Кой руски композитор се нарича разказвач в музиката. „Великият композитор-разказвач“ (изследователска работа по музика)

Руската композиторска школа, наследник на традициите на която е съветската и днешната Руски училища, започва през 19 век с композитори, които съчетават европейското музикално изкуство с руските народни мелодии, обвързвайки Европейска униформаи руския дух.

За всеки от тези известни хораможем да кажем много, всеки има трудни и понякога трагични съдби, но в този преглед се опитахме да дадем само кратко описание на живота и работата на композиторите.

1. Михаил Иванович Глинка

(1804-1857)

Михаил Иванович Глинка по време на композирането на операта „Руслан и Людмила“. 1887 г., художник Иля Ефимович Репин

"За да създаваш красота, ти самият трябва да си чист по душа."

Михаил Иванович Глинка е основателят на руския език класическа музикаи първият руски класически композитор, постигнал световна слава. Неговите произведения, основани на вековните традиции на руската народна музика, бяха нова дума в музикалното изкуство на нашата страна.

Роден в Смоленска губерния, той получава образованието си в Санкт Петербург. Формирането на мирогледа и основната идея на Михаил Глинка беше улеснено от непосредственото общуване с А. С. Пушкин, В. А. Грибоедов, А. Творчески тласък за творчеството му дава дългогодишно пътуване в Европа в началото на 30-те години на XIX век и срещи с водещите композитори на времето - В. Белини, Г. Доницети, Ф. Менделсон и по-късно с Г. Берлиоз, Дж. Майербира.

Успехът идва на М. И. Глинка през 1836 г. след постановката на операта „Иван Сусанин“ („Живот за царя“), която за първи път е приета с ентусиазъм в световната музика, руското хорово изкуство и европейската симфония практиките бяха органично съчетани и се появи и герой като Сусанин, чийто образ обобщава най-добрите черти на националния характер.

В. Ф. Одоевски описва операта като „нов елемент в изкуството и започва в неговата история нов период- периодът на руската музика."

Втората опера е епосът „Руслан и Людмила“ (1842), работата по която се извършва на фона на смъртта на Пушкин и в трудните условия на живот на композитора, поради дълбоко новаторския характер на произведението, се приема двусмислено от публиката и властите и донесе трудни времена за преживяванията на М.И. След това пътува много, последователно живее в Русия и в чужбина, без да спира да композира. Наследството му включва романси, симфонични и камерни произведения. През 90-те години "Патриотичната песен" на Михаил Глинка е официален химн на Руската федерация.

Цитат за M.I.Glinka:„Цялата руска симфонична школа, като цял дъб в жълъд, се съдържа в симфоничната фантазия „Камаринская“. П.И.Чайковски

Интересен факт:Михаил Иванович Глинка не беше в добро здраве, въпреки това той беше много спокоен и познаваше много добре географията; може би, ако не беше станал композитор, щеше да стане пътешественик. Знаеше шест чужди езика, включително персийски.

2. Александър Порфириевич Бородин

(1833-1887)

Александър Порфириевич Бородин, един от водещите руски композитори от втората половина на 19 век, освен таланта си на композитор, е бил химик, лекар, учител, критик и е имал литературен талант.

Роден в Санкт Петербург, от детството всички около него отбелязват неговата необичайна дейност, страст и способности в различни посоки, предимно в музиката и химията.

А. П. Бородин е руски композитор-самород, той нямаше професионални учители по музика, всичките си постижения в музиката благодарение на самостоятелна работаза овладяване на техники за композиране.

Формирането на A.P. Бородин е повлияно от работата на M.I. Глинка (както всъщност всички руски композитори от 19 век), а тласъкът за интензивно изучаване на композиция в началото на 1860-те години беше даден от две събития - първо, неговото запознанство и брак с талантливата пианистка Е. С. Протопопова, и второ, среща с М. А. Балакирев и присъединяването към творческата общност на руските композитори, известна като „Могъщата шепа“.

В края на 1870-те и 1880-те години А. П. Бородин пътува и обикаля много в Европа и Америка, среща се с водещи композитори на своето време, славата му нараства, той става един от най-известните и популярни руски композитори в Европа в края на 19 век век.

Централно място в творчеството на А. П. Бородин заема операта „Княз Игор“ (1869-1890), която е пример за национално героичен епосв музиката и който самият той не е имал време да завърши (завършен е от неговите приятели А. А. Глазунов и Н. А. Римски-Корсаков). В „Княз Игор“, на фона на величествени картини исторически събития, отразено основната идеяв цялото творчество на композитора - смелост, спокойно величие, духовно благородство на най-добрите руски хора и могъщата сила на целия руски народ, проявена в защитата на родината.

Въпреки факта, че А. П. Бородин е оставил сравнително малък брой произведения, творчеството му е много разнообразно и той се смята за един от бащите на руската симфонична музика, повлиял на много поколения руски и чуждестранни композитори.

Цитат за А. П. Бородин:„Талантът на Бородин е еднакво силен и удивителен в симфонията, операта и романса. Основните му качества са гигантска сила и широта, колосален размах, бързина и устрем, съчетани с невероятна страст, нежност и красота.” В. В. Стасов

Интересен факт:Химическата реакция на сребърни соли на карбоксилни киселини с халогени, в резултат на което се получават халогенирани въглеводороди, която той пръв изследва през 1861 г., е кръстена на Бородин.

3. Модест Петрович Мусоргски

(1839-1881)

„Звуците на човешката реч, като външни прояви на мисъл и чувство, трябва без преувеличение и насилие да се превърнат в музика, която е правдива, точна, но артистична, високо артистична.“

Модест Петрович Мусоргски е един от най-блестящите руски композитори на 19 век, член на „Могъщата шепа“. Новаторската работа на Мусоргски е много по-напред от времето си.

Роден в Псковска губерния. Подобно на много талантливи хора, той от детството си показва способности в музиката, учи в Санкт Петербург, беше, семейна традиция, военни. Решаващото събитие, което определи, че Мусоргски не е роден за военна служба, а за музика - срещата му с М. А. Балакирев и присъединяването към "Могъщата шепа".

Мусоргски е велик, защото в своите грандиозни произведения - оперите "Борис Годунов" и "Хованщина" - той е уловил в музика драматичните етапи от руската история с радикална новост, която руската музика не е познавала преди него, показвайки в тях комбинация от масовост. народни сцени и разнообразно богатство от типове, уникалният характер на руския народ. Тези опери, в множество издания както от автора, така и от други композитори, са сред най-популярните руски опери в света.

Друга изключителна творба на Мусоргски е цикълът пиеси за пиано„Картини от изложба“, цветни и изобретателни миниатюри, са проникнати от руска тема-рефрен и православна вяра.

В живота на Мусоргски имаше всичко - и величие, и трагедия, но той винаги се отличаваше с истинска духовна чистота и безкористност.

Последните му години са трудни - неуреден живот, непризнание за творчеството, самота, пристрастеност към алкохола, всичко това предопределя ранната му смърт на 42-годишна възраст, оставя сравнително малко произведения, някои от които са завършени от други композитори.

Специфичната мелодия и новаторската хармония на Мусоргски предугаждат някои черти на музикалното развитие на 20 век и изсвирват важна ролявъв формирането на стиловете на много световни композитори.

Цитат за М.П.Мусоргски:„Изконният руски звучи във всичко, което е създал Мусоргски” Н. К. Рьорих

Интересен факт:В края на живота си Мусоргски, под натиска на своите „приятели“ Стасов и Римски-Корсаков, се отказва от авторските права върху произведенията си и ги дарява на Терций Филипов.

4. Пьотър Илич Чайковски

(1840-1893)

„Аз съм артист, който може и трябва да носи чест на моята Родина. Чувствам голяма артистична сила в себе си; още не съм направил и една десета от това, което мога. И искам да го направя с всичките си сили на душата.”

Пьотър Илич Чайковски, може би най-великият руски композитор на 19 век, издига безпрецедентна височинаРуското музикално изкуство. Той е един от най-значимите композитори на световната класическа музика.

Родом от провинция Вятка, въпреки че корените му по бащина линия са в Украйна, Чайковски показа от детството си музикални способности, но първото ми образование и работа беше в областта на юриспруденцията.

Чайковски е един от първите руски „професионални“ композитори; той изучава музикална теория и композиция в новата консерватория в Санкт Петербург.

Чайковски беше смятан за „западен“ композитор, за разлика от фолклорните фигури от „Могъщата шепа“, с които имаше добри творчески и приятелски отношения, но творчеството му е не по-малко проникнато от руския дух, той успя да съчетае уникално западното симфонично наследство на Моцарт, Бетовен и Шуман с руските традиции, наследени от Михаил Глинка.

Композиторът е водил активен живот – бил е преподавател, диригент, критик, общественик, работил е в две столици, гастролирал е в Европа и Америка.

Чайковски беше доста емоционално нестабилен човек; ентусиазъм, униние, апатия, избухлив нрав - всички тези настроения се променяха доста често, тъй като беше много общителен човек, той винаги се стремеше към самота.

Изборът на нещо най-добро от творчеството на Чайковски е трудна задача, той има няколко равностойни творби в почти всички музикални жанрове - опера, балет, симфония, камерна музика. А съдържанието на музиката на Чайковски е универсално: с неподражаема мелодичност тя обхваща образите на живота и смъртта, любовта, природата, детството, разкрива по нов начин произведенията на руската и световната литература, отразява дълбоките процеси на духовния живот.

Цитат на композитора:„Животът има красота само когато се състои от редуване на радости и скърби, от борба между доброто и злото, на светлина и сянка, с една дума – от многообразие в единство.“

„Големият талант изисква много упорит труд.“

Цитат за композитора: „Готов съм да стоя като почетна стража денем и нощем на верандата на къщата, в която живее Пьотър Илич – ето колко го уважавам А. П. Чехов

Интересен факт: Кеймбриджкия университетприсъжда на Чайковски титлата доктор по музика задочно и без защита на дисертация, както и Парижката академия Изящни изкустваго избира за член-кореспондент.

5. Николай Андреевич Римски-Корсаков

(1844-1908)

Николай Андреевич Римски-Корсаков е талантлив руски композитор, една от най-важните фигури в създаването на безценно руско музикално наследство. Неговият уникален свят и преклонението пред вечната всеобхватна красота на Вселената, възхищението от чудото на съществуването, единението с природата нямат аналози в историята на музиката.

Роден в Новгородска губерния, по семейна традиция той става морски офицер и на военен кораб посещава много страни в Европа и двете Америки. Музикално образованиеполучава първо от майка си, след това взима частни уроци от пианиста Ф. Канил. И отново, благодарение на М. А. Балакирев, организаторът на „Могъщата шепа“, който въведе Римски-Корсаков в музикалната общност и повлия на творчеството му, светът не загуби талантлив композитор.

Централно място в наследството на Римски-Корсаков заемат оперите - 15 произведения, демонстриращи разнообразието от жанрови, стилови, драматургични, композиционни решения на композитора, но въпреки това притежаващи особен стил - с цялото богатство на оркестровия компонент, основните са мелодични вокални линии.

Две основни посоки отличават творчеството на композитора: първото е руската история, второто е светът на приказките и епосите, за които той получава прозвището „разказвач на истории“.

В допълнение към пряката си самостоятелна творческа дейност, Н. А. Римски-Корсаков е известен като публицист, съставител на сборници с народни песни, към които проявява голям интерес, а също и като допълващ произведенията на своите приятели - Даргомижски, Мусоргски и Бородин . Римски-Корсаков е създател на школа по композиция, преподавател и директор на Санкт Петербургската консерватория, той е подготвил около двеста композитори, диригенти и музиковеди, сред които Прокофиев и Стравински.

Цитат за композитора:„Римски-Корсаков беше много руски човек и много руски композитор. Смятам, че тази негова изконно руска същност, нейната дълбока фолклорно-руска основа днес трябва да бъдат особено ценени.” Мстислав Ростропович

Факт за композитора:Николай Андреевич започна първия си урок по контрапункт така:

- Сега ще говоря много, а вие ще слушате много внимателно. Тогава аз ще говоря по-малко, а вие ще слушате и мислите, и накрая аз няма да говоря изобщо, а вие ще мислите със собствената си глава и ще работите самостоятелно, защото моята задача като учител е да ви стана ненужен...

Намерихте грешка? Изберете го и натиснете наляво Ctrl+Enter.

Публикации в раздел Музика

Приказни опери от руски композитори

Казка е един от най-привлекателните жанрове за руските композитори. много оперни шедьовринаписано в приказки. Но приказката, както отбеляза Пушкин, е „лъжа, но в нея има намек“. Не всички приказни опери имаха приказно щастлива съдба поради намеци и неочаквани музикални решения. Както и да е, съвременният слушател има възможност да избере приказна опера, която да отговаря на неговия вкус.

Михаил Глинка, „Руслан и Людмила“ (1842)

Постановка Мариински театър, като Людмила - Анна Нетребко

Уви, композиторът нарече премиерата, състояла се на 2 декември 1876 г., „тържествен провал“. Чайковски беше много разстроен, но намери причините за провала в самата музика. Той пише на композитора и пианиста Сергей Танеев: „Стилът на „Вакула“ изобщо не е оперен: няма широчина и размах“.

През февруари 1885 г. Чайковски започва редакцията на операта. След като премина през различни варианти за име (включително „Обувките на царицата“), той се спря на „Черевички“. Композиторът направи оркестровата тъкан по-прозрачна и добави няколко нови музикални номера.

Този път операта се подготвяше за постановка в Москва, в Болшой театър. Самият Чайковски стоеше на диригентския пулт. Преодолявайки ужасното безпокойство, той майсторски провежда репетиции. На премиерата на 19 януари 1887 г. той обра овациите. Публиката поздрави Чайковски-композитор и Чайковски-диригент.

Римски-Корсаков също попада в магията на коледната история на Гогол. Той обаче не искаше да влиза в надпревара с Черевички. След смъртта на Чайковски Римски-Корсаков все пак решава да създаде своя собствена версия на „Нощта“. Композиторът и диригент Николай Черепнин, сравнявайки тези две опери, каза: „Всички магьоснически и мистериозни пасажи излязоха по-добре с него [Римски-Корсаков], но лирическата част на Чайковски е по-топла.“.

Николай Римски-Корсаков, Златното петле (1907)

От 15-те опери на композитора почти половината могат да се нарекат приказки. Всичко при тях е като в Пушкин: има и намек, и поука. Но най-вече има намеци и поуки в последната опера на Римски-Корсаков „Златното петле“. Поради трагично стечение на обстоятелствата композиторът няма шанса да я види на сцената. Борбата с цензурата се проточи твърде дълго. Може би това съкрати живота на Николай Андреевич.

Премиерата на операта (или, както уточнява композиторът, „басни в лица“) се състоя през септември 1909 г. в Театър „Сергей Зимин“ в Москва. Малко по-късно опозореният „Петел“ беше допуснат на императорската сцена: през ноември същата година операта беше поставена в Болшой театър.

Политическите алюзии винаги са били забелязвани първи в „Златното петле“. Но невероятните музикални и драматични открития на композитора все още не са достояние на всички режисьори. Вокалистите също го получиха от великия разказвач Римски-Корсаков. Само певица, която е готова да изпълнява рисковани вокални каскади, заслужава да бъде наречена кралицата на Шемаха. Частта „Астролог“ е напълно изключителна: написана е за тенор-алтин. Този висок мъжки глас е изключително рядък. Той е в състояние да зарадва публиката с необичайния си тембър и специален звук на горните нотки. Ярък примертенор-алтино от съвр музикална история- Александър Градски. Между другото, той блестящо изпълни ролята на астролога.

Известно е, че Римски-Корсаков е бил предпазлив към иновациите в музикалния език. Въпреки това Сергей Прокофиев, един от най-отчаяните и новаторски композитори на ХХ век, открива много напълно нови хармонии в „Златното петле“.

Сергей Прокофиев, „Любовта към три портокала“ (1919)

Оперният астролог, изрекъл пророческите си думи в увода на „Златното петле“, пада през люка. В операта на Прокофиев „Любовта към три портокала“, базирана на приказката на Карло Гоци, театралният люк се използва много активно: героите ефектно се появяват от него и изчезват със стил.

През 1918 г. младият Сергей Прокофиев напуска Русия. Започват неговите американо-европейски странствания. Те изобщо не бяха подобни на пътуванията на принца - героят на неговата опера „Любовта към три портокала“. Той, по волята на вещицата Фата Моргана, се скиташе по света в търсене на портокали. В критични ситуации добрият магьосник Хелиус се притече на помощ. Прокофиев пътуваше по собствено желание: търсеше творческа свобода и признание, но нямаше познат магьосник.

Първо значимо събитиеЧуждестранните пътувания на композитора включват постановката на операта „Любовта към три портокала“ в Чикаго през 1921 г. Прокофиев пише за това така: „Жителите на Чикаго са едновременно горди и смутени, че дават „модернистична премиера“. Но композиторът е много по-впечатлен от сценичната версия на операта в Ленинград, в бившия Мариински театър (1926). Режисьорът на пиесата Сергей Радлов, впечатлен от своя страна от таланта на Прокофиев, нарече музиката му „почти физическо вливане на сила в човешката кръв“.

Рецептата за витаминния коктейл на Прокофиев е много проста: към познатите приказни герои (принц, принцеса, магьосници) добавяме ексцентричност, кикот на традициите, гений музикални теми. Всичко това се разбърква и се сервира без приятния оперен сироп.

„Взаимодействие на музика и литература“ - Песен. Вокализация. Слънцето изгрява. мелодия. Забележка. Соло музикално-поетично творчество. Романтика. С какви инструменти са съпроводени романсите? Нов звук. Пер Гюнт. Песен на кран. Взаимодействие на музикална и литературна основа. Едвард Григ. Рахманинов Сергей Василиевич. Езикът на музиката.

„Музикални изразни средства“ - 3. Как се нарича силата на звука? За какво става дума? съоръжения музикална изразителност. 7. Това може да е темпото. 4. Прекъснат, съгласуван, различен. 1. Един от видовете нерви. 6. Една от формите на работата.

„Музика, базирана на приказките на Пушкин“ - Илюстрации към приказката. Тромбон. Звезди. Опера. Снимки от приказките на пушкин. M.I. Глинка. Руслан. месец. Тръба. Добра песен. принцеса. Море. Приказки. Добри приказки. цигулка. Селеста. Флейта. Инструменти. Пред двореца расте смърч.

“Космосът в музиката” - Мозайка. Микалоюс Константинос Чюрлионис. Числа и функции. руски хора. Сонорика. Руски писател на научна фантастика. Изображение. Природата. синтезатор. Мозайка от цветя. Едуард Николаевич Артемьев. Група "Земляни". Тест. Първо космически кораб. С каква работа се запознахте? необичайност. Трева близо до къщата. Отблясъци на неземни светове.

“Музика в киното” - Музика в киното. Да си представим себе си в позицията на първите киномани. Д. Д. Шостакович. Чуваме музика в почти всеки филм. Д. Шостакович разглежда работата си в киното най-важното нещо, както всъщност всичко, което е правил. Леонид Утесов доведе Дунаевски в киното. Въпреки цялото богатство на визуални техники, немите филми остават твърде бавни в развитието на сюжета.

„Музика и изобразително изкуство” - Романтика. Bylina. Е. Поплянова „Урокът започва“. Защо обичаш нещо, което е толкова тъжно, Защо срещаш мъките с такава радост? Г. Хесе. Презентация към урока „Музика и изкуство" Цел на урока: научете се да намирате прилики и разлики между музика и живопис. Тема на урока: „Музика и изобразително изкуство“.

В темата има общо 37 презентации

Писателите и художниците са обогатили въображението и уменията. Н. А. Римски - Корсаков превежда приказката в музика

Приказните образи съпътстват човек с ранно детствоот първите приказки на възрастни и четене на глас, от приказки и приспивни песни. Дете, лишено от емоционалното му въздействие, остава лишено до края на живота си: неговото въображение не получава основа за развитие. Приказката също поставя морална основа в човека: полюсите на тъмнината и светлината са толкова ясно и ясно очертани в нея, че израствайки с приказка, именно в нея детето се научава да различава доброто от злото, пред него се разкриват справедливостта, милостта и жестокостта, измамата.

Приказката съчетава ежедневната конкретност с общоприетия условен, въображаем свят. Не може да съществува без чудо. Добри магьосници- животни, птици, фантастични създания - помогнете на героя да премине през изпитания, да победи злото и да постигне желаната цел. И мисля, че това е нейната дълбока мъдрост, тъй като чудото е реализацията на идеал, мечта. Познаваме приказката в различните й образи: и в литературата, и в театъра, и в киното; Има приказка в музиката, в живописта, в скулптурата, тя се разиграва и развива по всякакъв начин.

Приказка Нейният причудлив свят, в който измислицата толкова естествено се съчетава с реалността, привлича много руски композитори. Но никой от тях не отдаде толкова страст от душата си на приказката, колкото Николай Андреевич Римски-Корсаков. Този композитор ни интересуваше като разказвач. Като деца всички обичахме приказките. В крайна сметка, когато слушате приказки, срещате нови приключения с техния герой, радвате се на техните победи и се чувствате тъжни, когато злото може да победи доброто. Сякаш се превръщаме в герои от приказка. През годините на обучение в музикално училищесе запознаха с музикалното творчество на Римски-Корсаков. В нашата работа ще разгледаме отделни произведения, написани върху приказни сюжети.

Римски-Корсаков е наричан най-великият разказвач сред композиторите. Къде, кога и от кого са докоснати струните в душата му, отекващи руската древност, народните песни, поезията на древните митове и образи, подтикнали го да възпее в творчеството си красотата на природата и хармонията на битието. Нека отворим биографията на композитора, написана от самия него и озаглавена „Хроника на моя музикален живот“, и ще видим появата на сдържан човек, лаконичен в своите преценки, който изобщо не е склонен към умствени промени. Напротив, ясно се вижда аналитичен складум, отхвърляне на високи думи и поетичен ореол около собственото творчество, възглед за композирането на музика, преди всичко, като неуморна и трудна работа. Но ако искаме да разберем произхода на мирогледа на Римски-Корсаков, тогава неговата музика може да ни каже много: гласовете на птиците и овчарските песни, тихият шум на гората, ревът на морето и вълнението на езерната повърхност. , хороводи, танци, песни пръснати с щедрата му ръка в неговите творения, такива могат да се създадат само от обичане и дълбоко усещане на природата и хората.

Почти стигнахме до характеристиката основна тематворчеството на Римски-Корсаков: Човекът пред лицето на необикновеното, чудотворното. Съдържанието на неговите произведения ни казва: две сфери винаги са били и съществуват, съжителстващи една до друга. Един от тях е животът на хората, пълен с грижи, радости и тревоги, животът е цветен, ярък, драматичен. Крале, търговци, овчари, шутове, червени девойки, добри другарив ред, който минават пред нас в неговите опери. Може да се говори за друг свят с думите на Садко, който видя Мага със сестрите си - лебеди на брега на езерото Илмен: „Прекрасно, прекрасно, прекрасно, прекрасно!“ Този свят е съживена, одухотворена природа, дошла от митове, легенди и приказки. За героите на оперите - това е светът на идеала. Приказно чудоу Римски-Корсаков тя е позната от героите чрез Красотата, но е непостижима, отделена от реалния свят и не може да се слее с него.

Всичко това се проявява в приказните опери. Но преди всичко в красивото поетично " пролетна приказка""Снежна девойка".

На първо място, „Снежната девойка“ привлече Николай Андреевич, защото в приказна форма прославя доброто, любовта към хората, силата на доброто и красотата.

„Снежната девойка“ е ярко реалистична опера, която дълбоко съответства на самата природа на руската народна приказка, която уникално отразява реалността. По своята композиция, представяне и самото развитие на музикалните образи „Снежанка” се доближава до приказен разказ с характерно своеобразно разгръщане на действието. Това е една от разликите между приказните опери на Римски-Корсаков и оперите на Чайковски.

Съдържанието на операта е дълбоко вкоренено в устното, поетичното и музикалното творчество на руския народ. Тя се основаваше на различни опциируснаци народни приказкиза момичето Снежанка, значително развита и преработена. Островски. Красивата Снежанка, дъщеря на пролетта и слана, загива под лъчите на топящото се слънце. Но финалът на операта звучи весело и светло. Така композиторът изразява основната идея на операта - тържеството на светлото начало, единството на човека и природата.

Относно въпросите музикална драматургия„Снежната девойка“ в своята „Хроника“ Римски-Корсаков особено подчертава значението на лайтмотивите в тази опера. Всички главни герои на операта имат лайтмотиви в „Снежната девойка“. Yarilo-Sun също има характерна тема. Правейки подробен тематичен анализ на операта, Римски-Корсаков посочва цели групи от лайтмотиви на Снежната девойка, Цар Берендей, Пролетта, Леши и други герои. През цялата опера лайтмотивите преминават през различни инструменти и вокални части изцяло или на малки пасажи, променяйки цвета си. Лайтмотивите предават фини промени в драматичната позиция на героите. Ако в следващите опери („Садко“, „Приказката за цар Салтан“ и др.) светът на фантазията и човешки святРимски-Корсаков очертава различни музикални средства, то в „Снежанката”, където това разделение на „обикновени” и „необичайни” почти липсва, лайтмотивите са много мелодични, мелодични и дълбоко хуманни.

Операта е написана много бързо, за едно лято. Това беше до голяма степен улеснено от поетичната атмосфера около композитора по това време. „За първи път в живота си имах възможността да прекарам лято в истинско руско село, казва Римски-Корсаков в Хрониката“ - Красиво място, красиви горички, огромна гора, поле, много разпръснати дървета, малка река, непроходими пътища, пустош, всичко ме зарадва - това беше особено в хармония с настроението ми по това време и с любовта ми към сюжета на "Снежната девойка".

Както в творчеството на Римски-Корсаков, така и в цялата руска оперна литература „Снежната девойка“ заема изключително място. С изключителна яркост и образност Римски-Корсаков успява да въплъти тук живота на народа с неговите древни обичаи, ритуали, песни и приказки.

Но не по-малко приказна и интересна е симфоничната картина „Садко“, в която Римски-Корсаков разкрива един от епизодите на древния руски епос за новгородския гусляр. Тук са нарисувани картини на морето, ту спокойно и величествено, ту буйно, и приказни образи на обитателите на подводното царство. Заплашителната музика представя Морския крал, прочувствената лирична музика представя Морската принцеса; нежен, грациозен танц на златни рибки. Садко свири на арфа, диво хоро, и вече го няма, подводното царство е в разгара си, вълните кипят и заплашват да потопят корабите, тогава Садко къса струните на арфата и отново синьото море е спокойно .

Музикалният филм „Садко” бележи появата на народно-епична линия в творчеството на композитора. Идеята за създаване на симфонична картина „Новгород“ възниква от В. В. Стасов, който предлага своя проект първо на Балакирев, след това на Мусорски и накрая на Римски-Корсаков. Според програмата, съставена от Стасов, е написана „симфоничната Садко“. Композиторът замисля работата си като въплъщение на поетичното народен произход, отбелязвайки го с магически природни образи: и хората трябва да изглеждат особено ярки, когато Садко играе, и по този начин да отделят личността му от другите фантастични създания около него; последният не трябва да бъде от твърде реален руски тип, а трябва да бъде преди всичко фантастичен, а след това руски.

В „Садко“ мощният звукописен талант на Римски-Корсаков за първи път се разкрива в пълната си степен. Изображението на величествения океан, описанието на магическите чудеса на подводното царство, гмуркането на Садко до морското дъно беше истинско откровение в музика на 19 веквек. А. Н. Серов говори с ентусиазъм за удивителната живописна композиция на А. Н. Серов: „Тази музика наистина ни отвежда дълбоко във вълните - това е нещо „водно“, „подводно“, толкова много, че никакви думи не биха могли да изразят нещо подобно. През мистериозната среда на морския поток виждате как като призраци се появяват величествени или забавни фигури на стария морски цар и неговите гости; вие присъствате на техния празник, на техните танци; можете да проследите цялото им движение - всяко движение, всяка фигура е типично руска. Това произведение принадлежи на огромен талант в неговата специалност - рисуване с помощта на музика.

Садко е герой не само на симфоничния филм, но и на операта „Садко“. През 60-те години в Санкт Петербург обикновеният рибар от Онега Т. Г. Рябинин говори в кръговете на любителите и колекционерите на устното народно творчество. Той беше известен със способността си да „разказва“ епоси, от които знаеше безброй много. Римски-Корсаков също слушаше. Той беше особено привлечен от епоса за Садко. През 1867 г. той написва една от ранните си творби, базирани на неговия сюжет - симфоничната картина „Садко“. Мина много време и през 1894 г. епосът отново привлече вниманието на композитора, този път като сюжет за опера.

Идеята за създаване на операта „Садко” е дадена на Римски-Корсаков от Стасов.

„Вие сте новгородец“, пише той на композитора, „епосът за Садко е най-добрият и най-значимият новгородски епос на руската езическа древност и магическият, приказен, фантастичен елемент винаги е очевиден и всички те; изглеждат най-силно и най-дълбоко вградени във вашия артистичен вид. Струва ми се, че това ще бъде най-важното ви творение.” Стасов не сгреши. Операта "Садко" е едно от най-ярките и оригинални произведения на композитора.

Светът на приказките винаги е привличал Римски-Корсаков. От дванадесетте опери, създадени през последните двадесет години от живота му, седем са базирани на приказни или легендарни сюжети. Операта „Приказка за цар Салтан“ принадлежи именно към такива опери, въплъщаващи разнообразните жанрове на народното поетично наследство: руска хроника, епос, приказка.

Стасов съветва композитора да се обърне към сюжета на „Приказката за цар Салтан“. Самият Николай Андреевич неведнъж е мислил за опера по сюжети от приказките на Пушкин. Идеята за написване на приказна опера веднага завладява Римски-Корсаков. В кабинета му в Санкт Петербург се появява издание на приказката на Пушкин с ярки, богати рисунки на С. С. Соломенко. Николай Андреевич препрочита това поетично съкровище отново и отново. Сякаш дразнещи, подтикващи към писане, редовете на Пушкин сякаш вълнуваха творческо въображениекомпозитор: вече проблясват познати мотиви, интонациите на песните, записани някога и случайни сред хората, някои от тях са директно предложени от самия Пушкин: неговата вълшебна катерица пее: „В градината или в зеленчуковата градина“ и принцесата Лебед. „говори на руски“ - нейният мюзикъл Характеристиката в операта е изтъкана от интонациите на руска народна песен: „Патица плуваше в морето“. „Приказката за цар Салтан“ съдържа истинските мотиви на руската народна история за царицата, която поради злата клевета на завистливите й сестри царят заповядал да бъде хвърлена в бъчва и хвърлена в морето.

Отново и отново Римски-Корсаков чете дългото заглавие на стихотворението, съответстващо на народните епоси и легенди: „Приказката за цар Салтан, за неговия славен и могъщ герой, син княз Гуидон Салтанович, и за красивата принцеса Лебед“. Още веднъж пробягах очи през бързите редове на Пушкин:

Вятърът духа над морето

И лодката ускорява;

Той тича във вълните

С вдигнати платна.

Малко по малко планът за операта става по-ясен. Римски-Корсаков започва да пише есето през пролетта на 1899 г. , като получи от Белски либрето за началото на операта. Исках да напиша музика, която да съответства на приказката на Пушкин – нещо съвсем руско, панаирджийско. Работата мина бързо и лесно. „Приказката за цар Салтан” е завършена от композитора през 1890 г. Операта се оказа наистина пушкинска.

Друга опера, базирана на сюжета на Пушкин, е „Златният петел“, последната и петнадесета опера на Римски-Корсаков, създадена от него година преди смъртта му. Въпреки това, в последните годинитой все повече ги насищаше с модерен звук.

Операта е базирана на едноименната поетична приказка на Пушкин. По указание на композитора, либретистът смело добави модерен привкус, като по този начин засили сатиричното звучене на произведението. Използвайки текста на Пушкин, Белски го допълва с големи сцени и релефно очертава героите в операта. Така например той въведе нов герой - икономката Амелфа, която е заета с домашните дела на царя, докато Полкан, неговият пазач, е зает с държавните дела. Между другото, Пушкин няма името Палкан - той се нарича Воевода и речта му се ограничава до произнасянето само на няколко фрази. А синовете на Дадон - Гуидон и Афрон - се споменават само от поета. Всички тези допълнения са направени от Белски талантливо в духа на Пушкин. Образът на Шемаханската царица също е развит свободно в операта, или с други думи, допълва се цялото съдържание на второ действие. Сложно е фантастичен образ. Жестокостта на кралицата не е просто черта на нейния характер. Авторите на операта се стремят да покажат изкушенията на чувствената красота.

Операта се оказа наистина модерна: тя говори за това колко гнило е кралското правителство, извършващо престъпления и нарушаващо обещанията си.

След смъртта на композитора премиерата на „Петел“ се състоя на 14 септември 1909 г. в Москва. Операта беше топло приета от публиката.

В допълнение към оперите, Николай Андреевич създава великолепни симфонични произведения - „Испанско капричио“, „Шехерезада“, „Приказка“.

Приказките, веднъж родени, се предават от поколение на поколение, съхраняват се от паметта на хората, съхраняват се от страниците на книгите, звуците на произведенията. Но има приказки, които продължават да живеят като произведения на велики творци.

Преходът на Римски-Корсаков към обобщена програма беше окончателно определен в неговата „Приказка“ за оркестър. Забележително е да се обърнем към пролога от поемата „Руслан и Людмила“, която няма сюжет и въвежда само атмосферата на народните руски приказки. Подобно на Пушкин, Римски-Корсаков дава в творчеството си странна „смес“ от приказни образи и картини. Сред фантастичните са Баба Яга с множество вещици и гоблин, колиба на пилешки бутчета, фантастични птици, русалки. Самият той не отхвърли визуалното значение на музиката, въпреки че подчерта, че неговата „Приказка“ изобщо не илюстрира пролога на Пушкин. Важна особеност на общата драматургия на това произведение е преобладаването на фантазията: до голяма степен - мрачна, гневно-неистова, в по-малка степен - лека, лирична и мистериозна. Бавното въведение изобразява настинка, сякаш дебнеща приказна гора. Лека смяна на магически образи и интонации, хармонична статика.

Забележителна, добре обмислена, умело изградена драматургия на „Приказките”. Тя последователно контрастира между две интонационни и темброви сфери. Образи на неудобен приказен свят се появяват в студени, затъмнени звуци.

Спецификата на „Приказките” е в използването на музикална живописност не на сюжетна основа, а на базата на обобщена интерпретация на поетичната програма и, което е много важно, в условията на чисто инструментална, сонатна композиция.

Ако "Capriccio Espagnol" е брилянтна оркестрова пиеса без никакъв сюжет, то "Шехерезада" е програмно произведение. Програмата му съдържа няколко образа, вдъхновени от ориенталските приказки от арабските нощи. Това е приказка в музиката. И въпреки че е „разказана” от руски композитор, музиката й има особен характер.

„Шехерезада” е уникална по рода си творба. Идеята за създаване на такова произведение дойде на композитора през 1877 г. Говорейки за Изтока, композиторът почти не използва истински ориенталски мелодии. Но цялата музика сякаш е пронизана от преследвани ритми и причудливи мелодии на ориенталски певци и музиканти. Ето защо „Шехерезада“ е толкова обичана не само тук, в Русия, но и на Изток, където се възприема като собствена, национална музика. „Шехерезада“, според един египетски композитор, вярно и дълбоко предаващ цветовете на ориенталското изкуство, се влюби в египтяните. Мелодиите на „Шехарезада“ станаха широко популярни сред хората.

„Шехерезада“ е представена в Санкт Петербург през 1888 г. Оркестърът е дирижиран от самия Римски-Корсаков. Симфоничната поема не веднага спечели популярност. Едва постепенно руските слушатели го разбраха.

Приказките, веднъж родени, се предават от поколение на поколение, съхраняват се от паметта на хората, съхраняват се от страниците на книгите. Но има приказки, които продължават да живеят не само като произведения на народното творчество, но и като произведения на велики творци.

Великите произведения на изкуството са избрани от историята само измежду произведенията

"изповедален" характер

Само това, което беше изповедта на писателя, само творението, в което той се изгори до основи, дали за да се роди за нови създания, или за да умре - само това може да стане велико.

Врубел оцени музиката на Н. А. Римски - Корсаков още през студентски години, когато за вечерта направих няколко композиции, които визуално да придружават симфоничната картина на композитора по темата на епоса „Садко“. Но задълбочено запознаване с операта симфония и романтика - камерна музикаНачалото на музиканта се случи едва в самия край на 1890-те години, когато Надежда Ивановна стана изпълнител на ролите на Снежната девойка, Мага, Принцесата - Лебед и Марта. Композиторът високо оцени таланта на Н. И. Забела, смяташе я за най-подходящата за изразяване на неговите идеи и имаше предвид именно нейните артистични възможности при създаването на съответните части в оперите „Царската невеста“, „Приказката за цар Салтан“, „Кошчей Безсмъртният“.

Запознанството и сближаването на художника и композитора през последните години на века, отразено в кореспонденцията на Римски-Корсаков с двойката Врубел, е причинено не от специалния интерес на композитора към творчеството на Михаил Александрович, а от вокалните и поетичен талант на Надежда Ивановна като оперен певеци изпълнители на романси. За Врубел това беше важно, но имаше и нещо друго - обсебеността на композитора от национално-поетичния свят на епичните и приказни образи, които в онези години бяха особено близки до художника. Музиката на епичните приказни опери на Римски-Корсаков само потвърди призива на Врубел към този свят, в който той живееше още преди сближаването си с композитора.

Врубел почувства близостта на приказно поетичното оцветяване на музиката на Римски-Корсаков, нейната причудлива елегантност, шарка и ритмична украса. Елегантно приказните „епични“ опери на Римски-Корсаков, особено „Садко“ и „Приказката за цар Салтан“, имат епично спокоен характер, но оперите „Моцарт и Салиери“, „Боярина Вера Шелога“ и „Царската невеста“ ”, също написана в края на 1890-те години, през годините на сближаването на Врубел с композиторите, специалистите се отнасят към жанра „музикални драми”. Изглежда, че драмата и трагедията в музиката на Римски-Корсаков трябва да са още по-близо до Врубел по естеството на собственото му изкуство; той оценява гореспоменатите оперни драми на композитора и ги поставя на сцената като артист на Частната опера.

От други източници знаем също, че Врубел най-много цени оперите „Садко“ и „Приказката за цар Салтан“, които, може да се предположи, той възприема като музикална аналогия, близка до собствените си образи.

Още във фермата, през лятото на 1898 г., Врубел пише творбата „Садко“, която Екатерина Ивановна вижда, докато опакова картините на 26 август. Може би това е една от скиците на Врубел за рисуване на ястия на Кузнецов, но Б. К. Яновски пише за панела „Садко“, направен през 1898-1899 г., който все още никой не е успял да открие. На изложбата от 1908 г. А. А. Боткина видя, наред с други творби на Врубел, платно - „много голяма, много тъмна картина на Садко“. Освен това известен Константин Николаевич Биков пише на Остроухов на 27 февруари 1910 г. за голямата картина на Врубел - Садко, свирещ на арфа. От едната страна има група нимфи, от другата лебеди плуват от тревата под звуците: „Лунната светлина е пълна с настроение и фигурата на Садко е красиво нарисувана.“

В резултат на това „след „Садко“ започва нов период в творчеството на композитора.

Изглежда, че в творбите по темите на „Садко” Врубел стига до онази хармония на реалното и фантастичното, за която е мислил самият композитор.

В един от дългите зимни вечерив московската къща на С. И. Мамонтов, голям индустриалец и страстен почитател на изкуството, те четат „Снежната девойка“ на Островски. Сред присъстващите беше и младият художник Виктор Васнецов. Мамонтов обичаше да събира около себе си талантливи млади хора. Същата декемврийска вечер сами поставихме „Снежната девойка“. Меценатът помоли Васнецов да създаде декори и костюми за домашното представление. Виктор Михайлович разстила платно на пода и рисува пейзажа с голяма четка. За Васнецов това беше нова и необичайна работа, но беше успешна. Имаше нещо познато в пейзажа, навяващо спомени за детството, отдавна отминали години, когато приказките изглеждаха правдоподобни и реални като света около нас.

Няколко години след постановката на "Снежната девойка" на Островски на сцената на домашен театър, Мамонтов открива свой собствен театър в Москва - Руската частна опера. Афиши съобщават за първото представление в Москва на операта на Римски-Корсаков „Снежната девойка“ с декори и костюми на художника В. Васнецов. „Веднъж ме попитаха“, каза В. Васнецов, „какви материали помогнаха за написването на декора за „Снежната девойка?“ Художникът не отговори на този въпрос, но си помисли: двама души помогнаха: Островски с текста, Римски-Корсаков с музиката.

Неведнъж „Снежната девойка“ беше поставена на сцената на домашния театър на Мамонтов, а декорите на Васнецов предизвикаха възхищение сред публиката.

Музиката на Римски-Корсаков премина невредима през плитчините и рифовете на историческия поток. IN в известен смисълтой обединява ценните черти, индивидуално характерни за изкуството на Балакирев, Мусорски, Бородин: безупречният художествен вкус на първия, безкомпромисната правда в изобразяването на народния живот на втория, епичната широта на последния. Но след като погълна това, което беше близо, тя не промени своето. Никой не е разкривал с такава дълбочина идеала на народа за красота, никой не е почитал духа на свободата и свободата с такава непресторена почит. човешко достойнствокато Римски-Корсаков. Той беше велик разказвач, не само защото знаеше как да преразказва смешни или тъжни приказки с музика, да създава музикални епоси и приказки и да строи невиждани дворци. Римски-Корсаков беше разказвач, защото в една приказка видя цял свят от народна фантастика, в древен обред- забравен смисъл, в забравено вярване - красота. Той беше поет и художник на звуци.

Пьотър Чайковски

Един от най-известните руснаци музикални приказки— Балетът на Пьотър Чайковски „Лешникотрошачката“, последният балеткомпозитор. Либретото за историята на приказката на Ернст Теодор Хофман „Лешникотрошачката и царят на мишката“ е създадено от известния хореограф Мариус Петипа. Историята за това как Клара (или Ма-ри) и Лешникотрошачката печелят Крал на мишкатаи Лешникотрошачката се превръща в принца се превърна в коледна класика.

В „Лешникотрошачката“ си взаимодействат два свята: реалният, чиито герои са семейството на Клара-Мари, и фантастичният, където сред героите се появяват Лешникотрошачката, играчки, кукла, царят на мишката, феята на захарните сливи и други. . Реалния святизобразени от композитора с музикално прости средства: тук преобладават прозрачна оркестрация с познати тембри и класически танци - мазурка, валс, галоп, полка. Фантастичният свят е изобразен съвсем различно и именно в създаването му се проявява новаторството на Чайковски.

Кръстникът Дроселмайер открива вълшебния свят, появата му е придружена от интересна темброва комбинация от мелодична виола и два тромбона. В света на приказките възниква борба между доброто и злото, което, разбира се, е отразено в музиката. Идеите за доброта се характеризират с меки тембърни звуци. Тук преобладават пасажите на флейта, успокояващата игра на арфата, искрящият звън на новия за онова време небесен инструмент. Селеста- клавишен и ударен инструмент, подобен на миниатюрно пиано, но с метални или стъклени пластини вътре. Звукът е подобен на звъна на кристални камбани (името челеста се превежда от италиански като „небесен“).. Идеите за злото са показани с помощта на съвсем различна оркестрация, която се характеризира с по-нисък регистър, с участието на баскларинет и туба. Зловещото шумолене на армията на Мишия крал е показано чрез марш, изпълнен от фаготи и ниски струнни. Има и други танци в света на магията: испански танцшоколад, арабски танц на кафе, китайски танц на чай и, разбира се, мистериозния „Валс на цветята“.

Изпълнява: Берлинският филхармоничен оркестър, диригент Семьон Бичков

Опера „Приказката за цар Салтан” (1900)

Николай Римски-Корсаков

„Приказката за цар Салтан“, написана от Римски-Корсаков за стогодишнината от рождението му, е една от най-богатите опери по отношение на разнообразие от оркестрови цветове. Действието се развива в Тмутаракан и в град Леденец на остров Буян. Разказът за града е придружен от тържествена камбанна тема. Три чудеса от текста на Пушкин са показани в увода преди последната сцена на операта. Катеричката със златни орехчета е представена в оркестъра от темата на народната песен „В градината, в градината” в изпълнение на флейта пиколо. Морските юнаци и чичо Черномор маршируват: същият мотив се повтаря в баса с нарастващ обем. И основното чудо е принцесата лебед. Омагьосващата причудлива мелодия постепенно се развива в мелодична тема, илюстрираща магическото превръщане на лебед в красива принцеса. Лебедовата принцеса помага на принц Гуидон във всичко: например тя го превръща в земна пчела, за да може да отиде в Тмутаракан и да види баща си. Именно тук в операта звучи известната виртуозна мелодия за полета на земната пчела.

Изпълнява: Симфоничен оркестър и хор на Болшой театър, диригент Василий Неболсин, солисти Иван Петров, Евгения Смоленская

Опера "Златното петле" (1907)

Николай Римски-Корсаков

Операта „Златният петел“ също е базирана на сюжета на приказката на Пушкин. Приказката се отваря от Астролога, който дава на цар Додон Тук и по-долу има варианти на правописа на Николай Римски-Корсаков.златен петел Партията на петела се изпълнява от висок женски глас - сопран. Шемаханската царица - източникът на всички беди на алчния Додон - пее за прекрасните земи, където е родена, под акомпанимента на арфа и дървени духови инструменти. Темата на кралицата звучи елегантно, спирайки на високи нотки; като цяло нейната ария носи ориенталски привкус. Но тази приказка не е проста. И царството на Додон не е истинско. Композиторът се смее на нещастния владетел. Така на заседание на Царската дума се чуват шутовски теми и Додон пее любовна декларация към кралицата Ше-Махан на мелодията на народната песен „Чижик-Пижик“.

Изпълнява: Академичен симфоничен оркестър на Московската филхармония, диригент Дмитрий Китайенко, Академичен голям хор на Всесъюзното радио и Централна телевизия, солисти Евгений Нестеренко, Борис Тархов, Елена Устинова

Опера "Славеят" (1908-1914)

Игор Стравински

Първата опера на Игор Стравински „Славеят“ е базирана на приказката на Ханс Кристиан Андерсен. Както в приказка, така и в операта конфронтацията между истински славей и механичен е много важна. Партията на живия славей е написана за висок женски глас – колоратурен сопран. Тя влиза в спор с темата за механичния славей, която се изпълнява от оркестъра. Според сюжета, въпреки факта, че императорът е предпочел механичен славей пред истински, само песента на живия славей е в състояние да излекува императора от фатална болест и да върне радостта на всичките му придворни. Контрастът между природата и порцелановия дворец на китайския император е предаден чудесно: например оркестърът свири нежен ноктюрно, когато действието се развива в края на гората, и помпозен китайски (по-точно тук Стравински имитира Китайски музикална традиция) марш, докато се озоваваме в пищните зали на двореца.

Изпълнява: Оркестър и хор на Вашингтонската опера, диригент Игор Стравински, солисти Лоран Дрискол, Рери Грист, Доналд Грам

Опера "Коледната елха" (1900)

Владимир Ребиков

Сюжетът на коледната опера на Владимир Ребиков „Коледната елха“ се основава на две приказки за бедни деца, лишени от топлина в празнична вечер. Това са „Малката кибритопродавачка” от Андерсен и разказът „Момчето на коледната елха на Христос”. Операта е предшествана от указанието на композитора, че действието може да се развива „в момента, в града, където се поставя операта“. Операта е камерна, има малко персонажи, те само пеят главен герой(горкото момиче) и призрака на нейната майка. Интонационно мелодиите, написани за Момичето, приличат на обикновена реч, а кратките тъжни интонации звучат като нейна молба за милостиня. Изобилието от дисонанси във въведението значително модернизира звука.

Операта има няколко лайтмотива. Най-нежен и благоговеен е валсът, който олицетворява недостижимото щастие, перфектен свят, където е топло и приятно. За първи път валсът се изпълнява на пиано по време на празник в къща, където има богато украсена коледна елха. Валсът е намесен от кратки музикални фрази, изпълнявани от момиче, което гледа в прозорците на къщата. Вторият път валсът звучи различно: това е мираж, сън на момиче, в което се е озовало в луксозен дворец. Наоколо има много други деца, а принцът води момичето до трона - изпълнението на втория валс включва флейти, цигулки с едва доловимо ехо на виоли и фаготи, акомпанимент на челеста, камбани и арфа.

Изпълнява: Виктор Рябчиков.
За съжаление, пълният запис на операта не е наличен в стрийминг услугите, но се надяваме, че ще намерите възможност да го чуете на живо

Балет "Пепеляшка" (1944)

Сергей Прокофиев

Балет, базиран на постоянния сюжет на приказката на Шарл Перо. Изтощен постоянна работаПепеляшка (дори тя лирическа темазвучи уморено) мечтае да отиде на бала, гадните й сестри Кривляка и Злюка се карат за шал (карикатурността и вредността им се подчертават от сухата оркестрация и дисонанси); Принцът отначало се държи арогантно, но любовта го преобразява: на бала той се появява под гърма на фанфари и щом вижда Пепеляшка, музиката моментално се променя на лирична. Трансформацията на Пепеляшка, както трябва да бъде според сюжета, се ръководи от кръстницата, но момичето е облечено от екип от феи от всички сезони, придружени от сюита от танци. И, разбира се, на бала се изпълняват всякакви придворни танци: паспие, буре, мазурка, менует. А по средата на празника, когато гостите опитват лакомствата, оркестърът свири марш. Тя е композирана от Прокофиев по-рано за друга творба, операта „Любовта към три портокала“ (1919). Любовта на Пепеляшка и принца се заражда под звуците на Големия валс, но часовникът удря полунощ: на фона на тремоло цигулки и пасажи на кларинети, ксилофонът и почукването на дървен блок отмерват времето. Друго напомняне за неумолимостта на времето е ударът на часовника, който съпровожда целия балет.

Изпълнява: Руският национален оркестър, диригент Михаил Плетньов

Балет „Гърбушкото конче” (1955)

Родион Шчедрин

Първият балет на композитора Родион Шчедрин е написан по мотиви от приказката „Гърбушкото конче“ на Пьотър Ершов. От началните тактове музиката носи атмосфера на национален празник. Тръбите и роговете се редуват, водещи действието чрез бърза начална тема, която улавя безкрайния глъч на тълпата. Мелодията на танца звучи с типично руско тропане. Жанрът на песента е широко застъпен в балетната приказка: тук са енергичните мелодии в сцената на Иван с братята му и хоровете, композирани от Шчедрин в „Момическото хоро“. Композиторът включва голям брой ударни инструменти в оркестъра: камбани, камбани, камбани, триъгълник, барабани, тимпани и дрънкалки.

Три сцени от първо действие ни запознават с главните герои на балета. Под съпровода на „балалайка“ на фаготи и ниски струнни инструменти се появява лайтмотивът на Ивановите братя. Братята имат една и съща тема, тъй като Данила и Гаврила си приличат във всичко. Това е тежка, ъглова тема с точен ритъм, акценти и повторения: братята са упорити и арогантни.

Малкият кон не е толкова магически, колкото е проницателен и има собствен ум. Темата за коня се изпълнява от пиколо флейта и камбани. Подобно е на лайтмотива на самия Иван, на когото Конек помага във всичко. Царската девойка се характеризира с няколко теми. Нейният първи лайтмотив е призивна тема с невероятно колоритна оркестрация; тази мелодия свързва героинята с фантастичния свят на този балет. А вторият лайтмотив на Царичката девойка се появява след срещата с Иван. Тя се превръща в руска героиня - звучи приспивна песен, заимствана от композитора от колекцията на Лядов „Песни на руския народ“.

Балетът свършва весели празницисъс звъна на камбаните. Младежите се наричат ​​Иван и Царска мома. Младите хора водят кръгли танци: гладкият руски танц на булката се заменя с младежкия танц на младоженеца. Темата за Гърбушкото конче съпътства общата веселба.

Изпълнява: Московски академичен оркестър Музикален театъртях. К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко, диригент Георгий Жемчужин

Опера-балет „Детето и магията” (1919-1925)

Морис Равел

Либретото на "Детето и магията" на Морис Равел е написано въз основа на няколко литературни произведения: приказки от Перо, Братя Грим, Андерсен и Метерлинк. Според сюжета непослушно момче е възстановено от животни и анимирани предмети: диван, китайска чаша, огън, котка, стол, прилеп- ето само някои от тях. Това опера-балет, така че всички герои не само пеят мелодични арии, но и танцуват фокстрот, бостънски валс, менует, галоп, канкан и други танци.

Необичаен оркестър създава атмосфера на магия. Наред с традиционните симфонични инструменти, той съдържа специални фантастични тембри: духова машина (eoliphon), лутеална (модификация на форте пиано), джазова флейта с крило и дори ренде за сирене! Музиката често се основава на ономатопея: оркестърът и изпълнителите имитират мяукането на котка и жаба, удара на часовник и звука на счупена чаша. Учителят по аритметика, изпълзял от разкъсана книга, пее или със звънлив фалцет, или с умишлено носов глас, държейки носа си. Така в тази хумористична сцена възниква вихрушка от несвързани движения, от които на момчето започва да му се вие ​​свят. В друга сцена, вокалната част на Fire предава свободно движениепламъци: неговата виртуозна мелодия, достигаща изключително високи ноти, е по-скоро инструментална, отколкото вокална.

Изпълнява: Национален оркестър на Френското радио, диригент Лорен Маазел, солисти Франсоаз Оже, Мишел Сенешал

Симфонична приказка „Петър и вълкът“ (1936)

Сергей Прокофиев

Сергей Прокофиев написа мюзикъл симфонична приказкаособено за Москва детски театър. Главният герой на приказката е десетгодишната Петя, смел пионер - победител на Вълка, който го победи, преди да се появят Ловците. Обикновено една приказка се изпълнява по следния начин: разказвачът чете текста, а оркестърът озвучава всичко, което се случва в него.

Темата на всеки герой се изпълнява от един инструмент или група подобни по тембър инструменти на симфоничен оркестър. Например дядо, недоволен от факта, че внукът му е напуснал портата без разрешение, е изобразен с нисък дървен духов инструмент - фагот; безстрашна петя - струнен квартет(две части на цигулки, виола и виолончело), ​​а неговият приятел и помощник Бърд - флейта, която най-добре предава пърхането на малки крила и звънтящите трели.

Предаден е характерът на главния враг на Петя – Вълка медни духови инструменти, най-мощният, най-шумният в оркестъра. В ниския регистър три валдхорни свирят тежки акорди в минорен тон. Птицата също има недоброжелатели: Котката, чиято пълзяща походка се предава от кларинета, и арогантната и арогантна патица. В момента на спора между Патицата и Птицата за това коя е истинската птица, две теми се чуват едновременно в оркестъра: свистящите пасажи на флейтата изобразяват пеенето на Птичката, а крякането на Патицата се предава от друг дървен духов инструмент - обойът. Въпреки че патицата се хвалеше, тя тичаше твърде бавно и бързият вълк го погълна докато вървеше. Но Вълкът не успя да избяга от Петя: момчето го хвана и с помощта на Ловците го изпрати в Зоологическия музей. Приказката завършва с тържествено шествие на победителите, в което последователно се чуват темите на всички герои.

Изпълнява: Държавен академичен симфоничен оркестър на СССР, диригент Евгений Светланов, текст чете Наталия Сац

Опера "Снежната девойка" (1881)

Николай Римски-Корсаков

Либретото на операта е написано от самия Римски-Корсаков по пиесата на Островски „Снежната девойка“. Снежната девойка идва в магическото царство на Берендеите, за да намери топло чувство на любов, но след като го постигна, трагично се стопява. Слушателите на операта не трябва да са тъжни, защото само благодарение на появата и смъртта на Снежната девойка, в царството на Берендей отново идва топло лято, дарено от лъчите на бог Ярила.

Римски-Корсаков разделя многобройните герои на операта на три групи: митологични (Дядо Фрост, Весна-Красна, Леши), полумитологични (Снежанка, Лел, Цар Берендей) и реални (Купава, Мизгир, Бобил и Бобилиха, Бермята). , Бирючи). Всяка група има свои собствени музикални характеристики, всеки герой има свой собствен лайтмотив. Например, появата на Пролетта е придружена от топлия тембър на клаксони, а появата на Фрост е придружена от замръзнала „студена“ музика в нисък регистър. Образът на народната певица Леля се състои от три песни - провлачена песен, хоро и танцова песен, а образът на Снежната девойка съчетава строга партия на флейта с лирични мелодии във вокалната част. Появата на „истинския” човек Мизгир е придружена от плътния тембър на баскларинета. Голяма роляв операта свирят хорове: по този начин хората от Берендей участват в сюжета, например в сцената „Сбогом на Масленица“ и във финала: звукът на хора се увеличава - като яркостта на слънцето, което отново грее Берендейското царство.

Изпълнява: Симфоничен оркестър и хор на Болшой театър, диригент Евгений Светланов, солисти Иван Козловски, Вера Фирсова, Алексей Кривченя

Балет "Жар птица" (1909-1910)

Игор Стравински

Игор Стравински написа „Жар птица“ по поръчка на Сергей Дягилев за руските сезони. Либретото, създадено от изключителния хореограф Михаил Фокин, е базирано на сюжетите на няколко народни приказки (за цар Иван, Жар птицата и сив вълк, за Безсмъртния Кошчей и принцесата Възлюбена красота) и един автор - „Нощни танци“ на Сологуб. В преследване на Жар птицата Иван Царевич се озовава в прекрасна градина. Там той вижда героите, които Кошчей Безсмъртни превърна в камъни, защото се опитаха да спасят булките, които той беше откраднал. Сега булките принцеси живеят в замъка на Кошчей и излизат в градината да играят. С тях е и Любимата красавица, в която се влюбва Иван Царевич. Разгневените слуги на Кошчей грабват Иван, който тича след принцесите, но той успява да избяга благодарение на ослепителната светлина от перото на Жар птицата. Така магията на злото кралство е развалена и на негово място възниква християнски град. Омагьосаните герои оживяват и намират своите булки, а Иван Царевич - вече владетел на новия град - се жени за Красавицата любима.

Три съжителстват в балета приказен свят: тъмното царство на Кошчей, прекрасна градина със златни ябълки и християнски град с куполи. Армията на Кощеево започва „Мръсния танц“ с характерни ритмични прекъсвания и ярки свирки на пиколо флейта; Появата на Жар птицата е придружена от нежните мелодии на приспивна песен, изпълнявана от дървени духови и струнни инструменти. В кръглия танц на принцесите Стравински използва цитат от руската народна песен „Като в детска градина, детска градина“, а в радостния финал - от песента „Не борът се люлееше на портата“.

Изпълнение: Колумбийски симфоничен оркестър, диригент Игор Стравински

Балет "Спящата красавица" (1889)

Пьотър Чайковски

В балета „Спящата красавица” от Чайковски, написан по мотиви от приказката на Шарл Перо, както обикновено се случва в приказките, се сблъскват два свята: светът на доброто, за което отговаря феята Люляк, и светът на злото, олицетворявано от феята Карабосе. Всяка фея има свой собствен лайтмотив: феята Люляк има нежен лиричен валс, а феята Карабос има нестабилна и сурова, постоянно променяща се музика.

Темите се сблъскват още в пролога и там доброто побеждава. Но в момента, в който главната героиня на балета Аврора се убожда с вретено, получено от Карабос, темата за злата фея звучи всепобеждаващо. Лайтмотивът на съня на Аврора в началото мелодично повтаря лайтмотива на феята Карабосе, но още във второто действие на балета се доближава до темата за доброто. Пълната победа на доброто се случва в трето действие, изпълнено с ликуващи мелодии. Многобройни ономатопеични средства играят голяма роля във финала. Под звуците на полонеза на сватбата на принц Дезире и принцеса Аврора се появяват гости - герои от други приказки на Шарл Перо: Пепеляшка и принц Фортуна, Красавицата и звяра, Синята брада и жена му и др. Всяка двойка герои е представена индивидуално, както музикално, така и хореографски. Например, па дьо дьо на принцеса Флорин и синята птица, благодарение на пърхащите вълни на ръцете, леките подскоци и кръгове, наподобява свободния и лек полет на птици. Музикално този образ е предаден с помощта на виещи се мелодии, изпълнявани от флейти и кларинети, които имитират пеенето на фантастични птици. В епизода „Котаракът в чизми и бялото коте“ звукът на обой и фагот имитира мяукането на котка, а епизодът „Червената шапчица и вълкът“ ритмично предава малките забързани стъпки на момиче.

Изпълнява: Лондонски симфоничен оркестър, диригент Андре Превен

Балет "Чиполино" (1974)

Карен Хачатурян

Сюжетът на балета е базиран на известната приказка „Приключенията на Чиполино” от Джани Родари за смело момче от лук, което се бие с богатите владетели Лимон и Домат, а музикалната основа е прекрасният анимационен филм „Чиполино” от 1961 г. Балетът съдържа и музика от други анимационни филми, където Хачатурян е композитор: „Когато светят коледните елхи“ (1950), „Горски пътници“ (1951), „Сладка приказка“ (1970), „Необикновен мач“ (1955). ), „Стари познати” (1956).

В този балет няма заложени лайтмотиви на героите, музиката следва сюжета, а не конкретни герои. Например, преследването на Cipollino е много точно предадено с помощта на весела музика с подскачащ ритъм, намеквайки на публиката, че няма нужда да се страхуват за героя. Детската простота и достъпност на балета се подчертава от преобладаването в партитурата на ефективни номера (например освобождаването на Чиполино и срещата с приятели, появата на принц Лимон с охраната) над традиционните балетни (като Магнолията и Cherry pas de deux, вариация на стража, вариация Магнолии). Простата хореография позволява дори на млади танцьори да участват в представленията. И въз основа на балета Хачатурян създава детска сюита за пиано на четири ръце.

Изпълнява: Симфоничният оркестър на Болшой театър, диригент Александър Копилов