einen Untertext hineingelegt, der zu Lebzeiten des Künstlers nie enthüllt wurde.

Nur wenige Menschen dachten daran, einen Spiegel in der Mitte des Bildes zu platzieren. In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) als auch den Teufel (die linke Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) geben.

Gab es einen Wal?

Hendrik van Antonissen, Uferszene.

Es scheint eine gewöhnliche Landschaft zu sein. Boote, Menschen am Ufer und ein verlassenes Meer. Und erst eine Röntgenuntersuchung zeigte, dass sich Menschen aus einem bestimmten Grund am Ufer versammelten – im Original betrachteten sie den Kadaver eines an Land gespülten Wals.

Der Künstler entschied jedoch, dass niemand einen toten Wal sehen wollte, und schrieb das Gemälde neu.

Zwei „Frühstücke auf der Wiese“

Edouard Manet, „Mittagessen im Gras“, 1863.

Claude Monet, „Mittagessen im Gras“, 1865.

Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet werden manchmal verwechselt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Monet übernahm sogar den Titel eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Mittagessen im Gras“, und schrieb sein eigenes „Mittagessen im Gras“.

Doppelt beim Letzten Abendmahl

Leonardo da Vinci, „Das letzte Abendmahl“, 1495-1498.

Als Leonardo da Vinci das Abendmahl schrieb, legte er besonderen Wert auf zwei Figuren: Christus und Judas. Er hat sehr lange nach Modellen für sie gesucht. Schließlich gelang es ihm, bei den jungen Sängern ein Vorbild für das Christusbild zu finden. Leonardo konnte drei Jahre lang kein Vorbild für Judas finden. Doch eines Tages traf er auf der Straße auf einen Trunkenbold, der in einer Dachrinne lag. Er war ein junger Mann, der durch starken Alkoholkonsum gealtert war. Leonardo lud ihn in eine Taverne ein, wo er sofort begann, Judas von ihm zu malen. Als der Trunkenbold zur Besinnung kam, erzählte er dem Künstler, dass er bereits einmal für ihn posiert hatte. Vor einigen Jahren, als er im Kirchenchor sang, malte Leonardo Christus von ihm.

„Nachtwache“ oder „Tageswache“?

Rembrandt, „Nachtwache“, 1642.

Eines von Rembrandts berühmtesten Gemälden, „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“, hing etwa zweihundert Jahre lang in verschiedenen Räumen und wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Da die Figuren vor einem dunklen Hintergrund zu erscheinen schienen, wurde sie „Nachtwache“ genannt und gelangte unter diesem Namen in die Schatzkammer der Weltkunst.

Und erst bei der Restaurierung im Jahr 1947 stellte sich heraus, dass das Gemälde im Saal mit einer Rußschicht bedeckt war, die seine Farbe verfälschte. Nach der Räumung des Originalgemäldes stellte sich schließlich heraus, dass die von Rembrandt dargestellte Szene tatsächlich tagsüber spielt. Die Position des Schattens von Kapitän Koks linker Hand zeigt, dass die Aktionsdauer nicht mehr als 14 Stunden beträgt.

Umgestürztes Boot

Henri Matisse, „Das Boot“, 1937.

Henri Matisses Gemälde „Das Boot“ wurde 1961 im New Yorker Museum of Modern Art ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Gemälde verkehrt herum hing. Die Leinwand zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Der Künstler hat aus einem bestimmten Grund zwei Segel gemalt; das zweite Segel ist eine Spiegelung des ersten auf der Wasseroberfläche.
Um bei der Aufhängung des Bildes keinen Fehler zu machen, müssen Sie auf die Details achten. Das größere Segel sollte sich oben auf dem Gemälde befinden und die Spitze des Segels des Gemäldes sollte sich in der oberen rechten Ecke befinden.

Täuschung im Selbstporträt

Vincent van Gogh, „Selbstbildnis mit Pfeife“, 1889.

Es gibt Legenden, dass Van Gogh sich angeblich das Ohr selbst abgeschnitten haben soll. Die zuverlässigste Version besagt nun, dass van Gogh sich bei einer kleinen Schlägerei, an der ein anderer Künstler, Paul Gauguin, beteiligt war, sein Ohr verletzte.

Das Selbstporträt ist interessant, weil es die Realität in verzerrter Form widerspiegelt: Der Künstler ist mit verbundenem rechten Ohr dargestellt, weil er bei der Arbeit einen Spiegel benutzte. Tatsächlich war das linke Ohr betroffen.

Außerirdische Bären

Ivan Shishkin, „Morgen im Kiefernwald“, 1889.

Das berühmte Gemälde gehört nicht nur Shishkin. Viele miteinander befreundete Künstler griffen oft auf „die Hilfe eines Freundes“ zurück, und Iwan Iwanowitsch, der sein ganzes Leben lang Landschaften malte, hatte Angst, dass seine berührenden Bären nicht so werden würden, wie er es brauchte. Deshalb wandte sich Shishkin an seinen Freund, den Tierkünstler Konstantin Savitsky.

Savitsky malte vielleicht die besten Bären in der Geschichte der russischen Malerei, und Tretjakow befahl, seinen Namen von der Leinwand zu waschen, da alles auf dem Bild „vom Konzept bis zur Ausführung alles von der Art des Malens, von der kreativen Methode spricht.“ eigentümlich für Shishkin.“

Die unschuldige Geschichte von „Gothic“

Grant Wood, Amerikanische Gotik, 1930.

Grant Woods Werk gilt als eines der seltsamsten und deprimierendsten in der Geschichte der amerikanischen Malerei. Das Bild mit dem düsteren Vater und der Tochter ist voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Menschen hinweisen.
Tatsächlich hatte der Künstler nicht die Absicht, irgendwelche Schrecken darzustellen: Während einer Reise nach Iowa fiel ihm ein kleines Haus im gotischen Stil auf und er beschloss, jene Menschen darzustellen, die seiner Meinung nach als Bewohner ideal wären. Grants Schwester und sein Zahnarzt sind als die Charaktere verewigt, die die Iowaner so beleidigten.

Salvador Dalis Rache

In ihrem 1949 erschienenen Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister schreibt sie über ihren Bruder, ohne ihn zu loben. Das Buch machte Salvador wütend. Weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erschien 1954 das Gemälde „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sünde der Sodomie hingibt“. Die Pose der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes erinnern deutlich an „Figur am Fenster“. Es gibt eine Version, dass Dali sich für ihr Buch an seiner Schwester gerächt habe.

Danae mit zwei Gesichtern

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae“, 1636 – 1647.

Viele Geheimnisse eines der berühmtesten Gemälde Rembrandts wurden erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts gelüftet, als die Leinwand mit Röntgenstrahlen beleuchtet wurde. So ergab die Schießerei, dass in einer frühen Version das Gesicht der Prinzessin, die eine Liebesbeziehung mit Zeus einging, dem Gesicht von Saskia, der 1642 verstorbenen Frau des Malers, ähnelte. In der endgültigen Fassung des Gemäldes begann es dem Gesicht von Gertje Dirks zu ähneln, der Geliebten von Rembrandt, mit der der Künstler nach dem Tod seiner Frau zusammenlebte.

Van Goghs gelbes Schlafzimmer

Vincent Van Gogh, „Schlafzimmer in Arles“, 1888 – 1889.

Forscher von Van Goghs Werk erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut einnahm, ein Mittel gegen Epilepsie, das zu gravierenden Veränderungen in der Farbwahrnehmung des Patienten führt: Die gesamte umgebende Realität wird in Grün- und Gelbtönen gemalt.

Zahnlose Perfektion

Leonardo da Vinci, „Porträt der Lady Lisa del Giocondo“, 1503 – 1519.

Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass die Mona Lisa Perfektion ist und ihr Lächeln wunderschön und geheimnisvoll ist. Allerdings glaubt der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, dass die Heldin viele Zähne verloren hat. Beim Studium vergrößerter Fotos des Meisterwerks entdeckte Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie „lächelt“ gerade wegen dem, was ihr passiert ist, so“, glaubt der Experte. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“

Hauptfach Gesichtskontrolle

Pavel Fedotov, „Major's Matchmaking“, 1848.

Das Publikum, das zum ersten Mal das Gemälde „Major's Matchmaking“ sah, lachte herzlich: Der Künstler Fedotov füllte es mit ironischen Details, die für das damalige Publikum verständlich waren. So kennt sich der Major offenbar nicht mit den Regeln der edlen Etikette aus: Er erschien ohne die erforderlichen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und ihre Kaufmannseltern kleideten die Braut selbst in ein Abendballkleid, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren erloschen). Das Mädchen probiert offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid an, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.

Warum ist Liberty nackt?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Freiheit auf den Barrikaden“, 1830.

Laut dem Kunstkritiker Etienne Julie orientierte sich Delacroix beim Gesicht der Frau an der berühmten Pariser Revolutionärin Anne-Charlotte, der Wäscherin Anne-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders durch königliche Soldaten auf die Barrikaden ging und neun Gardisten tötete. Der Künstler stellte sie mit nackten Brüsten dar. Nach seinem Plan ist dies ein Symbol für Furchtlosigkeit und Selbstlosigkeit sowie für den Triumph der Demokratie: Die nackte Brust zeigt, dass die Freiheit als Bürgerin kein Korsett trägt.

Nicht quadratisches Quadrat

Kasimir Malewitsch, „Schwarzer suprematistischer Platz“, 1915.

Tatsächlich ist „Schwarzes Quadrat“ überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten und zu keiner der Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild umrahmt. Und die dunkle Farbe ist das Ergebnis der Mischung verschiedener Farben, darunter kein Schwarz. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Haltung, der Wunsch, eine dynamische, mobile Form zu schaffen.

Spezialisten der Tretjakow-Galerie entdeckten die Inschrift des Autors auf dem berühmten Gemälde von Malewitsch. Die Inschrift lautet: „Der Kampf der Schwarzen in der dunklen Höhle.“ Dieser Satz bezieht sich auf den Titel des humorvollen Gemäldes des französischen Journalisten, Schriftstellers und Künstlers Alphonse Allais, „Die Schlacht der Neger in einer dunklen Höhle mitten in der Nacht“, das ein komplett schwarzes Rechteck darstellte.

Melodram der österreichischen Mona Lisa

Gustav Klimt, „Porträt der Adele Bloch-Bauer“, 1907.

Bloch-Bauer wollte, dass das Werk mehrere Jahre hält, damit der Dargestellte sehen konnte, wie Klimts Gefühle nachließen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Mannes: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer wusste nie, dass ihr Mann sich ihrer Beziehung zu Klimt bewusst war.

Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte

Paul Gauguin, „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“, 1897-1898.

Das Gemälde wurde von Gauguin in Tahiti gemalt, wo der Künstler mehrmals der Zivilisation entkam. Doch dieses Mal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die völlige Armut führte zu einer Depression. Nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, das sein geistliches Testament werden sollte, nahm Gauguin eine Schachtel Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Allerdings berechnete er die Dosis nicht und der Selbstmord scheiterte. Am nächsten Morgen schwankte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Lebensdurst. Und im Jahr 1898 begann sich sein Geschäft zu verbessern und eine bessere Zeit für seine Arbeit begann.

112 Sprichwörter auf einem Bild

Pieter Bruegel der Ältere, „Niederländische Sprichwörter“, 1559

Pieter Bruegel der Ältere stellte ein Land dar, das von wörtlichen Bildern niederländischer Sprichwörter jener Zeit bewohnt war. Das Gemälde enthält etwa 112 erkennbare Redewendungen. Einige davon werden heute noch verwendet, zum Beispiel: „Schwimmen Sie gegen den Strom“, „schlagen Sie Ihren Kopf gegen die Wand“, „bis an die Zähne bewaffnet“ und „Große Fische fressen kleine Fische“.

Andere Sprichwörter spiegeln die menschliche Dummheit wider.

Subjektivität der Kunst

Paul Gauguin, „Bretonisches Dorf im Schnee“, 1894

Gauguins Gemälde „Bretonisches Dorf im Schnee“ wurde nach dem Tod des Autors für nur sieben Franken und noch dazu unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft. Der Mann, der die Auktion durchführte, hängte das Gemälde versehentlich verkehrt herum auf, weil er darin einen Wasserfall sah.

Verstecktes Bild

Pablo Picasso, „Blaues Zimmer“, 1901

Im Jahr 2008 enthüllte Infrarotstrahlung, dass sich unter dem Blauen Raum ein weiteres Bild verbarg – das Porträt eines Mannes im Anzug mit Fliege, dessen Kopf auf die Hand gestützt war. „Sobald Picasso eine neue Idee hatte, griff er zum Pinsel und erweckte sie zum Leben. Aber er hatte nicht die Möglichkeit, jedes Mal, wenn eine Muse ihn besuchte, eine neue Leinwand zu kaufen“, erklärt die Kunsthistorikerin Patricia Favero einen möglichen Grund dafür.

Nicht verfügbare Marokkaner

Zinaida Serebryakova, „Nackt“, 1928

Eines Tages erhielt Zinaida Serebryakova ein verlockendes Angebot – auf eine kreative Reise zu gehen, um die nackten Figuren orientalischer Mädchen darzustellen. Es stellte sich jedoch heraus, dass es an diesen Orten einfach unmöglich war, Models zu finden. Zinaidas Übersetzer kam zur Rettung – er brachte seine Schwestern und seine Verlobte zu ihr. Niemandem zuvor oder danach ist es gelungen, nackte, verschlossene orientalische Frauen einzufangen.

Spontane Einsicht

Valentin Serov, „Porträt von Nikolaus II. in einer Jacke“, 1900

Serow konnte lange Zeit kein Porträt des Zaren malen. Als der Künstler völlig aufgab, entschuldigte er sich bei Nikolai. Nikolai war etwas verärgert, setzte sich an den Tisch und streckte die Arme vor sich aus... Und dann dämmerte es dem Künstler – hier ist das Bild! Ein einfacher Militärmann in einer Offiziersjacke mit klaren und traurigen Augen. Dieses Porträt gilt als die beste Darstellung des letzten Kaisers.

Noch eine Zwei

© Fedor Reshetnikov

Das berühmte Gemälde „Deuce Again“ ist nur der zweite Teil einer künstlerischen Trilogie.

Der erste Teil lautet „Angekommen im Urlaub“. Offensichtlich eine wohlhabende Familie, Winterferien, ein fröhlicher, ausgezeichneter Student.

Der zweite Teil ist „Deuce Again“. Eine arme Familie aus dem Arbeiterviertel, auf dem Höhepunkt des Schuljahrs, ein niedergeschlagener Idiot, der wieder eine schlechte Note bekam. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Arrived for Vacation“ zu sehen.

Der dritte Teil ist „Nachprüfung“. Ein ländliches Haus, Sommer, alle gehen spazieren, ein bösartiger Ignorant, der die jährliche Prüfung nicht bestanden hat, ist gezwungen, in seinen vier Wänden zu sitzen und zu stopfen. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Deuce Again“ zu sehen.

Wie Meisterwerke entstehen

Joseph Turner, Regen, Dampf und Geschwindigkeit, 1844

Im Jahr 1842 reiste Frau Simon mit dem Zug durch England. Plötzlich setzte ein heftiger Regenguss ein. Der ihr gegenüber sitzende ältere Herr stand auf, öffnete das Fenster, streckte den Kopf hinaus und starrte etwa zehn Minuten lang. Die Frau konnte ihre Neugier nicht zurückhalten, öffnete auch das Fenster und begann nach vorne zu schauen. Ein Jahr später entdeckte sie auf einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts das Gemälde „Rain, Steam and Speed“ und konnte darin dieselbe Episode im Zug erkennen.

Anatomie-Lektion von Michelangelo

Michelangelo, „Die Erschaffung Adams“, 1511

Zwei amerikanische Neuroanatomie-Experten glauben, dass Michelangelo in einem seiner berühmtesten Werke tatsächlich einige anatomische Illustrationen hinterlassen hat. Sie glauben, dass die rechte Seite des Gemäldes ein riesiges Gehirn darstellt. Überraschenderweise lassen sich sogar komplexe Bestandteile finden, etwa das Kleinhirn, die Sehnerven und die Hypophyse. Und das auffällige grüne Band passt perfekt zur Lage der Wirbelarterie.

„Das letzte Abendmahl“ von Van Gogh

Vincent Van Gogh, Caféterrasse bei Nacht, 1888

Der Forscher Jared Baxter glaubt, dass Van Goghs Gemälde „Caféterrasse bei Nacht“ eine verschlüsselte Widmung an Leonardo da Vincis „Letztes Abendmahl“ enthält. In der Mitte des Bildes steht ein Kellner mit langen Haaren und einer weißen Tunika, die an die Kleidung Christi erinnert, und um ihn herum sind genau 12 Cafébesucher. Baxter macht auch auf das Kreuz aufmerksam, das sich direkt hinter dem Kellner in Weiß befindet.

Dalis Bild der Erinnerung

Salvador Dali, „Die Beständigkeit der Erinnerung“, 1931

Es ist kein Geheimnis, dass die Gedanken, die Dali bei der Entstehung seiner Meisterwerke besuchten, stets in Form sehr realistischer Bilder vorlagen, die der Künstler dann auf die Leinwand übertrug. So entstand nach Angaben des Autors das Gemälde „Die Beständigkeit der Erinnerung“ als Ergebnis von Assoziationen, die beim Anblick von Schmelzkäse entstanden.

Worüber schreit Munch?

Edvard Munch, „Der Schrei“, 1893.

Munch sprach über die Idee eines der geheimnisvollsten Gemälde der Weltmalerei: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang – die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt inne, fühlte mich erschöpft und lehnte mich dagegen.“ den Zaun – ich sah Blut und Flammen über dem bläulich-schwarzen Fjord und der Stadt – meine Freunde zogen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung und spürte, wie die endlosen Schreie die Natur durchdrangen.“ Aber welcher Sonnenuntergang könnte den Künstler so sehr erschrecken?

Es gibt eine Version, dass die Idee zu „Der Schrei“ Munch im Jahr 1883 geboren wurde, als es zu mehreren gewaltigen Ausbrüchen des Krakatau-Vulkans kam – so heftig, dass sie die Temperatur der Erdatmosphäre um ein Grad veränderten. Große Mengen Staub und Asche breiten sich über den ganzen Globus aus und erreichen sogar Norwegen. Mehrere Abende hintereinander wirkten die Sonnenuntergänge, als stünde die Apokalypse bevor – einer davon wurde zur Inspirationsquelle für den Künstler.

Ein Schriftsteller unter den Menschen

Alexander Ivanov, „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, 1837-1857.

Dutzende Dargestellte posierten für Alexander Iwanow für sein Hauptgemälde. Einer von ihnen ist nicht weniger bekannt als der Künstler selbst. Im Hintergrund ist zwischen Reisenden und römischen Reitern, die die Predigt Johannes des Täufers noch nicht gehört haben, eine Figur in einer Gewandtunika zu sehen. Ivanov hat es von Nikolai Gogol geschrieben. Der Schriftsteller stand in Italien in engem Kontakt mit dem Künstler, insbesondere in religiösen Fragen, und gab ihm während des Malprozesses Ratschläge. Gogol glaubte, dass Iwanow „seit langem für die ganze Welt gestorben ist, außer für sein Werk“.

Michelangelos Gicht

Raphael Santi, „Die Schule von Athen“, 1511.

Raffael schuf das berühmte Fresko „Die Schule von Athen“ und verewigte seine Freunde und Bekannten in den Bildern antiker griechischer Philosophen. Einer von ihnen war Michelangelo Buonarotti „in der Rolle“ des Heraklit. Mehrere Jahrhunderte lang bewahrte das Fresko Geheimnisse aus Michelangelos Privatleben, und moderne Forscher vermuten, dass das seltsam eckige Knie des Künstlers darauf hindeutet, dass er an einer Gelenkerkrankung litt.

Dies ist angesichts der Besonderheiten des Lebensstils und der Arbeitsbedingungen von Renaissance-Künstlern und Michelangelos chronischer Arbeitssucht durchaus wahrscheinlich.

Spiegel des Ehepaares Arnolfini

Jan van Eyck, „Bildnis des Ehepaares Arnolfini“, 1434

Im Spiegel hinter dem Ehepaar Arnolfini sieht man das Spiegelbild zweier weiterer Personen im Raum. Höchstwahrscheinlich handelt es sich hierbei um Zeugen, die beim Vertragsabschluss anwesend waren. Einer von ihnen ist van Eyck, wie die entgegen der Tradition über dem Spiegel in der Mitte der Komposition angebrachte lateinische Inschrift beweist: „Jan van Eyck war hier.“ Auf diese Weise wurden üblicherweise Verträge besiegelt.

Wie aus einem Nachteil ein Talent wurde

Rembrandt Harmens van Rijn, Selbstporträt im Alter von 63 Jahren, 1669.

Die Forscherin Margaret Livingston untersuchte alle Selbstporträts von Rembrandt und stellte fest, dass der Künstler an Schielen litt: Auf den Bildern schauen seine Augen in verschiedene Richtungen, was der Meister in den Porträts anderer Menschen nicht beobachtet. Die Krankheit führte dazu, dass der Künstler die Realität zweidimensional besser wahrnehmen konnte als Menschen mit normalem Sehvermögen. Dieses Phänomen wird „Stereoblindheit“ genannt – die Unfähigkeit, die Welt in 3D zu sehen. Da der Maler jedoch mit einem zweidimensionalen Bild arbeiten muss, könnte genau dieser Fehler Rembrandts eine Erklärung für sein phänomenales Talent sein.

Sündenlose Venus

Sandro Botticelli, „Geburt der Venus“, 1482-1486.

Vor dem Erscheinen von „Die Geburt der Venus“ symbolisierte das Bild eines nackten weiblichen Körpers in der Malerei nur die Idee der Erbsünde. Sandro Botticelli war der erste europäische Maler, der nichts Sündhaftes an ihm fand. Darüber hinaus sind sich Kunsthistoriker sicher, dass die heidnische Liebesgöttin im Fresko ein christliches Bild symbolisiert: Ihr Erscheinen ist eine Allegorie auf die Wiedergeburt einer Seele, die den Ritus der Taufe durchlaufen hat.

Lautenspieler oder Lautenspieler?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Der Lautenspieler“, 1596.

Das Gemälde wurde lange Zeit in der Eremitage unter dem Titel „Der Lautenspieler“ ausgestellt. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren sich Kunsthistoriker einig, dass das Gemälde einen jungen Mann darstellt (wahrscheinlich posierte Caravaggios Bekannter, der Künstler Mario Minniti): Auf den Noten vor dem Musiker ist eine Aufnahme des Basses zu sehen Zeile aus Jacob Arkadelts Madrigal „Du weißt, dass ich dich liebe“. Eine Frau könnte eine solche Wahl kaum treffen – es liegt einfach im Hals. Darüber hinaus galt die Laute, ebenso wie die Geige am äußersten Bildrand, zu Caravaggios Zeit als männliches Instrument.

Auch Meisterwerke der Malerei, die uns bekannt vorkommen, haben ihre Geheimnisse. Im Großen und Ganzen hat fast jedes bedeutende Kunstwerk ein Geheimnis, einen „doppelten Boden“ oder eine geheime Geschichte, die man enthüllen möchte.

Salvador Dalis Rache

Das Gemälde „Figur am Fenster“ entstand 1925, als Dali 21 Jahre alt war. Zu diesem Zeitpunkt war Gala noch nicht in das Leben des Künstlers getreten und seine Muse war seine Schwester Ana Maria. Die Beziehung zwischen Bruder und Schwester verschlechterte sich, als er in einem der Gemälde schrieb: „Manchmal spucke ich auf das Porträt meiner eigenen Mutter, und das macht mir Freude.“ Ana Maria konnte solch ein schockierendes Verhalten nicht verzeihen. In ihrem 1949 erschienenen Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister schreibt sie über ihren Bruder, ohne ihn zu loben. Das Buch machte Salvador wütend. Weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erschien 1954 das Gemälde „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sünde der Sodomie hingibt“.

Die Pose der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes erinnern deutlich an „Figur am Fenster“. Es gibt eine Version, dass Dali sich für ihr Buch an seiner Schwester gerächt habe.

Danae mit zwei Gesichtern

Van Goghs gelbes Schlafzimmer

Im Mai 1888 erwarb Van Gogh ein kleines Atelier in Arles im Süden Frankreichs, wohin er vor Pariser Künstlern und Kritikern floh, die ihn nicht verstanden. In einem der vier Zimmer richtet Vincent ein Schlafzimmer ein. Im Oktober ist alles fertig und er beschließt, Van Goghs Schlafzimmer in Arles zu malen. Für den Künstler waren die Farbe und die Behaglichkeit des Raumes sehr wichtig: Alles musste Gedanken der Entspannung hervorrufen. Gleichzeitig ist das Bild in alarmierenden Gelbtönen gestaltet. Forscher von Van Goghs Werk erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut einnahm, ein Mittel gegen Epilepsie, das zu gravierenden Veränderungen in der Farbwahrnehmung des Patienten führt: Die gesamte umgebende Realität wird in Grün- und Gelbtönen gemalt.

Zahnlose Perfektion

Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass die Mona Lisa Perfektion ist und ihr Lächeln wunderschön und geheimnisvoll ist. Allerdings glaubt der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, dass die Heldin viele Zähne verloren hat. Beim Studium vergrößerter Fotos des Meisterwerks entdeckte Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie „lächelt“ genau wegen dem, was ihr passiert ist“, meint die Expertin. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“

Hauptfach Gesichtskontrolle

Das Publikum, das den Film „Major's Matchmaking“ zum ersten Mal sah, lachte herzlich: Fedotov füllte ihn mit ironischen Details, die für das damalige Publikum verständlich waren. So kennt sich der Major offenbar nicht mit den Regeln der edlen Etikette aus: Er erschien ohne die erforderlichen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und ihre Kaufmannseltern kleideten die Braut selbst in ein Abendballkleid, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren erloschen). Das Mädchen probiert offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid an, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.

Warum ist Liberty nackt?

Nicht quadratisches Quadrat

Melodram der österreichischen Mona Lisa

Eines der bedeutendsten Gemälde Klimts zeigt die Frau des österreichischen Zuckermagnaten Ferdinad Bloch-Bauer. Ganz Wien diskutierte über die stürmische Romanze zwischen Adele und dem berühmten Künstler. Der verwundete Ehemann wollte sich an seinen Liebhabern rächen, wählte jedoch eine sehr ungewöhnliche Methode: Er beschloss, Klimt ein Porträt von Adele zu bestellen und ihn zu zwingen, Hunderte von Skizzen anzufertigen, bis der Künstler anfing, sich von ihr zu übergeben. Bloch-Bauer wollte, dass das Werk mehrere Jahre dauerte, damit der Dargestellte sehen konnte, wie Klimts Gefühle nachließen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Mannes: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer wusste nie, dass ihr Mann sich ihrer Beziehung zu Klimt bewusst war.

Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte

Gauguins berühmtestes Gemälde weist eine Besonderheit auf: Es wird nicht von links nach rechts, sondern von rechts nach links „gelesen“, wie die kabbalistischen Texte, für die sich der Künstler interessierte. In dieser Reihenfolge entfaltet sich die Allegorie des menschlichen geistigen und körperlichen Lebens: von der Geburt der Seele (ein schlafendes Kind in der unteren rechten Ecke) bis zur Unvermeidlichkeit der Stunde des Todes (ein Vogel mit einer Eidechse in den Klauen). in der unteren linken Ecke). Das Gemälde wurde von Gauguin auf Tahiti gemalt, wo der Künstler mehrmals der Zivilisation entkam. Doch dieses Mal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die völlige Armut führte zu einer Depression. Nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, das sein geistliches Testament werden sollte, nahm Gauguin eine Schachtel Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Allerdings berechnete er die Dosis nicht und der Selbstmord scheiterte. Am nächsten Morgen schwankte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Lebensdurst. Und im Jahr 1898 begann sich sein Geschäft zu verbessern und eine bessere Zeit für seine Arbeit begann.

Alter Fischer

In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) als auch den Teufel (die linke Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) geben.

Auf der ganzen Welt sind viele Meisterwerke der bildenden Kunst bekannt. Aber nicht jeder weiß, dass einige von ihnen Geheimnisse bewahren, die nach dem Tod der Schöpfer der Werke entdeckt wurden. Allerdings gibt es Geheimnisse, die zu Lebzeiten der Künstler bekannt wurden, was die Gemälde noch geheimnisvoller und attraktiver macht.

1. Hieronymus Bosch, „Der Garten der Lüste“, 1500-1510.

2. Seit dem Erscheinen dieses Meisterwerks des niederländischen Künstlers sind mehr als einmal Debatten über die darin verborgenen Bedeutungen entbrannt. Von besonderem Interesse war schon immer der auf dem rechten Flügel des Triptychons dargestellte Sünder, auf dessen Gesäß Musiknoten eingeprägt sind. Eine Studentin der Oklahoma Christian University namens Amelia Hamrick beschloss, die Notation aus dem 16. Jahrhundert in eine moderne Variante zu übersetzen, und das „500 Jahre alte Arschlied aus der Hölle“, das im Internet erschien, wurde zu einer echten Sensation.

3. „Mona Lisa“
Nur wenige wissen, dass es zwei Versionen des bekannten Gemäldes gibt. Eine davon heißt „Monna Vanna“ und ihr Autor ist der Schüler und Vorbild von Leonardo da Vinci, der wenig bekannte Künstler Salai. Kunsthistoriker sind überzeugt, dass es dieser junge Künstler war, der dem großen Leonardo als Vorbild diente, als er Gemälde wie „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ malte. Manche vermuten sogar, dass es Szalai war, der beim Malen der Mona Lisa posierte, gekleidet in ein Frauenkleid.

4. „Alter Fischer“

5. Dieses scheinbar unauffällige Gemälde wurde 1902 vom ungarischen Künstler Tivadar Kostka Csontvary gemalt. Der in das Bild eingebettete Subtext wurde jedoch erst nach dem Tod des Autors enthüllt. Wenn Sie einen Spiegel in der Mitte des Bildes platzieren, können Sie auf der einen Seite Gott und auf der anderen Seite den Teufel sehen. Deshalb versuchte der Künstler, die duale Essenz eines jeden von uns widerzuspiegeln.

6. „Das letzte Abendmahl“
Beim Malen seines Gemäldes legte Leonardo da Vinci besonderes Augenmerk auf die Figuren von Christus und Judas. Einer der jungen Sänger wurde als Vorbild für das Christusbild ausgewählt, doch der Künstler suchte ganze drei Jahre lang nach einem Vorbild für Judas. Eines Tages begegnete Leonardo auf der Straße einem Trunkenbold, den er so sehr mochte, dass er beschloss, Judas von ihm zu malen. Stellen Sie sich die Überraschung des Künstlers vor, als der Trunkenbold, der zur Besinnung kam, sagte, er habe bereits vor einigen Jahren für den Meister posiert und Leonardo habe Christus von ihm gemalt.

7. „Amerikanische Gotik“
Viele Menschen finden Grant Woods Arbeit seltsam und deprimierend, obwohl sie überhaupt keinen Untertext hat. Der Künstler malte dieses Gemälde während einer Reise nach Iowa, als er ein kleines Haus im gotischen Stil sah. Grants Schwester und sein Zahnarzt posierten als Figuren vor dem Haus.

8. „Nachtwache“
Dieses Gemälde von Rembrandt, „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“, wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Dieses Werk wurde unter dem Namen „Nachtwache“ in die Schatzkammer der Weltkunst aufgenommen, den es aufgrund des dunklen Hintergrunds erhielt, vor dem die Figuren erscheinen. 1947 wurde das Gemälde restauriert und dabei die Rußschicht entdeckt, mit der es bedeckt war. Nach der Durchsicht des Originals stellte sich heraus, dass der Künstler eine Tagesszene meinte, gemessen an der Position des Schattens von der linken Hand der zentralen Figur bei etwa 14 Uhr.

9. „Boot“
1961 hing Henri Matisses Gemälde „Das Boot“ 47 Tage lang kopfüber im New Yorker Museum of Modern Art. Das Gemälde zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Als sich herausstellte, dass das zweite Segel nur ein Spiegelbild des ersten auf der Wasseroberfläche war, wurde klar, dass das Bild falsch aufgehängt war. Oben auf dem Bild sollte ein großes Segel sein.

10. „Selbstporträt mit Pfeife“
Obwohl viele glauben, dass Van Gogh sich das Ohr abgeschnitten hat, sind Kunsthistoriker zuversichtlich, dass der Künstler sich bei einem Kampf mit dem Künstler Paul Gauguin das Ohr verletzt hat. Da das Selbstporträt aufgrund der Tatsache, dass es mit einem Spiegel gemalt wurde, eine verzerrte Realität widerspiegelt, wurde tatsächlich das linke Ohr des Künstlers beschädigt.

11. „Frühstück im Gras.“ Die beiden französischen Künstler Edouard Manet und Claude Monet werden oft verwechselt. Das ist nicht verwunderlich, denn selbst der Titel von Manets Gemälde „Mittagessen im Gras“ wurde von Monet übernommen und in seinem eigenen „Mittagessen im Gras“ gemalt.

12. Claude Monet, „Frühstück im Gras“.

13. „Morgen im Kiefernwald“
Wie sich herausstellte, arbeitete nicht nur Shishkin an diesem bekannten Bild. Da der auf Landschaftsmalerei spezialisierte Künstler keine Bären herstellen konnte, wandte er sich hilfesuchend an den Tierkünstler Konstantin Savitsky.