Russische Oper. Die Geburt der russischen Oper A.P. Borodin ist ein russischer Nugget-Komponist, er hatte keine professionellen Musikerlehrer, alle seine musikalischen Erfolge waren auf die unabhängige Arbeit an der Beherrschung der Kompositionstechnik zurückzuführen

Ursprünglich als Nachahmung westlicher Vorbilder entstanden, hat die russische Oper einen äußerst wertvollen Beitrag zum Schatz der gesamten Weltkultur geleistet.

Die russische Oper entstand im Zeitalter der klassischen Blütezeit der französischen, deutschen und italienischen Oper und konnte im 19. Jahrhundert nicht nur zu den klassischen nationalen Opernschulen aufschließen, sondern ihnen auch einen Schritt voraus sein. Interessant ist, dass russische Komponisten für ihre Werke traditionell Themen rein volkstümlicher Natur wählten.

„Leben für den Zaren“ von Glinka

Die Oper „Ein Leben für den Zaren“ oder „Ivan Susanin“ erzählt von den Ereignissen von 1612 – dem polnischen Feldzug des Adels gegen Moskau. Der Autor des Librettos war Baron Jegor Rosen, doch zu Sowjetzeiten wurde die Herausgeberschaft des Librettos aus ideologischen Gründen Sergei Gorodetsky anvertraut. Die Oper wurde 1836 im Bolschoi-Theater in St. Petersburg uraufgeführt. Die Rolle der Susanin wurde lange Zeit von Fjodor Schaljapin gespielt. Nach der Revolution verließ „Leben für den Zaren“ die sowjetische Bühne. Es gab Versuche, die Handlung an die Anforderungen der neuen Zeit anzupassen: So wurde Susanin in den Komsomol aufgenommen, und die letzten Zeilen klangen wie „Ruhm, Ruhm, Sowjetsystem“. Dank Gorodezki wurde bei der Aufführung der Oper 1939 im Bolschoi-Theater das „sowjetische System“ durch das „russische Volk“ ersetzt. Seit 1945 eröffnet das Bolschoi-Theater die Spielzeit traditionell mit verschiedenen Inszenierungen von Glinkas „Iwan Susanin“. Die vielleicht größte Produktion der Oper im Ausland wurde an der Mailänder Scala realisiert.

„Boris Godunow“ von Mussorski

Die Oper, in der der Zar und das Volk als die beiden Figuren ausgewählt werden, wurde von Mussorgski im Oktober 1868 begonnen. Um das Libretto zu schreiben, verwendete der Komponist den Text von Puschkins gleichnamiger Tragödie und Materialien aus Karamzins „Geschichte des russischen Staates“. Das Thema der Oper war die Herrschaft von Boris Godunow kurz vor der „Zeit der Unruhen“. Mussorgsky vollendete 1869 die erste Ausgabe der Oper „Boris Godunow“, die dem Theaterkomitee der Direktion der kaiserlichen Theater vorgelegt wurde. Die Rezensenten lehnten die Oper jedoch ab und lehnten die Aufführung ab, da eine starke Frauenrolle fehlte. Mussorgsky führte in die Oper den „polnischen“ Akt der Liebesbeziehung zwischen Marina Mniszech und dem falschen Dmitri ein. Er fügte auch eine monumentale Szene eines Volksaufstands hinzu, was das Ende spektakulärer machte. Trotz aller Anpassungen wurde die Oper erneut abgelehnt. Es wurde nur zwei Jahre später, 1874, auf der Bühne des Mariinsky-Theaters aufgeführt. Die Oper wurde am 19. Mai 1908 im Bolschoi-Theater der Pariser Grand Opera im Ausland uraufgeführt.

„Pique Dame“ von Tschaikowsky

Die Oper wurde von Tschaikowsky im Frühjahr 1890 in Florenz fertiggestellt und die Uraufführung fand im Dezember desselben Jahres im Mariinsky-Theater in St. Petersburg statt. Die Oper wurde vom Komponisten im Auftrag des Kaiserlichen Theaters geschrieben, und Tschaikowsky weigerte sich zum ersten Mal, den Auftrag anzunehmen, mit der Begründung, seine Weigerung sei auf das Fehlen einer „richtigen Bühnenpräsenz“ in der Handlung zurückzuführen. Interessant ist, dass in Puschkins Erzählung die Hauptfigur den Nachnamen Hermann trägt (mit zwei „n“ am Ende) und in der Oper die Hauptfigur zu einem Mann namens Hermann wird – das ist kein Fehler, sondern eine bewusste Änderung des Autors. 1892 wurde die Oper erstmals außerhalb Russlands in Prag aufgeführt. Als nächstes folgte die erste Produktion in New York im Jahr 1910 und die Premiere in London im Jahr 1915.

„Prinz Igor“ Borodin

Grundlage für das Libretto war das Denkmal der antiken russischen Literatur „Die Geschichte von Igors Feldzug“. Die Idee für die Handlung wurde Borodin von dem Kritiker Wladimir Stasow an einem von Schostakowitschs Musikabenden vorgeschlagen. Die Oper entstand im Laufe von 18 Jahren, wurde jedoch vom Komponisten nie vollendet. Nach Borodins Tod wurde die Arbeit an dem Werk von Glasunow und Rimski-Korsakow abgeschlossen. Es gibt die Meinung, dass Glasunow die Ouvertüre der Oper, die er einmal in der Aufführung des Autors gehört hatte, aus dem Gedächtnis rekonstruieren konnte, Glasunow selbst bestritt diese Meinung jedoch. Obwohl Glasunow und Rimski-Korsakow den Großteil der Arbeit verrichteten, bestanden sie darauf, dass „Fürst Igor“ ausschließlich eine Oper von Alexander Porfirjewitsch Borodin sei. Die Oper wurde 1890 im Mariinski-Theater in St. Petersburg uraufgeführt und neun Jahre später in Prag von ausländischem Publikum gesehen.

„Der goldene Hahn“ von Rimsky-Korsakow

Die Oper „Der goldene Hahn“ entstand 1908 nach dem gleichnamigen Puschkin-Märchen. Diese Oper war Rimsky-Korsakows letztes Werk. Die kaiserlichen Theater weigerten sich, die Oper aufzuführen. Doch sobald der Zuschauer sie 1909 zum ersten Mal im Moskauer Opernhaus von Sergei Zimin sah, wurde die Oper einen Monat später im Bolschoi-Theater aufgeführt und begann dann ihren Siegeszug um die Welt: London, Paris, New York, Berlin, Breslau.

„Lady Macbeth von Mzensk“ von Schostakowitsch

Die Idee zu der Oper stammte 1863 von Alexander Dargomyzhsky. Der Komponist bezweifelte jedoch seinen Erfolg und betrachtete das Werk als kreative „Intelligenz“, als „Spaß mit Puschkins Don Juan“. Er schrieb Musik zu Puschkins Text „Der steinerne Gast“, ohne ein einziges Wort davon zu ändern. Herzprobleme erlaubten dem Komponisten jedoch nicht, das Werk fertigzustellen. Er starb und bat seine Freunde Cui und Rimsky-Korsakov, das Werk in seinem Testament abzuschließen. Die Oper wurde erstmals 1872 dem Publikum auf der Bühne des Mariinski-Theaters in St. Petersburg präsentiert. Die Auslandspremiere fand erst 1928 in Salzburg statt. Diese Oper ist zu einem der „Grundsteine“ geworden; ohne ihr Wissen ist es unmöglich, nicht nur die klassische russische Musik, sondern auch die allgemeine Kultur unseres Landes zu verstehen.

7 weltberühmte russische Opern

Russischer Künstler und Schriftsteller Konstantin Korowin.
Boris Godunow. Krönung. 1934. Bühnenbildentwurf für M. P. Mussorgskys Oper „Boris Godunow“

Ursprünglich als Nachahmung westlicher Vorbilder entstanden, hat die russische Oper einen äußerst wertvollen Beitrag zum Schatz der gesamten Weltkultur geleistet. Die russische Oper entstand im Zeitalter der klassischen Blütezeit der französischen, deutschen und italienischen Oper und konnte im 19. Jahrhundert nicht nur zu den klassischen nationalen Opernschulen aufschließen, sondern ihnen auch einen Schritt voraus sein. Interessant ist, dass russische Komponisten für ihre Werke traditionell Themen rein volkstümlicher Natur wählten.

„Ein Leben für den Zaren“ von Glinka

„Boris Godunow“ von Mussorski

„Pique Dame“ von Tschaikowsky

„Prinz Igor“ Borodin

Grundlage für das Libretto war das Denkmal der antiken russischen Literatur „Die Geschichte von Igors Feldzug“. Die Idee für die Handlung wurde Borodin von dem Kritiker Wladimir Stasow an einem von Schostakowitschs Musikabenden vorgeschlagen. Die Oper entstand im Laufe von 18 Jahren, wurde jedoch vom Komponisten nie vollendet. Nach Borodins Tod wurde die Arbeit an dem Werk von Glasunow und Rimski-Korsakow abgeschlossen. Es gibt die Meinung, dass Glasunow die Ouvertüre der Oper, die er einmal in der Aufführung des Autors gehört hatte, aus dem Gedächtnis rekonstruieren konnte, Glasunow selbst bestritt diese Meinung jedoch. Obwohl Glasunow und Rimski-Korsakow den Großteil der Arbeit verrichteten, bestanden sie darauf, dass Fürst Igor eine reine Oper von Alexander Porfirijewitsch Borodin sei.“ Die Oper wurde 1890 im Mariinski-Theater in St. Petersburg uraufgeführt und neun Jahre später in Prag von ausländischem Publikum gesehen.

„Der goldene Hahn“ von Rimsky-Korsakow

„Lady Macbeth von Mzensk“ von Schestakowitsch

Die Oper, die auf Leskows gleichnamiger Erzählung basiert, wurde im Dezember 1930 fertiggestellt und im Januar 1934 im Michailowski-Theater in Leningrad uraufgeführt. 1935 wurde die Oper dem Publikum in Cleveland, Philadelphia, Zürich, Buenos Aires, New York, London, Prag und Stockholm gezeigt. In der zweiten Hälfte der 30er bis 50er Jahre wurde die Produktion der Oper in Russland verboten und Schestakowitsch selbst wurde von der Führung der Kommunistischen Partei des Landes verurteilt. Das Werk wurde als „Verwirrung statt Musik“ beschrieben, „bewusst auf den Kopf gestellt“ und diente als Anstoß zur Verfolgung des Komponisten. Die Produktionen in Russland wurden erst 1962 wieder aufgenommen, aber das Publikum sah eine Oper namens Katerina Ismailowa.

„Der steinerne Gast“ von Dargomyzhsky

Der Autor des Aufsatzes ist N.V. Tumanina

Die russische Oper ist ein äußerst wertvoller Beitrag zur Schatzkammer des Weltmusiktheaters. Die russische Oper entstand im Zeitalter der klassischen Blütezeit der italienischen, französischen und deutschen Oper im 19. Jahrhundert. nicht nur mit anderen nationalen Opernschulen gleichgezogen, sondern diesen auch voraus. Der multilaterale Charakter der Entwicklung des russischen Operntheaters im 19. Jahrhundert. trug zur Bereicherung der realistischen Weltkunst bei. Die Werke russischer Komponisten eröffneten einen neuen Bereich des Opernschaffens, führten neue Inhalte ein, neue Prinzipien für den Aufbau musikalischer Dramaturgie und brachten die Opernkunst anderen Arten musikalischen Schaffens, vor allem der Symphonie, näher.

Die Geschichte der russischen klassischen Oper ist untrennbar mit der Entwicklung des gesellschaftlichen Lebens in Russland und der Entwicklung des fortgeschrittenen russischen Denkens verbunden. Durch diese Verbindungen zeichnete sich die Oper bereits im 18. Jahrhundert aus, nachdem sie sich in den 70er Jahren, der Ära der Entwicklung der russischen Aufklärung, zu einem nationalen Phänomen entwickelte. Die Entstehung der russischen Opernschule wurde von pädagogischen Ideen beeinflusst, die in dem Wunsch zum Ausdruck kamen, das Leben der Menschen wahrheitsgetreu darzustellen.

So hat sich die russische Oper von ihren ersten Schritten an zu einer demokratischen Kunst entwickelt. In den Handlungssträngen der ersten russischen Opern wurden häufig Anti-Leibeigenschafts-Ideen zum Ausdruck gebracht, die für das russische Theater und die russische Literatur am Ende des 18. Jahrhunderts charakteristisch waren. Diese Tendenzen hatten sich jedoch noch nicht zu einem zusammenhängenden System entwickelt; sie fanden ihren empirischen Ausdruck in Szenen aus dem Leben der Bauern, in der Darstellung ihrer Unterdrückung durch Grundbesitzer, in einer satirischen Darstellung des Adels. Dies sind die Handlungsstränge der ersten russischen Opern: „Unglück aus der Kutsche“ von V. A. Paschkewitsch (ca. 1742-1797), Libretto von Ya. B. Knyazhnin (Post, 1779); „Kutscher auf einem Stand“ von E. I. Fomin (1761-1800). In der Oper „Der Müller – ein Zauberer, ein Betrüger und ein Heiratsvermittler“ mit Text von A. O. Ablesimov und Musik von M. M. Sokolovsky (in der zweiten Auflage – E. I. Fomin) wird die Idee des Adels des Werkes des Pinne wird zum Ausdruck gebracht und die edle Prahlerei wird lächerlich gemacht. In der Oper „St. Petersburg Gostiny Dvor“ von M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich werden ein Wucherer und ein Bestechungsbeamter in satirischer Form dargestellt.

Die ersten russischen Opern waren Theaterstücke mit musikalischen Episoden während der Handlung. Gesprächsszenen waren darin sehr wichtig. Die Musik der ersten Opern war eng mit russischen Volksliedern verbunden: Komponisten nutzten in großem Umfang die Melodien bestehender Volkslieder, verarbeiteten sie und machten sie zur Grundlage der Oper. In „The Miller“ zum Beispiel werden alle Charaktereigenschaften mithilfe von Volksliedern unterschiedlicher Art dargestellt. In der Oper „St. Petersburg Gostiny Dvor“ wird die volkstümliche Hochzeitszeremonie mit großer Genauigkeit wiedergegeben. Mit „Coachmen on a Stand“ schuf Fomin das erste Beispiel einer Volkschoroper und legte damit den Grundstein für eine der typischen Traditionen der späteren russischen Oper.

Die russische Oper entwickelte sich im Kampf um ihre nationale Identität. Die Politik des königlichen Hofes und der Spitze der Adelsgesellschaft, die ausländische Truppen unterstützte, richtete sich gegen die Demokratie der russischen Kunst. Die Figuren der russischen Oper mussten Opernkompetenzen an Beispielen der westeuropäischen Oper erlernen und gleichzeitig die Eigenständigkeit ihrer nationalen Leitung verteidigen. Dieser Kampf wurde für viele Jahre zur Voraussetzung für die Existenz der russischen Oper und nahm auf neuen Bühnen neue Formen an.

Zusammen mit der Opernkomödie im 18. Jahrhundert. Es erschienen auch andere Operngattungen. Im Jahr 1790 fand am Hof eine Aufführung unter dem Titel „Olegs erste Führung“ statt, deren Text von Kaiserin Katharina II. geschrieben wurde und deren Musik von den Komponisten C. Canobbio, G. Sarti und V. A. Pashkevich gemeinsam komponiert wurde. Die Aufführung hatte weniger Opern- als vielmehr Oratoriumscharakter und kann gewissermaßen als erstes Beispiel der im 19. Jahrhundert weit verbreiteten musikhistorischen Gattung angesehen werden. Im Werk des herausragenden russischen Komponisten D. S. Bortnyansky (1751-1825) wird das Operngenre durch die lyrischen Opern „Der Falke“ und „Der rivalisierende Sohn“ repräsentiert, deren Musik im Hinblick auf die Entwicklung der Opernformen und Können mit modernen Beispielen westeuropäischer Oper gleichgesetzt werden.

Das Opernhaus wurde im 18. Jahrhundert genutzt. sehr berühmt. Nach und nach drang die Oper aus der Hauptstadt in die Gutstheater ein. Festungstheater an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. gibt einzelne hochkünstlerische Beispiele für die Aufführung von Opern und einzelnen Rollen. Nominiert sind talentierte russische Sänger und Schauspieler, wie die Sängerin E. Sandunova, die auf der Bühne der Hauptstadt auftrat, oder die Leibeigene Schauspielerin des Sheremetev-Theaters P. Zhemchugova.

Künstlerische Errungenschaften der russischen Oper des 18. Jahrhunderts. gab im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts den Anstoß für die rasante Entwicklung des Musiktheaters in Russland.

Die Verbindungen zwischen dem russischen Musiktheater und den Ideen, die das spirituelle Leben dieser Zeit bestimmten, wurden während des Vaterländischen Krieges von 1812 und in den Jahren der Dekabristenbewegung besonders gestärkt. Das Thema Patriotismus, reflektiert in historischen und modernen Handlungssträngen, wird zur Grundlage vieler dramatischer und musikalischer Darbietungen. Die Ideen des Humanismus und der Protest gegen soziale Ungleichheit inspirieren und befruchten die Theaterkunst.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Es ist immer noch unmöglich, über Oper im vollen Sinne des Wortes zu sprechen. Im russischen Musiktheater spielen gemischte Genres eine große Rolle: Tragödie mit Musik, Varieté, komische Oper, Opernballett. Vor Glinka kannte die russische Oper keine Werke, deren Dramaturgie nur auf Musik ohne gesprochene Episoden basierte.

Ein herausragender Komponist der „Tragödie über Musik“ war O. A. Kozlovsky (1757-1831), der Musik für die Tragödien von Ozerov, Katenin und Shakhovsky schuf. Die Komponisten A. A. Alyabyev (1787–1851) und A. N. Verstovsky (1799–1862) arbeiteten erfolgreich im Varieté-Genre und komponierten Musik für eine Reihe von Varietés mit humorvollem und satirischem Inhalt.

Oper des frühen 19. Jahrhunderts. entwickelte die Traditionen der Vorperiode weiter. Ein typisches Phänomen waren alltägliche Aufführungen, begleitet von Volksliedern. Beispiele dieser Art sind die Aufführungen „Yam“, „Gatherings“, „Bachelorette Party“ usw., deren Musik vom Amateurkomponisten A. N. Titov (1769-1827) geschrieben wurde. Aber damit war das reiche Theaterleben dieser Zeit noch lange nicht erschöpft. Die Anziehungskraft auf die damals typischen romantischen Tendenzen drückte sich in der gesellschaftlichen Faszination für Märchen- und Fantasy-Darbietungen aus. Besonders erfolgreich war die mehrteilige Dnjepr-Meerjungfrau (Lesta). Die Musik für diese Opern, die wie Kapitel eines Romans aufgebaut sind, wurde von den Komponisten S. I. Davydov und K. A. Kavos geschrieben; Teilweise wurde die Musik des österreichischen Komponisten Kauer verwendet. „Die Dnjepr-Meerjungfrau“ verließ die Bühne lange Zeit nicht, nicht nur wegen der unterhaltsamen Handlung, die in ihren Hauptzügen die Handlung von Puschkins „Meerjungfrau“ vorwegnahm, nicht nur wegen der luxuriösen Inszenierung, sondern auch wegen der melodische, einfache und zugängliche Musik.

Der italienische Komponist K. A. Cavos (1775-1840), der schon in jungen Jahren in Russland arbeitete und sich intensiv mit der Entwicklung der russischen Opernaufführung beschäftigte, unternahm den ersten Versuch, eine historisch-heroische Oper zu schaffen. 1815 inszenierte er in St. Petersburg die Oper „Ivan Susanin“, in der er, basierend auf einer der Episoden des Kampfes des russischen Volkes gegen die polnische Invasion zu Beginn des 17. Jahrhunderts, versuchte, ein Nationaltheater zu schaffen patriotische Leistung. Diese Oper reagierte auf die Gefühle der Gesellschaft, die den Befreiungskrieg gegen Napoleon erlebte. Kavos‘ Oper sticht unter den modernen Werken durch das Können eines professionellen Musikers, seinen Rückgriff auf russische Folklore und die Lebendigkeit der Handlung hervor. Dennoch kommt es nicht über das Niveau der zahlreichen „Heilsopern“ französischer Komponisten hinaus, die auf derselben Bühne auftraten; Kavos konnte darin nicht das tragische Volksepos schaffen, das Glinka zwanzig Jahre später mit derselben Handlung schuf.

Der größte Komponist des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. Erwähnenswert ist A. N. Verstovsky, der als Autor von Musik für Varietés erwähnt wird. Seine Opern „Pan Tvardovsky“ (veröffentlicht 1828), „Askolds Grab“ (veröffentlicht 1835), „Vadim“ (veröffentlicht 1832) und andere stellten eine neue Etappe in der Entwicklung der russischen Oper vor Glinka dar. Werstowskis Werk spiegelte die charakteristischen Merkmale der russischen Romantik wider. Die russische Antike, poetische Traditionen der Kiewer Rus, Märchen und Legenden bilden die Grundlage seiner Opern. Das magische Element spielt in ihnen eine bedeutende Rolle. Werstowskis Musik, die tief in der Volkskunst verwurzelt ist, hat die Ursprünge des Volksvolks im weitesten Sinne aufgenommen. Seine Helden sind typisch für die Volkskunst. Als Meister der Operndramaturgie schuf Werstowski romantisch-farbenreiche Szenen von fantastischem Inhalt. Ein Beispiel für seinen Stil ist die Oper „Askolds Grab“, die bis heute im Repertoire verbleibt. Es zeigte die besten Eigenschaften von Werstowski – eine Begabung für Melodie, ausgezeichnetes dramatisches Gespür, die Fähigkeit, lebendige und charakteristische Bilder von Charakteren zu schaffen.

Werstowskis Werke gehören zur vorklassischen Periode der russischen Oper, obwohl ihre historische Bedeutung sehr groß ist: Sie verallgemeinern und entwickeln die besten Qualitäten der vorherigen und zeitgenössischen Entwicklungsperiode der russischen Opernmusik.

Seit den 30er Jahren. 19. Jahrhundert Die russische Oper tritt in ihre klassische Periode ein. Der Begründer der russischen Opernklassiker M. I. Glinka (1804-1857) schuf die historische und tragische Oper „Iwan Susanin“ (1830) und die märchenhafte Oper „Ruslan und Ljudmila“ (1842). Diese Opern markierten den Beginn zweier wichtiger Strömungen im russischen Musiktheater: der historischen Oper und der magisch-epischen Oper. Glinkas kreative Prinzipien wurden von der nachfolgenden Generation russischer Komponisten umgesetzt und weiterentwickelt.

Glinka entwickelte sich als Künstler in einer Zeit, die von den Ideen des Dekabrismus überschattet war, was es ihm ermöglichte, den ideologischen und künstlerischen Inhalt seiner Opern auf eine neue, bedeutende Höhe zu heben. Er war der erste russische Komponist, in dessen Werk das verallgemeinerte und tiefe Bild des Volkes zum Mittelpunkt des gesamten Werks wurde. Das Thema Patriotismus ist in seinem Werk untrennbar mit dem Thema des Unabhängigkeitskampfes des Volkes verbunden.

Die vorangegangene Periode der russischen Oper bereitete das Erscheinen von Glinkas Opern vor, ihr qualitativer Unterschied zu früheren russischen Opern ist jedoch sehr bedeutsam. In Glinkas Opern manifestiert sich der Realismus des künstlerischen Denkens nicht in seinen einzelnen Aspekten, sondern fungiert als ganzheitliche gestalterische Methode, die es uns ermöglicht, Idee, Thema und Handlung der Oper musikalisch und dramatisch zu verallgemeinern. Glinka verstand das Problem der Nationalität auf neue Weise: Für ihn bedeutete es nicht nur die musikalische Entwicklung von Volksliedern, sondern auch eine tiefe, vielfältige Reflexion des Lebens, der Gefühle und Gedanken der Menschen in der Musik, die Offenbarung der charakteristischen Merkmale ihrer spirituellen Erscheinung. Der Komponist beschränkte sich nicht auf die Reflexion des Volkslebens, sondern verkörperte in der Musik die typischen Merkmale der Volksweltanschauung. Glinkas Opern sind integrale musikalische und dramatische Werke; Es gibt keine gesprochenen Dialoge; der Inhalt wird durch Musik ausgedrückt. Anstelle einzelner, unentwickelter Solo- und Chornummern einer komischen Oper schafft Glinka große, detaillierte Opernformen und entwickelt sie mit wahrhaft symphonischer Meisterschaft.

In „Ivan Susanin“ verherrlichte Glinka die heroische Vergangenheit Russlands. Typische Bilder des russischen Volkes werden in der Oper mit großer künstlerischer Wahrheit verkörpert. Die Entwicklung der musikalischen Dramaturgie basiert auf der Gegenüberstellung verschiedener nationaler Musikbereiche.

„Ruslan und Ljudmila“ ist eine Oper, die den Grundstein für volksepische russische Opern legte. Die Bedeutung von „Ruslan“ für die russische Musik ist sehr groß. Die Oper beeinflusste nicht nur Theatergenres, sondern auch symphonische Genres. Die majestätisch heroischen und geheimnisvoll magischen sowie farbenfrohen orientalischen Bilder von „Ruslan“ befeuerten lange Zeit die russische Musik.

Nach Glinka sprach A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), ein typischer Künstler der Ära der 40-50er Jahre. 19. Jahrhundert Glinka hatte großen Einfluss auf Dargomyzhsky, aber gleichzeitig traten in dessen Werk neue Qualitäten auf, die aus neuen gesellschaftlichen Bedingungen und neuen Themen in der russischen Kunst entstanden. Herzliches Mitgefühl für einen gedemütigten Menschen, das Bewusstsein für die Schädlichkeit sozialer Ungleichheit und eine kritische Haltung gegenüber der Gesellschaftsordnung spiegeln sich in Dargomyzhskys Werk wider, verbunden mit den Ideen des kritischen Realismus in der Literatur.

Dargomyzhskys Weg als Opernkomponist begann mit der Schaffung der Oper „Esmeralda“ nach V. Hugo (veröffentlicht 1847), und als zentrales Opernwerk des Komponisten sollte „Die Meerjungfrau“ (nach dem Drama von A. S. Puschkin) angesehen werden. , aufgeführt im Jahr 1856. In dieser Oper kam Dargomyzhskys Talent voll zum Vorschein und die Richtung seiner Arbeit wurde festgelegt. Das Drama der sozialen Ungleichheit zwischen der Müllerstochter Natascha und dem Prinzen, die sich lieben, faszinierte den Komponisten aufgrund der Relevanz des Themas. Dargomyzhsky verstärkte die dramatische Seite der Handlung, indem er das fantastische Element abschwächte. „Rusalka“ ist die erste russische alltägliche lyrische und psychologische Oper. Ihre Musik ist zutiefst folkloristisch; Auf Liedbasis schuf der Komponist lebendige Heldenbilder, entwickelte einen deklamatorischen Stil in den Rollen der Hauptfiguren und entwickelte Ensembleszenen, die er deutlich dramatisierte.

Dargomyzhskys letzte Oper, „Der steinerne Gast“, gehört laut Puschkin (veröffentlicht 1872, nach dem Tod des Komponisten) zu einer anderen Periode in der Entwicklung der russischen Oper. Dargomyzhsky stellte sich darin die Aufgabe, eine realistische Musiksprache zu schaffen, die die Sprachintonation widerspiegelt. Der Komponist verzichtete hier auf traditionelle Opernformen – Arie, Ensemble, Chor; Die Gesangsteile der Oper überwiegen den Orchesterteil. „Der steinerne Gast“ markierte den Beginn einer der Richtungen der Folgeperiode der russischen Oper, der sogenannten Kammerrezitativoper, die später durch „Mozart und Salieri“ vertreten wurde Rimsky-Korsakow, „Der geizige Ritter“ von Rachmaninow und anderen. Die Besonderheit dieser Opern besteht darin, dass sie alle auf dem unveränderten Volltext von Puschkins „kleinen Tragödien“ basieren.

In den 60er Jahren Die russische Oper ist in eine neue Phase ihrer Entwicklung eingetreten. Auf der russischen Bühne erscheinen Werke von Komponisten aus dem Balakirew-Kreis („Die mächtige Handvoll“) und Tschaikowsky. In denselben Jahren entwickelte sich die Kreativität von A. N. Serov und A. G. Rubinstein.

Das Opernwerk des als Musikkritiker berühmt gewordenen A. N. Serov (1820-1871) kann nicht zu den ganz bedeutenden Phänomenen des russischen Theaters gezählt werden. Allerdings spielten seine Opern einst eine positive Rolle. In der Oper „Judith“ (Post, 1863) schuf Serov ein Werk heroisch-patriotischen Charakters, das auf einer biblischen Handlung basiert; in der Oper „Rogneda“ (op. und post. 1865) wandte er sich der Ära der Kiewer Rus zu und wollte die Linie von „Ruslan“ fortsetzen. Allerdings war die Oper nicht tief genug. Von großem Interesse ist Serovs dritte Oper „Die Macht des Feindes“, die auf A. N. Ostrovskys Drama „Lebe nicht so, wie du willst“ (aus dem Jahr 1871) basiert. Der Komponist beschloss, eine Liedoper zu schaffen, deren Musik auf Primärquellen basieren sollte. Die Oper verfügt jedoch nicht über ein einziges dramatisches Konzept, und ihre Musik erreicht nicht den Höhepunkt einer realistischen Verallgemeinerung.

A. G. Rubinstein (1829-1894) begann seine Karriere als Opernkomponist mit der Komposition der historischen Oper „Schlacht von Kulikovo“ (1850). In den 60er Jahren. er schuf die lyrische Oper „Feramors“ und die romantische Oper „Kinder der Steppe“. Rubinsteins beste Oper, „Der Dämon“ nach Lermontov (1871), bleibt im Repertoire. Diese Oper ist ein Beispiel für die russische lyrische Oper, in der die talentiertesten Seiten dem Ausdruck der Gefühle der Charaktere gewidmet sind. Die Genreszenen von „Der Dämon“, in denen der Komponist die Volksmusik Transkaukasiens verwendete, sorgen für lokales Flair. Die Oper „Der Dämon“ war ein Erfolg bei den Zeitgenossen, die in der Hauptfigur das Bild eines Mannes der 40er und 50er Jahre sahen.

Das Opernwerk der Komponisten „The Mighty Handful“ und Tschaikowsky war eng mit der neuen Ästhetik der Ära der 60er Jahre verbunden. Neue gesellschaftliche Bedingungen stellen russische Künstler vor neue Aufgaben. Das Hauptproblem der Epoche war das Problem, das Volksleben in seiner ganzen Komplexität und Widersprüchlichkeit in Kunstwerken widerzuspiegeln. Der Einfluss der Ideen revolutionärer Demokraten (vor allem Tschernyschewskis) spiegelte sich im Bereich des musikalischen Schaffens in einer Hinwendung zu universellen Themen und Handlungssträngen, der humanistischen Ausrichtung der Werke und der Verherrlichung der hohen spirituellen Kräfte des Volkes wider. Dem historischen Thema kommt in dieser Zeit eine besondere Bedeutung zu.

Das Interesse an der Geschichte des eigenen Volkes war in jenen Jahren nicht nur für Komponisten typisch. Die Geschichtswissenschaft selbst entwickelt sich weit; Schriftsteller, Dichter und Dramatiker wenden sich historischen Themen zu; Die historische Malerei entwickelt sich. Das größte Interesse erregen die Epochen der Revolutionen, Bauernaufstände und Massenbewegungen. Einen wichtigen Platz nimmt das Problem der Beziehung zwischen dem Volk und der königlichen Macht ein. Diesem Thema sind die historischen Opern von M. P. Mussorgsky und N. A. Rimsky-Korsakov gewidmet.

Die Opern „Boris Godunow“ (1872) und „Chowanschtschina“ (vollendet von Rimski-Korsakow 1882) von M. P. Mussorgski (1839-1881) gehören zum historisch-tragischen Zweig der russischen klassischen Oper. Der Komponist nannte sie „Volksmusikdramen“, da in beiden Werken der Mensch im Mittelpunkt steht. Die Grundidee von „Boris Godunow“ (basierend auf Puschkins gleichnamiger Tragödie) ist der Konflikt: der König – das Volk. Diese Idee war eine der wichtigsten und akutesten in der Zeit nach der Reform. Mussorgsky wollte in den Ereignissen der russischen Vergangenheit eine Analogie zur Moderne finden. Der Widerspruch zwischen Volksinteressen und autokratischer Macht wird in Szenen gezeigt, in denen eine Volksbewegung in einen offenen Aufstand übergeht. Gleichzeitig widmet der Komponist der „Tragödie des Gewissens“, die Zar Boris erlebte, große Aufmerksamkeit. Das facettenreiche Bild von Boris Godunov ist eine der höchsten Errungenschaften des weltweiten Opernschaffens.

Mussorgskis zweites Musikdrama, Chowanschtschina, ist den Streltsy-Aufständen am Ende des 17. Jahrhunderts gewidmet. Das Element der Volksbewegung in all seiner gewalttätigen Kraft kommt in der Musik der Oper, die auf einer kreativen Neuinterpretation der Volksliedkunst basiert, wunderbar zum Ausdruck. Die Musik von „Khovanshchina“ ist wie die Musik von „Boris Godunov“ von großer Tragödie geprägt. Die Grundlage des melodischen Themas beider Opern ist die Synthese von Gesangs- und Deklamationsprinzipien. Mussorgskys Innovation, die einem neuen Konzept entspringt, und eine zutiefst originelle Lösung der Probleme des Musikdramas zwingen uns, seine beiden Opern zu den höchsten Errungenschaften des Musiktheaters zu zählen.

Zur Gruppe der historischen Musikwerke gehört auch die Oper „Fürst Igor“ von A. P. Borodin (1833-1887), deren Handlung „Das Märchen vom Feldzug Igors“ war. Die Idee der Liebe zum Vaterland, die Idee der Vereinigung angesichts des Feindes wird vom Komponisten mit großer Dramatik (Szenen in Putivl) offenbart. Der Komponist verband in seiner Oper die Monumentalität der epischen Gattung mit einem lyrischen Anfang. Glinkas Befehle wurden in der poetischen Verkörperung des Polovtsian-Lagers umgesetzt; Borodins musikalische Gemälde des Ostens wiederum inspirierten viele russische und sowjetische Komponisten zu orientalischen Bildern. Borodins bemerkenswerte melodische Begabung manifestierte sich im weit gesungenen Stil der Oper. Borodin hatte keine Zeit, die Oper fertigzustellen; „Fürst Igor“ wurde von Rimski-Korsakow und Glasunow vollendet und in ihrer Ausgabe 1890 auf der Bühne aufgeführt.

Das Genre des historischen Musikdramas wurde auch von N. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908) entwickelt. Der Aufstand der Pskower Freien gegen Iwan den Schrecklichen (Oper „Pskower Frau“, 1872) wird vom Komponisten mit epischer Erhabenheit dargestellt. Das Bild des Königs ist voller echter Dramatik. Das lyrische Element der Oper, verbunden mit der Heldin Olga, bereichert die Musik und verleiht dem majestätischen tragischen Konzept Züge erhabener Zärtlichkeit und Sanftheit.

P. I. Tschaikowsky (1840-1893), vor allem für seine lyrischen und psychologischen Opern bekannt, war Autor von drei historischen Opern. Die Opern „Opritschnik“ (1872) und „Mazeppa“ (1883) sind dramatischen Ereignissen aus der russischen Geschichte gewidmet. In der Oper „Die Jungfrau von Orleans“ (1879) wandte sich der Komponist der Geschichte Frankreichs zu und schuf das Bild der französischen Nationalheldin Jeanne d’Arc.

Die Besonderheit der historischen Opern Tschaikowskys ist ihre Verwandtschaft mit seinen lyrischen Opern. Der Komponist offenbart in ihnen die charakteristischen Merkmale der dargestellten Epoche anhand der Schicksale einzelner Menschen. Die Bilder seiner Helden zeichnen sich durch ihre Tiefe und Wahrhaftigkeit bei der Vermittlung der komplexen Innenwelt eines Menschen aus.

Neben volkshistorischen Musikdramen in der russischen Oper des 19. Jahrhunderts. Einen wichtigen Platz nehmen Volksmärchenopern ein, die in den Werken von N. A. Rimsky-Korsakov weit verbreitet sind. Rimsky-Korsakows beste Märchenopern sind „Das Schneewittchen“ (1881), „Sadko“ (1896), „Kashchei der Unsterbliche“ (1902) und „Der goldene Hahn“ (1907). Einen besonderen Platz nimmt die Oper „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“ (1904) ein, die auf der Grundlage von Materialien aus Volkslegenden über die tatarisch-mongolische Invasion geschrieben wurde.

Rimsky-Korsakovs Opern verblüffen durch die Vielfalt der Interpretationen des Genres Volksmärchen. Entweder handelt es sich um eine poetische Interpretation alter volkstümlicher Naturvorstellungen, die im wunderbaren Märchen vom Schneewittchen zum Ausdruck kommt, oder um ein kraftvolles Bild des antiken Nowgorod oder um ein Bild von Russland zu Beginn des 20. Jahrhunderts. im allegorischen Bild des kalten Kashcheev-Königreichs, dann eine echte Satire auf das verrottete autokratische System in märchenhaften Volksbildern („Der goldene Hahn“). In verschiedenen Fällen sind die Methoden der musikalischen Darstellung der Charaktere und die Techniken der musikalischen Dramaturgie Rimsky-Korsakows unterschiedlich. In all seinen Opern kann man jedoch das tiefe kreative Eindringen des Komponisten in die Welt der Volksideen, des Volksglaubens und der Weltanschauung der Menschen spüren. Grundlage der Musik seiner Opern ist die Sprache der Volkslieder. Die Abhängigkeit von der Volkskunst und die Charakterisierung von Charakteren durch die Verwendung verschiedener Volksgenres sind ein typisches Merkmal von Rimsky-Korsakov.

Der Höhepunkt von Rimsky-Korsakovs Schaffen ist das majestätische Epos über den Patriotismus des russischen Volkes in der Oper „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“, in der der Komponist einen enormen Höhepunkt der musikalischen und symphonischen Verallgemeinerung erreichte des Themas.

Unter anderen Spielarten der russischen klassischen Oper gehört die lyrisch-psychologische Oper zu den Hauptplätzen, die mit Dargomyzhskys „Rusalka“ begann. Der größte Vertreter dieses Genres in der russischen Musik ist Tschaikowsky, der Autor brillanter Werke, die zum Weltopernrepertoire gehören: „Eugen Onegin“ (1877-1878), „Die Zauberin“ (1887), „Die Pique Dame“ (1890). ), „Iolanta“ (1891) ). Tschaikowskys Innovation hängt mit der Ausrichtung seines Werks zusammen, das den Ideen des Humanismus, dem Protest gegen die Erniedrigung des Menschen und dem Glauben an eine bessere Zukunft für die Menschheit gewidmet ist. Die innere Welt der Menschen, ihre Beziehungen, ihre Gefühle werden in Tschaikowskys Opern offenbart, indem sie theatralische Wirksamkeit mit der konsequenten symphonischen Entwicklung der Musik verbinden. Tschaikowskys Opernwerk ist eines der größten Phänomene der Weltmusik- und Theaterkunst des 19. Jahrhunderts.

Die Komödienoper ist mit einer kleineren Anzahl von Werken in den Opernwerken russischer Komponisten vertreten. Doch auch diese wenigen Exemplare zeichnen sich durch ihre nationale Originalität aus. Es gibt keine unterhaltsame Leichtigkeit oder Komik darin. Die meisten davon basierten auf Gogols Geschichten aus „Abende auf einem Bauernhof bei Dikanka“. Jede der Opernkomödien spiegelte die individuellen Eigenschaften der Autoren wider. In Tschaikowskys Oper „Cherevichki“ (1885; in der Erstausgabe „Blacksmith Vakula“, 1874) überwiegt das lyrische Element; in „May Night“ von Rimsky-Korsakov (1878) – fantastisch und rituell; in „Sorochinskaya Fair“ von Mussorgsky (70er Jahre, unvollendet) – rein komödiantisch. Diese Opern sind Beispiele für die Fähigkeit, das Leben der Menschen im Genre der Charakterkomödie realistisch wiederzugeben.

Russische Opernklassiker werden durch eine Reihe sogenannter Parallelphänomene im russischen Musiktheater ergänzt. Damit meinen wir die Arbeit von Komponisten, die keine Werke von bleibender Bedeutung geschaffen haben, obwohl sie ihren sinnvollen Beitrag zur Entwicklung der russischen Oper geleistet haben. Hier müssen wir die Opern von C. A. Cui (1835-1918) nennen, einem Mitglied des Balakirev-Kreises und einem prominenten Musikkritiker der 60er-70er Jahre. Cuis Opern „William Ratcliffe“ und „Angelo“, die den konventionell romantischen Stil nicht verlassen, sind frei von Dramatik und zeitweise fröhlicher Musik. Cuis spätere Unterstützungen sind von geringerer Bedeutung („Die Tochter des Kapitäns“, „Mademoiselle Fifi“ usw.). Die klassische Oper wurde vom herausragenden Dirigenten und musikalischen Leiter der Oper in St. Petersburg, E. F. Napravnik (1839-1916), begleitet. Am bekanntesten ist seine Oper Dubrovsky, die in der Tradition der lyrischen Opern Tschaikowskys komponiert wurde.

Von den Komponisten, die Ende des 19. Jahrhunderts auftraten. Auf der Opernbühne sind A. S. Arensky (1861-1906), Autor der Opern „Traum an der Wolga“, „Raphael“ und „Nal und Damayanti“, sowie M. M. Ippolitov-Ivanov (1859-1935) zu nennen. dessen Oper „Asya“ laut I. S. Turgenev im lyrischen Stil Tschaikowskys geschrieben wurde. In der Geschichte der russischen Oper sticht laut Aischylos die „Orestie“ von S. I. Tanejew (1856-1915) hervor, die als theatralisches Oratorium bezeichnet werden kann.

Zur gleichen Zeit fungierte S. V. Rachmaninow (1873-1943) als Opernkomponist, der gegen Ende des Konservatoriums (1892) in der Tradition Tschaikowskys ein einaktiges Oneru „Aleko“ komponierte. Rachmaninows spätere Opern – Francesca da Rimini (1904) und Der geizige Ritter (1904) – wurden im Stil von Kantatenopern geschrieben; in ihnen ist das Bühnengeschehen maximal komprimiert und das musikalisch-sinfonische Element sehr ausgeprägt. Die Musik dieser Opern, talentiert und hell, trägt den Stempel des einzigartigen kreativen Stils des Autors.

Zu den weniger bedeutenden Phänomenen der Opernkunst zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Nennen wir die Oper von A. T. Grechaninov (1864-1956) „Dobrynya Nikitich“, in der die charakteristischen Merkmale einer märchenhaften klassischen Oper durch romantische Texte ersetzt wurden, sowie die Oper von A. D. Kastalsky (1856-1926). „Klara Milich“, in dem sich Elemente des Naturalismus mit aufrichtiger, beeindruckender Lyrik verbinden.

Das 19. Jahrhundert ist die Ära der russischen Opernklassiker. Russische Komponisten schufen Meisterwerke in verschiedenen Operngenres: Drama, Epos, heroische Tragödie, Komödie. Sie schufen eine innovative Musikdramaturgie, die in enger Verbindung mit dem innovativen Inhalt von Opern entstand. Die wichtige, bestimmende Rolle der Massenvolksszenen, die vielfältige Charakterisierung der Charaktere, eine Neuinterpretation traditioneller Opernformen und die Schaffung neuer Prinzipien der musikalischen Einheit des Gesamtwerks sind charakteristische Merkmale russischer Opernklassiker.

Die russische klassische Oper, die sich unter dem Einfluss des philosophischen und ästhetischen Fortschrittsdenkens und unter dem Einfluss von Ereignissen im öffentlichen Leben entwickelte, wurde zu einem der bemerkenswerten Aspekte der russischen Nationalkultur des 19. Jahrhunderts. Der gesamte Entwicklungsweg des russischen Opernschaffens im letzten Jahrhundert verlief parallel zur großen Befreiungsbewegung des russischen Volkes; Komponisten ließen sich von den erhabenen Ideen des Humanismus und der demokratischen Aufklärung inspirieren, und ihre Werke sind für uns großartige Beispiele wirklich realistischer Kunst.

Oper(ItalienischOper- Geschäft, Arbeit, Arbeit; lat.Oper- Werke, Produkte, Werke, Plural. aus Opus) – eine Gattung der Musik- und Schauspielkunst, bei der der Inhalt durch musikalische Dramaturgie, hauptsächlich durch Vokalmusik, verkörpert wird . Die literarische Grundlage der Oper ist Libretto. Das aus dem Italienischen übersetzte Wort „orega“ bedeutet wörtlich Werk, Komposition. Dieses Musikgenre vereint Poesie und dramatische Kunst, Vokal- und Instrumentalmusik, Mimik, Tanz, Malerei, Bühnenbild und Kostüme zu einem Ganzen.

Der Komponist schreibt eine Oper basierend auf einer der Literatur entlehnten Handlung, zum Beispiel „ Ruslan und Ludmila», « Eugen Onegin" Der mündliche Text der Oper heißt Libretto.

Fast jede Oper beginnt Ouvertüre- eine symphonische Einleitung, die den Hörer allgemein in den Inhalt der gesamten Handlung einführt.

Geschichte des Genres

Die Oper erschien in Italien, V Geheimnisse, also geistliche Darbietungen, bei denen die gelegentlich eingebrachte Musik auf niedrigem Niveau war. Spirituelle Komödie: „Bekehrung des Hl. Paul“ ( 1480 ),Beverini stellt ein ernsteres Werk dar, bei dem Musik die Handlung vom Anfang bis zum Ende begleitet. In der Mitte 16. Jahrhundert erfreuten sich großer Beliebtheit Pastorale oder Hirtenspiele, bei denen die Musik auf Chöre beschränkt war, in Form einer Motette oder eines Madrigals. In „Amfiparnasso“ Orazio Vecchi Der Chorgesang hinter der Bühne in Form eines fünfstimmigen Madrigals diente der Begleitung des Auftritts der Schauspieler auf der Bühne. Diese „Commedia armonica“ wurde erstmals am Hof von Modena aufgeführt 1597.

Jacopo Peri

Am Ende 16. Jahrhundert Versuche, monophonen Gesang in solche Werke einzuführen ( Monodie) brachte die Oper auf den Weg, auf dem ihre Entwicklung schnell voranschritt. Die Autoren dieser Versuche nannten ihre Werke musikalisch und dramatisch Drama in der Musik oder Drama pro Musik; In der ersten Hälfte wurde ihnen der Name „Oper“ verliehen 17. Jahrhundert. Später zum Beispiel einige Opernkomponisten Richard Wagner, kehrte wieder zum Namen „Musikdrama“ zurück.

Das erste Opernhaus für öffentliche Aufführungen wurde eröffnet 1637 V Venedig; zuvor diente die Oper nur der höfischen Unterhaltung. Eurydike kann als die erste große Oper angesehen werden. Jacopo Peri, durchgefürt in 1597 . In Venedig sind seit der Eröffnung der öffentlichen Aufführungen innerhalb von 65 Jahren 7 Theater entstanden; 357 Opern wurden für sie von verschiedenen Komponisten geschrieben (bis zu 40). Die Pioniere der Oper waren: in Deutschland - Heinrich Schütz("Seidelbast" 1627 ), in Frankreich - Sturz(„La pastorale“, 1647), in England – Purcell; in Spanien erschienen zu Beginn die ersten Opern XVIII Jahrhunderte; In Russland schrieb Araya als erster eine Oper („Mullet and Procris“) auf der Grundlage eines unabhängigen russischen Textes (1755). Die erste russische Oper, die in russischer Manier geschrieben wurde, ist „Tanyusha oder Happy Meeting“, Musik von F. G. Volkov (1756).

IN 1868 Armenischer Komponist Tigran Chukhajyan schafft eine Oper“ Arschak II„ – die erste Oper der Musikgeschichte Ost.

Die Ursprünge der Oper können auch als antike Tragödie betrachtet werden. Als eigenständiges Genre entstand die Oper in Italien an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert im Kreis von Musikern, Philosophen und Dichtern in der Stadt Florenz. Es wurde ein Kreis von Kunstliebhabern genannt „Kamera“. Die Teilnehmer der „Camerata“ träumten davon, die antike griechische Tragödie wieder aufleben zu lassen und dabei Drama, Musik und Tanz in einer Aufführung zu vereinen. Die erste derartige Aufführung fand 1600 in Florenz statt und handelte von Orpheus und Eurydike. Es gibt eine Version, dass die erste musikalische Darbietung mit Gesang im Jahr 1594 auf der Grundlage der Handlung des antiken griechischen Mythos über den Kampf des Gottes Apollo mit der Schlange Python aufgeführt wurde. Nach und nach entstanden in Italien Opernschulen in Rom, Venedig und Neapel. Dann verbreitete sich die Oper schnell in ganz Europa. Ende des 17. und Anfang des 18. Jahrhunderts entstanden die wichtigsten Operngattungen: Opera seria (große ernste Oper) und Opera buffa (komische Oper).

Oper in Russland

Die Oper erschien in Russland Ende des 18. Jahrhunderts, als in St. Petersburg das Russische Theater eröffnet wurde. Zunächst wurden nur ausländische Opern gezeigt. Die ersten russischen Opern waren komisch. Fomin gilt als einer der Schöpfer. Im Jahr 1836 fand in St. Petersburg die Uraufführung von Glinkas Oper „Ein Leben für den Zaren“ statt. Die Oper in Russland erhielt eine perfekte Form, ihre Merkmale wurden bestimmt: die hellen musikalischen Eigenschaften der Hauptfiguren, das Fehlen gesprochener Dialoge. Im 19. Jahrhundert wandten sich die besten russischen Komponisten der Oper zu.

Die russische Kompositionsschule, deren Traditionen die sowjetische und die heutige russische Schule fortsetzten, begann im 19. Jahrhundert mit Komponisten, die europäische Musikkunst mit russischen Volksmelodien verbanden und so die europäische Form und den russischen Geist miteinander verbanden.

Über jeden dieser berühmten Menschen lässt sich viel sagen; sie alle haben schwierige und manchmal tragische Schicksale, aber in dieser Rezension haben wir versucht, nur eine kurze Beschreibung des Lebens und Werks der Komponisten zu geben.

1. Michail Iwanowitsch Glinka

(1804-1857)

Michail Iwanowitsch Glinka während der Komposition der Oper „Ruslan und Ljudmila“. 1887, Künstler Ilja Jefimowitsch Repin

„Um Schönheit zu schaffen, muss man selbst eine reine Seele haben.“

Michail Iwanowitsch Glinka ist der Begründer der russischen klassischen Musik und der erste russische klassische Komponist, der Weltruhm erlangte. Seine Werke, die auf den jahrhundertealten Traditionen der russischen Volksmusik basieren, waren ein neues Wort in der Musikkunst unseres Landes.

Er wurde in der Provinz Smolensk geboren und erhielt seine Ausbildung in St. Petersburg. Die Bildung der Weltanschauung und der Grundidee von Michail Glinkas Werk wurde durch die direkte Kommunikation mit Persönlichkeiten wie A. S. Puschkin, V. A. Schukowski, A. S. Gribojedow und A. A. Delvig erleichtert. Den kreativen Anstoß für sein Schaffen gaben ihm eine mehrjährige Europareise Anfang der 1830er Jahre und Begegnungen mit den führenden Komponisten der Zeit – V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn und später mit G. Berlioz, J. Meyerbeer.

Erfolg hatte M. I. Glinka im Jahr 1836 nach der Inszenierung der Oper „Iwan Susanin“ („Leben für den Zaren“), die von allen begeistert aufgenommen wurde; zum ersten Mal in der Weltmusik, der russischen Chorkunst sowie der europäischen Symphonie und Oper Die Praxis wurde organisch kombiniert, und es erschien auch eine Heldin wie Susanin, deren Bild die besten Merkmale des Nationalcharakters zusammenfasst.

V. F. Odoevsky beschrieb die Oper als „ein neues Element in der Kunst, und in ihrer Geschichte beginnt eine neue Periode – die Periode der russischen Musik“.

Die zweite Oper ist das Epos „Ruslan und Ljudmila“ (1842), dessen Arbeit vor dem Hintergrund von Puschkins Tod und in den schwierigen Lebensumständen des Komponisten aufgrund des zutiefst innovativen Charakters des Werkes zweideutig aufgenommen wurde vom Publikum und den Behörden und bescherte M.I. Glinka schwierige Zeiten. Danach reiste er viel und lebte abwechselnd in Russland und im Ausland, ohne mit dem Komponieren aufzuhören. Sein Vermächtnis umfasst Romanzen, Symphonien und Kammermusikwerke. In den 1990er Jahren war Michail Glinkas „Patriotisches Lied“ die offizielle Hymne der Russischen Föderation.

Zitat über M. I. Glinka:„Die gesamte russische symphonische Schule ist wie eine ganze Eiche in einer Eichel in der symphonischen Fantasie „Kamarinskaya“ enthalten. P.I.Tschaikowsky

Interessante Tatsache: Michail Iwanowitsch Glinka war nicht in guter gesundheitlicher Verfassung, trotzdem war er sehr locker und kannte sich sehr gut mit der Geographie aus; wenn er nicht Komponist geworden wäre, wäre er vielleicht ein Reisender geworden. Er beherrschte sechs Fremdsprachen, darunter Persisch.

2. Alexander Porfirievich Borodin

(1833-1887)

Alexander Porfirievich Borodin, einer der führenden russischen Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, war neben seinem Talent als Komponist auch Chemiker, Arzt, Lehrer, Kritiker und besaß literarisches Talent.

Der gebürtige St. Petersburger bemerkte von Kindheit an alle um ihn herum seine ungewöhnliche Aktivität, Leidenschaft und Fähigkeiten in verschiedenen Bereichen, vor allem in der Musik und Chemie.

A.P. Borodin ist ein russischer Nugget-Komponist, er hatte keine professionellen Musikerlehrer, alle seine musikalischen Erfolge waren auf die eigenständige Arbeit an der Beherrschung der Kompositionstechnik zurückzuführen.

Die Bildung von A.P. Borodin wurde durch die Arbeit von M.I. beeinflusst. Glinka (wie übrigens alle russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts) und der Anstoß zu einem intensiven Studium der Komposition in den frühen 1860er Jahren gaben zwei Ereignisse – erstens seine Bekanntschaft und Heirat mit der talentierten Pianistin E.S. Protopopova und zweitens ein Treffen mit M.A. Balakirev und der Beitritt zur kreativen Gemeinschaft russischer Komponisten, bekannt als „Mächtige Handvoll“.

In den späten 1870er und 1880er Jahren reiste und tourte A.P. Borodin viel durch Europa und Amerika, traf sich mit führenden Komponisten seiner Zeit, sein Ruhm wuchs und er wurde Ende des 19. Jahrhunderts zu einem der berühmtesten und beliebtesten russischen Komponisten in Europa Jahrhundert. Jahrhundert.

Den zentralen Platz im Werk von A.P. Borodin nimmt die Oper „Prinz Igor“ (1869-1890) ein, die ein Beispiel für ein nationales Heldenepos in der Musik ist und für deren Fertigstellung er selbst keine Zeit hatte (sie wurde von fertiggestellt). seine Freunde A.A. Glasunow und N.A. Rimsky-Korsakow). In „Prinz Igor“ spiegelt sich vor dem Hintergrund majestätischer Bilder historischer Ereignisse die Grundidee des gesamten Werkes des Komponisten wider – Mut, ruhige Größe, spiritueller Adel des besten russischen Volkes und die gewaltige Stärke des gesamten russischen Volkes , manifestiert in der Verteidigung ihres Heimatlandes.

Trotz der Tatsache, dass A.P. Borodin eine relativ kleine Anzahl von Werken hinterlassen hat, ist sein Werk sehr vielfältig und er gilt als einer der Väter der russischen symphonischen Musik, der viele Generationen russischer und ausländischer Komponisten beeinflusst hat.

Zitat über A.P. Borodin:„Borodins Talent ist in der Symphonie, der Oper und der Romantik gleichermaßen kraftvoll und erstaunlich. Seine Hauptqualitäten sind gigantische Kraft und Breite, kolossaler Umfang, Schnelligkeit und Ungestüm, verbunden mit erstaunlicher Leidenschaft, Zärtlichkeit und Schönheit.“ V. V. Stasov

Interessante Tatsache: Nach Borodin ist die chemische Reaktion von Silbersalzen von Carbonsäuren mit Halogenen zu halogenierten Kohlenwasserstoffen benannt, die er 1861 als Erster untersuchte.

3. Bescheidener Petrowitsch Mussorgski

(1839-1881)

„Die Klänge der menschlichen Sprache als äußere Manifestationen von Gedanken und Gefühlen müssen ohne Übertreibung und Gewalt zu Musik werden, die wahrhaftig, genau, aber künstlerisch, höchst künstlerisch ist.“

Modest Petrowitsch Mussorgski ist einer der brillantesten russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts und Mitglied der „Mächtigen Handvoll“. Mussorgskys innovatives Werk war seiner Zeit weit voraus.

Geboren in der Provinz Pskow. Wie viele talentierte Menschen zeigte er von Kindheit an musikalisches Talent, studierte in St. Petersburg und war der Familientradition zufolge ein Soldat. Das entscheidende Ereignis, das feststellte, dass Mussorgsky nicht für den Militärdienst, sondern für die Musik geboren wurde, war seine Begegnung mit M.A. Balakirev und sein Beitritt zur „Mächtigen Handvoll“.

Mussorgski ist großartig, weil er in seinen grandiosen Werken – den Opern „Boris Godunow“ und „Khovanshchina“ – die dramatischen Meilensteine der russischen Geschichte mit einer radikalen Neuheit, die die russische Musik vor ihm nicht kannte, in Musik einfing und in ihnen eine Kombination aus Masse zeigte Volksszenen und eine vielfältige Typenvielfalt, der einzigartige Charakter des russischen Volkes. Diese Opern gehören in zahlreichen Auflagen sowohl des Autors als auch anderer Komponisten zu den beliebtesten russischen Opern der Welt.

Ein weiteres herausragendes Werk Mussorgskis ist der Klavierzyklus „Bilder einer Ausstellung“, farbenfrohe und einfallsreiche Miniaturen, durchdrungen von einem russischen Themenrefrain und orthodoxem Glauben.

Mussorgskys Leben hatte alles – sowohl Größe als auch Tragödie, aber er zeichnete sich immer durch echte spirituelle Reinheit und Selbstlosigkeit aus.

Seine letzten Jahre waren schwierig – unruhiges Leben, mangelnde Anerkennung der Kreativität, Einsamkeit, Alkoholsucht, all dies bestimmte seinen frühen Tod im Alter von 42 Jahren, er hinterließ relativ wenige Werke, von denen einige von anderen Komponisten vollendet wurden.

Mussorgskys spezifische Melodie und innovative Harmonie nahmen einige Merkmale der musikalischen Entwicklung des 20. Jahrhunderts vorweg und spielten eine wichtige Rolle bei der Stilbildung vieler Weltkomponisten.

Zitat über M.P. Mussorgsky:„Die ursprünglichen russischen Klänge in allem, was Mussorgski geschaffen hat“ N.K. Roerich

Interessante Tatsache: Am Ende seines Lebens verzichtete Mussorgski auf Druck seiner „Freunde“ Stassow und Rimski-Korsakow auf das Urheberrecht an seinen Werken und schenkte sie Tertius Filippow.

4. Pjotr Iljitsch Tschaikowsky

(1840-1893)

„Ich bin ein Künstler, der meinem Vaterland Ehre erweisen kann und soll. Ich spüre eine große künstlerische Stärke in mir; ich habe noch nicht einmal ein Zehntel von dem geschafft, was ich kann. Und das möchte ich mit aller Kraft meiner Seele tun.“

Pjotr Iljitsch Tschaikowsky, vielleicht der größte russische Komponist des 19. Jahrhunderts, brachte die russische Musikkunst auf ein beispielloses Niveau. Er ist einer der bedeutendsten Komponisten der klassischen Weltmusik.

Tschaikowsky stammt aus der Provinz Wjatka, obwohl seine väterlichen Wurzeln in der Ukraine liegen. Er zeigte schon in seiner Kindheit musikalische Fähigkeiten, seine erste Ausbildung und Arbeit fand jedoch im Bereich der Rechtswissenschaft statt.

Tschaikowsky war einer der ersten russischen „professionellen“ Komponisten; er studierte Musiktheorie und Komposition am neuen St. Petersburger Konservatorium.

Tschaikowsky galt als „westlicher“ Komponist, im Gegensatz zu den populären Figuren der „Mächtigen Handvoll“, mit denen er gute kreative und freundschaftliche Beziehungen pflegte, aber sein Werk ist nicht weniger vom russischen Geist durchdrungen, er schaffte es, diesen auf einzigartige Weise zu verbinden Westliches symphonisches Erbe von Mozart, Beethoven und Schumann mit den russischen Traditionen von Michail Glinka.

Der Komponist führte ein aktives Leben – er war Lehrer, Dirigent, Kritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, arbeitete in zwei Hauptstädten, tourte durch Europa und Amerika.

Tschaikowsky war ein eher emotional instabiler Mensch; Begeisterung, Niedergeschlagenheit, Apathie, heißes Temperament, heftige Wut – all diese Stimmungen wechselten in ihm ziemlich oft; da er ein sehr geselliger Mensch war, strebte er immer nach Einsamkeit.

Aus Tschaikowskys Werk das Beste auszuwählen, ist eine schwierige Aufgabe; er hat mehrere gleichwertige Werke in fast allen Musikgenres – Oper, Ballett, Symphonie, Kammermusik. Und der Inhalt von Tschaikowskys Musik ist universell: Mit unnachahmlicher Melodik umfasst sie Bilder von Leben und Tod, Liebe, Natur, Kindheit, sie enthüllt Werke der russischen Literatur und der Weltliteratur auf neue Weise und spiegelt die tiefen Prozesse des spirituellen Lebens wider.

Zitat des Komponisten:„Das Leben hat nur dann Schönheit, wenn es aus dem Wechsel von Freude und Leid, aus dem Kampf zwischen Gut und Böse, aus Licht und Schatten besteht, mit einem Wort – aus Vielfalt in Einheit.“

„Großes Talent erfordert große harte Arbeit.“

Zitat über den Komponisten: „Ich bin bereit, Tag und Nacht als Ehrenwache auf der Veranda des Hauses zu stehen, in dem Pjotr Iljitsch lebt – so sehr respektiere ich ihn.“ A.P. Tschechow

Interessante Tatsache: Die Universität Cambridge verlieh Tschaikowsky in Abwesenheit und ohne Verteidigung einer Dissertation den Titel eines Doktors der Musik, und die Pariser Akademie der Schönen Künste wählte ihn zum korrespondierenden Mitglied.

5. Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow

(1844-1908)

N.A. Rimsky-Korsakov und A.K. Glazunov mit ihren Schülern M.M. Chernov und V.A. Senilov. Foto 1906

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ist ein talentierter russischer Komponist und eine der wichtigsten Figuren bei der Schaffung eines unschätzbaren russischen Musikerbes. Seine einzigartige Welt und seine Verehrung der ewigen, allumfassenden Schönheit des Universums, seine Bewunderung für das Wunder der Existenz und seine Einheit mit der Natur haben in der Geschichte der Musik keine Entsprechung.

Geboren in der Provinz Nowgorod, wurde er der Familientradition zufolge Marineoffizier und bereiste auf einem Kriegsschiff viele Länder in Europa und den beiden amerikanischen Kontinenten. Seine musikalische Ausbildung erhielt er zunächst von seiner Mutter, dann nahm er Privatunterricht beim Pianisten F. Canille. Und wiederum hat die Welt dank M.A. Balakirev, dem Organisator der „Mighty Handful“, der Rimsky-Korsakov in die Musikszene einführte und sein Werk beeinflusste, keinen talentierten Komponisten verloren.

Den zentralen Platz im Erbe von Rimsky-Korsakov nehmen die Opern ein – 15 Werke, die die Vielfalt der Genres, stilistischen, dramatischen und kompositorischen Lösungen des Komponisten demonstrieren und dennoch einen besonderen Stil haben – mit dem ganzen Reichtum der Orchesterkomponente, den wichtigsten sind melodische Gesangslinien.

Zwei Hauptrichtungen zeichnen das Werk des Komponisten aus: Die erste ist die russische Geschichte, die zweite die Welt der Märchen und Epen, für die er den Spitznamen „Geschichtenerzähler“ erhielt.

Neben seiner direkten selbständigen schöpferischen Tätigkeit ist N.A. Rimsky-Korsakov als Publizist, Zusammenstellung von Volksliedsammlungen, an denen er großes Interesse zeigte, sowie als Vervollständiger der Werke seiner Freunde Dargomyzhsky, Mussorgsky und Borodin bekannt . Rimski-Korsakow war der Begründer einer Kompositionsschule; als Lehrer und Direktor des St. Petersburger Konservatoriums bildete er etwa zweihundert Komponisten, Dirigenten und Musikwissenschaftler aus, darunter Prokofjew und Strawinsky.

Zitat über den Komponisten:„Rimski-Korsakow war ein sehr russischer Mann und ein sehr russischer Komponist. Ich glaube, dass dieses ursprünglich russische Wesen, seine tiefe folkloristisch-russische Basis heute besonders geschätzt werden sollte.“ Mstislaw Rostropowitsch

Fakt zum Komponisten: Nikolai Andreevich begann seine erste Kontrapunktstunde so:

- Jetzt werde ich viel reden und Sie werden sehr aufmerksam zuhören. Dann werde ich weniger reden, und Sie werden zuhören und nachdenken, und schließlich werde ich überhaupt nicht sprechen, und Sie werden mit Ihrem eigenen Kopf denken und unabhängig arbeiten, denn meine Aufgabe als Lehrer ist es, für Sie überflüssig zu werden ...