Methodische Entwicklung „Entwicklung des musikalisch-phantasievollen Denkens bei Grundschulkindern“. Grundlagenforschung Die Struktur des musikalischen Denkens

Die Spezifität und Originalität des musikalischen Denkens hängt vom Grad der Entwicklung der musikalischen Fähigkeiten sowie von den Bedingungen des musikalischen Umfelds ab, in dem ein Mensch lebt und aufwächst.

Beachten wir insbesondere diese Unterschiede zwischen östlichen und westlichen Musikkulturen.

Die östliche Musik zeichnet sich durch monodisches Denken aus: horizontale Entwicklung des musikalischen Denkens unter Verwendung zahlreicher Tonartenneigungen (über achtzig), Viertelton, Ein-Acht-Ton, gleitende melodische Wendungen, Reichtum rhythmischer Strukturen, untemperierte Klangverhältnisse, Klangfarbe und melodische Vielfalt.

Die europäische Musikkultur ist geprägt von homophon-harmonischem Denken: vertikale Entwicklung des musikalischen Denkens, verbunden mit der Bewegungslogik harmonischer Sequenzen und der darauf basierenden Entwicklung von Chor- und Orchestergenres.

Musikalisches Denken wird seit der Antike untersucht. Somit kann man sagen, dass das von Pythagoras bei seinen Experimenten mit dem Monochord entdeckte System der Korrelation musikalischer Töne den Beginn der Entwicklung der Wissenschaft des musikalischen Denkens markiert.

2. Denkweisen. Individuelle Merkmale des Denkens

In der Musikkunst visuell-reales Denken kann die Aktivitäten eines Darstellers, Lehrers oder Erziehers umfassen.

Visuell-figuratives Denken im Zusammenhang mit den Besonderheiten Wahrnehmung des Zuhörers.

Abstraktes/theoretisches, abstrakt-logisches/Denken ist mit der Tätigkeit eines Komponisten und Musikwissenschaftlers verbunden. Im Zusammenhang mit den Besonderheiten der Musikkunst lässt sich eine weitere Denkweise unterscheiden, die für alle Arten musikalischer Tätigkeit charakteristisch ist – das kreative Denken.

Alle diese Arten des musikalischen Denkens haben auch sozialhistorischen Charakter, d.h. gehören zu einer bestimmten historischen Epoche. So erscheint der Stil verschiedener Epochen: Stil der antiken Polyphonisten, Stil der Wiener Klassik, Stil der Romantik, des Impressionismus usw. Wir können eine noch stärkere Individualisierung des musikalischen Denkens in der Kreativität beobachten, in der Art und Weise, musikalisches Denken auszudrücken, die für einen bestimmten Komponisten oder Interpreten charakteristisch ist. Jeder große Künstler, auch wenn er im Rahmen der von der Gesellschaft vorgeschlagenen Stilrichtung handelt, ist eine einzigartige Individualität/Persönlichkeit/.

Musikalisches Denken steht in direktem Zusammenhang mit der Entstehung eines künstlerischen Bildes. In der modernen Musikpsychologie wird das künstlerische Bild eines Musikwerks als Einheit dreier Prinzipien betrachtet – materiell, spirituell und logisch. Das Materialprinzip umfasst:

– Notentext,

Akustische Parameter,

Melodie

Harmonie

Metrorhythmus,

Dynamik,

Registrieren,

Rechnung;

zum spirituellen Anfang:

– Stimmungen,

Verbände,

Ausdruck,

Gefühle;

zum logischen Anfang:

Nur wenn alle diese Prinzipien des musikalischen Bildes in den Köpfen des Komponisten, Interpreten und Zuhörers verstanden werden, können wir von der Präsenz echten musikalischen Denkens sprechen.

Bei der musikalischen Tätigkeit konzentriert sich das Denken hauptsächlich auf folgende Aspekte:

Durchdenken der figurativen Struktur des Werkes – mögliche darüber stehende Assoziationen, Stimmungen und Gedanken;

Nachdenken über das musikalische Gefüge eines Werkes – die Logik der Gedankenentwicklung im harmonischen Aufbau, die Merkmale von Melodien, Rhythmus, Textur, Dynamik, Agogik, Formbildung;

Finden der vollkommensten Wege, Methoden und Mittel, Gedanken und Gefühle auf einem Instrument oder auf Notenpapier auszudrücken.

Nach Ansicht vieler Musiker-Lehrer dominiert in der modernen Musikausbildung oft die Ausbildung der professionellen Spielfähigkeiten der Schüler, bei der der Erwerb bereichernder und theoretischer Kenntnisse langsam erfolgt.

Abschluss: Die Erweiterung des musikalischen und allgemeinen geistigen Horizonts, die aktiv zur Entwicklung des musikalischen Denkens beiträgt, sollte einem jungen Musiker ein ständiges Anliegen sein, denn dadurch steigert er seine beruflichen Fähigkeiten.

3. Logik der Entwicklung des musikalischen Denkens

In ihrer allgemeinsten Form enthält die logische Entwicklung des musikalischen Denkens nach der bekannten Formel von B.V. Asafiev: – erster Impuls, Bewegung und Vollendung.

Den ersten Impuls gibt die erste Präsentation eines Themas oder zweier Themen, die als Exposition oder Präsentation bezeichnet wird.

Nach der Präsentation beginnt die Entwicklung des musikalischen Denkens und eines der einfachen Beispiele, die hier verwendet werden, ist Wiederholung und Vergleich.

Ein weiteres Beispiel für die Entwicklung des musikalischen Denkens ist das Prinzip der Variation und des Wechsels.

Förderung- Dies ist eine Art Vergleich, bei dem jeder der benachbarten Abschnitte das Element des vorherigen behält und ihm gemäß der Formel ab-bc-cd eine neue Fortsetzung hinzufügt.

Progressive Komprimierung– dann nimmt die Dynamik zu, das Tempo beschleunigt sich und die Harmonien wechseln gegen Ende eines Teils oder des gesamten Werkes häufiger.

Entschädigung– wenn ein Teil des Werkes den anderen in Charakter, Tempo und Dynamik ausgleicht.

4. Entwicklung des musikalischen Denkens

Nach dem allgemeinen pädagogischen Konzept des berühmten Lehrers M.I.Makhmutova Um die Denkfähigkeit der Schüler zu entwickeln, ist es wichtig, Problemsituationen zu nutzen. PS kann modelliert werden durch:

Begegnungen der Studierenden mit Lebensphänomenen und Sachverhalten, die einer theoretischen Erklärung bedürfen;

Organisation der praktischen Arbeit;

Den Schülern Lebensphänomene präsentieren, die bisherigen Alltagsvorstellungen über diese Phänomene widersprechen;

Formulierung von Hypothesen;

Ermutigung der Schüler, ihr vorhandenes Wissen zu vergleichen, gegenüberzustellen und gegenüberzustellen;

Ermutigung der Schüler, neue Fakten vorab zu verallgemeinern;

Forschungsaufträge.

Bezogen auf die Aufgaben des Musiklernens lassen sich Problemsituationen wie folgt formulieren.

Um Denkfähigkeiten im Prozess der Musikwahrnehmung zu entwickeln, wird empfohlen:

Identifizieren Sie die Hauptintonationsstruktur im Werk.

Bestimmen Sie die Stilrichtungen eines Musikwerks nach Gehör;

Finden Sie unter anderem ein Musikfragment eines bestimmten Komponisten;

Identifizieren Sie die Merkmale des Aufführungsstils;

Identifizieren Sie harmonische Sequenzen nach Gehör;

Passen Sie Geschmack, Geruch, Farbe, Literatur, Malerei usw. an die Musik an.

Um während des Aufführungsprozesses Denkfähigkeiten zu entwickeln, sollten Sie:

Vergleichen Sie den Executive-Plan verschiedener Editionen;

Finden Sie führende Intonationen und Stützpunkte, entlang derer sich musikalisches Denken entwickelt;

Erstellen Sie mehrere Leistungspläne für die Arbeit;

Spielen Sie ein Stück mit verschiedenen imaginären Orchestrierungen;

Führen Sie die Arbeit in einer anderen imaginären Farbe aus.

Um Denkfähigkeiten beim Komponieren von Musik zu entwickeln:

Harmonische Sequenzen melodisch entwickeln, basierend auf allgemeinem Bass, Bourdon und rhythmischem Ostinato;

Finden Sie bekannte Lieder nach Gehör;

Improvisationsstücke tonaler und atonaler Natur auf der Grundlage eines bestimmten emotionalen Zustands oder künstlerischen Bildes;

Die Verkörperung von Sprache, alltäglichen Dialogen in musikalischem Material;

Improvisation über verschiedene Epochen, Stile, Charaktere;

Stil- und Genrevielfalt des gleichen Werkes.

5. Pädagogische Voraussetzungen für die Bildung musikalischen Denkens bei jugendlichen Schülern (im Rahmen des Musikunterrichts)

Musikalisches Denken ist ein wichtiger Bestandteil der Musikkultur. Daher bestimmt der Entwicklungsstand maßgeblich die Musikkultur und die Heranwachsenden der Studierenden. Ziele des Musikprogramms:

Nutzen Sie Musik zur Entwicklung der emotionalen Kultur der Schüler.

Ihre Fähigkeit entwickeln, Musikwerke bewusst wahrzunehmen;

Denken Sie kreativ über deren Inhalt nach;

Beeinflussen Sie das Thema durch Musik;

Entwickeln Sie die Leistungsfähigkeiten der Schüler.

Dementsprechend werden Anforderungen an einen Musikunterricht (in einer weiterführenden Schule, in einer Musikschule etc.) formuliert, der ganzheitlich sein muss und auf eine emotional sinnvolle Kommunikation zwischen Schülern und Musik abzielt.

Die Wahrnehmung musikalischer Werke durch jugendliche Studierende geht davon aus:

- ihr Bewusstsein für ihre emotionalen Beobachtungen und Erfahrungen;

- Bestimmung des Grades ihrer Übereinstimmung mit dem Inhalt des Musikwerks, d.h. sein Verständnis, seine Bewertung basiert auf der Aneignung eines bestimmten Systems von Wissen und Vorstellungen über Musik als Kunst.

Basierend auf der Analyse von Musikprogrammen unter Berücksichtigung der psychologischen und pädagogischen Aspekte der musikalischen Aktivität jugendlicher Schulkinder können wir eine Reihe von Faktoren identifizieren, die in gewisser Weise den Entwicklungsstand ihrer musikalischen Denkfähigkeiten bestimmen.

1. Psychologische und pädagogische Faktoren:

Natürliche Fähigkeiten (emotionale Reaktionsfähigkeit auf Musik, sensorische Fähigkeiten: melodisches, harmonisches und andere Arten des musikalischen Hörens, ein Gefühl für musikalischen Rhythmus, das es den Schülern ermöglicht, sich erfolgreich an musikalischen Aktivitäten zu beteiligen;

Individuelle und charakterologische Merkmale des Kindes, die zur Identifizierung der Qualität seiner emotionalen und willentlichen Sphäre beitragen (Konzentrationsfähigkeit, logisches und abstraktes Denkvermögen, Empfänglichkeit, Beeinflussbarkeit, Ideenentwicklung, Fantasie, musikalisches Gedächtnis);

Merkmale der Motivation für musikalische Aktivitäten (Zufriedenheit durch die Kommunikation mit Musik, Identifizierung musikalischer Interessen und Bedürfnisse);

2. Analytische und technologische Faktoren:

Die Studierenden verfügen über ein gewisses Maß an musiktheoretischen und historischen Kenntnissen, die Fähigkeit, die Merkmale der Musiksprache zu verstehen und mit ihnen im Prozess der musikalischen Tätigkeit umzugehen.

3. Künstlerische und ästhetische Faktoren:

Über eine gewisse künstlerische Erfahrung, einen ästhetischen Entwicklungsstand, einen ausreichend entwickelten Musikgeschmack und die Fähigkeit verfügen, Musikwerke im Hinblick auf ihren künstlerischen und ästhetischen Wert und ihre Bedeutung zu analysieren und zu bewerten.

Das Vorhandensein bestimmter Komponenten des musikalischen Denkens bei jugendlichen Studierenden und der Grad ihrer Ausbildung können anhand der folgenden Kriterien im Prozess der forschungspädagogischen Tätigkeit festgestellt werden.

1. Merkmale der reproduktiven Komponente des musikalischen Denkens:

Interesse an musikalischen Aktivitäten;

Kenntnis der Besonderheiten der Elemente der Musiksprache, ihrer Ausdrucksfähigkeiten, die Fähigkeit, mit musikalischem Wissen im Prozess der Wahrnehmung und Aufführung musikalischer Werke zu operieren (nach Anweisung des Lehrers).

2. Merkmale der reproduktiv-produktiven Komponente des musikalischen Denkens:

Interesse an der Aufführung von Volksliedern und klassischen Liedern;

Die Fähigkeit, das künstlerische Bild eines Liedes angemessen wahrzunehmen und zu interpretieren;

Die Möglichkeit, einen eigenen Plan für dessen Ausführung und Anordnung zu erstellen;

Die Fähigkeit, die eigene Darbietung eines Liedes objektiv zu bewerten;

Die Fähigkeit, ein Musikwerk unter dem Gesichtspunkt seiner Dramaturgie, Genre- und Stilmerkmale sowie seines künstlerischen und ästhetischen Werts ganzheitlich zu analysieren.

3. Merkmale der produktiven Komponente des musikalischen Denkens:

Das Vorhandensein eines Bedarfs an Kreativität bei verschiedenen Arten musikalischer Aktivitäten;

Entwicklung eines Systems musikalischer und auditiver Wahrnehmungen, die Fähigkeit, diese in praktischen musikalischen Aktivitäten zu nutzen;

Besondere künstlerische Fähigkeiten (künstlerische Vision etc.);

Die Fähigkeit, bei der Erstellung eigener Musikbeispiele mit den Mitteln der musikalischen Sprache (Sprache) zu operieren.

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Dabei kommt dem Lehrer, dem Musikdirektor, eine große Rolle zu, der die bedingungslose Autorität für einen Vorschulkind ist, der noch keine Weltanschauung entwickelt hat.

Das Kind akzeptiert bereitwillig das Wertesystem eines anderen und nutzt es aktiv in Beziehungen zu Gleichaltrigen, Eltern usw. Erst nach und nach hebt er seine persönlichen Prioritäten hervor. Während der Vorschulkindheit findet ihre Bildung und emotionale Entwicklung in Aktivitäten statt. Deshalb ist es so wichtig, dass der Lehrer die richtigen Akzente setzt, um das Verständnis der musikalischen Bilder und der Bedeutung der Werke zu erleichtern.

Eine große Rolle beim Verständnis der emotionalen Seite eines Werkes spielt das Erleben psychologischer Erfahrungen aus dem Privatleben: Freude, Trauer, Verlust, Verlust, Trennung, Begegnung usw.

Die Bildung des musikalischen Denkens wird beeinflusst durch:

• Sozialpsychologische Faktoren.
• Musikalitätsgrad (das Vorhandensein verschiedener Arten des musikalischen Gehörs: intern, harmonisch, polyphon, Tonhöhe, melodisch).
• Entwicklungsstand der Aufmerksamkeit (freiwillig, postfreiwillig; Qualitäten wie Volumen, Selektivität, Stabilität, Verteilungsfähigkeit, Wechselfähigkeit).

Die Persönlichkeitsstruktur beinhaltet musikalisches Denken und musikalische Wahrnehmung, die miteinander verbunden, aber nicht identisch sind.

Der Wahrnehmungsprozess findet erst im Moment des Musikspiels statt; musikalisches Denken ist gleichzeitig mit der Wahrnehmung und nach ihr aktiv. Man kann sagen, dass die Wahrnehmung von Musik einen mentalen Prozess beinhaltet, der wiederum die Wahrnehmung beeinflusst. Es ist bekannt, wie wichtig es ist, die kognitive Aktivität eines Kindes zu entwickeln – die Fähigkeit, das Gehörte zu analysieren, zu vergleichen, zu verallgemeinern, Verbindungen und Beziehungen zwischen musikalischen Klängen und Objekten zu finden und zu verstehen.

Fantasievolles Denken ermöglicht es einem Kind, über das Gewöhnliche hinauszugehen, mit Vorstellungen über bestimmte Objekte und deren Eigenschaften zu arbeiten, weckt assoziatives Denken und schließt das figurative Gedächtnis ein. Ziel dieser geistigen Arbeit ist es, die Eindrücke des Erlebten bei der Wahrnehmung von Musik zu bewahren.

Eine große Rolle bei der Entwicklung des musikalischen Denkens durch die Wahrnehmung von Musik spielt die Vorstellungskraft, die in diesem Fall als der mentale Prozess der Schaffung von Bildern, einschließlich Tonbildern, und der Modellierung von Situationen durch die Kombination von Elementen aus persönlicher Erfahrung betrachtet wird.

Im Moment der Musikwahrnehmung entwickelt sich die reproduktive und kreative Vorstellungskraft durch die Techniken der Agglutination (aus Teilen eines Bildes), der Analogie (Identifizierung identischer Momente in verschiedenen Teilen der Musik), der Hyperbolisierung (Zunahme, Abnahme oder Änderung von Ideen) und der Akzentuierung (Hervorheben einer Phrase oder eines Teils eines Werks), Typisierung (Identifizieren sich wiederholender Motive in einer Melodie oder Teilen in einem Werk.

Um bei der Wahrnehmung von Musik Bilder zu erzeugen, ist es notwendig, das freiwillige und unfreiwillige Gedächtnis, seine verschiedenen Arten – emotional, figurativ, logisch, kurzfristig und langfristig – einzubeziehen.

Musik kann alle in der realen Welt erlebten Emotionen vermitteln.

Aber das Verständnis dieser Empfindungen basiert nur auf den Erfahrungen des Kindes, auf jenen Gefühlen, die zum Erwachen bereit sind. Die Wahrnehmung von Melodien durch ein Kind verändert sich in jeder Phase seines Erwachsenwerdens erheblich. Im Vorschulalter wird die Melodiewahrnehmung zu einer der wichtigsten Formen der Intonationswahrnehmung, die für die aktive Entwicklung des musikalischen Denkens im Allgemeinen wichtig ist. Der Musikdirektor muss ein Hörrepertoire auswählen, das dem Kind hilft, in seine innere Welt zu blicken, auf sich selbst zu hören, sich selbst zu verstehen und zu lernen, musikalisch zu denken.

Die Wahrnehmung von Musik sollte in einer freien Atmosphäre stattfinden. Der Lehrer stimmt das Kind auf die Art des Stücks ein und fördert so die Entspannung und die Fähigkeit, sich auf Geräusche zu konzentrieren. Sie müssen lernen, Musik nicht nur mit Ihren Ohren wahrzunehmen, sondern auch ihren Duft einzuatmen, sie auf Ihrer Zunge zu spüren, sie mit Ihrer Haut zu spüren und selbst zum Klang zu werden, sodass die Musik von den Zehenspitzen bis zu den Wurzeln dringt deiner Haare... Es ist wichtig, die Musik keinen Moment aus der Aufmerksamkeit zu lassen.

Die Grundlage für die Entwicklung des musikalischen Denkens ist die Bildung von Vorstellungen der Schüler über Konzepte wie musikalische Ausdrucksmittel (Tempo, Klangfarbe, Register, Größe, Dynamik, Rhythmus, Melodie, Begleitung, Textur, Form usw.); Thesaurus musikalischer Begriffe und Konzepte; die Entstehung einer persönlich bedeutsamen Bedeutung in der Wahrnehmung von Musik, die durch die Ähnlichkeit und Resonanz der Semantik der Musiksprache und der semantischen unbewussten Strukturen einer Person möglich wird. Unbewusste Bilder, die mit der Musik in Resonanz geraten, werden verstärkt und dadurch dem Bewusstsein zugänglich gemacht. Das heißt, das Unbewusste ist Teil des musikalischen Denkens. Es versorgt alle Phasen und Vorgänge des Denkprozesses mit dem notwendigen mentalen Material, das für das Endergebnis von Bedeutung ist.

Die Wahrnehmung von Musik geht jeder anderen Art musikalischer Tätigkeit (Singen, Spielen von Musikinstrumenten, musikalisch-rhythmischer Bewegung) voraus und ist in allen Arten musikalischer und musikdidaktischer Spiele präsent.

Deshalb ist es ein notwendiges Mittel zur Erkenntnis und steht in engem Zusammenhang mit der Entwicklung des musikalischen Denkens, des Gedächtnisses, der Aufmerksamkeit und der Vorstellungskraft. Es handelt sich nicht um ein passives Kopieren einer unmittelbaren Wirkung, sondern um einen „lebendigen“ kreativen Prozess. Die Wahrnehmung von Musik hilft bei der Bildung und Entwicklung von Fähigkeiten wie dem Erkennen der Beziehung zwischen Empfindungen, Wahrnehmung und Vorstellungskraft, dem Verständnis der Beziehung zwischen objektiver und subjektiver Wahrnehmung, ihrer Verbindung mit Vorstellungskraft und Gedächtnis sowie von Merkmalen wie Sinnhaftigkeit und Allgemeingültigkeit, Objektivität und Integrität, Geschwindigkeit und Korrektheit, Selektivität, Konstanz usw.

Musikalisches Denken aktiviert Aufmerksamkeit, Gedächtnis und Vorstellungskraft.

Darüber hinaus bezieht es andere Arten des Denkens in die Arbeit ein: konvergent (logisch, in geringem Maße), sequentiell usw. Unidirektionales Denken manifestiert sich in Aufgaben, die eine einzige richtige Antwort erfordern (z. B. die Bestimmung der musikalischen Form eines Stücks). , den Namen eines Instruments herausfinden usw.). Intuitives und assoziatives Denken manifestieren sich in der Bestimmung des Wesens der Musik.

Die Einbeziehung der oben genannten Denkweisen in das Werk trägt zur Bildung der Fähigkeit bei, zu analysieren (Schemata der Werkstruktur), zu synthetisieren (die Resonanz eines einzelnen Klangs, des höchsten oder niedrigsten, aus einem Werk zu isolieren), verallgemeinern (Teile eines Werkes mit gleicher Dynamik finden), klassifizieren (zu welcher Klasse gehören Instrumente, Aufführungswerke), Definitionen von Konzepten geben (über Musikgenres, Volkstänze usw.).

Mit folgenden Aufgaben können Sie das Denken entwickeln:

• analysieren Sie die Bewegungsrichtung der Melodie und schreiben Sie sie grafisch auf;
• bestimmen Sie, welches Instrument die Melodie im Stück vorträgt, welche Instrumente in der Begleitung erklingen;
• zu welchem ​​Genre der Musikkunst das Werk gehört;
• welche musikalischen Ausdrucksmittel lassen sich bei der Bildgestaltung in diesem Werk erkennen usw.

Divergentes Denken gilt als Alternative, die von der Logik abweicht. Es ist am engsten mit der Vorstellungskraft verbunden und gilt eindeutig als kreativ, da es originelle Ideen und Pläne hervorbringt. Es werden mehrere Antworten auf eine Frage vorausgesetzt, manchmal auch viele, und alle werden richtig sein. Zum Beispiel über die Art der Arbeit. Jeder nimmt es anders wahr und alles, was das Kind sagt, wird wahr sein. Der Lehrer sollte nicht vergessen, das Kind zu loben. Das gibt ihm Selbstvertrauen, den Wunsch, weiterhin Musik zu hören und darüber zu sprechen, und hilft ihm, entspannter zu werden.

Sie können Kinder einladen, mit Farben Bilder von Musikklängen zu zeichnen; sie werden für jeden anders und für jeden richtig sein. Die Entwicklung divergenten Denkens bei der Wahrnehmung von Musik trägt zur Entwicklung von Originalität, Flexibilität, Fließfähigkeit (Produktivität) des Denkens, einfacher Assoziation, Überempfindlichkeit, Emotionalität usw. bei.

Darüber hinaus entwickelt sich sowohl direkt im Moment der Wahrnehmung von Musik durch das Kind als auch nach dem Wahrnehmungsprozess (bei der Diskussion des Werkes äußern Kinder ihre Gedanken über das, was sie zusammen mit der Musik erlebt haben) alle Arten des Denkens: verbal- logisch, visuell-figurativ, visuell-wirksam und seine Formen: theoretisch, praktisch, freiwillig, unfreiwillig usw.

Man kann mit Sicherheit sagen, dass die Wahrnehmung von Musik ein Mittel zur Entwicklung musikalischen Denkens ist.

Es fördert die Einbeziehung von Denkweisen wie konvergent, intuitiv, assoziativ, divergent, verbal-logisch, visuell-figurativ, visuell-effektiv in theoretische, praktische, freiwillige und unfreiwillige Formen in die Arbeit. Somit ist die Wahrnehmung von Musik eines der wirkungsvollsten Mittel, um den Denkprozess von Vorschulkindern anzuregen, was zur Entwicklung der allgemeinen Intelligenz und der Persönlichkeit insgesamt beiträgt.

Die Bedeutung der Kreativität im menschlichen Leben.

Phasen der Kreativität.

Komponenten des kreativen Prozesses und Methoden ihrer Entwicklung im Musikunterricht.

Denken als psychologisches Konzept. Operationen des Denkens.

Musikalisches Denken und seine Arten.

Entwicklungsstufen des musikalischen Denkens im Musikunterricht an weiterführenden Schulen.

Methoden zur Entwicklung musikalischen Denkens.

Die moderne Zeit ist eine Zeit des Wandels. Wir brauchen heute mehr denn je Menschen, die kreativ denken und innovative Entscheidungen treffen können. Moderne Massenschulen reduzieren die Bildung der Kinder größtenteils auf das Auswendiglernen und Reproduzieren von Handlungstechniken und Standardmethoden zur Problemlösung. Im Erwachsenenalter sind Absolventen oft hilflos, wenn sie mit Lebensproblemen konfrontiert werden, bei deren Lösung sie die Fähigkeit zum unabhängigen Denken einsetzen und nach ungewöhnlichen Lösungen für schwierige Situationen suchen müssen.

Kreative Menschen werden in jedem Beruf benötigt.

Eine kreative Person kann viele Lösungen für ein Problem finden, während normalerweise nur eine oder zwei gefunden werden können;

Kreative Menschen wechseln leicht von einem Aspekt zum anderen und sind nicht auf einen Standpunkt beschränkt;

unerwartete, nicht triviale Entscheidungen zu einem Problem oder Sachverhalt treffen.

Phasen der Kreativität:

Ansammlung vielfältiger Lebenserfahrungen;

zunächst intuitives (vages, ungeordnetes) Verständnis und Verallgemeinerung der Lebenserfahrung;

bewusste Erstanalyse und Auswahl der Erfahrungsergebnisse unter dem Gesichtspunkt ihrer Bedeutung, Materialität (Geburt von Bewusstseinsideen);

der Wunsch, die Objekte der Erfahrung (Phantasie, Aufregung, Glaube) spirituell zu verändern;

logische Verarbeitung und Kombination der Ergebnisse von Intuition, Vorstellungskraft, Erregung und Glauben mit den Ideen des Bewusstseins (die Arbeit der Vernunft);

Verallgemeinerung und persönliche Interpretation des gesamten kreativen Prozesses als Ganzes, Klärung und Entwicklung von Bewusstseinsideen, deren endgültige Formulierung (die Arbeit von Vernunft und Intuition).

Bestandteile des kreativen Prozesses:

Integrität der Wahrnehmung– die Fähigkeit, ein künstlerisches Bild als Ganzes wahrzunehmen, ohne es zu fragmentieren;

Originalität des Denkens– die Fähigkeit, Objekte und Phänomene der umgebenden Welt mit Hilfe von Gefühlen durch persönliche, originelle Wahrnehmung subjektiv wahrzunehmen und in bestimmten Originalbildern zu materialisieren;

Flexibilität, Variabilität des Denkens– die Fähigkeit, von einem Thema zu einem anderen zu wechseln, das inhaltlich weit entfernt ist;

Speicher bereit– die Fähigkeit, sich Informationen zu merken, zu erkennen, wiederzugeben, Umfang, Zuverlässigkeit des Gedächtnisses;

Einfache Ideengenerierung– die Fähigkeit, in kurzer Zeit problemlos mehrere unterschiedliche Ideen umzusetzen;

Konvergenz von Konzepten– die Fähigkeit, Ursache-Wirkungs-Beziehungen zu finden und entfernte Konzepte zu assoziieren;

Die Arbeit des Unterbewusstseins– Fähigkeit zur Voraussicht oder Intuition;

Entdeckungsfähigkeit, paradoxes Denken– Etablierung bisher unbekannter, objektiv existierender Muster von Objekten und Phänomenen der uns umgebenden Welt, wodurch grundlegende Veränderungen im Wissensstand eingeführt werden;

Fähigkeit zur Reflexion – Fähigkeit, Handlungen zu bewerten;

Fantasie oder Fantasie– die Fähigkeit, Bilder oder Handlungen nicht nur zu reproduzieren, sondern auch zu erstellen.

Die schöpferischen Fähigkeiten des Menschen sind untrennbar mit der Entwicklung des Denkens verbunden. Diese Fähigkeiten beziehen sich auf divergentes Denken , d.h. Art des Denkens, die vom Problem ausgehend in verschiedene Richtungen geht, ausgehend von seinem Inhalt, während die für uns typische Denkweise darin besteht konvergentes Denken – Ziel ist es, aus einer Vielzahl von Lösungen die einzig richtige zu finden.

Denken (in Psychologie)- der Prozess der bewussten Reflexion der Realität in ihren objektiven Eigenschaften, Zusammenhängen und Zusammenhängen, die der direkten Sinneswahrnehmung unzugänglich sind. Denken ist immer mit Handeln verbunden, ebenso wie mit Sprechen. Denken ist eine mit Hilfe eines Wortes verallgemeinerte Widerspiegelung der Realität, „verdichtete Rede“, Rede „zu sich selbst“, Reflexion, innere Rede.

Denkoperationen:

Analyse - mentale Zerlegung des Ganzen in Teile, wobei einzelne Zeichen und Eigenschaften darin hervorgehoben werden.

Synthese – mentale Verbindung von Teilen von Objekten oder Phänomenen, deren Kombination, Faltung. Untrennbar mit der Analyse verbunden.

Vergleich - Vergleich von Objekten und Phänomenen, um Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen ihnen zu finden.

Verallgemeinerung- mentale Identifizierung gemeinsamer Merkmale in Objekten und Phänomenen der Realität und darauf aufbauend deren mentale Vereinigung untereinander.

Unter all den vielfältigen Elementen der Bildung steht die Kunst aufgrund ihrer erstaunlichen Fähigkeit, Fantasie anzuregen und die Vorstellungskraft zu wecken, an erster Stelle. Musik ist eine Art temporäre Kunst und ihre volle Wahrnehmung ist durch die gemeinsame Gestaltung der Persönlichkeit des Autors des Werkes, der Persönlichkeit des Lehrers und des Schülers möglich.

Die Kreativität der Kinder zeigt sich deutlich. Erschaffen bedeutet erschaffen, erschaffen, gebären. Musik erschaffen – Musik zum Leben erwecken, Musik produzieren, Musik erschaffen, sie gebären usw.

B.V. schrieb über die Möglichkeit und Notwendigkeit, die musikalische Kreativität von Kindern in das System der musikalischen Bildung einzubeziehen. Asafjew. Die Idee der musikalischen Kreativität liegt dem bekannten System von K. Orff, Z. Kodaly und anderen zugrunde. Die Entwicklungsstadien der kindlichen Kreativität wurden von B. L. Yavorsky identifiziert. Die Studierenden sammeln Erfahrungen in der kreativen Tätigkeit in allen Arten musikalischer Aktivitäten. Musikalische und kreative Aktivitäten- Dies ist eine Art musikalisch-kognitive Aktivität von Kindern, die auf die selbstständige Schaffung und Interpretation musikalischer Bilder abzielt (Grishanovich N.N.).

Die Entwicklung des musikalischen Denkens ist eine der wichtigsten Aufgaben der Musikpädagogik an weiterführenden Schulen.

Musikalisches Denken – ein komplexer emotionaler und intellektueller Prozess der Wahrnehmung und Bewertung eines Musikwerks. Hierbei handelt es sich um eine komplexe Fähigkeit, die darin besteht, dass eine Person mit künstlerischen Bildern und deren Elementen (musikalischer Sprache) operieren kann.

Musikalisches Denken und musikalische Wahrnehmung sind eng miteinander verbunden, aber nicht gleichwertig. Sie können auch nicht als zeitlich aufeinanderfolgend betrachtet werden: die Wahrnehmung und darauf aufbauend das Denken. Die Wahrnehmung zielt auf die Aufnahme von Informationen von außen ab, das Denken auf die interne Verarbeitung von Informationen und die Generierung von Bedeutung.

Es gibt 3 Arten des musikalischen Denkens:

Aufführen – visuell wirksam (praktisch) – im Prozess des praktischen Handelns versteht eine Person das Werk, wählt die besten Aufführungsoptionen und interpretiert das musikalische Werk auf seine eigene Weise.

Hören – visuell-figurativ (figurativ) – im Prozess der musikalischen Wahrnehmung sucht der Hörer nach dem Sinn, der Bedeutung der klingenden Intonationen.

Komposition – abstrakt-logisch – der Komponist begreift Phänomene, komponiert Material, leitet es durch sich selbst, kreiert, entwickelt. Alle Arten des musikalischen Denkens sind kreativer Natur, weil Das Ergebnis jeglichen musikalischen Denkens ist das Wissen um die künstlerische Bedeutung eines Musikwerks.

Im Musikunterricht entwickelt sich das musikalische Denken auf 4 Ebenen:

Das Kind bzw. der Grad seiner Entwicklung hat großen Einfluss auf seine Erfolge beim Erlernen von Musik. Schließlich drücken Bilder immer Emotionen aus und Emotionen sind der Hauptinhalt fast jeder Musik.

Leider sind Kinderspiele nur sehr selten im emotionalen und übertragenen Sinne interessant; am häufigsten hört man trockene, akademische Geräusche. Gut, wenn das genau die Klänge sind, die der Komponist beabsichtigt hat. Noch besser ist es, wenn die Notendauern genau berechnet werden.

Nun, wenn das Tempo nah an der Gegenwart ist, was will man dann mehr? Alle Probleme wurden gelöst. Es ist einfach unglaublich langweilig, sich so ein Spiel anzuhören. Manchmal denkt man: „Es wäre besser, wenn etwas nicht stimmte, aber mit einer lebendigen emotionalen Reaktion.“

Damit diese Reaktion auftritt, muss das Kind jedoch ein aufrichtiges Interesse an dem haben, was es am Klavier tut. Die Hauptaufgabe besteht dabei darin, eine lebendige emotionale Reaktion auf Musik zu erreichen. Eine solche Reaktion, dass das Kind einfach vor Ungeduld „platzen“ würde, um mit Tönen von all den hellen Bildern zu erzählen, die in der Musik leben.

Und dafür ist es äußerst wichtig, dass er diese Bilder zuerst in der Musik hört. Da Kinder in dem Alter, in dem sie beginnen, Musik zu lernen, noch kein abstraktes Denken entwickelt haben, ruft der Klang von Musik in ihnen nicht immer eine assoziative Bildfolge hervor, die denen ähnelt, die sie bereits aus ihrer Kindheit kennen.

In diesem Zusammenhang ist es äußerst wichtig, das Kind dazu zu bringen, bewusst Brücken zwischen dem emotionalen Inhalt der von ihm gespielten Musik und den Bildern, Emotionen und Eindrücken zu schlagen, die es aus seiner Lebenserfahrung und aus dem Kontakt mit anderen verwandten Künsten erhält.

Eine dieser Künste, die der Musik nahesteht und ihr sehr nahe steht, ist die Literatur. Besonders wenn es um literarische und poetische Rezitation geht.

In der Musik gibt es Begriffe: „Satz“, „Phrase“. Wir verwenden auch die Konzepte: „Satzzeichen“, „Zäsur“. Aber das Wichtigste, was Musik mit ausdrucksstarker Sprache verbindet und eine der Hauptgrundlagen für die ausdrucksstarke Darbietung von Musik ist, ist die Intonation.

Die Bedeutung eines literarischen Werkes wird in Worten ausgedrückt, sodass es für ein Kind nicht schwer ist, den Inhalt des Textes zu verstehen. In der Musik erscheint dieser Inhalt viel abstrakter, er verbirgt sich hinter den klingenden Symbolen und um die Bedeutung zu verstehen, muss man die Dekodierung dieser Symbole kennen.

Ausdrucksstarke Intonation ist eines der Hauptsymbole, das den emotionalen Kontext in der Musik vermittelt. Woher kommen diese Intonationssymbole in der Musik und warum sind sie bei allen Völkern mehr oder weniger gleich (was die Musiksprache universell macht)?

Der Grund dafür ist, dass sie aus unserer Umgangssprache stammen, genauer gesagt aus den begleitenden Intonationen ausdrucksvoll Rede. Damit ein Kind lernen kann, diese Intonationen in der Musik zu hören, muss ihm daher zunächst beigebracht werden, sie in der gewöhnlichen menschlichen Sprache zu hören.

Da Musik die Sprache der Emotionen ist, muss die Sprache, aus der Intonationen „entfernt“ und kopiert werden, zwangsläufig emotional sein. Damit das Spiel eines Musikers ausdrucksstark ist, muss er eine ausdrucksstarke, emotionale Rezitation lernen.

Natürlich wird in der Schule jeder aufgefordert, Gedichte auswendig zu lernen, und es gibt Aufgaben zum ausdrucksstarken Lesen von Prosatexten. Aber wird der Lehrer es versuchen? Genauer gesagt: Wird es ihm gelingen, diese Fähigkeit bei jedem Kind anzuwenden? Denn die Korrektur ungenauer, „falscher“ oder auch nur klagender Betonungen kann viel Zeit in Anspruch nehmen.

Niemand wird sich um jedes Kind kümmern, wenn Dutzende davon in der Klasse sind. Dies kann nur eine Mutter leisten, die daran interessiert ist, dass das Kind eine gute Ausbildung erhält und

In diesem Fall sprechen wir „nur“ von der Entwicklung des kreativen Denkens, das für jede Art menschlicher Aktivität so notwendig und so selten ist (gerade weil es nicht in der Kindheit entwickelt wurde)!

Und gleichzeitig entwickeln sich Kunstfertigkeit und Sprachgewandtheit – notwendige Eigenschaften für die Anpassung an jede Gesellschaft! Dies ist jedoch nur möglich, wenn Sie mit Ihrem Kind nicht nur den Text lernen, sondern ihm auch die ausdrucksstarke Intonation beibringen.

Und der Musiklehrer wird im Unterricht herausfinden, was er mit dieser Fähigkeit anfangen kann. In der Grundschule wird für jede Melodie ein verbaler Subtext („Subtext“) erfunden.

Wenn ein Kind weiß, wie man Wörter emotional und mit ausdrucksstarker Intonation ausspricht, wird es viel einfacher, diese Intonation in die Musik einzubringen, und die Bedeutung der Musik selbst wird viel näher und klarer.

Zu den Aufgaben der schulischen Musikpädagogik gehört es, dem Kind die Möglichkeit zu geben, „den wesentlichen Inhalt der Musik zu hören ..., ein Gehör für die Musik als Organ der Suche nach nie dagewesener Schönheit zu entwickeln“. Ein gerade geborener Mensch stellt seine Verbindung zur Welt bereits durch Intonationen her. Ganz gleich, in welchem ​​Entwicklungsstadium sich das Kind befindet, es reagiert auf seinen emotionalen Ausdruck.

Intonation ist der Mikrofokus des Denkens in der Klangstruktur, der Ausdruck von Gefühlen und der plastische Umriss in der klingenden Mikromaterie. Egal wie sich ein Mensch zur Welt positioniert, egal wie er sie anspricht, egal wie er die Welt wahrnimmt, er operiert mit Intonationen, die das Wesen der Sprache und das Wesen der Musik sind. Intonation ist laut V. Medushevsky unser „künstlerisches Selbst“. Die Sphäre der Intonation ist mit allen Arten von Kunst verbunden, da den Ursprüngen von Musik, bildender Kunst, Literatur, Choreographie, Theater usw. eine Einstellung zur Existenz zugrunde liegt, deren Essenz in den Worten von F. Tyutchev vermittelt werden kann : „Alles ist in mir, und ich bin in allem!“

Intonation ist auch ein musikalisch-sprachliches Gedächtnis, in dem melodisch-rhythmische, figurative, plastische und andere Prägungen der lebenskulturellen Erfahrung der Menschheit verborgen sind. Die Intonation zu verstehen, ihre Individualität und Einzigartigkeit zu spüren, ihr Bild zu spüren, in ihre innerste Natur einzudringen, die Kürze ihrer Konstruktion zu bewundern, ihre Entwicklung vorherzusagen, ist schwierig, aber unglaublich interessant. Wenn Sie das Geheimnis dieser Mikrostruktur enthüllen, beginnen Sie, die Welt subtiler und tiefer zu verstehen und zu hören sowie sich selbst in dieser Welt zu verstehen und zu hören. Daher ist es offensichtlich, dass die Entwicklung des intonatorischen Denkens – die Fähigkeit, mit Intonation und durch Intonation zu denken – der Weg für ein Kind ist, sich nach innen zu wenden, in die Tiefen seiner Seele und seines Geistes, der Weg, Lebenserfahrung durch Musik zu sammeln und letztendlich einer der sichersten Wege, spirituelle und moralische Probleme zu überwinden. Krise der Menschheit.

Das pädagogische und methodische Set „Musik“, das von einem Kreativteam unter der Leitung von G. P. Sergeeva und E. D. Kritskaya entwickelt wurde, bietet die umfassendsten Möglichkeiten zur Lösung der oben genannten Probleme. Der konzentrische Aufbau der Unterrichtsmaterialien, die Einteilung in Blöcke und eine abwechslungsreiche Assoziationsreihe ermöglichen die Bildung eines „Intonationsvokabulars“ für Schüler, basierend auf dem Verständnis der Intonation als Muster der Kunst. Das Programmmaterial ist so aufgebaut, dass nach und nach „Intonationsgepäck“ angesammelt und die Intonationserfahrung bereichert wird. Gezielte Vergleiche verschiedener Werke mit ähnlichen Genre-Intonationen oder Intonationen eines bestimmten Stils entwickeln die musikalische Intuition und verbessern die Qualität der Musikwahrnehmung deutlich.

Grundlage für die Entwicklung des kindlichen Denkens ist die Mehrdeutigkeit ihrer Wahrnehmung, die Vielfalt der Interpretationen und die Vielfalt der „Hörmöglichkeiten“. Das pädagogische und methodische Set „Musik“ drängt das Kind ständig dazu, nach intonatorischen und figurativen Verbindungen zwischen Musik und bildender Kunst, Geschichte, Literatur, Bildhauerei und künstlerischer Fotografie zu suchen. Somit verlagert sich der Schwerpunkt in der Musikpädagogik auf der Grundlage des Bildungskomplexes „Musik“ von der Theorie und Geschichte der Musik hin zur Erweiterung der Intonation und des figurativen Gepäcks des Kindes, zur Entwicklung seiner Reaktion auf Musik und dem Wunsch, sich in der Kunst auszudrücken. Der nach diesem Programm durchgeführte Unterricht ermöglicht laut B. Asafiev „sowohl Freude als auch Traurigkeit und das Gefühl von Energie und strengem Mut in sich selbst ... nicht über Musik oder Musik, sondern sie in der Intonation zu erleben.“ ”

Die von D. B. Kabalevsky vorgeschlagene und in diesem Bildungskomplex erfolgreich entwickelte Methode der „Perspektive und Rückschau“ ermöglicht es, den Weg von der Geburt der Intonation und ihrer Entwicklung bis zur Verkörperung des Bildes und der Offenlegung der ideologischen Ausrichtung zu beschreiten bedeutender Musikwerke. Die Gedanken und Gefühle, die der Autor in große musikalische Formen eingebettet hat, werden für das Kind offensichtlich und verständlich. Wenn Sie sich der Sphäre der Intonation zuwenden, können Sie den Inhalt des Werks selbst „entschlüsseln“, die Entstehung einer künstlerischen Idee verstehen und über einen bestimmten moralischen und ästhetischen Konflikt nachdenken. Und erst dann bedenken Sie die Dramaturgie des Werkes, die Anordnung der musikalischen Bilder, den Grad ihres Konflikts und ihrer Interaktion. Dadurch wird das Intonationsdenken als Bestandteil des künstlerischen und kreativen Denkens geformt, das Kind geht den Weg der Suche, den Weg des Schöpfers und begreift Kunst als „Beziehungserfahrung“ (S. Kh. Rappoport).

Betrachtet man die Entwicklung musikalischer Formen, vergleicht man unterschiedliche Interpretationen von Werken und deren Aufführungen, beherrscht man verschiedene Ebenen der Musikkunst (von Folklore und religiöser Tradition bis hin zu moderner akademischer und populärer Musik in ihrem Dialog), entsteht nach und nach ein „ganzheitliches künstlerisches Bild der Welt“. in den Köpfen der Schüler verankert. Sich der Musikkunst als Erfahrung von Generationen zuzuwenden und sie in der eigenen musikalischen Tätigkeit zu leben, ermöglicht die aktive Gestaltung emotional-wertvoller, moralisch-ästhetischer Erfahrungen und der Erfahrung musikalischer und künstlerischer Kreativität.

Was erhält ein Lehrer praktisch, wenn er ein Fach unterrichtet, das auf dem Bildungskomplex „Musik“ basiert?

Erstens haben Kinder keine Angst davor, Musik zu komponieren, weil ihnen die Natur der Kreativität vertraut, verständlich und vertraut ist. Sie komponieren und spielen gerne ihre Werke. Natürlich handelt es sich hierbei nicht um große Musikwerke, sondern nur um kleine Formen, aber darunter finden sich bereits Lieder, die bei kommunalen und bundesstaatlichen Wettbewerben präsentiert werden.

Zweitens entwickeln Kinder kreatives Denken. Ein Lehrer vermittelt den Schülern selten theoretische Konzepte in vorgefertigter Form; häufiger werden sie durch Zusammenarbeit und Co-Kreation zwischen Lehrer und Schülern oder im Prozess der eigenständigen Arbeit im Unterricht verstanden. Beispielsweise haben Kinder in der zweiten Klasse die Muster für die Konstruktion zyklischer Formen selbst abgeleitet und selbst vorgeschlagen, dass die Teile des Zyklus entweder durch Intonation oder Melodie verbunden werden sollten, damit der Zyklus eine größere Integrität erhält. Und welche Freude bereitete es ihnen, die Klangveränderungen von „The Walk“ in M. P. Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ zu verfolgen.

Drittens erwerben Kinder eine Art „soziales Ohr“ (B. Asafiev), sie spüren besser den Stil der Zeit, die nationalen Besonderheiten der Musik und gewinnen ein Gefühl für das „Stilporträt des Komponisten“.

Viertens interessieren sie sich für große musikalische Formen. Hört man sich in der Grundschule nicht einzelne Fragmente von Opern, Balletten, Konzerten und Symphonien an, sondern ganze Handlungen und Teile, und in weiterführenden Schulen das gesamte Werk, kann man die Arbeit der Seele und des Geistes der Schüler sehen und kommt zum Verständnis dass nichts solche Momente im Leben eines Menschen ersetzen kann, wenn ein Mensch einen Dialog mit seinem inneren „Ich“ führt, wenn er lernt, mit Musik zu leben!

REFERENZLISTE:

1. Medushevsky V. V. Intonationsform der Musik. - M., 1993. - 265 S.
2. Sergeeva G. P., Kritskaya E. D. Musik: Methode. Zuschuss. - M., 2005. - 205 S.
3. Kritskaya E. D., Sergeeva G. P., Shmagina T. S. Methoden der Arbeit mit Lehrbüchern „Musik“ Klassen 1-4. - M., 2002. - 206 S.

Bibliografischer Link