Die besten Fotografen. Biografien und beste Fotografien der berühmtesten Fotografen der Welt

Heutzutage gibt es nur einen Weg, reich zu werden, berühmt zu werden und als Fotograf in die Geschichte einzugehen – indem man etwas anderes als Fotografie macht. Vor hundert Jahren konnte man leicht ein großartiger Fotograf werden, da es zwei wesentliche Voraussetzungen gab:

A. Fotografie war ein komplexes, mühsames und wenig bekanntes Handwerk;

B. Nach und nach entstanden und wurden Technologien eingeführt, die die Reproduktion von Fotografien in Zeitungen und (etwas später) in Farbzeitschriften ermöglichten.

Das heißt, der glorreiche Moment kam, als Sie nach dem Drücken des Auslösers bereits wussten, dass dieses Bild von Millionen gesehen werden würde. Aber diese Millionen wussten noch nicht, dass sie dasselbe tun könnten, da es keine digitalen Kompaktkameras, keine vollständige Automatisierung und keine Foto-Dumps im Internet gab. Na ja, und Talent natürlich. Du hast keine Konkurrenz!

Das goldene Zeitalter der Fotografie sollte vielleicht als die Mitte des letzten Jahrhunderts angesehen werden. Viele der auf unserer Liste aufgeführten Künstler stammen jedoch aus anderen fernen und modernen Epochen.

Helmut Newton, Deutschland, 1920–2004

Etwas mehr als ein großer und berühmter Modefotograf mit einem sehr, sehr unabhängigen Verständnis davon, was Erotik ist. Er war bei fast allen Hochglanzmagazinen heiß begehrt, vor allem bei Vogue, Elle und dem Playboy. Er starb im Alter von 84 Jahren, nachdem sein Auto mit voller Geschwindigkeit gegen eine Betonwand krachte.

Richard Avedon, USA, 1923–2004

Der Gott der Schwarz-Weiß-Porträts ist auch deshalb interessant, weil man beim Stöbern in seinen Galerien jeden finden wird. Die Fotos dieses brillanten New Yorker Juden haben einfach alles. Es heißt, Richard habe sein erstes Foto im Alter von neun Jahren gemacht, als der kleine Junge versehentlich Sergei Rachmaninow in seiner Linse erwischte.

Henri Cartier-Bresson, Frankreich, 1908–2004

Ein herausragender Fotorealist, einer der Patriarchen der Bildreportage und gleichzeitig ein unsichtbarer Mann: Er hatte die fein ausgeprägte Gabe, für die, die er fotografierte, auffällig zu bleiben. Zunächst studierte er als Künstler und entwickelte dabei eine Vorliebe für den leichten Surrealismus, die sich dann spürbar in seinen Fotografien niederschlug.

Sebastian Salgado, Brasilien, 1944

Der Schöpfer nahezu fantastischer Bilder, die tatsächlich aus der realen Welt stammen. Salgado war ein Fotojournalist, der sich vor allem zu Anomalien, Unglücken, Armut und Umweltkatastrophen hingezogen fühlte – aber selbst solche Motive faszinieren durch ihre Schönheit. 2014 drehte Regisseur Wim Wenders einen Film über ihn mit dem Titel „Das Salz der Erde“ (Sonderpreis der Filmfestspiele von Cannes).

William Eugene Smith, USA, 1918–1978

Ein Fotojournalist, vielleicht berühmt für alles, wofür ein Fotojournalist berühmt werden kann – von kanonischen Kriegsfotos bis hin zu ausdrucksstarken und berührenden Porträts großer und gewöhnlicher Menschen. Unten finden Sie ein Beispiel für Filmmaterial einer Sitzung mit Charlie Chaplin für das Life-Magazin.

Guy Bourdin, Frankreich, 1928–1991

Einer der am meisten kopierten und imitierten Fotografen der Welt. Erotisch, surreal. Jetzt – ein Vierteljahrhundert nach seinem Tod – ist es immer relevanter und moderner.

Weegee (Arthur Fellig), USA, 1899–1968

Ein Auswanderer aus Osteuropa, heute ein großer Klassiker der Straßen- und Kriminalfotografie. Dem Mann gelang es, jeden Vorfall in New York – sei es ein Brand, ein Mord oder ein banales Massaker – schneller als andere Paparazzi und oft auch die Polizei zu ermitteln. Seine Fotografien zeigen jedoch neben Notfällen aller Art nahezu alle Aspekte des Lebens in den ärmsten Vierteln der Metropole. Der Noir-Film „Naked City“ (1945) basierte auf seinem Foto, Stanley Kubrick studierte anhand seiner Fotos und Weegee selbst wird am Anfang des Comic-Films „Watchmen“ (2009) erwähnt.

Alexander Rodtschenko, UdSSR, 1891–1956

Als Pionier des sowjetischen Designs und der Werbung ist Rodtschenko zugleich ein Pionier des Konstruktivismus. Aus der Union der Künstler ausgeschlossen, weil er von den Idealen und dem Stil des sozialistischen Realismus abgewichen war, aber glücklicherweise kam er nicht in die Lager – er starb eines natürlichen Todes zu Beginn von Chruschtschows „Tauwetter“.

Irving Penn, USA, 1917–2009

Meister des Porträt- und Modegenres. Er ist berühmt für die Fülle seiner charakteristischen Tricks – zum Beispiel das Fotografieren von Menschen in einer Zimmerecke oder vor allen möglichen grauen, asketischen Hintergründen. Berühmt ist er für den Spruch: „Eine Torte schießen kann auch Kunst sein.“

Anton Corbijn, Niederlande, 1955

Der bekannteste Rockfotograf der Welt, dessen Aufstieg mit ikonischen Fotos und Videoclips für Depeche Mode und U2 begann. Sein Stil ist leicht erkennbar – starke Unschärfe und atmosphärisches Rauschen. Corbijn führte auch bei mehreren Filmen Regie: Control (eine Biografie des Frontmanns von Joy Division), The American (mit George Clooney) und A Most Dangerous Man (basierend auf dem Roman von Le Carré). Wenn Sie bei Google nach berühmten Fotos von Nirvana, Metallica oder Tom Waits suchen, besteht eine fast 100-prozentige Chance, dass Corbijns Fotos zuerst auftauchen.

Steven Meisel, USA, 1954

Einer der erfolgreichsten Modefotografen der Welt, der 1992 nach der Veröffentlichung von Madonnas Fotobuch „Sex“ besonders populär wurde. Gilt als Entdeckerin vieler Laufsteg-Superstars wie Naomi Campbell, Linda Evangelista oder Amber Valletta.

Diane Arbus, USA, 1923–1971

Ihr richtiger Name ist Diana Nemerova, und sie hat ihre Nische in der Fotografie gefunden, indem sie mit den unansehnlichsten Menschen gearbeitet hat – Freaks, Zwerge, Transvestiten, Schwachsinnige ... Bestenfalls mit Nudisten. Im Jahr 2006 erschien der biografische Film Fur, in dem Nicole Kidman die Rolle der Diana spielte.

David LaChapelle, USA, 1963

Als Meister der Pop-Fotografie („Pop“ im guten Sinne des Wortes) drehte LaChapelle insbesondere Videos für Britney Spears, Jennifer Lopez und Christina Aguilera, sodass Sie seinen Stil nicht nur anhand von Fotos verstehen können.

Marc Riboud, Frankreich, (1923-2016)

Der Autor von mindestens einem Dutzend „Epochendrucken“: Sie haben wahrscheinlich eine Million Mal gesehen, wie ein Hippie-Mädchen ein Gänseblümchen an den Lauf eines Gewehrs hielt. Riboud ist um die ganze Welt gereist und wird vor allem für sein Portfolio an Dreharbeiten in China und Vietnam geschätzt, obwohl man auch seine Szenen aus dem Leben in der Sowjetunion finden kann. Im Alter von 93 Jahren gestorben.

Elliott Erwitt, Frankreich, 1928

Ein Franzose mit russischen Wurzeln, berühmt für seinen ironischen und absurden Blick auf unsere unruhige Welt, der in seinen Standbildern sehr bewegend ist. Vor nicht allzu langer Zeit begann er auch, in Galerien unter dem Namen André S. Solidor auszustellen, was in der Abkürzung „ass“ bedeutet.

Patrick Demarchelier, Frankreich/USA, 1943

Er ist immer noch ein lebender Klassiker der Modefotografie und hat dieses Genre mit einer besonders komplexen Raffinesse bereichert. Und gleichzeitig reduzierte er das unerschwingliche Maß an glamouröser Überkleidung, das vor ihm die Norm war.

Annie Leibovitz, USA, 1949

Ein Meister der märchenhaften Handlung mit einem sehr kraftvollen Witz, verständlich selbst für Einfaltspinsel, die weit von Hyper-Glamour entfernt sind. Was nicht verwunderlich ist, denn Annie, eine Lesbe, begann als Mitarbeiterfotografin für das Rolling-Stone-Magazin.

Wenn es an der Zeit ist, einen Hochzeitsfotografen auszuwählen, sucht jedes Paar jemanden, der alle Ereignisse und Emotionen des wichtigsten Tages am besten einfangen und festhalten kann. Nur ein echter Profi, der seinen Job kennt und liebt, kann die Stimmung von Verliebten und ihren Lieben spüren und keine lustigen und berührenden Momente verpassen. Es gibt viele, nein sogar sehr viele gute Hochzeitsfotografen in Moskau, aber wie findet man den richtigen? Speziell für diejenigen, die auf der Suche sind, haben wir eine Auswahl der 20 besten Hochzeitsfotografen zusammengestellt, die in Moskau arbeiten. Sie müssen nicht mehr das Internet durchsuchen und Agenturen anrufen. Wählen Sie einfach.

Seit Herbst 2016 startet die Website mit Unterstützung von Sony das Portal der besten Hochzeitsfotografen WeddingPro. Eingeladen sind Fotografen mit mehr als 3 Jahren Erfahrung und mehr als 15 Hochzeitsshootings. Den Portalteilnehmern stehen Sonderkonditionen für den Test und anschließenden Kauf von Fotoausrüstung, PR auf der Website und in sozialen Netzwerken sowie Live-Bestellungen zur Verfügung.

1. Artem Kondratenkow

Artem gehört laut MyWed zu den Top 15 Hochzeitsfotografen in Russland, fotografiert vor Ort in anderen Städten und im Ausland und nimmt aktiv an Wettbewerben und Verbänden von Hochzeitsfotografen verschiedener Niveaus teil. Beispielsweise wurde er 2010 der Gewinner des professionellen Hochzeitsfotografie-Wettbewerbs „Bi May Bride 2010“ in der Kategorie „Album“ (Moskau) und 2011 der Gewinner des BWPA-Hochzeitsfotografie-Wettbewerbs (professioneller Wettbewerb der Hochzeitsfotografen von Weißrussland) in der Kategorie „Bestes Reportagefoto“ ausgezeichnet. Bei Hochzeitsfotoshootings gelingt es Artem, eine entspannte Atmosphäre im Bild zu schaffen, sodass das Brautpaar und die Gäste ihren Charakter und ihr Charisma zeigen können.

2. Alexander Nozdrin

Alexanders berufliche Laufbahn umfasst mehr als 700 Hochzeitsfotosessions, in denen er Erfahrungen aus Reportage-, Bühnen- und Studiofotografie gekonnt kombiniert. Auf Alexanders Fotografien wirken selbst die inszeniertesten Szenen natürlich und dynamisch. Im Jahr 2014 erhielt Alexander den Titel „Meister der Hochzeits- und Familienfotografie“ und erhielt als einziger russischer Fotograf den Grand Prix beim internationalen Wettbewerb WPPI (Wedding & Portrait Photographers International).

3. Galina Nabatnikova

Galina, die normalerweise mit Gennady Granin zusammenarbeitet, beschreibt ihre Arbeit als „eleganten Fotojournalismus im Stil des Kinos“. Und das ist eine sehr treffende Beschreibung – ihre Fotos sehen oft wie Screenshots von Filmszenen aus, sie haben echte Bewegung und Leben. Es ist unmöglich, die Porträts von Bräuten nicht zu übersehen, die Galina mit einer besonderen Herangehensweise an jedes Mädchen anfertigt. Gennady und Galina sind Gewinner des ersten nationalen Preises „Bester Fotograf des Jahres“ im Jahr 2009 und zahlreiche Gewinner von Wettbewerben der World Association of Professional Wedding Photographers (ISPWP).

4. Rustam Khadzhibaev

Rustam ist seit etwa 20 Jahren als professioneller Fotograf tätig und hat in verschiedenen Genres gearbeitet: Werbung, Modefotografie, Berichterstattung. Seit 9 Jahren arbeitet er als Hochzeitsfotograf und vereint in seinen Fotosessions Kunstfertigkeit, Energie, Freude an Momenten und Aufrichtigkeit der Emotionen. Laut Rustam ist die Hochzeitsfotografie vor allem ein hervorragendes Beispiel für die Porträtfotografie, denn in einer feierlichen und fröhlichen Atmosphäre zeigt sich jeder von seiner besten Seite.

5. Katya Mukhina

Katya bezeichnet sich selbst als Hochzeitsfotografin ohne Grenzen – seit 2003 hat sie an mehr als 500 Hochzeiten in Russland und auf der ganzen Welt gearbeitet. Katya liebt es, einzigartige und magische Bilder zu schaffen und Paare mit Leidenschaft und Abenteuerlust zu fotografieren. 2011 wurde sie auf der MyWed-Fotokonferenz als kreativste Hochzeitsfotografin ausgezeichnet (erster Platz beim „Idee!“-Wettbewerb für das kreativste Liebesfoto). 2013 wurde sie von der Redaktion des Magazins AMERICAN PHOTO für die Top 10 der besten Hochzeitsfotografen der Welt nominiert. Vertritt Canon in Europa und Russland als Hochzeitsfotograf.

6. Daria Bulavina

Daria ist Mitglied der Kreativunion der Künstler Russlands, Teilnehmerin an internationalen Ausstellungen und Autorin von Büchern über Fotografie. Heute gilt sie als eine der besten Fotografinnen Moskaus. Daria hat einen etablierten fotografischen Stil, dank dem sie elegante Fotografien voller Feierlichkeit schafft. Sie hat ihre eigene Fotoschule und mehrere persönliche Fotoausstellungen.

7. Denis Kalinitschenko

Denis Kalinichenko wurde bereits 2013 in die Liste aufgenommen und stand erneut zu Recht auf der Liste der Besten. Sein Hauptaugenmerk liegt auf der Hochzeits- und Familienfotografie, in der er sich wirklich hervorgetan hat. Während der Hochzeitsaufnahmen schafft Denis es, auf absolut alles zu achten: die Details der formellen Atmosphäre, die Gäste, das Fest, die festliche Atmosphäre und natürlich das Brautpaar.

8. Julia Buruleva

Yulia ist eine professionelle Fotografin mit einer Ausbildung im Bereich Fotografie und einem Abschluss in Fotografie. Vielleicht ist es genau das, was Yulia in ihrem Fachgebiet so stark macht: professionelle Arbeit mit Komposition, Licht und Farbe, mit Menschen im Bild – all das steckt in ihren Fotografien. Julia fotografiert seit mehr als acht Jahren Hochzeiten und wurde mehr als einmal Nominierte und Gewinnerin spezialisierter Wettbewerbe auf verschiedenen Ebenen. Im Jahr 2010 gewann Yulia den jährlichen Wettbewerb der Association of Wedding Photographers in der Kategorie „Beste Hochzeitsfotografin“.

9. Alexander Wassilew

Alexander Vasilev kam nicht sofort zur Hochzeitsfotografie; ihm ging ein langer kreativer Weg voraus. Er lebte lange Zeit in den USA und nahm die besten Aspekte der amerikanischen Kultur auf. Alexander glaubt, dass dies den Stil seiner Fotografien maßgeblich beeinflusst hat: Seine Arbeit wurde hell, emotional, mit Elementen der Stock-Fotografie und einem Hauch von „Journalismus“. In der Hochzeitsfotografie legt Alexander den Schwerpunkt auf die Inszenierung, doch gleichzeitig hat die Inszenierung selbst einen Reportagecharakter, die sogenannte „inszenierte Reportage“. Der Fotograf glaubt, dass jede Hochzeit einzigartig und unnachahmlich ist; sie selbst bestimmt die Stimmung und das Genre zukünftiger Fotos.

10. Liliya Gorlanova

Zur Fotografie kam Lilia aus der Modewelt, in der sie eine höhere künstlerische Ausbildung hat. Deshalb hält Lilia die kreative Komponente für das Wichtigste in ihren fotografischen Arbeiten. Spezialisiert auf Porträtfotografie. Was Lilia an der Hochzeitsfotografie am meisten liebt, ist das Gefühl, Teil des Geschehens zu sein – sie vermittelt durch die Fotografie die Gefühle glücklicher Menschen und die Schönheit der Umgebung. Lilia ist Vollmitglied und Preisträgerin internationaler Verbände von Hochzeitsfotografen. 2011 gewann sie den MyWed Award und den Titel „Fotografin des Jahres“.

11. Alexey Kinyapin

Alexey Kinyapin, Finalist des MyWed Award 2012 und Organisator seiner eigenen Meisterkurse, gilt als einer der erfolgreichsten Hochzeitsfotografen Russlands. Alexey liebt es, glückliche Menschen zu fotografieren und diese Momente für ihre Familiengeschichte festzuhalten. Von April bis November fotografiert Alexey Hochzeiten und im Winter reist er und macht Reisefotografie.

12. Sergey Zaporozhets

Wie Sergei in einem Interview sagte: Wenn er kein Fotograf wäre, wäre er ein Erfinder. Der Wunsch nach Erfindungen ist auch in seinen Werken sichtbar – atypische Blickwinkel könnten als Sergejs Visitenkarte bezeichnet werden. Wie Sergey selbst sagt, entsteht gute Fotografie dort, wo Licht, Perspektive und Stimmung zusammenkommen. Sein Stil ist eine Kombination aus kreativer Inszenierung und Hochzeitsfotojournalismus. Details wahrnehmen, das Gewöhnliche in einem ungewöhnlichen Licht zeigen – das ist es, was Sergei am besten kann.

13. Konstantin Gribow

Konstantin entdeckte als Kind die Fotografie und machte dann unter der Anleitung seines Großvaters seine ersten Schritte in der Fotografie. Als einen der lebendigsten Kindheitseindrücke bezeichnet er den Moment, als ein Bild auf einem weißen Blatt Papier zu erscheinen begann ... Heute sind alle Fotografien von Konstantin so lebendig, dass man am liebsten die Wasserströme berühren möchte, Springen Sie mit dem Publikum des Konzerts auf oder geben Sie dem charmanten kleinen Jungen noch einen Keks. Konstantin liebt es, individuelle Fotostorys zu schießen. In einer solchen Situation erfolgt die Aufnahme nicht um der Aufnahme willen, sondern dient dazu, einen Gedanken auszudrücken. Im Wesentlichen handelt es sich um eine in fotografischer Sprache geschriebene Geschichte.

14. Sergej Chwatynets

Als Absolvent der Schule für Hochzeitsfotografie von Sergei Novozhilov ist Sergei Khvatynets einer der interessantesten und erfolgreichsten Hochzeitsfotografen Russlands. Wie Sergei selbst über seine Arbeit sagt, fotografiert er Träume von Liebe und Romantik und fängt durch die Kameralinse den schönsten Zustand eines Menschen ein – den Zustand des Verliebens, der bei Hochzeiten herrscht.

15. Anastasia Beloglazova

In jedem neuen Shooting des Brautpaares sieht Anastasia eine Gelegenheit, den Entstehungsprozess der Fotografie neu zu betrachten, neue Farben zu finden und Akzente anders zu setzen. In ihren Fotografien versucht sie nicht nur die Gefühle des Brautpaares im glücklichsten Moment ihres Lebens zu vermitteln, sondern auch ein Stück ihrer eigenen Stimmung einzubringen. Das macht Fotos einzigartig.

16. Alexey Malyshev

Für Alexey Malyshev ist das Wichtigste bei der Hochzeitsfotografie die Möglichkeit, einen glücklichen Tag noch einmal zu erleben. Er wird nicht müde, nach neuen Blickwinkeln und Bildideen zu suchen, nutzt den Zufall und jagt nach echten Emotionen. Alexey ist Mitglied und mehrfacher Gewinner des berühmten Weltverbandes der Hochzeitsfotografen FearlessPhotographers.

Ich habe schon lange vor, in meinem Feed Lebens- und Erfolgsgeschichten der berühmtesten Fotografen der Vergangenheit zu veröffentlichen. Eigentlich wollte ich mit genau diesem Thema mit der Pflege meiner Topics beginnen.
In letzter Zeit habe ich oft gedacht, dass alles, was wir tun (also sowohl unsere beruflichen Aktivitäten als auch unsere Hobbys), eine Art PSHIC ist, die wahrscheinlich nie etwas im Leben heutiger und zukünftiger Generationen ändern wird. Diese. Die Frage ist WAS schließlich ist SELBSTVERWIRKLICHUNG(auch in der Fotografie?!)

Elliott Erwitt- eine Legende der Weltfotografie, wurde als talentiertester Autor von Schwarz-Weiß-Fotografien berühmt. Seine Werke: lebendig, emotional, mit Sinn für Humor und tiefer Bedeutung, haben das Publikum in vielen Ländern in ihren Bann gezogen. Die Einzigartigkeit der Technik des Fotografen liegt in der Fähigkeit, Ironie in der Welt um ihn herum zu erkennen. Er mochte keine inszenierten Aufnahmen, retuschierte nicht und arbeitete nur mit Filmkameras. Alles, was Ervit jemals gefilmt hat, ist echte Realität, aus der Sicht eines Optimisten.

„Ich möchte, dass die Bilder emotional sind. Es gibt kaum etwas anderes, was mich an der Fotografie interessiert.“Elliott Erwitt

Arnold Newman (Arnold Newman) widmete fast siebzig Jahre seines Lebens der Fotografie und hörte fast bis zu seinem Tod nicht auf zu arbeiten: „August und ich (Newman spricht von seiner Frau – A.V.) sind beschäftigter und aktiver als je zuvor“, sagte der Fotograf 2002, „Heute bin ich Ich arbeite wieder an neuen Ideen, Büchern, Reisen – es wird nie enden und Gott sei Dank.“ Darin irrte er sich – am 6. Juni 2006 starb er – plötzlicher Herzstillstand. Als hätte er diese Diagnose vorweggenommen, sagte er einmal: „Wir fotografieren nicht mit Kameras.“ Wir machen sie mit unserem Herzen.“

« Ich denke, die heutige Generation hat ein Problem. Es ist so sehr von der Objektivität fasziniert, dass es die Fotografie selbst vergisst. Vergisst, Bilder wie Cartier-Bresson oder Salgado zu erstellen – zwei der größten 35-mm-Fotografen, die je gelebt haben. Sie können jedes beliebige Thema zum Erstellen eines Fotos verwenden, egal um welches Thema es sich handelt. Sie machen wirklich Fotos, die einem Freude bereiten und die man sehr gerne macht. Und jetzt ist es jedes Mal das Gleiche: zwei Leute im Bett, jemand mit einer Nadel im Arm oder so etwas in der Art, Lebensstile oder Nachtclubs. Man schaut sich diese an und nach einer Woche fängt man an zu vergessen, nach zwei Wochen kann man sich an kein einziges mehr erinnern. Aber ein Foto kann erst dann als interessant gelten, wenn es in unser Bewusstsein eindringt» Arnold Newman

Laut Encyclopedia Britannica, Alfred Stieglitz (Alfred Stieglitz) „drängte sein Land fast im Alleingang in die Welt der Kunst des 20. Jahrhunderts.“ Stieglitz war der erste Fotograf, dessen Werke den Status eines Museums erhielten. Gleich zu Beginn seiner Karriere als Fotograf sah sich Stieglitz mit der Verachtung der Fotografie seitens der künstlerischen Elite konfrontiert: „Die Künstler, denen ich meine frühen Fotografien zeigte, sagten, sie seien eifersüchtig auf mich; dass meine Fotografien besser sind als ihre Gemälde, aber leider ist Fotografie keine Kunst. „Ich konnte nicht verstehen, wie man ein Werk gleichzeitig bewundern und gleichzeitig ablehnen kann, weil es nicht von Hand gemacht ist, wie man seine eigenen Werke nur dadurch höher bewerten kann, dass sie von Hand gemacht sind“, empörte sich Stieglitz. Mit dieser Situation konnte er sich nicht abfinden: „Dann begann ich zu kämpfen ... für die Anerkennung der Fotografie als neues Mittel des Selbstausdrucks, damit sie allen anderen Formen künstlerischen Schaffens gleichgestellt sei.“ ”

« Ich möchte Sie auf das häufigste Missverständnis über Fotografie aufmerksam machen: Der Begriff „professionell“ wird für Fotos verwendet, die allgemein als erfolgreich gelten, der Begriff „Amateur“ für erfolglose Fotos. Aber fast alle großartigen Fotos werden – und wurden schon immer – von denen gemacht, die die Fotografie im Namen der Liebe betreiben – und schon gar nicht im Namen des Profits. Der Begriff „Amateur“ impliziert genau eine Person, die im Namen der Liebe arbeitet, daher ist der Irrtum der allgemein akzeptierten Klassifizierung offensichtlich.“Alfred Stieglitz

Es ist vielleicht schwierig, in der Geschichte der Weltfotografie eine Persönlichkeit zu finden, die kontroverser, tragischer und so anders als alle anderen ist Diane Arbus. Sie wird vergöttert und verflucht, manche ahmen sie nach, andere versuchen mit aller Kraft, dem auszuweichen. Manche verbringen Stunden damit, sich ihre Fotos anzusehen, andere versuchen, das Album schnell zu schließen. Eines ist offensichtlich: Die Arbeit von Diane Arbus lässt nur wenige Menschen gleichgültig. Es gab nichts Unbedeutendes oder Triviales an ihrem Leben, ihren Fotos, ihrem Tod.

Außergewöhnliches Talent Yousuf Karsh Als Porträtfotograf hat er seinen Job gemacht: Er war und ist einer der berühmtesten Fotografen aller Zeiten. Seine Bücher verkaufen sich in großer Zahl, Ausstellungen seiner Fotografien finden auf der ganzen Welt statt und seine Werke sind in den ständigen Sammlungen führender Museen enthalten. Karsh hatte großen Einfluss auf viele Porträtfotografen, insbesondere in den 1940er und 1950er Jahren. Einige Kritiker argumentieren, dass er die Figur oft idealisiert, dem Modell seine Philosophie aufzwingt und mehr über sich selbst als über die dargestellte Person spricht. Allerdings bestreitet niemand, dass seine Porträts mit außergewöhnlichem Können angefertigt wurden und die innere Welt – des Models oder des Fotografen – eine fesselnde Aufmerksamkeit auf den Betrachter übt. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen, Preise und Ehrentitel und wurde im Jahr 2000 ins Guinness-Buch der Rekorde aufgenommen Yusuf Karsha der herausragendste Meister der Porträtfotografie.

« Wenn Sie beim Betrachten meiner Porträts etwas Bedeutsameres über die darauf abgebildeten Menschen erfahren, wenn sie Ihnen helfen, Ihre Gefühle gegenüber jemandem zu klären, dessen Arbeit einen Eindruck in Ihrem Gehirn hinterlassen hat – wenn Sie das Foto betrachten und sagen: „ „Ja, das ist er“ und gleichzeitig lernt man etwas Neues über die Person – das ist ein wirklich gelungenes Porträt» Yusuf Karsh

Man Ray Seit Beginn seiner Karriere als Fotograf experimentiert er ständig mit neuen technischen Techniken. 1922 entdeckte er die Methode, fotografische Bilder ohne Kamera zu erstellen, wieder. Eine weitere Entdeckung des Fotografen, die ebenfalls schon lange vor ihm bekannt, aber praktisch nicht genutzt wurde, war die Solarisation – ein interessanter Effekt, der durch Nachbelichtung eines Negativs erzielt wird. Er machte die Solarisation zu einer künstlerischen Technik, durch die gewöhnliche Gegenstände, Gesichter und Körperteile in fantastische und geheimnisvolle Bilder verwandelt wurden.

„Es wird immer Menschen geben, die nur auf die Technik der Ausführung achten – ihre Hauptfrage ist das „Wie“, während andere, die neugieriger sind, sich für das „Warum“ interessieren. Für mich persönlich bedeutete eine inspirierende Idee schon immer mehr als andere Informationen.“Man Ray

Steve McCurry (Steve McCurry) hat die erstaunliche Fähigkeit, immer (zumindest viel häufiger als aus der Wahrscheinlichkeitstheorie folgt) zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein. Er hat unglaubliches Glück – obwohl man bedenken sollte, dass das Glück eines Fotojournalisten normalerweise aus dem Unglück anderer Menschen oder sogar ganzer Nationen resultiert. Eine mehr als prestigeträchtige Ausbildung hat Steve im Beruf eines Fotojournalisten wenig geholfen – er arbeitete sich durch Versuch und Irrtum an die Spitze seines Fachs und versuchte, so viel wie möglich von seinen Vorgängern zu lernen.

„Das Wichtigste ist, der Person gegenüber äußerst aufmerksam zu sein, seine Absichten ernst zu nehmen und konsequent zu sein, dann wird das Bild am aufrichtigsten sein. Ich mag es wirklich, Menschen zu beobachten. Mir scheint, dass das Gesicht eines Menschen manchmal viel verraten kann. Jedes meiner Fotos ist nicht nur eine Episode aus dem Leben, es ist seine Quintessenz, seine ganze Geschichte.“Steve McCurry

„Eine Mischung aus Algebra und Harmonie“ gemacht Gjon Mili einer der berühmtesten Fotografen Amerikas. Er zeigte der Welt die Schönheit eingefrorener Bewegungen oder einer Reihe von Momenten, die in einem Bild eingefroren sind. Es ist nicht bekannt, wann und wo er sich für Fotografie interessierte, aber in den späten 1930er Jahren erschienen seine Fotografien erstmals in der illustrierten Zeitschrift Life – in diesen Jahren standen sowohl die Zeitschrift als auch der Fotograf gerade erst am Anfang ihres Weges zum Ruhm. Neben der Fotografie interessierte sich Mili für das Kino: 1945 wurde sein Film „Jammin’ the Blues“ über berühmte Musiker der 1930er und 1940er Jahre für einen Oscar nominiert.

„Die Zeit kann wirklich angehalten werden“Gyen Miles

Andre Kertész gilt als Begründer des Surrealismus in der Fotografie. Seine für die damalige Zeit unkonventionellen Standpunkte und seine mangelnde Bereitschaft, die Position im Stil seiner Werke zu überdenken, hinderten ihn zu Beginn seiner Karriere weitgehend daran, große Anerkennung zu erlangen. Doch schon zu Lebzeiten wurde er anerkannt und gilt noch heute als einer der herausragenden Fotografen, die an den Ursprüngen des Fotojournalismus, wenn nicht der Fotografie im Allgemeinen, standen. " Wir alle haben ihm viel zu verdanken» - Cartier-Bresson um Andre Kertésche.

« Ich passe nicht an oder berechne, ich beobachte eine Szene und weiß, dass sie perfekt ist, auch wenn ich einen Schritt zurücktreten muss, um das richtige Licht zu bekommen. Der Moment dominiert meine Arbeit. Ich fotografiere so, wie ich mich fühle. Jeder kann schauen, aber nicht jeder kann sehen. » Andre Kertész

Es ist schwer, eine Berühmtheit zu finden, die nicht posiert hat Richard Avedon. Zu seinen Vorbildern zählen die Beatles, Marilyn Monroe, Nastassja Kinski, Audrey Hepburn und viele andere Stars. Sehr oft gelingt es Avedon, eine Berühmtheit in einer ungewöhnlichen Form oder Stimmung einzufangen, wodurch sie eine andere Seite an ihr offenbart und sie dazu zwingt, das Leben einer Person aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten. Avedons Stil ist leicht an seinen schwarzen und weißen Farben, den blendend weißen Hintergründen und den großen Porträts zu erkennen. In Porträts gelingt es ihm, Menschen zu „Symbolen ihrer selbst“ zu machen.

Peter Lindbergh- einer der angesehensten und am meisten kopierten Fotografen. Er kann als „Dichter des Glamours“ bezeichnet werden. Seit 1978, als das Stern Magazine seine ersten Modefotografien veröffentlichte, sind seine Fotografien in keiner internationalen Modezeitschrift mehr enthalten. Lindberghs erstes Buch, Ten Women, ein Schwarz-Weiß-Portfolio der zehn besten Models seiner Zeit, wurde 1996 veröffentlicht und mehr als 100.000 Mal verkauft. Das zweite, Peter Lindbergh: Images of Women, eine Sammlung der Arbeiten des Fotografen von Mitte der 80er bis Mitte der 90er Jahre, veröffentlicht 1997.

Seit der Antike ist die Tschechische Republik ein Land der Mystik und Magie, die Heimat von Alchemisten und Künstlern, die Zauber zauberten und fantastische Fantasiewelten schufen. Weltberühmter tschechischer Fotograf Jan Saudek keine Ausnahme. Im Laufe von vier Jahrzehnten schuf Saudek ein Paralleluniversum – das magische Theater der Träume.

David Barnett ist seit 40 Jahren Fotojournalist. Seine Kamera jagt nicht schöne Landschaften und Katzen – sie ist auf wichtige Ereignisse gerichtet, die zu Symbolen der Zeit werden. Davids Fotografien ermöglichen einen Blick von außen auf die Welt. Seine Werke sind ein lebendiges Geschichtsbuch, das statt trockener Fakten die hellen Ereignisse unserer Zeit aufzeigt.

Ich mag David. Während andere Profis einkaufen, trägt er eine uralte Speed ​​​​Graphic-Videokamera mit sich herum, die 60 Jahre alt ist. Natürlich verfügt er über teures Profi-Equipment. Aber offenbar versteht er vollkommen: Eine teure Kamera ist ein angenehmer Bonus und keine Voraussetzung für eine gute Aufnahme. Ein echter Meister kann selbst mit einer Kompaktkamera für 30 Dollar ein gutes Foto machen.

• Ein einfaches Beispiel: Im Jahr 2000 gewann David den Wettbewerb „Eyes of History“, indem er mit einer billigen Holga-Plastikkamera für 30 US-Dollar ein Foto machte.

Als Helmut ein Teenager war, verhaftete die Gestapo seinen Vater. Newton floh aus Deutschland und zog nach Australien, wo er bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs in der australischen Armee diente ... Dies scheint die Art zu sein, eine Beschreibung zu schreiben, wenn Sie von einem Wikipedia-Moderator gebissen wurden.

Die Biografien talentierter Menschen wirken oft zu makellos, wie ein VIP-Raum in einer Privatklinik – genauso steril sauber und fernab des wirklichen Lebens. Deutsch-australischer Fotograf, arbeitete für das Vogue-Magazin, fotografierte manchmal im Akt-Genre... Diese kurze Nacherzählung vermittelt keine Vorstellung davon, wer Newton Hellmuth war.

Und er war ein aufrichtiger Snob ohne Größenwahn, der den Glanz der High Society liebte. Er fotografierte lieber reiche Leute und übernachtete in Luxushotels. Und er sprach ehrlich darüber und hielt sich für einen eher oberflächlichen, aber wahrheitsgemäßen Menschen.

Bis zu seinem Herzinfarkt im Jahr 1971 rauchte Helmut täglich 50 Zigaretten und konnte eine Woche lang feiern. Doch ein Herzinfarkt offenbarte dem 50-jährigen Fotografen eine unglaubliche Wahrheit: Es stellt sich heraus, dass ein wilder „Jugend“-Lebensstil mit zunehmendem Alter sehr traurig enden kann.

Am Rande des Todes hörte Helmut mit dem Rauchen auf, begann ein maßvolleres Leben zu führen und versprach sich, nur das zu filmen, was ihn interessierte.

Helmut Newton über die Dinge, die er hasst:

• Ich hasse guten Geschmack. Das ist ein langweiliger Satz, der alle Lebewesen erstickt.
• Ich hasse es, wenn alles auf den Kopf gestellt wird – es ist billig.
• Ich hasse Unehrlichkeit in der Fotografie: Bilder, die im Namen eines künstlerischen Prinzips aufgenommen wurden, sind unscharf und körnig.

Yuri Arcurs ist einer der erfolgreichsten Stockfoto-Fotografen der Welt. Statt Sonnenaufgänge und Nebel in einem Stadtpark zu fotografieren, fotografiert er, was sich verkauft: glückliche Familien und Pillen, Geld und Studenten. Und auf speziellen Websites, sogenannten Fotobeständen, wird all dies verkauft und gekauft. Und auf diesem Gebiet wurde Arcurs zu einem echten Guru, der anhand seines persönlichen Beispiels zeigte, wie man Geld verdienen, Höhen erreichen und sogar Spaß an der kommerziellen Fotografie haben kann.

Yuri ist in Dänemark geboren und aufgewachsen. Während seiner Studienzeit begann er, mit Fotobeständen Geld zu verdienen, um sein Studium zu finanzieren. Zu dieser Zeit war das einzige Model, das er fotografieren konnte, seine Freundin. Doch bald wurde für Yuri das Nebeneinkommen zum Haupteinkommen: Innerhalb weniger Jahre, im Jahr 2008, verdiente er mit Fotobeständen bis zu 90.000 US-Dollar im Monat.

Heute verkauft dieser Typ seine Werke an große Unternehmen: MTV, Sony, Microsoft, Canon, Samsung und Hewlett Packard. Sein Drehtag kostet 6.000 Dollar. Und diese ganze Geschichte wurde für Freiberufler mit Kamera zu einem echten Aschenputtel-Märchen.

Wie realistisch ist es, diesen Erfolgsweg zu wiederholen? Wer weiß. Wir können nur sagen, dass Yuri Arcurs heute einer der erfolgreichsten Stock-Fotografen ist.

Irving Penn liebte die Fotografie, maß diesem Hobby jedoch keine große Bedeutung bei. Sein Hauptberuf war Kunstdesign: Irwin entwarf Zeitschriftencover und bekam sogar einen Job als stellvertretender Kunstredakteur beim beliebten Vogue-Magazin.

Doch die Zusammenarbeit mit berühmten Fotografen dieser Publikation hat nicht geklappt. Penn war ständig mit ihrer Arbeit unzufrieden und konnte ihnen nicht erklären, was er brauchte. Daraufhin winkte er ab und griff selbst zur Kamera. Und wie er dazu kam: Die Bilder waren so erfolgreich, dass seine Vorgesetzten ihn zu einer Umschulung zum Fotografen überredeten.

Irwin war der erste, der Models vor weißem oder grauem Hintergrund fotografierte – es gab nichts Überflüssiges im Bild. Seine unglaubliche Liebe zum Detail brachte ihm den Ruf eines der besten Porträtfotografen seiner Zeit ein. Dadurch konnte Penn verschiedene Berühmtheiten fotografieren, darunter Al Pacino und Hitchcock, Salvador Dali und Pablo Picasso.

Die Liebe zur Fotografie hat Gursky von seinem Vater geerbt: Er war Werbefotograf und brachte seinem Sohn alle Feinheiten seines Handwerks bei. Deshalb zögerte Andreas nicht, einen Beruf zu wählen: Er absolvierte die Schule für professionelle Fotografen und die Staatliche Akademie der Künste.

Verstehen Sie mich nicht falsch, ich rede nicht darüber, weil mein Wiki-Moderator-Syndrom wieder aufgeflammt ist. Nur ist Andreas einer der wenigen Fotografen aus unserer Bewertung, die diese Tätigkeit gründlich angegangen sind und nicht zufällig mit dem Fotografieren begonnen haben.

Nach Abschluss seines Studiums begann Gursky, die Welt zu bereisen. Durch Experimentieren und Sammeln neuer Erfahrungen hat er seinen eigenen Stil gefunden, der heute seine Visitenkarte ist: Andreas macht riesige Fotografien, deren Maße in Metern gemessen werden. Wenn man ihre kleineren Kopien auf einem Computerbildschirm betrachtet, ist es schwierig, die Wirkung zu erkennen, die sie in voller Größe erzeugen.

Egal, ob Gursky ein Stadtpanorama oder eine Flusslandschaft, Menschen oder Fabriken fotografierte, seine Fotografien verblüffen durch ihre Größe und die eigentümliche Monotonie der Details im Foto.

Ansel Adams verbrachte den größten Teil seines Lebens damit, die Natur im Westen der USA zu fotografieren. Er reiste viel und fotografierte die wildesten und unzugänglichsten Ecken der Nationalparks. Seine Liebe zur Natur drückte sich nicht nur in der Fotografie aus: Ansel setzte sich aktiv für die Erhaltung und den Schutz der Umwelt ein.

Was Adams jedoch nicht gefiel, war der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts populäre Piktorialismus – eine Aufnahmemethode, die es ermöglichte, Fotos ähnlich der Malerei zu machen. Im Gegensatz dazu gründeten Ansel und ein Freund die f/64-Gruppe, die sich zu den Prinzipien der sogenannten „Direktfotografie“ bekannte: alles ehrlich und realistisch fotografieren, ohne Filter, Nachbearbeitung oder anderen Schnickschnack.

Die Gruppe f/64 wurde 1932, ganz am Anfang von Ansels Karriere, gegründet. Doch er blieb seinen Überzeugungen treu und behielt seine Liebe zur Natur und zur Dokumentarfotografie bis an sein Lebensende.

• Sie haben wahrscheinlich diesen Desktop-Bildschirmschoner gesehen, der die Teton Range und den Snake River vor dem Hintergrund der untergehenden Sonne zeigt:

Es war also Adams, der als erster diese Landschaft aus diesem Blickwinkel einfing. Sein Schwarzweißfoto war Teil von 116 Bildern, die auf der Goldplatte der Voyager aufgezeichnet wurden – eine Botschaft von Erdbewohnern an unbekannte Zivilisationen, die vor 40 Jahren ins All geschickt wurde. Jetzt werden die Außerirdischen denken, dass wir keine Farbkameras haben, aber wir haben gute Fotografen.

Ich mag Sebastians Biografie. Dies ist eine natürliche Entwicklung, die jedem Idealisten im Laufe seines Lebens widerfährt.

Salgado selbst erzählte diese Geschichte in einem Interview, als er im Februar 2016 Moskau besuchte. Im Alter von 25 Jahren zogen er und seine Frau von Brasilien nach Europa. Von dort aus wollten sie in die Sowjetunion gehen und an der Universität der Völkerfreundschaft studieren, um eine Gesellschaft ohne soziale Ungleichheit aufzubauen. Doch 1970 wurden ihre Träume von einem Freund aus Prag zerstört – die Tschechen kamen 1968 in den Genuss des Kommunismus.

Also riet dieser Typ den Ehepartnern davon ab und erklärte, dass in der UdSSR niemand mehr den Kommunismus aufbaue. Die Macht gehört nicht den Menschen, und wenn sie für das Glück der einfachen Leute kämpfen wollen, können sie bleiben und Einwanderern helfen. Salgado hörte auf seinen Kameraden und blieb in Frankreich.

Er studierte Wirtschaftswissenschaften, merkte aber schnell, dass das nichts für ihn war. Seine Frau, Lelia Salgado, hatte einen kreativeren Beruf – sie war Pianistin …, war aber auch von ihrem Beruf enttäuscht und beschloss, Architektin zu werden. Sie war es, die ihre erste Kamera kaufte, um Architektur zu fotografieren. Als Sebastian durch den Sucher die Welt betrachtete, wurde ihm sofort klar, dass er seine wahre Leidenschaft gefunden hatte. Und nach 2 Jahren wurde er professioneller Fotograf.

Laut Salgado selbst vermittelte ihm seine Wirtschaftsausbildung Kenntnisse in Geschichte und Geographie, Soziologie und Anthropologie. Ein riesiger Wissensschatz eröffnete ihm Möglichkeiten, die anderen Fotografen verschlossen blieben: das Verständnis der menschlichen Gesellschaft in verschiedenen Teilen unseres Planeten. Er besuchte mehr als 100 Länder und machte unglaublich viele Dokumentarfotos.

Aber denken Sie nicht, dass Sebastian während seines Urlaubs auf tropischen Inseln exotische Strände und lustige Tiere fotografiert hat. Seine Reisen verlaufen überhaupt nicht so. Zunächst entsteht eine Idee: „Workers“, „Terra“, „Renaissance“ – das sind nur einige der Namen seiner Alben. Anschließend beginnen die Reisevorbereitungen und die Reise selbst, die mehrere Jahre dauern können.

Viele seiner Werke sind dem menschlichen Leid gewidmet: Er fotografierte Flüchtlinge in afrikanischen Ländern, Opfer von Hungersnöten und Völkermord. Einige Kritiker begannen Salgada sogar vorzuwerfen, dass er Armut und Leid als etwas Ästhetisches darstellte. Sebastian selbst ist sich sicher, dass die Sache anders ist: Ihm zufolge hat er noch nie diejenigen fotografiert, die erbärmlich aussehen. Diejenigen, die er fotografierte, waren in Not, aber sie hatten Würde.

Und es wäre völlig falsch zu glauben, dass Salgado „für sich selbst Werbung macht“ aus der Trauer eines anderen. Im Gegenteil, er machte die Menschheit auf die Probleme aufmerksam, die viele nicht bemerkten. Bezeichnend ist die Situation, als Sebastian in den 1990er Jahren das Werk „Exodus“ fertigstellte: Er fotografierte Menschen, die dem Völkermord entkommen waren. Nach der Reise gab er zu, dass er von den Menschen enttäuscht sei und nicht mehr daran glaube, dass die Menschheit überleben könne. Er kehrte nach Brasilien zurück und nahm sich eine Auszeit, um sich zu erholen.

Glücklicherweise hat diese Geschichte ein glückliches Ende: Der alte Idealist hat seinen Glauben an die Schönheit wiedergefunden und ist nun mit einem anderen Projekt beschäftigt: der Fotografie der unberührten Ecken unseres Planeten.

Wenn Sie mit der Eingabe in einer Suchmaschine beginnen , dann zeigt Google ein Dropdown-Fenster mit der Option an „Steve McCurry afghanisches Mädchen“. Das ist ziemlich seltsam, denn McCurry hat zu viel Schnurrbart für ein Mädchen, selbst für ein afghanisches.

Tatsächlich ist das „Afghan Girl“ Steves berühmtestes Foto und erscheint auf dem Cover des National Geographic-Magazins. Sogar der Wikipedia-Artikel über diesen Kerl beginnt mit dieser Geschichte:

• „Steve ist der schnauzbärtige amerikanische Fotojournalist, der das afghanische Mädchen fotografiert hat.“. (Wikipedia)

Die meisten Artikel über diesen Fotografen beginnen mit einem ähnlichen Satz, auch unsere Geschichte über ihn. Man hat den Eindruck, dass er ein Schauspieler einer Rolle ist, wie Daniel Radcliffe oder Macaulay Culkin. Aber das ist nicht ganz richtig.

Steves Karriere als professioneller Fotograf begann während des Krieges in Afghanistan. Er fuhr nicht in einem Hummer durch das Land und versteckte sich hinter dem Rücken des Militärs, sondern blieb unter den einfachen Leuten: Er besorgte sich einheimische Kleidung, nähte Filmrollen hinein und reiste wie ein gewöhnlicher Afghane durch das Land. Oder wie ein gewöhnlicher amerikanischer Spion, der als Afghane verkleidet ist – diese Option könnte jemand in Betracht ziehen. Also ging Steve ein Risiko ein, aber dank ihm sah die Welt die ersten Fotos dieses Konflikts.

Seitdem hat McCurry seine Arbeitsweise nicht geändert: Er reiste um die Welt und fotografierte verschiedene Menschen. Steve hat viele militärische Konflikte festgehalten und ist zu einem wahren Meister der Straßenfotografie geworden. Obwohl McCurry eigentlich Fotojournalist ist, gelang es ihm, die Grenze zwischen dokumentarischer und künstlerischer Fotografie zu verwischen. Seine Fotografien sind hell und attraktiv, wie eine Postkarte, aber gleichzeitig wahrheitsgetreu. Sie erfordern keine Erklärungen oder Kommentare – alles ist ohne Worte klar. Um solche Fotos zu erstellen, braucht man ein seltenes Gespür.

Annie Leibovitz ist eine echte Expertin, wenn es um das Fotografieren von Stars geht. Ihre Fotografien zierten die Titelseiten der beliebtesten Zeitschriften und lösten starke Emotionen und Diskussionen aus. Wer sonst wäre auf die Idee gekommen, eine grimassierende Whoopi Goldberg in einem Milchbad zu fotografieren? Oder ein nackter John Lennon, der sich in fötaler Position an Yoko Ono kuschelt? Dies war übrigens das letzte Foto in seinem Leben, aufgenommen wenige Stunden vor Chapmans tödlichem Schuss.

Annies Biografie sieht recht glatt aus: Nach seinem Studium am Art Institute in San Francisco bekam Leibovitz einen Job beim Rolling Stone Magazine. Sie arbeitete mehr als 10 Jahre mit ihm zusammen. In dieser Zeit hat sich Annie den Ruf erworben, jede Berühmtheit auf interessante und kreative Weise zu fotografieren. Und das reicht völlig aus, um im modernen Showbusiness erfolgreich zu sein.

Nachdem Annie etwas Ruhm erlangt hat, zieht sie nach New York, wo sie ihr eigenes Fotostudio eröffnet. 1983 begann sie mit der Zeitschrift Vanity Fair zu arbeiten, die ihre späteren schockierenden Fotografien von Stars sponserte. Demi Moore in den letzten Stadien der Schwangerschaft nackt zu erschießen oder sie mit Lehm zu bedecken und Sting mitten in der Wüste zu platzieren – das ist ganz im Sinne von Leibovitz. Als würde man Cate Blanchett zum Fahrradfahren zwingen oder eine Gans dazu zwingen, mit DiCaprio Fotos zu machen. Kein Wunder, dass ihre Arbeit beliebt ist!

Wer sonst kann sich rühmen, die Königin von England, Michael Jackson, Barack Obama und viele, viele andere Prominente fotografiert zu haben? Und wohlgemerkt, er filmte nicht als Paparazi, der sich hinter einem Busch versteckte, sondern organisierte ein vollwertiges Fotoshooting? Aus diesem Grund gilt Annie Leibovitz als die erfolgreichste zeitgenössische Fotografin, wenn nicht sogar als die beste. Obwohl etwas poppig.

1. Henri Cartier-Bresson

Henri bekam seine Leidenschaft für die Kunst von seinem Onkel: Er war Künstler und weckte das Interesse seines Neffen für die Malerei. Dieser heikle Weg führte ihn schließlich zu seiner Leidenschaft für die Fotografie. Was hat Henri getan, das ihn von Hunderten und Abertausenden anderen Fotografen unterschied?

Er erkannte eine einfache Wahrheit: Alles muss ehrlich und wahrhaftig getan werden. Deshalb lehnte er inszenierte Fotos ab und forderte nie jemanden auf, eine bestimmte Situation nachzuspielen. Stattdessen beobachtete er aufmerksam, was um ihn herum geschah.

Um während der Dreharbeiten unsichtbar zu bleiben, klebte Henri die glänzenden Metallteile der Kamera mit schwarzem Isolierband ab. Er wurde zu einem echten „unsichtbaren Mann“, der es ihm ermöglichte, die aufrichtigsten Gefühle der Menschen einzufangen. Und dazu reicht es nicht, nicht aufzufallen – man muss den entscheidenden Moment für das Foto bestimmen können. Es war Henri, der den Begriff „der entscheidende Moment“ prägte und sogar ein Buch mit diesem Titel schrieb.

Zusammenfassend: Die Fotografien von Cartier-Bresson zeichnen sich durch lebendigen Realismus aus. Für eine solche Arbeit reichen einige berufliche Fähigkeiten nicht aus. Es ist notwendig, die menschliche Natur sensibel zu verstehen, seine Gefühle und Stimmungen einzufangen. All dies war Henri Cartier-Bresson innewohnend. Er war ehrlich in seiner Arbeit.

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