Jean-Christophe Maillot: „Das Schlimmste in einer Beziehung zwischen Mann und Frau ist Langeweile. Biografie Die Hauptsache sind die Tänzer

New York, 2017
Fotos von Nina Alovert.

Am 26. Juli fand auf der Bühne des Lincoln Center in New York die Premiere des Balletts „Der Widerspenstigen Zähmung“ des Staatlichen Akademischen Bolschoi-Theaters Russlands in der Inszenierung des Choreografen Jean-Christophe Maillot statt. Jean-Christophe Maillot spricht auf einer Pressekonferenz vor der Premiere der Aufführung über den Entstehungsprozess der Aufführung, über die Auswahl der Tänzer und das Schaffen von Musik, über die Besonderheiten der Arbeit an einem Ballett und seinen einzigartigen Umgang mit Künstlern.

„Der Widerspenstigen Zähmung“, letzte Szene. New York, 2017

Jean-Christophe Maillot: Ich rede nicht wirklich gern über Ballett, denn Ballett muss man sich anschauen. Das Wichtigste für mich ist immer das großartige Erlebnis, eine Aufführung zu schaffen. Bevor ich begann, mit dem Bolschoi-Theater zusammenzuarbeiten, hatte ich mehr als 25 Jahre lang keine Produktionen mit anderen Ensembles als meiner eigenen durchgeführt. Und natürlich war ich sehr beeindruckt, wie wahrscheinlich jeder Choreograf, der auf ein Top-Ensemble trifft. Es gibt zwei Gründe, warum ich mich entschieden habe, „Der Widerspenstigen Zähmung“ im Bolschoi-Theater zu inszenieren.

Jean-Christophe Maillot: Ich rede nicht wirklich gern über Ballett, denn Ballett muss man sehen

Wenn Sie die Kultur eines Volkes nicht kennen, beginnen Sie, in Ihren Urteilen Klischees zu verwenden. Etwa so: Die Franzosen essen Camembert und Baguette. (Lacht). Vielleicht irre ich mich, weil ich Russland und die Russen nicht so gut kenne, aber...:

Erstens kam es mir immer so vor, als wären die Jungs im Bolschoi-Theater allesamt so strenge, echte Männer und alle Mädchen einfach nur schön ... Für mich war das Bolschoi-Theater also eine ziemlich offensichtliche Wahl für die Inszenierung dieser besonderen Aufführung.

Und der zweite und sehr wichtige Grund ist, dass ich mehr als 20 Jahre mit einer Tänzerin zusammengearbeitet habe, die ich sehr liebe – Bernice Coppieters. Als sie 22 Jahre alt war, sagte ich ihr, dass ich eines Tages „Der Widerspenstigen Zähmung“ inszenieren würde, weil sie dieses Bild ist. Zusammen mit ihr haben wir 45 Ballette inszeniert, und eines Tages kam sie zu mir und sagte: „Das ist es, ich höre auf.“ Und genau in diesem Moment wurde mir angeboten, eine Aufführung im Bolschoi-Theater zu machen. Ich sagte ihr, dass ich das für sie tun würde, weil sie meine Assistentin sein würde. Also werde ich mit ihr ein Ballett choreografieren. Und hier sitzen wir: Lantratov (Vladislav Lantratov, Darsteller der Rolle des Petruchio, Anm. d. Red.), Katya, Mayo und Coppeters. Und wir haben sehr lange im Hotel choreografiert, geredet, kommuniziert.

Während des Produktionsprozesses habe ich viel über russisches Ballett und Russen gelernt. Ich kann nicht über alle Tänzer sprechen, sondern nur über diejenigen, mit denen ich am Bolschoi-Theater zusammengearbeitet habe. Sie sind völlig unterschiedlich. Und der Arbeitsprozess ist völlig anders.

Als wir anfingen, war alles instabil. Aber ich muss zugeben, dass die Besetzung, mit der ich gearbeitet habe, die luxuriösesten und hochwertigsten 25 Tänzer des Theaters sind. Ich habe herausgefunden, dass russische Tänzer sehr empfänglich sind. Ich dachte, sie wären ziemlich verschlossen, aber sie waren empfänglich und es war sehr berührend. Sie werden dir nie zeigen, dass sie leiden, aber du musst es verstehen. Sie geben dir so viel! Sie sind sehr tiefe Persönlichkeiten. Vor dieser Produktion dachte ich, dass sie Konflikte lieben und bewusst versuchen, sie zu schaffen, aber ich bin Franzose und mag keine Konflikte, ich vermeide Konflikte. Aber es stellte sich heraus, dass dies nicht der Fall war, und ich entdeckte erstaunliche, tiefgründige Menschen und schloss wunderbare Freunde.

Es war auch wichtig, dass eine der Eigenschaften der Tänzer des Bolschoi-Theaters ihre Fähigkeit ist, das Theater zu spüren. Die Zusammenarbeit mit ihnen ist etwas Besonderes, sie sind sehr großzügig, aber sie arbeiten auf eine ganz andere Art und Weise, auf eine andere Art und Weise, manchmal ist es nicht einfach. Es ist, als würde man versuchen, jemandem, mit dem man verschiedene Sprachen spricht, etwas zu erklären, und einem fehlen die genauen Worte, um auszudrücken, was man fühlt und sagen möchte. Aber je länger dieses Ballett auf der Bühne steht, desto besser verstehen sich die Künstler und ich, desto besser spüren sie, was genau ich mit dieser Aufführung erreichen wollte.

Als ich 2011 zu Benoas Konzert kam, begann ich, mich intensiv mit den Künstlern des Bolschoi-Theaters auseinanderzusetzen. Als ich dann bei „Schwanensee“ Regie führte, kam mir eine verrückte Idee. Drei Tage vor der Aufführung beschloss ich, „Schwanensee“ in einer interessanten Version zu präsentieren. Der erste Akt wurde von meiner Truppe mit meiner Choreografie aufgeführt, der zweite, mystische Akt sollte von den Künstlern des Bolschoi-Theaters auf traditionelle Weise aufgeführt werden und der dritte sollte etwas Verrücktes sein. Die Puristen waren völlig schockiert, aber es hat mir wirklich Spaß gemacht. Dies gab mir die Gelegenheit, alle Tänzer näher zu betrachten.

Jean-Christophe Maillot: Aber je länger dieses Ballett auf der Bühne steht, desto besser verstehen sich die Künstler und ich, desto besser spüren sie, was genau ich mit dieser Aufführung erreichen wollte

Damals wurde mir klar, dass es mit Katerina (Ekaterina Krysanova, die die Rolle der Katarina im Ballett „Der Widerspenstigen Zähmung“, Anm. d. Red.) spielt, schwierig und hart werden würde. Sie beschwerte sich ständig über etwas, das Licht stimmte nicht oder etwas anderes. Deshalb dachte ich, dass es sich überhaupt nicht lohnt, mit ihr zu kommunizieren.

Dann habe ich zwei Jahre gebraucht, um die Künstler etwas besser kennenzulernen, aber auch nach dieser Zeit wusste ich immer noch nicht, wer was tanzen würde. Da das Bolschoi-Theater wirklich groß ist, gibt es mehr als 200 Tänzer, von denen ich einige noch nicht kenne. Erst im Januar 2013 begannen wir mit der Produktion. Wir haben 7 Wochen gearbeitet, dann zwei Monate frei und noch einmal 6 Wochen gearbeitet. Zwischen den Arbeiten bin ich auch ins Bolschoi gekommen, um zumindest Blickkontakt mit den Künstlern zu bekommen und sie besser kennenzulernen.

Ein Ballett mit Tänzern zu machen ist für mich dasselbe wie mit Menschen zum Abendessen zu gehen. Manchmal lernt man beim Abendessen neue Leute kennen, aber man muss sicher sein, dass niemand am Tisch sitzt, der einem den Abend ruinieren kann. Sie müssen sicherstellen, dass sie auch dann etwas gemeinsam haben, wenn sie sich nicht kennen. Und wenn Menschen etwas gemeinsam haben, wird auf jeden Fall alles klappen.

Und jetzt möchte ich Ihnen eine kleine Geschichte darüber erzählen, wie Katya zur Hauptrolle kam. Als ich bereits nach Moskau ging, um „Der Widerspenstigen Zähmung“ zu inszenieren, hatte ich mich noch nicht für das Bild der Hauptfigur des Stücks entschieden, das Einzige, was sicher war, war, dass sie rothaarig sein würde und in einem grünes Kleid, und dass es mit ihr schwierig sein würde. (Lacht)

Jean-Christophe Maillot: Als ich zum Bolschoi ging, hatte ich noch nichts über das Bild der Hauptfigur des Stücks entschieden, außer dass sie rothaarig sein würde und ein grünes Kleid tragen würde und dass es schwierig sein würde, mit ihr umzugehen .

Ich habe Katya nicht in die erste Probenbesetzung der Balletttänzer aufgenommen. Alle am Bolschoi waren beschäftigt, vielleicht tanzte sie damals auch andere große Rollen, ich weiß es nicht mehr. Doch eines Tages kam dieses zierliche Mädchen auf mich zu und sagte, sie wolle für mich vorsprechen. Ich antwortete, warum nicht. Schließlich ist es sehr berührend, wenn ein Tänzer auf einen zukommt. Am nächsten Tag kam sie zum Vorsprechen und wusste nicht alles, was ich dir bisher erzählt hatte. Und dann kommt sie: rothaarig, im grünen Hemd, mit grünen Wimpern. Ich entschied, dass dies ein Zeichen war, dem ich folgen sollte. Vielleicht habe ich meine eigene Meinung, aber ich lasse mich gerne von Künstlern „vergewaltigen“, wenn Schauspieler „mich im Sturm erobern“. Ich glaube, dass es unmöglich ist, Choreograf zu sein, wenn man in seiner eigenen Welt feststeckt und seine Künstler am Rande bleiben.

Ich glaube, dass eine gute Choreografie nicht ohne eine besondere emotionale Verbindung zu den Tänzern entstehen kann. Es scheint, als würde sich die Choreografie nicht ändern, wenn man den Künstler austauscht. Aber für mich kann der Austausch eines Künstlers dazu führen, dass die Choreografie einfach verschwindet und in einer anderen Aufführung nicht mehr existieren kann. Es ist allgemein anerkannt, dass eine Rolle einem Menschen neue Facetten eröffnet, die ihm vorher nicht bewusst waren. Meiner Meinung nach ist es möglich, Bedingungen zu schaffen, unter denen sich Tänzer wohl genug fühlen, um mehr zu leisten, als sie bisher konnten. Aber in einem Menschen kann man nur das offenbaren, was er selbst zum Ausdruck bringen möchte. Und ich kann solche Bedingungen schaffen. Ich arbeite gerne in einer fröhlichen Umgebung, ich hasse Leiden und halte es nicht für notwendig.

Ich denke, dass Katya sich in „Der Widerspenstigen Zähmung“ als ein zarteres und zerbrechlicheres Mädchen offenbarte, als sie sich selbst fürchtet. Und Vlad auch.

Oftmals wird „Der Widerspenstigen Zähmung“ als Machogeschichte inszeniert. Und wir werden nie erfahren, was Shakespeare selbst dazu empfand. Für mich ist es jedoch offensichtlich, dass dies die Geschichte zweier außergewöhnlicher Menschen ist, die keinen gewöhnlichen Partner an ihrer Seite akzeptieren – den „durchschnittlichen Bauern“. Aber die Hauptidee dieses Stücks ist Liebe und die Möglichkeit, Liebe für jeden Menschen zu finden. Jeder kann seinen Partner, seinen Seelenverwandten finden, selbst der Hässliche, der Betrüger oder der dysfunktionale Mensch, und niemand sollte für seine Wahl verurteilt werden. Darum geht es für mich in dem Stück.

Jean-Christophe Maillot: Am schwierigsten ist es, über die Aufrichtigkeit der Handlung und die Klarheit des Ergebnisses zu sprechen. Darüber lässt sich endlos diskutieren, es ist subjektiv, aber ich glaube, dass in unserem Ballett etwas Frisches und Unmittelbares steckt dringt in die Herzen der Menschen ein.

Ich liebe es, im Ballett an Choreografien zu arbeiten, aber ich liebe es genauso, an Geschichten zu arbeiten. Meine Entscheidung, „Der Widerspenstigen Zähmung“ zu inszenieren, wurde durch die Feierlichkeiten zum 450. Geburtstag Shakespeares beeinflusst. Ich war sehr nervös vor der Vorführung von „Der Widerspenstigen Zähmung“ in London. Erstens ist es der Geburtsort von Shakespeare. Zweitens wird Choreografie in jedem Land unterschiedlich wahrgenommen.

Am schwierigsten ist es, über die Aufrichtigkeit der Handlung und die Klarheit des Ergebnisses zu sprechen. Darüber lässt sich endlos diskutieren, es ist subjektiv, aber ich glaube, dass in unserem Ballett etwas Frisches steckt und etwas, das direkt in die Herzen der Menschen eindringt . Ich weiß nicht, ob es bescheiden ist, das zu sagen, aber es ist eine Art Spontaneität. Die Show in London war ein Erfolg und wurde vom Publikum gut angenommen.

Mich interessiert immer mehr der Betrachter, der wenig Ahnung vom Tanz hat. Denn es sind nicht so viele Leute im Publikum, die sich mit Ballett auskennen – bei jeder Aufführung sind es höchstens hundert, wenn man Glück hat.

Heute können wir klassische Ballettchoreografie in abstrakten Situationen verwenden und so eine Art komische, ironische Inszenierung hervorbringen. Die Kraft der Musik und der Tänzer fesseln den Betrachter und erinnern unbewusst durch ihre Körpersprache an wichtige Dinge, die wir alle kennen. Es ist eine wunderbare Chemie, die schwer zu erklären ist.

Wenn ich an einem neuen Ballett arbeite, inspirieren mich immer die Künstler, weil sie für mich die Bilder verkörpern, die ich gerne auf der Bühne sehen würde.

Nachdem ich mich entschieden hatte, mit dem Bolschoi zusammenzuarbeiten, entschied ich mich, die Musik von Dmitri Schostakowitsch für die Produktion zu verwenden, da ich wusste, dass sie den Künstlern im Geiste nahe stehen würde. Mir kommt es so vor, als hätte ich mir alle existierenden Aufnahmen von Schostakowitsch angehört. Musik ist für mich die höchste Kunst. Es scheint mir, dass nichts mehr Emotionen hervorruft als Musik.

Das erste, was ich noch vor der Inszenierung der Choreografie tat, war, die musikalische Zusammensetzung der Aufführung, die Partitur, zu sammeln. Auf dem Papier sieht es eher seltsam und chaotisch aus. Aber ich bin mir sicher, dass der Wert und der Reichtum von Schestakovichs Musik darin liegt, dass er einer jener Komponisten ist, die in der Lage sind, auf ganz anderen Ebenen zu arbeiten. Da ich selbst Musiker war, verstand ich, dass ich seine Musik so kombinieren konnte, dass sie so klang, als wäre sie speziell für dieses Ballett geschrieben worden. Gleichzeitig habe ich viel Musik verwendet, die er für Filme geschrieben hat.

Jean-Christophe Maillot: Ich kann nicht in meinem Zimmer sitzen und mir eine Choreografie ausdenken. Ich muss im Raum mit den Tänzern und der Musik sein, sonst fällt mir kein Schritt ein.

Ich kann nicht in meinem Zimmer sitzen und mir eine Choreografie ausdenken. Ich muss im Raum mit den Tänzern und der Musik sein, sonst fällt mir kein Schritt ein. Musik weckt in mir Emotionen und Inspiration. Während der Arbeit an der Produktion habe ich versucht, Musikstücke nacheinander zu verbinden, wobei ich mich natürlich an die formalen Kanons des Orchesters und die Struktur der Komposition hielt und das emotionale Gleichgewicht während des gesamten Stücks aufrechterhielt.

Manchmal musste ich die Bedeutung der Musik für die Russen vergessen. Ich weiß, dass Schostakowitsch Russe ist, aber vor allem ist er Komponist. Daher kann ein Franzose Schostakowitschs Musik hören, ohne die ihr innewohnende Bedeutung und Bedeutung zu erkennen. Irgendwann hatte ich sogar Zweifel. Als ich die Musik der Symphonie verwendete, erklärten sie mir, was diese Musik für die russische Kultur bedeutete und dass man nicht damit spielen sollte. Aber anstatt über Krieg zu sprechen, sprach ich über Liebe in der Musik. Ich respektiere Musik, ich mag keine Provokationen.

Ich fühlte mich zuversichtlich in dem, was ich tat. Ich ging zum Schaffner und gab ihm meinen Plan. Er behielt es drei Tage lang und gab es mir mit den Worten zurück: „Das ist genau das, wovon ich geträumt habe, eines Tages zu dirigieren.“

Ich sagte: „Gut, dann machen wir einen guten Job.“ Und ich denke, es hat funktioniert und es ist uns gelungen.

Jean-Christophe Maillot: Manchmal musste ich die Bedeutung der Musik für die Russen vergessen. Schostakowitsch ist Russe, aber vor allem ist er Komponist. Daher kann ein Franzose Schostakowitschs Musik hören, ohne die ihr innewohnende Bedeutung und Bedeutung zu erkennen.

Jean-Christophe Maillot wurde 1960 in Tours (Frankreich) geboren. Er studierte Tanz und Klavier am Nationalen Konservatorium von Tours unter der Leitung von Alain Daven und wechselte dann zu Roselle Hightower an der International School of Dance in Cannes.

1977 wurde er mit dem Preis des Jugendwettbewerbs in Lausanne ausgezeichnet. Dann nahm ihn John Neumeier in die Truppe des Hamburg Balletts auf, wo er fünf Jahre lang als Solist die Hauptrollen spielte. Ein Unfall unterbrach seine Tanzkarriere.

1983 kehrte Jean-Christophe Maillot in seine Heimatstadt Tours zurück, wo er Choreograf und Direktor des Bolschoi-Balletttheaters von Tours, dem späteren Nationalen Zentrum für Choreografie, wurde. Für diese Truppe inszenierte er mehr als zwanzig Ballette.

1985 gründete Jean-Christophe Maillot ein choreografisches Festival.

Monaco lädt ihn ein, für das Monte-Carlo-Ballett „Farewell“ und 1987 – das einen außergewöhnlichen Erfolg einbrachte – „The Miraculous Mandarin“ zu schaffen. Im selben Jahr inszenierte er The Child and Magic.

In der Saison 1992–1993 wurde Jean-Christophe Maillot künstlerischer Berater des Monte-Carlo-Balletts und 1993 ernannte ihn Ihre Königliche Hoheit die Prinzessin von Hannover zum künstlerischen Leiter. Die 50-köpfige Künstlertruppe unter seiner Führung entwickelte sich rasant und erreichte heute ein hervorragendes Niveau. Er inszenierte für das Ballett von Monte Carlo – „Black Monsters“ (1993), „Native Home“, Dove la luna (1994), Ubuhuha (1995), „To the Promised Land“ (1995), „Romeo und Julia“ ( 1996), Recto Verso (1997), „Die Insel“ (1998), „Aschenputtel“ und „Der Nussknacker im Zirkus“ (1999), Opus 40, Entrelacs (2000), „Auge um Auge“ und „Schlafen (2001), „Dance Men“ (2002), „To the Other Shore“ (2003), „Wedding“ (2003), „Miniatures“ (2004), „Dream“ (2005), Altro Canto (2006), „Faust“ (2007).

Jean-Christophe Maillot erweitert das Repertoire der Truppe und lädt jährlich namhafte Choreografen nach Monaco ein; jungen Namen die Möglichkeit geben, sich auf dieser Bühne auszudrücken.

In den letzten Jahren wurde er zu Auftritten mit dem Grand Ballet of Canada, dem Königlich Schwedischen Ballett, dem Essen Ballet, dem Pacific Northwest Ballet und dem Stuttgarter Ballett eingeladen. Im März 2007 erhielt der Choreograf ein Angebot vom Staatstheater Wiesbaden für die Inszenierung der Oper „Faust“ und vom Opernhaus Monte Carlo für „Norma“. Mayos Inszenierung von „The Sleeper“ wurde 2001 mit dem Nijinsky-Preis für die beste Choreografie und dem italienischen Kritikerpreis Danza & Danza ausgezeichnet.

Das Beste des Tages

Der Choreograf wurde mit dem Verdienstkreuz für Kultur ausgezeichnet. Jean-Christophe Maillot ist außerdem Ritter des Grimaldi-Ordens, Ritter des französischen Ordens der Künste und Literatur und des Ordens der Ehrenlegion von Frankreich.

Heute ist Maillot einer der bekanntesten französischen Choreografen im Ausland. Sein Name ist in London und Paris, New York, Madrid, Lissabon, Seoul, Hongkong, Kairo, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Brüssel, Tokio, Mexiko-Stadt, Peking, Shanghai bekannt.

Alles, was im Monte Carlo Ballet Theatre passiert, scheint uns wichtig und nah zu sein – schließlich wird es von Jean-Christophe Maillot geleitet, einem Choreografen, in den wir uns auf den ersten Blick verliebten, nachdem wir 2012 sein Ballett Daphnis und Chloe gesehen hatten . Dann inszenierte er „Der Widerspenstigen Zähmung“ am Bolschoi-Theater und zeigte uns in dieser Saison „Aschenputtel“ (in St. Petersburg) und „Die Schöne“ (in Moskau). Jean-Christophe ist eine interessante Persönlichkeit und ein charmanter Mensch. In einem Interview mit Olga Rusanova sprach er über sein Interesse an handlungslosen Balletten, Marius Petipa und wie es ist, Choreograf im kleinen Monaco zu sein.

Ist Abstraktion Leben?

Das Publikum kennt meine Geschichtenballette gut, und das ist wirklich ein wichtiger Teil meiner Arbeit. Aber es macht mir auch große Freude, reine Bewegungen zu schaffen, die einen Bezug zur Musik haben. Ja, diese Kunst scheint abstrakt zu sein, aber ich glaube nicht, dass es etwas völlig Abstraktes gibt, da alles, was ein Mensch tut, eine Art Emotion, ein Gefühl in sich trägt. Außerdem liebe ich es, diesen ganz spezifischen Zusammenhang zwischen Bewegung und Musik zu erforschen. Und wenn ich mich nicht an eine Geschichte halten muss, kann ich beim Erkunden der Choreografie mutiger sein und sogar Risiken eingehen. Das ist eine Art Labor, das mich fasziniert. Und das ist auch ein wichtiger Teil meiner Arbeit, vielleicht weniger bekannt, aber er enthält, wenn man so will, die Essenz des Balletts, die Bewegung als solche.

Mein neuestes Ballett „Abstraction/Life“ entstand zu völlig neuer Musik – einem Cellokonzert des französischen Komponisten Bruno Mantovani mit dem Titel „Abstraction“. Das ist eine sehr große Partitur – fast 50 Minuten, und ich bin begeistert von der Idee, mit dem Komponisten zusammenzuarbeiten.

Natürlich hat mir auch die Arbeit mit Schostakowitschs Musik gefallen – ich meine das Ballett „Der Widerspenstigen Zähmung“, als ich aus seinen Werken eine neue Partitur für ein Ballett zu schaffen schien, das es in der Realität nicht gab. Aber wenn ein Komponist speziell für mich komponiert, ist das eine ganz andere Sache. Darüber hinaus besteht der aktuelle Ballettabend aus zwei Teilen – im ersten Teil gibt es ein Ballett von George Balanchine zur Musik von Strawinskys Violinkonzert. Ich möchte Sie an Balanchines Satz erinnern: „Ich versuche, dem Tanz zuzuhören und die Musik zu sehen.“ In Anlehnung an Balanchine möchte ich Musik sichtbar machen. Moderne Musik ist oft nur schwer an sich wahrzunehmen. Und Tanz und Bewegung ermöglichen es, es „wiederzubeleben“, es für die Wahrnehmung natürlicher zu machen. Tia. In diesem Moment passiert wirklich etwas Wunder... Generell komponiere ich als Choreograf immer einen Tanz zusammen mit Musik, ich kann mir keinen einzigen Schritt, keine einzige Bewegung ohne Musik vorstellen, denn meiner Meinung nach ist Musik eine Kunst auf höchstem Niveau, immer an Emotionen gerichtet, auch wenn es komplex und unverständlich ist. Und es ist der Tanz, die Bewegung des Körpers, die diese Emotion vermitteln kann, als wollte sie sie erzählen, und das ist, wie Sie sehen, berührend.

Und noch etwas. Der Künstler muss Zeuge der Zeit sein, in der er lebt, und Auskunft über die reale Welt geben. Darüber habe ich mit dem Autor des Konzerts, Bruno Mantovani, gesprochen. Wie Sie gehört haben, ist seine Musik manchmal zu komplex und harsch. Er sagte: „Im 20. Jahrhundert und noch mehr heute ist Grausamkeit allgegenwärtig. Die Welt wächst, es gibt immer mehr Menschen. Es gibt viele Ängste, Fragen, Verwirrung … Ich kann keine sanfte, sanfte Musik schreiben, ich muss die Realität widerspiegeln.“

Petipa, Diaghilew und Instagram

Petipa ist etwas Außergewöhnliches, Besonderes, Einzigartiges. Damals gab es keinen anderen Choreografen wie ihn. Ich denke, er war einer der ersten, der das Konzept des Tanzes als einer eigenständigen Sprache hatte, zu der nichts erfunden oder hinzugefügt werden muss. In seinem Fall reicht das Ballett allein aus, um eine Aufführung aufzubauen.

Warum reden wir noch heute über Petipa? – Weil es das Herzstück von allem ist, was Ballett ausmacht. Ohne das, was Petipa getan hätte, wäre niemand dort, wo er heute ist. Er ist der Ausgangspunkt, der Beginn des Wissens über Ballett, das wir heute haben. Und da er Jahre, Jahrhunderte und Generationen überdauert hat, bedeutet das, dass er etwas sehr Wichtiges war, und das ist offensichtlich.

Und auch heute noch denken wir bei der Gestaltung eines großen Handlungsballetts an Schwanensee, denn das ist die Grundlage des klassischen Balletts, auf die sich jeder Choreograf verlässt. Dies war die erste derartige Basis, auf der es möglich war, ein neues Konzept, einen neuen Denkstil, neue Ideen weiterzuentwickeln. Damals gab es kein Video, kein Kino, wir hatten nur diese ganz spezifische Fähigkeit des Tanzes, dieses Wissen über die Zeit, über Generationen hinweg zu übertragen.

Nun, Petipas Phänomen ist auch als Beispiel für die Durchdringung der Kulturen interessant. Seine Ballette zeigen seit vielen Jahren, dass Tanz eine hervorragende Grundlage für die Kommunikation auf internationaler Ebene ist, denn er ist unsere gemeinsame Sprache. Als ich zum Bolschoi-Theater kam und mit den Solisten der Truppe arbeitete, musste ich an Petipa denken, daran, wie dieser Franzose aus Marseille nach Russland kam und, nachdem er die russische Kultur und russische Tänzer kennengelernt hatte, versuchte, beides zu verbinden Kulturen.

Dies ist besonders heute sehr wichtig, da die Unterschiede zwischen den Kulturen allmählich verschwinden. Wir verschmelzen immer mehr miteinander, vermischen uns. Es scheint, dass wir noch vor kurzem, wenn wir unsere Kollegen fünf bis sechs Jahre lang nicht gesehen haben, nicht wussten, was sie tun, aber jetzt – dank sozialer Netzwerke und Instagram – fließen die Informationen kontinuierlich. Alles scheint überall gleichzeitig zu passieren. Das ist sowohl gut als auch schlecht.

Ich denke: Was wäre mit Grigorowitsch passiert, wenn es damals Facebook und alles gegeben hätte, wenn er gewusst hätte, was Trisha Brown zur gleichen Zeit in New York machte? Würde in seinen Balletten alles gleich sein? Es ist unwahrscheinlich und wir könnten es wahrscheinlich nur bereuen.

Der Stil der russischen Tänzer war zunächst völlig anders als der der französischen und amerikanischen Tänzer, aber die Zeit vergeht und man versteht, dass das, was vor 20 Jahren anders war, heute zunehmend ausgelöscht, aufgelöst und näher zusammengebracht wird. Und das sehe ich in meiner Kompanie, wo Vertreter verschiedener Nationalitäten tanzen.

Universalität des Denkens, des Stils, der Ästhetik – ja, in mancher Hinsicht ist das großartig, aber nach und nach werden wir unsere Identität verlieren. Wir kopieren uns gegenseitig, ohne es zu wollen. Und vielleicht war Petipa einer der ersten, der diesen Prozess provozierte. Er war es, der, nachdem er Frankreich verlassen hatte, seine Kultur in ein anderes Land, nach Russland, brachte. Und vielleicht ist sie deshalb so außergewöhnlich geworden ...

Generell denke ich, dass die Aufgabe eines jeden Künstlers darin besteht, sich dem zuzuwenden, was vor einem gemacht wurde, das Erbe zu kennen und es mit Respekt und Neugier zu behandeln. Es ist sehr wichtig, die Geschichte zu kennen, aber gleichzeitig muss man dieses Wissen irgendwann „vergessen“, um weiterzumachen. Ich werde oft nach der Truppe „Russische Jahreszeiten“ von Sergei Diaghilew gefragt, die in Monte Carlo arbeitete – wo unser Theater tätig ist. Natürlich war es ein interessantes Phänomen, als die Kompanie Komponisten, Künstler und Choreografen zusammenbrachte und zwei oder drei Ballette pro Abend aufführte. Viele machen das heute, aber damals waren sie die Ersten. Für mich sind Diaghilews „Russische Jahreszeiten“ nicht weniger wichtig als die von Petipa.

Bejarovsky-Tänzer

Ich bin in einer Theaterfamilie aufgewachsen. Mein Vater war Bühnenbildner am Opern- und Balletttheater. Zu Hause, auf der Tour, versammelten sich Sänger, Tänzer, Regisseure, man könnte sagen, ich bin im Theater geboren und aufgewachsen. Ich habe dort stundenlang rumgehangen. Deshalb mag ich die Oper nicht – ich habe schon in jungen Jahren zu viel davon gesehen. Gleichzeitig würde ich nicht sagen, dass ich in der Welt des Tanzes aufgewachsen bin, sondern eher in einem künstlerischen Umfeld. Lange Zeit konnte ich mich wirklich nicht als Spezialistin im Bereich Tanz bezeichnen – bis ich 32 Jahre alt war.

Ich war Tänzerin – ich habe am Konservatorium in Tours und dann in Cannes studiert. Ich wusste nicht viel über Tanz, ich interessierte mich immer mehr für Fragen des Lebens als für Fragen der Geschichte der Choreografie. Ich erinnere mich, wie ich als Kind von Maurice Bejart beeindruckt war, insbesondere von seinem Stück „Nijinsky, Gottes Clown“. Und als sie auf dem Hof ​​waren (und ich bin nicht in der angesehensten Gegend meiner Heimatstadt Tours aufgewachsen), fragten die Jungs: „Was für ein Tänzer bist du?“ Klassiker oder Bezharovsky?“, antwortete ich: „Bezharovsky.“ Sonst hätten sie mich wahrscheinlich nicht verstanden und vielleicht hätten sie mich geschlagen. Wir sind mit einer Kultur des populären Tanzes und nicht des klassischen Tanzes aufgewachsen.

Dann begann ich etwas Wichtiges über Ballett zu lernen, vor allem durch die Tänzer: Ich spreche von Baryshnikov in „Giselle“, von Makarova in „Schwanensee“. Ich entdeckte Balanchine – und wir führten in unserer Kompanie neunzehn seiner Ballette auf.

Die Hauptsache sind die Tänzer

Ich habe Yuri Grigorovich 2012 wirklich entdeckt, nachdem ich sein Ballett „Iwan der Schreckliche“ gesehen hatte. Ich war erstaunt, fasziniert. Was mich am meisten beeindruckt hat, war nicht die Choreografie – die an sich schon sehr interessant ist – sondern die Tänzer, ihr Engagement, ihr Glaube an das, was sie tun. Es hat mich berührt. Und mir wurde wieder klar, dass Tänzer das Wichtigste im Ballett sind. Ja, natürlich brauchen sie einen Choreografen, aber ein Choreograf ist nichts ohne Tänzer. Das dürfen wir nicht vergessen. Das ist meine Obsession, wenn Sie so wollen. Meine Aufgabe ist es, im Studio mit Menschen zusammen zu sein – besonderen Menschen: zerbrechlich, verletzlich und sehr ehrlich, auch wenn sie lügen. Ich interessiere mich immer für die Künstler, mit denen ich Musik teile, für die Sprache des Tanzes, mit der sie ausdrücken können, was wir gemeinsam empfinden. Und wir hoffen immer, dass dieser Gefühlssturm von der Bühne auf das Publikum übertragen wird und uns alle vereint.

Glücklich in der Isolation

Ich fühle mich nicht allzu sehr mit der Welt des Balletts verbunden: Hier in Monaco bin ich gewissermaßen „isoliert“. Aber ich mag diesen Ort, weil er so aussieht wie ich. Dieses Land ist etwas Besonderes – sehr klein, nur zwei Quadratkilometer, aber jeder kennt es. Monaco ist ein sehr verführerischer Ort: Es gibt keine Streiks, keine sozialen und wirtschaftlichen Probleme, keine Konflikte, keine Armen, keine Arbeitslosen. Prinzessin Caroline von Monaco hat für mich eine wunderbare Gelegenheit geschaffen, 25 Jahre lang hier zu arbeiten. Ich gehöre nicht zu mächtigen Institutionen wie dem Royal Ballet, dem Bolschoi-Theater, der Pariser Oper oder zu internationalen Unternehmen. Ich bin einsam, aber ich kann die ganze Welt hierher bringen.

Und ich bin glücklich, hier „isoliert“ zu sein. Und wenn mich morgen die Ballettwelt boykottiert, ist das in Ordnung, ich werde hier arbeiten. Weder der Prinz noch die Prinzessin sagen mir jemals: „Du musst dies oder das tun.“ Ich habe eine wunderbare Gelegenheit, ehrlich, unabhängig und frei zu sein. Ich kann machen, was ich will: Theaterstücke aufführen, Festivals veranstalten.

Es gibt kein anderes Theater in Monaco. Und ich bemühe mich, dem lokalen Publikum so viel wie möglich zu bieten und es nicht auf das Repertoire des Monte Carlo Ballet Theatre zu beschränken. Wenn sie all die Jahre nur unsere Ballette gesehen hätten, würde das bedeuten, dass ich die Öffentlichkeit darüber täusche, was in der Ballettwelt passiert. Meine Aufgabe ist es, klassische und moderne Ensembles und andere Choreografen hierher zu bringen. Ich möchte, dass die Menschen, die hier leben, die gleichen Chancen haben wie die Pariser und Moskauer. Ich muss also alles auf einmal machen: Ballette inszenieren, aber auch Tourneen, Festivals und auch die Ballettakademie. Aber meine Aufgabe bestand darin, einen professionellen Regisseur zu finden, nicht um seine Arbeit für ihn zu erledigen, sondern um ihn zu unterstützen.

Im Allgemeinen gilt: Je mehr talentierte Menschen um Sie herum sind, desto interessanter und einfacher ist es für Sie, Ihren Job zu erledigen. Ich mag kluge Leute – sie machen einen schlauer.

Ich hasse die Vorstellung, dass ein Regisseur ein Monster sein muss, dass er stark sein muss, damit die Leute Angst vor ihm haben. Es ist nicht schwer, Macht über Menschen auszuüben, die jeden Tag praktisch nackt vor einem stehen. Aber das sind sehr verletzliche, unsichere Menschen. Und Sie können Ihre Macht nicht missbrauchen. Und ich liebe Tänzer, ich habe sogar Mitleid mit den Schwachen, weil sie einen besonderen Job haben. Sie verlangen von einem Künstler, dass er mit zwanzig Jahren Reife zeigt, aber für gewöhnliche Menschen erreicht er das erst mit vierzig, und es stellt sich heraus, dass der Körper „verschwindet“, wenn der Tänzer wirklich reif ist.

Unser Unternehmen – ich sage nicht „Familie“, denn Künstler sind nicht meine Kinder – ist ein Unternehmen von Gleichgesinnten. Ich hatte noch nie eine Beziehung zu einer Truppe, die von Angst, Wut und Konflikten geprägt war. Es ist nicht meins.

Choreograf zu sein bedeutet, Menschen verschiedener Schulen und unterschiedlicher Mentalitäten zu verbinden, sodass sie eine Aufführung schaffen, und gleichzeitig weiß man im Entstehungsprozess nie genau, wer am Ende das wichtigste Bindeglied sein wird. Es ist immer eine Teamleistung.

Liebe Freunde!
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Mit freundlichen Grüßen, Site-Administration

Direktor

Jean-Christophe Maillot

Biographie:

Jean-Christophe Maillot ist ein herausragender Choreograf und Tänzer, Träger hoher Titel und Auszeichnungen: Ritter des Ordre des Arts (Frankreich, 1992), Ritter des Verdienstordens in den Künsten (Monaco, 1999), Ritter der Legion of Auszeichnung, verliehen vom französischen Präsidenten Jacques Chirac im 2002-Jahr.

Er war führender Tänzer beim Hamburg Ballett unter der Leitung von John Neumeier. 1983 wurde Jean-Christophe Maillot zum Choreografen und Direktor des Theaters in Tours ernannt, das später zu einem der Nationalen Choreografischen Zentren Frankreichs wurde. 1993 lud Ihre Königliche Hoheit, die Prinzessin von Hannover, Jean-Christophe Maillot zum Direktor des Monte-Carlo-Balletts ein. Als Chefchoreograf der Kompanie schuf er Ballette, die zu Sensationen wurden: Romeo und Julia, Aschenputtel, Belle, Home, Recto Verso. J.C. Maillot nahm eine Reihe von Meisterwerken der „Russischen Ballette“ in der Choreografie von M. Fokine, L. Massine und V. Nijinsky wieder auf, vor allem aber erweiterte und stärkte er das für die wichtige Erbe von J. Balanchine erheblich Truppe, die er für den größten russischen Choreografen des 20. Jahrhunderts hält (heute befinden sich bereits zehn seiner Meisterwerke im Repertoire der Ballette von Monte Carlo).
Der junge Regisseur eröffnete der Truppe große gestalterische Freiheiten und schuf mehr als 40 Uraufführungen, davon 23 in eigener Choreographie. Darüber hinaus lud Jean-Christophe Maillot die berühmtesten Choreografen unserer Zeit ein, in seiner Truppe zu arbeiten. Die herausragendsten Choreografen des 20. Jahrhunderts inszenierten Auftritte für das Ballett von Monte Carlo: Maurice Bejart, John Neumeier, Jiri Kylian, William Forsythe. „Ballett von Monte Carlo“ tourt auf den Bühnen der berühmtesten Theater in den USA, Europa und Asien.

Die von Jean-Christophe Maillot inszenierten Ballette wurden zu Ikonen und wurden triumphal auf den Bühnen der berühmtesten Theater der Welt in London, Rom, Madrid, Paris, Brüssel, Lissabon, Kairo, New York, Mexiko-Stadt, Rio de Janeiro, San Paulo, Hongkong, Seoul, Tokio.

Filme von Jean-Christophe Maillot:

1977 - Preisträger des Internationalen Jugendwettbewerbs „Preis von Lausanne“.
1992 – Ritter des Verdienstordens für Kunst und Literatur (Frankreich).
1999 – Offizier des Verdienstordens im Bereich Kultur des Fürstentums Monaco.
2002 - Ritter des Ordens der Ehrenlegion; Nijinsky-Preis beim Monaco Dance Forum für die beste choreografische Darbietung, Preis der italienischen Zeitschrift „Danza & Danza“ („Beauty“, 2001).
2005 - Ritter des Ordens von St. Charles (Monaco).
2008 - Preis Internationaler Verband der Choreografen„Benois de la danse“ (Moskau) für die Inszenierung „Faust“ (2007).
2010 – Premio Danza von Valencia (Spanien).

Biographie

Geboren 1960 in Tours (Frankreich). Er studierte Tanz und Klavier am Nationalen Konservatorium von Tours (Abteilung Indre-et-Loire) unter der Leitung von Alain Daven und anschließend (bis 1977) bei Rosella Hightower an der International School of Dance in Cannes. Im selben Jahr wurde er mit dem Preis des Internationalen Jugendwettbewerbs in Lausanne ausgezeichnet, woraufhin er in die Truppe des Hamburger Balletts von John Neumeier aufgenommen wurde, dessen Solist er die nächsten fünf Jahre lang war und in dem er die Hauptrollen spielte.

Ein Unfall zwang ihn, seine Tanzkarriere aufzugeben. 1983 kehrte er nach Tours zurück, wo er Choreograf und Direktor des Bolschoi-Balletttheaters von Tours wurde, das später in das Nationale Zentrum für Choreografie umgewandelt wurde. Für diese Truppe inszenierte er über zwanzig Ballette. 1985 gründete er das Festival „Le Chorégraphique“.

1986 erhielt er eine Einladung, sein Ballett „Abschiedssymphonie“ zur Musik von J. Haydn, von dem er 1984 J. Neumeier „letzten Abschied“ nahm, für die damals wiederbelebte Truppe des Monte-Carlo-Balletts wiederzubeleben. 1987 inszenierte er für diese Truppe B. Bartoks „The Marvelous Mandarin“, ein Ballett, das ein außerordentlicher Erfolg war. Im selben Jahr inszenierte er das Ballett „Das Kind und die Magie“ zur Musik der gleichnamigen Oper von M. Ravel.

In der Saison 1992/93. wird künstlerischer Berater des Monte-Carlo-Balletts und 1993 ernennt ihn Ihre Königliche Hoheit die Prinzessin von Hannover zum künstlerischen Leiter. Die fünfzigköpfige Truppe unter seiner Führung entwickelte sich schnell weiter und genießt heute den wohlverdienten Ruf eines hochprofessionellen, kreativ ausgereiften Teams.

Für das Monte-Carlo-Ballett inszenierte er folgende Aufführungen:

„Thema und vier Variationen“ („Die vier Temperamente“) zur Musik von P. Hindemith (mit Reminiszenzen an das Ballett „Die vier Temperamente“ in der Inszenierung von J. Balanchine)
„Schwarze Monster“ (1993),
„Home Sweet Home“ zur Musik von G. Goretsky (1994)
„Wo ist der Mond“ / „Dov’e la luna“ zur Musik von A. Skrjabin (1994)
„Ubuhuha“ basierend auf traditioneller Musik aus Burundi (1995)
„To the Promised Land“ zur Musik von J. Adams (1995)
„Konzert der Engel“ zur Musik von I.S. Bach (1996)
„Romeo und Julia“ von S. Prokofjew (1996)
„Recto Verso“ zur Musik von A. Schnittke (1997)
„Insel“ (1998)
„Aschenputtel“ von S. Prokofjew (1999)
„Der Nussknacker im Zirkus“ (Version von „Der Nussknacker“ von P. Tschaikowsky, 1999, zu Ehren des Jubiläums von Fürst Rainier III. im Chapiteau von Monaco, das 20.000 Zuschauern Platz bot)
„Opus 40“ zur Musik von M. Monk (2000)
„Intertwining“ / „Entrelacs“ (2000)
„An Eye for an Eye“ zur Musik von A. Schnittke, A. Pärt, K. Jarrett (2001)
„Beauty“ (Version von „Dornröschen“ von P. Tschaikowsky, 2001)
„Tanz der Männer“ zur Musik von S. Reich (2002)
„Von einem Ufer zum anderen Ufer“ zur Musik von J. Mares (2003)
„Hochzeit“ von I. Strawinsky (2003)
„Miniaturen“ zur Musik von R. Lazcano, I. Fedele, M. Matalon, B. Mantovani, J. Pesson, A. Cera, M. Ducret (2004)
„Der Traum“ zur Musik von F. Mendelssohn-Bartholdy, D. Teruggi, B. Mayo (nach dem Stück „Ein Sommernachtstraum“ von W. Shakespeare, 2005)
„Another Canto I“ / „Altro Canto I“ zur Musik von C. Monteverdi, B. Marini, J. J. Kapsberger (2006)
„Faust“ zur Musik von F. Liszt und C. Gounod (2007)
„Another Canto II“ / „Altro Canto II“ von B. Mayo (2008)
„Tanz von Männern für Frauen“ auf Musik von S. Reich (2009)
„Scheherazade“ zur Musik von N. Rimsky-Korsakow (2009 B. in „Daphnis und Chloe“ zur Musik von M. Ravel (2010, in im Rahmen der Feierlichkeiten zum 100-jährigen Jubiläum des Russischen Balletts)
„Opus 50“ von M. Monet (2011)
„Lake“ (Version von „Swan Lake“ von P. Tschaikowsky, mit Musik B hinzugefügt. Mayo, 2011)
„Choreo“ / Choré on Musik von J. Cage, J. Maresa, B. Mayo (2013 B. bei dieser Produktion vermerkt 20. Jahrestag seine Führung der Truppe)
„The Nutcracker Company“ zur Musik von P. Tschaikowsky und B. Mayo (2013). B. Geschichte der Truppe- zum 20-jährigen Jubiläum Zusammenarbeit mit ihr)

Mayo ist stets dabei, eine neue choreografische Sprache zu schaffen, denn er möchte die großen Storyballette auf eine neue Art „neu lesen“ und seine Art des abstrakten choreografischen Denkens demonstrieren. Dieser Ansatz machte seinen Namen in der Weltpresse berühmt. Er ist besessen von der Entwicklung seiner Truppe. Es ist immer offen für die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern und lädt jährlich interessante Choreografen nach Monaco ein, bietet aber gleichzeitig jungen Choreografen die Möglichkeit, sich auf dieser Bühne auszudrücken.

Einen wunderbaren Impuls zur Kreativität geben ihm die klugen Köpfe, die er in seiner Truppe versammelt und fördert, um ihnen die Möglichkeit zu geben, sich noch klüger zu öffnen und noch reifere Fähigkeiten unter Beweis zu stellen. Dieser Wunsch führte im Jahr 2000 zur Gründung des Monaco Dance Forum, einem Festival, das bald große internationale Bekanntheit erlangte.

Das Monte-Carlo-Ballett verbringt sechs Monate im Jahr auf Tournee, was auch eine Folge von Mayos umsichtiger Politik ist. Die Truppe tourte fast um die ganze Welt (aufgeführt in London, Paris, New York, Madrid, Lissabon, Seoul, Hongkong, Kairo, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Brüssel, Tokio, Mexiko-Stadt, Peking, Shanghai) und überall Sie und ihr Anführer erhielten höchste Anerkennung.

Jean-Christophe Maillot ist ein gern gesehener Gast in jeder Balletttruppe der Welt. Allein in den letzten Jahren hat er eine Reihe seiner berühmten Aufführungen inszeniert (darunter die Ballette „Romeo und Julia“ und „Aschenputtel“) – beim Grand Ballet of Canada (Montreal), beim Royal Swedish Ballet (Stockholm) und beim Essen Ballet (Deutschland), Pacific North Western Ballet (USA, Seattle), National Ballet of Korea (Seoul), Stuttgarter Ballett (Deutschland), Royal Danish Ballet (Kopenhagen), Ballett des Grand Theatre of Geneva, American Ballet Theatre (ABT) , Béjart Ballett in Lausanne.

2007 inszenierte er am Staatstheater Wiesbaden die Oper „Faust“ von Charles Gounod und 2009 an der Oper Monte Carlo „Norma“ von V. Bellini. 2007 inszenierte er sein erstes Filmballett „Cinderella“, im Herbst 2008 dann das Filmballett „Dream“.

Im Jahr 2011 ereignete sich ein sehr wichtiges Ereignis im Ballettleben von Monaco. Die Truppe, das Festival und die Bildungseinrichtung vereinten sich: das Monte-Carlo-Ballett, das Monaco Dance Forum und die Academy of Dance. Prinzessin Grace. Unter der Schirmherrschaft Ihrer Hoheit der Prinzessin von Hannover und unter der Leitung von Jean-Christophe Maillot, der dadurch noch mehr Möglichkeiten zur Verwirklichung seiner Wünsche erhielt.

Foto von Karl Lagerfeld

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