Европейска живопис Картини от 19 век. Антични картини. „Голо на фона на бюст и зелени листа“

Класицизъм, художествен стил в европейското изкуство от 17-ти до началото на 19-ти век, една от най-важните характеристики на който е призивът към формите на античното изкуство като идеален естетически и етичен стандарт. Класицизмът, който се развива в интензивно полемично взаимодействие с барока, се оформя като цялостна стилистична система във френската художествена култура от 17 век.

Класицизмът от 18 - началото на 19 век (в чуждестранната история на изкуството често се нарича неокласицизъм), превърнал се в общоевропейски стил, също се формира главно в лоното на френската култура, под силното влияние на идеите на Просвещението. В архитектурата се определят нови типове елегантно имение, церемониална обществена сграда, открит градски площад (Габриел Жак Анж и Суфло Жак Жермен), търсенето на нови, безпорядъчни форми на архитектура, желанието за строга простота в работата на Леду Клод Никола предугажда архитектурата на късния етап на класицизма – ампир. Гражданският патос и лиризмът бяха комбинирани в пластичното изкуство (Пигал Жан Батист и Худон Жан Антоан), декоративни пейзажи (Робер Юбер). Смелият драматизъм на историческите и портретни образи е присъщ на творбите на ръководителя на френския класицизъм, художника Жак Луи Давид. През 19 век живописта на класицизма, въпреки дейността на отделни големи майстори, като Жан Огюст Доминик Енгр, се изражда в официално апологетично или претенциозно еротично салонно изкуство. Международният център на европейския класицизъм от 18-ти и началото на 19-ти век е Рим, където традициите на академизма с характерната им комбинация от благородство на формите и студена идеализация (немски художник Антон Рафаел Менгс, скулптори: италианец Антонио Канова и датчанин Торвалдсен Бертел) до голяма степен доминиран. Архитектурата на немския класицизъм се характеризира със строгата монументалност на сградите на Карл Фридрих Шинкел, докато съзерцателната и елегична живопис и скулптура се характеризират с портретите на Август и Вилхелм Тишбайн и скулптурата на Йохан Готфрид Шадов. В английския класицизъм се открояват античните структури на Робърт Адам, парковите имоти в паладийски стил на Уилям Чеймбърс, изящните строги рисунки на Дж. Флаксман и керамиката на Дж. Веджвуд. Собствени версии на класицизма, разработени в художествената култура на Италия, Испания, Белгия, скандинавските страни и САЩ; Руският класицизъм от 1760-1840 г. заема видно място в историята на световното изкуство.

До края на първата третина на 19 век водещата роля на класицизма почти навсякъде изчезна, тя беше заменена от различни форми на архитектурен еклектизъм. Художествената традиция на класицизма оживява в неокласицизма от края на 19 и началото на 20 век.

Жан Огюст Доминик Енгр, (1780-1867) - френски художник, общопризнат лидер на европейския академизъм от 19 век.
В творчеството на Енгр има търсене на чиста хармония.
Учи в Академията за изящни изкуства в Тулуза. След като завършва академията, той се премества в Париж, където през 1797 г. става ученик на Жак-Луи Давид. През 1806-1820 г. учи и работи в Рим, след което се премества във Флоренция, където прекарва още четири години. През 1824 г. се завръща в Париж и открива школа по рисуване. През 1835 г. той отново се завръща в Рим като директор на Френската академия. От 1841 г. до края на живота си живее в Париж.

Академизмът (на френски academisme) е направление в европейската живопис от 17-19 век. Академичната живопис възниква в периода на развитие на художествените академии в Европа. Стилистичната основа на академичната живопис в началото на 19 век е класицизмът, а през втората половина на 19 век - еклектизмът.
Академизмът израства чрез следване на външните форми на класическото изкуство. Последователите характеризират този стил като отражение на формата на изкуството на древния древен свят и Ренесанса.

Инж. Портрети на семейство Ривиер. 1804-05

Романтизъм

Романтизъм- явление, породено от буржоазната система. Като светоглед и стил на художествено творчество, той отразява неговите противоречия: пропастта между това, което трябва да бъде и това, което е, идеал и реалност. Съзнанието за неосъществимостта на хуманистичните идеали и ценности на Просвещението породи две алтернативни идеологически позиции. Същността на първия е да презирате долната реалност и да се оттеглите в черупката на чистите идеали. Същността на второто е да се признае емпиричната реалност и да се отхвърлят всички дискусии за идеала. Изходната точка на романтичния мироглед е откритото отхвърляне на реалността, признаването на непреодолимата пропаст между идеалите и реалното съществуване, неразумността на света на нещата.

Характеризира се с негативно отношение към реалността, песимизъм, тълкуване на историческите сили като извън реалната битова реалност, мистификация и митологизация. Всичко това подтикна към търсене на разрешение на противоречията не в реалния свят, а в света на фантазията.

Романтичният мироглед обхваща всички сфери на духовния живот - наука, философия, изкуство, религия. Тя беше изразена по два начина:

Първият - в него светът се явяваше като безкрайна, безлика, космическа субективност. Творческата енергия на духа действа тук като начало, което създава световната хармония. Тази версия на романтичния светоглед се характеризира с пантеистичен образ на света, оптимизъм и възвишени чувства.

Второто е, че човешката субективност се разглежда индивидуално и персонално, разбирана като вътрешния, самовглъбен свят на човек в конфликт с външния свят. Това отношение се характеризира с песимизъм, лирично тъжно отношение към света.

Първоначалният принцип на романтизма е "два свята": сравнение и контраст на реалния и въображаемия свят. Начинът да се изрази този двойнствен свят беше символизмът.

Романтичният символизъм представлява органична комбинация от илюзорен и реален свят, която се проявява в появата на метафора, хипербола и поетични сравнения. Романтизмът, въпреки тясната си връзка с религията, се характеризира с хумор, ирония и мечтателност. Романтизмът обявява музиката за образец и норма за всички области на изкуството, в които според романтиците звучи самата стихия на живота, стихията на свободата и тържеството на чувствата.

Появата на романтизма се дължи на редица фактори. Първо, социално-политически: Френската революция от 1769-1793 г., Наполеоновите войни, Войната за независимост на Латинска Америка. Второ, икономически: индустриалната революция, развитието на капитализма. Трето, тя се формира под влиянието на класическата немска философия. Четвърто, тя се развива на основата и в рамките на съществуващите литературни стилове: просвещение, сантиментализъм.

Романтизмът процъфтява между 1795 и 1830 г. - периодът на европейските революции и националноосвободителните движения и романтизмът се проявява особено ясно в културата на Германия, Англия, Русия, Италия, Франция и Испания.

Романтичната тенденция има голямо влияние в хуманитарните науки, а позитивистката тенденция в естествените науки, техниката и практиката.

Жан Луи Андре Теодор Жерико (1791-1824).
Ученик за кратко време на C. Vernet (1808-1810), а след това на P. Guerin (1810-1811), който е разстроен от методите си за предаване на природата, които не са в съответствие с принципите на училището на Жак-Луи Давид и страстта му към Рубенс, но впоследствие признава рационалните стремежи на Жерико.
Докато служи в кралските мускетари, Жерико рисува главно бойни сцени, но след пътуване до Италия през 1817-19г. той изпълни голяма и сложна картина „Салът на Медуза“ (намира се в Лувъра, Париж), която се превърна в пълно отричане на Давидовата посока и красноречиво проповядване на реализма. Новината на сюжета, дълбокият драматизъм на композицията и жизнената истина на това майсторски написано произведение не бяха оценени веднага, но скоро получиха признание дори от привържениците на академичния стил и донесоха на художника славата на талантлив и смел новатор .

Трагично напрежение и драматизъм През 1818 г. Жерико работи върху картината „Салът на Медуза“, която бележи началото на френския романтизъм. Делакроа, позирайки за своя приятел, стана свидетел на раждането на композиция, която разбива всички обичайни представи за живописта. По-късно Дьолакроа си спомня, че когато видял завършената картина, той „от възторг започнал да тича като луд и не можел да спре през целия път до вкъщи“.
Сюжетът на филма се основава на реален инцидент, случил се на 2 юли 1816 г. край бреговете на Сенегал. Тогава на плитчината Арген, на 40 левги от африканския бряг, фрегатата Медуза се разби. 140 пътници и членове на екипажа се опитаха да избягат, като се качиха на сала. Само 15 от тях оцеляха и на дванадесетия ден от скитането им бяха прибрани от брига Аргус. Подробностите за пътуването на оцелелите шокираха съвременното обществено мнение, а самото потъване се превърна в скандал във френското правителство поради некомпетентността на капитана на кораба и недостатъчните опити за спасяване на жертвите.

Фигуративно решение
Гигантското платно впечатлява със своята изразителна сила. Gericault успя да създаде ярък образ, съчетавайки в една картина мъртвите и живите, надеждата и отчаянието. Филмът беше предшестван от огромна подготвителна работа. Жерико прави множество скици на умиращи хора в болници и трупове на екзекутирани хора. „Салът на Медуза“ беше последната завършена творба на Жерико.
През 1818 г., когато Жерико работи върху картината „Салът на Медуза“, която бележи началото на френския романтизъм, Йожен Дьолакроа, позирайки за своя приятел, става свидетел на раждането на композиция, която разбива всички обичайни представи за живописта. По-късно Дьолакроа си спомня, че когато видял завършената картина, той „от възторг започнал да тича като луд и не можел да спре през целия път до вкъщи“.

Обществена реакция
Когато Жерико излага „Салът на Медуза“ в Салона през 1819 г., картината предизвиква обществено възмущение, тъй като художникът, противно на академичните норми на времето, не използва толкова голям формат, за да изобрази героично, морализаторско или класическо предмет.
Картината е придобита през 1824 г. и в момента се намира в стая 77 на 1-вия етаж на галерия Denon в Лувъра.

Йожен Делакроа(1798 - 1863) - френски художник и график, ръководител на романтичното движение в европейската живопис.
Но истинските университети за Делакроа бяха Лувърът и общуването с младия художник Теодор Жерико. В Лувъра се увлича от творбите на старите майстори. По това време там можеха да се видят много картини, заловени по време на Наполеоновите войни и все още не върнати на собствениците им. Амбициозният художник е привлечен най-много от големите колористи - Рубенс, Веронезе и Тициан. Но най-голямо влияние върху Делакроа оказва Теодор Жерико.

През юли 1830 г. Париж се разбунтува срещу монархията на Бурбоните. Дьолакроа симпатизира на бунтовниците и това се отразява в неговата „Свободата, водеща народа“ (у нас това произведение е известно още като „Свобода на барикадите“). Изложена в Салона от 1831 г., картината предизвиква силно одобрение от публиката. Новото правителство купува картината, но веднага нарежда нейното премахване да изглежда твърде опасно.

Тенденциите в живописта от 19 век много наподобяват тенденциите от предишния век. В началото на века водещата посока в много страни беше. Възникнал през 18 век, този стил продължава да се развива, като в различните страни неговото развитие има индивидуални характеристики.

Класицизъм

Художниците, които са работили в тази посока, отново се обръщат към образите на древността. Чрез класическите сюжети обаче те се опитват да изразят революционни настроения - желание за свобода, патриотизъм, хармония между човека и обществото. Виден представител на революционния класицизъм е художникът Луи Давид. Вярно е, че с течение на времето класицизмът се превърна в консервативна тенденция, която беше подкрепена от държавата, което означава, че стана безлична, лъскава от цензурата.

Особено ярък разцвет на живописта през 19 век се наблюдава в Русия. По това време тук се появиха много нови стилове и тенденции. Аналогът на класицизма в Русия беше академизмът. Този стил имаше характеристиките на класическия европейски стил - обръщение към образите на античността, възвишени теми и идеализация на образите.

Романтизъм

В началото на 30-те години на 19 век романтизмът се появява като противовес на класицизма. По това време имаше много повратни моменти в обществото. Художниците се стремят да се абстрахират от грозната реалност, създавайки свой идеален свят. Романтизмът обаче се смята за прогресивно движение на своето време, защото желанието на романтичните художници е да предадат идеи за хуманизъм и духовност.

Това е обширна посока, отразена в изкуството на много страни. Неговият смисъл е възвисяването на революционната борба, създаването на нови канони на красотата, рисуването на картини не само с четка, но и със сърцето. Тук емоционалността е на преден план. Романтизмът се характеризира с въвеждането на алегорични образи в много реален сюжет и умела игра на chiaroscuro. Представители на тази тенденция са Франсиско Гоя, Йожен Дьолакроа и Русо. В Русия произведенията на Карл Брюлов се класифицират като романтизъм.

Реализъм

Задачата на тази посока беше да изобрази живота такъв, какъвто е. Художниците реалисти се обърнаха към образите на обикновените хора; основните характеристики на техните творби бяха критичността и максималната правдивост. Те изобразяват в детайли парцалите и дупките в дрехите на обикновените хора, изкривените от страдание лица на обикновените хора и дебелите тела на буржоазията.

Интересен феномен на 19 век е Барбизонската школа на художниците. Този термин обедини няколко френски майстори, които развиха свой собствен, различен стил. Ако в движенията на класицизма и романтизма природата е идеализирана по различни начини, Барбизоните се стремят да изобразяват пейзажи от природата. Техните картини съдържат изображения на родната им природа и обикновени хора на този фон. Най-известните художници от Барбизон са Теодор Русо, Жул Депре, Вирджил ла Пеня, Жан-Франсоа Миле, Шарл Добини.

Жан-Франсоа Миле

Работата на барбизонците оказва влияние върху по-нататъшното развитие на живописта през 19 век. Първо, артистите от тази тенденция имат последователи в редица страни, включително Русия. Второ, Барбизоните дадоха тласък на появата на импресионизма. Те са първите, които рисуват на пленер. Впоследствие традицията за изобразяване на реални пейзажи е възприета от импресионистите.

Това се превърна в последния етап в живописта на 19 век и се случи през последната третина на века. Художниците импресионисти подхождат към изобразяването на реалността по още по-революционен начин. Те се стремяха да предадат не самата природа, нито изображения в детайли, а впечатлението, което създава това или онова явление.

Импресионизмът е пробив в историята на живописта. Този период дава на света много нови техники и уникални произведения на изкуството.

Изкуството на Западна Европа първата половина на 19 век.

История на 19 век отваря не календарната 1801 година, а 1789 година. Великата френска революция (1789-99), която разрушава монархията и създава република, определя развитието на европейската култура за дълго време. Свобода, равенство и братство. Въпреки това не са изминали по-малко от пет години, преди свободата да се превърне в деспотизъм, идеята за равенство да доведе до масови екзекуции и да бъдат започнати завоевателни войни в името на братството на всички хора. И все пак основното откритие на века е осъзнаването на уникалната стойност на човешката личност.

В изкуството от първата половина на 19в. състезаваха се две направления - неокласицизъм и романтизъм. Възходът на неокласицизмападна през годините на Великата френска революция и периода на царуването на Наполеон I. Този стил доминира в архитектурата, изобразителното и декоративното изкуство през първите три десетилетия на 19 век. За хората от онова време животът на древните гърци и римляни е не само идеал за красота, но и модел на света, който се опитват да изградят. Нова посока в европейската култура - романтизъм(Френски романтизъм) - изрази възгледите на по-младото поколение началото на XVIII-XIX век,преживява разочарование от истините на Просвещението. Светът на романтиците е загадъчен, противоречив и безграничен; художникът трябваше да въплъти нейното разнообразие в работата си. Основното нещо в романтичната творба са чувствата и въображението на автора. За романтичния художник е имало и не е могло да има закони в изкуството: в крайна сметка всичко, което е създал, е родено в дълбините на душата му. Единственото правило, което той спазваше, беше лоялността към себе си, искреността на художествения език. Често творенията на романтиците шокираха обществото с пълното им отхвърляне на преобладаващите вкусове, небрежност и непълнота.

Архитектура

През първата половина на 19-ти век градското развитие в Европа се разгръща в безпрецедентен мащаб. Повечето европейски столици – Париж, Санкт Петербург, Берлин – са придобили своя характерен облик; нараства ролята на обществените сгради в техните архитектурни ансамбли. Неокласицизмът през първата половина на 19 век. претърпя късен разцвет. До средата на века основният проблем на европейската архитектура беше търсенето на стил. В резултат на романтичното очарование от древността много майстори се опитаха да възродят традициите на архитектурата от миналото - ето как неоготика, неоренесанс, необарок . Усилията на архитектите често водят до еклектизъм - механично свързване на елементи от различни стилове, старо с ново.

Архитектура на Франция

По време на Великата френска революция във Франция не е построена нито една устойчива конструкция. Това беше ерата на временните сгради. В изкуството на Наполеонова Франция доминиращата роля остава с неокласицизма. В същото време архитектурните форми придобиват специална пищност и тържественост, а мащабът на строителството става грандиозен. Неокласицизмът от времето на Наполеон I се нарича ампир (на френски empire - „империя“). Той трябваше да символизира величието и силата на властта, създадена от генерал Бонапарт. Основното архитектурно начинание на Наполеон е реконструкцията на Париж.

Габриел Жак Анж (1698-1782) - най-големият архитект на Франция през 18 век. Един от основоположниците на неокласицизма.

Площад Луи XV (Place de la Concorde) в Париж. 1753-75

Малкият Трианон във Версай. 1762-64

Замъкът Компиен. 1751-88

Военно училище в Париж. 1751-75

Суфло Жак Жермен (1713-1780) френски архитект.

Представител на неокласицизма.

Жан Лепер, Жак Гондоен – Френски архитекти.

Триумфалната колона на Place Vendôme е издигната по заповед на Наполеон в чест на победата на френските войски при Аустерлиц. Отначало се наричаше „Аустерлиц“, след това беше преименувано на „Колоната на победите“, а дори по-късно - на „Колоната на Великата армия“.

Триумфална колона на площад Вандом в Париж.

1806-10 Височина 44 м; ширина на основата 3,67м

Църквата Св. Женевиев (Пантеон) в Париж. 1757-90

Архитектура на Англия

В архитектурата на Англия през първата половина на 18 век. Утвърждава се неоготическият стил. Един от най-впечатляващите му примери е ансамбълът на парламента в Лондон (от 1840-1868), арх. Сър Чарлз Бари (1795-1860)

парламент.1840-68.

Архитект Жан Франсоа Чалгрин .

Триумфалната арка на площад Карусел в Париж.

1806-07 (17,6 х 10 х 14,6 м (дължина, дълбочина, височина)).

Архитектите C. Percier, P.F.L. Фонтейн.

Триумфалната арка на площад Шарл дьо Гол в Париж.

1806-37 Височина 50м, ширина 45м

Триумфалната арка на Place de la Carousel, известна още като входната порта на двореца Tuileries, е издигната по заповед на Наполеон в чест на големите победи на френското оръжие. Релефите, украсяващи арката, изобразяват сцени от победите на Наполеоновата армия при Улм и Аустерлиц. До 1815 г. арката е увенчана от бронзовата колесница на Победата, която преди това е украсявала фасадата на катедралата Сан Марко във Венеция, след което е заменена от квадрига от скулптора F.J. Босьо.

Триумфалната арка на Великата армия е положена в центъра на бъдещия Place des Stars (сега Place Charles de Gaulle) по заповед на Наполеон в чест на победата на френския император в битката при Аустерлиц (1805) над обединените сили на Австрия и Русия. Пилоните му през 30-те години. XIX век били украсени със скулптурни релефи; включително известната композиция Франсоа Руда (1784-1855) „Представление на доброволците през 1792 г. (Марсилеза)“ (1833-36). Под арката от 1921 г. се намира гробът на Незнайния воин, участник в Първата световна война.

Архитектура на Германия Най-големият център на архитектурата в Германия през първата половина на 19 век. беше Берлин. Развитието на немската архитектурна школа от този период до голяма степен определя работата на двама майстори - Карл Фридрих Шинкел (1781-1841) и Лео фон Кленце (1784-1864).

Старият музей. 1824-28 Арх. К. Ф. Шинкел.

Берлински драматичен театър, 1819 г. Арх.

Нова караулна. 1816-18. Арх. К. Ф. Шинкел.

Вендерската църква. 1824 г В Берлин. Арх.К.Ф.Шинкел.

Европейската скулптура в началото на 19 век.

Европейската скулптура преживява кратък разцвет в началото на 19 век. Но вече през 20-те години. то даде път на упадък и стагнация. Доминиращият и най-плодотворен Неокласицизмът остава стилът. Интересът към изкуството на Древна Гърция и Рим е широко разпространен и притежанието на прочути антични шедьоври се превръща във важен въпрос в международната политика на онова време.

Романтизмът въвежда интерес към личността в скулптурата;Неговото влияние се доказва от множество паметници на велики хора от миналото, издигнати в различни европейски градове през 20-30-те години. XIX век Като цяло скулптурата с нейния обобщен художествен език не можеше да побере цялото разнообразие от впечатления от живота, който се променяше буквално пред очите ни. Живописта се превръща в основното изкуство на 19 век, а скулптурата трябва да извърви дълъг път по пътя на дребния и скучен натурализъм до 80-те години. френският майстор Огюст Роден не върна високото му предназначение.

Канова Антонио (1757-1822) - италиански скулптор и художник.

Торвалдсен Бертел (1768/1770-1844)- датски скулптор.

Шадоу Йохан Готфрид (1754-1850) Немски скулптор, представител на неокласицизма.

Дедал и Икар. 1777-79

Квадрига с фигурата на Победата на Бранденбургската врата в Берлин. 1793 г

Паметник на Николай Коперник във Варшава. 1829-30

Тезей и Минотавърът. 1781-83

Ганимед храни орела на Зевс. 1817 г

Принцеса Фредерика. 1795 г

Живопис на ИспанияСлед разцвета си през 17 век испанската живопис преживява упадък. Художниците му работят под влиянието на италианските и френските традиции, а платната им са слаби и подражателни. През втората половина на 18в. В Испания настъпиха промени. Крал Чарлз III (1759-88) от френската династия на Бурбоните се придържа към прогресивни за времето си възгледи. Неговите съветници, опитвайки се да преобразуват страната в духа на идеите на Просвещението, провеждат реформи, които ограничават властта на църквата. По това време се формира талант Франсиско Гоя (1746-1828) - испански художник

Портрет на херцогинята на Алба. 1797 г

Продавач на съдове. 1778 г

Семейство на крал Чарлз IV. 1800 г

Живопис на Франция

През първата половина на 19в. Френската живописна школа затвърждава първенството си в изкуството на Западна Европа. Теодор Жерико и Йожен Дьолакроа творчески възприемат техния свободен маниер и цвят, подготвяйки раждането на импресионизма и по този начин на цялата съвременна живопис. До началото на 19в. общопризнатият лидер сред френските художници е Жак Луи Давид (1748-1825) - най-последователният представител на неокласицизма в живописта и чувствителен хроникьор на своето бурно време. Творчеството на Дейвид има подчертано публицистична насоченост, художникът се стреми да изрази героични идеали чрез образи на античността

Жерико Теодор (1791-1824) - Френски художник и график.

Основател на романтичното течение в изобразителното изкуство.

Офицер от конните рейнджъри на императорската гвардия,

преминава в атака. 1812 г

Сал "Медуза". 1818-19

Дьолакроа Йожен (1798-1863) - френски художник и график. Ръководител на романтичното движение в изобразителното изкуство.

Танжерски фанатици. 1837-38

Свобода води народа (Свобода на барикадите). 1830 г

Дейвид Жак Луи (1746-1825) - френски художник. В предреволюционната епоха във Франция, най-големият представител на така наречения „революционен“ класицизъм.

Клетвата на Хорации. 1784 г

Наполеон пресича Сен Бернар. 1800 г

Енгр Доминик (1780-1867) - Френски художник, чертожник и музикант. Представител на френския неокласицизъм. Енгр е брилянтен майстор на портретния жанр. Освен портрети, той създава картини на библейски, митологични, алегорични и литературни сюжети.

Грос Жан Антоан (1771-1835) - Френски художник и график. Официалният художник на Наполеон I, хроникьорът на Наполеоновия епос, който е уловил най-важните му етапи. Създава портрети и батални картини, вдъхновени от духа на героизма.

Наполеон на бойното поле при Ейлау. 1808 г

Графиня д'Осонвил 1845 г

Принцеса де Бройл. 1851-53

Живопис на Германия

Германия в началото на 19 век. преживява обществено-политически подем. Съпротивата срещу завоеванията на Наполеон и освободителната война от 1813 г. направиха германския патриотизъм универсален и поданиците на триста германски държави джуджета се осъзнаха като единен народ. През тези години в Германия имаше силно очарование от Средновековието и се увеличи интересът към националната история и култура. Германия играе изключителна роля в историята на романтизма - движение в европейската култура в края на 18-ти - първата половина на 19-ти век.

Рунге Филип Ото (1777-1810) - Немски художник, график и теоретик на изкуството. Един от основоположниците и най-големият майстор на романтизма в немската живопис.

Почивка по пътя за Египет. 1805-06

Портрет на съпругата на художника. 1807 г

Портрет на родителите на художника с техните внуци. 1806 г

Фридрих Каспар Давид (1774-1840) - немски художник, чертожник и гравьор. Представител на романтизма. Пейзажист.

Гигантски планини. 1835 г

Смъртта на "Надежда" в леда. 1824 г

Плаващи облаци. Около 1820г

Бидермайер живопис Бидермайер (на немски: Biedermeier) е стил в изкуството на Германия и Австрия, който се развива през 10-40-те години. XIX век Името му е дадено на пародийните хумористични стихове на Л. Айхрод и А. Кусмаул, публикувани през 1855-57 г. в едно от мюнхенските списания. Техният измислен автор, учителят Готлиб Бидермайер, е скромен човек от улицата: самодоволен, сантиментален, нещастен, любител на спокойния живот и комфорта. Бидермайерската живопис се характеризира с малък формат на платна, внимателен и фин начин на рисуване, като правило, липса на действие в изобразените сцени и пристрастие към малките детайли. Бидермайер овладява художественото преживяване на романтизма с неговия поетичен възглед за света, понякога оцветен с ирония, но в същото време изглажда крайностите на този стил, „опитомява“ го в съответствие с безконфликтната природа на обикновения човек. Майсторите на Бидермайер се пробваха в портрети, пейзажи и други жанрове, но най-яркият израз на стила беше битовата живопис.

Валдмюлер Фердинанд Георг (1793-1865) австрийски художник. Един от най-големите майстори на европейската живопис от средата на 19 век. Типичен представител на бидермайера.

Букет в античен кратер. Около 1840г

Планински пейзаж близо до Mödling. 1859 г

назаряни (Немски Назарян), официален „Съюзът на св. Лука“ (немски) Лукасбунд)

- групиране Германски и австрийски романтични художници от 19 век, който се опита да възроди стила на майсторите от Средновековието и Ранния Ренесанс, фокусирайки се върху изкуството на 15 век. Повечето от техните платна са картини на християнски, исторически или алегорични сюжети, стилът им е наследство от класицизма и реакция към него под влиянието на идеологията на романтизма. Водещите фигури на движението бяха Фридрих Овербек и Петер Корнелиус.

Йохан Фридрих Овербек ( 1789 - 1869 ) - немски художник, график и илюстратор.

Цикъл от фрески за къщата Бартолди в Рим

Питър Йосиф фон Корнелиус ( 1783 - 1867 ) - немски художник.

Мъдри и глупави девици. ДОБРЕ. 1813 г

Механа, около 1820г

Живопис на Англия

В английската живопис академичната школа, чиито основи са положени през 18 век от първия президент на Кралската академия на изкуствата Джошуа Рейнолдс, запазва доминираща позиция през първата половина на 19 век. Но най-забележимото явление през тези години е пейзажът, който в академичната среда се възприема като второстепенен, незначителен жанр. От една страна, желанието за реално отразяване на света, утвърждаването на присъщата стойност на простите селски пейзажи, а от друга, природата като свят на страсти и насилствени преживявания - всичко това намери ярък израз в работата на английски художници. Изкуството на Англия навлиза в ерата на романтизма.

Уилям Блейк (1757-1827) -Английски поет, художник, илюстратор. Сложна и двусмислена личност, Блейк е емблематична фигура за времето си, въплъщение на духа на романтизма.

Създател на вселената.

Фронтиспис към поемата "Европа". 1794 г

Жалко. Около 1795г

Конетабъл Джон (1776-1837) - английски художник. Констабъл изобразява ежедневната природа в цялата й свежест и спонтанност, пресъздавайки благоговението на светло-въздушната среда.

Количка със сено. 1821 г

Бял кон. 1819 г

Уилям Търнър (1775-1851) - английският художник се обръща към библейски, митологични и исторически сюжети, разкривайки склонност към романтична фантазия, към въплъщаване на драматичната борба на природните сили и към предаване на необичайни светлинни ефекти.

Мол в Кале. Французите се готвят да излязат в морето: пристига английски пътнически кораб. 1803 г

Кораб за роби. 1840 г

Последното пътуване на кораба "Смели". 1838 г

17.3 Европейската живопис от 19 век.

17.3.1 Френска живопис . Първите две десетилетия на 19 век. в историята на френската живопис се определят като революционен класицизъм. Негов изключителен представител беше J.L. Дейвид (1748 г– 1825), чиито основни произведения са създадени от него през 18 век. Произведения от 19 век. - това е работа с придворен художник на Наполеон– „Наполеон при прохода Сен Бернар“, „Коронация“, „Леонид при Термопилите“. Давид е автор и на красиви портрети, като портрета на мадам Рекамие. Той създаде голяма школа от ученици и предопредели чертите артистиченот стила на империята.

Ученик на Дейвид е Ж. О. Енгр (1780 г– 1867), който превръща класицизма в академично изкуство и в продължение на много години противопоставениза романтиците. Енгр - автор на правдив остърпортрети (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière” и др.) и картини в стила на академичен класицизъм („Апотеоз на Омир“, „Юпитер и Темида“).

Романтизъм на френската живопис от първата половина на 19 век– това са картини на Т. Жерико (1791 – 1824) („Салът на Медуза“ и „Епсомско дерби и др.“) и Е. Дьолакроа (1798 – 1863), автор на известната картина „Свободата води народа“.

Реалистичната посока в живописта от първата половина на века е представена от произведенията на Г. Курбе (1819 г.– 1877), автор на термина „реализъм“ и картините „Каменотрошач“ и „Погребение в Орнан“, както и произведенията на Дж. Е. Милет (1814 – 1875), писател на всекидневния живот на селяните и (“Берачите”, “Човекът с мотиката”, “Сеячът”).

Важно явление в европейската култура през втората половина на 19 век. Имаше художествен стил, наречен импресионизъм, който стана широко разпространен не само в живописта, но и в музиката и художествената литература. И все пак възниква в живописта.

Във временните изкуства действието се развива във времето. Изглежда, че живописта успява да улови само един единствен момент във времето. За разлика от киното винаги има един „кадър“. Как може да предаде движение? Един от тези опити за улавяне на реалния свят в неговата подвижност и променливост беше опитът на създателите на движение в живописта, наречено импресионизъм (от френски впечатление). Това движение обединява различни художници, всеки от които може да се характеризира по следния начин. Импресионисте художник, който предава своите директенвпечатление от природата, вижда в нея красотата на променливостта и непостоянството, в създава визуално усещане за ярка слънчева светлина, игра на цветни сенки, използвайки палитра от чисти, несмесени цветове, от които черното и сивото са прогонени.

В картините на такива импресионисти като К. Моне (1840-1926) и О. Реноар (1841-1919), в началото на 70-те години на XIX век. появява се въздушна материя, притежаваща не само определена плътност, която изпълва пространството, но и подвижност. Слънчевата светлина струи и парата се издига от влажната земя. Вода, топящ се сняг, разорана земя, люлееща се трева по поляните нямат ясни, замръзнали очертания. Движение, което преди това е въведено в пейзажа като изображение на движещи се фигури, в резултат на действието на природни сили– вятърът, гонещ облаците, люлеещ дърветата, вече е заменен от мир. Но този мир на неживата материя е една от формите на нейното движение, което се предава от самата текстура на живописта - динамични щрихи от различни цветове, които не са ограничени от твърдите линии на рисунката.

Новият стил на рисуване не се приема веднага от публиката, която обвинява художниците, че не знаят как да рисуват и хвърлят върху платното изстъргани бои от палитрата. Така розовите катедрали на Моне в Руан изглеждаха неправдоподобни както за зрителите, така и за колегите художници.– най-доброто от живописната поредица на художника (“Сутрин”, “С първите слънчеви лъчи”, “Обед”). Художникът не е се опита да представи катедралата върху платно в различни часове на деня– той се състезаваше с майсторите на готиката да погълне зрителя в съзерцанието на магически светлинни и цветни ефекти. Фасадата на Руанската катедрала, подобно на повечето готически катедрали, крие мистичната гледка на оживяващите хора. x от слънчевата светлина на ярките цветни витражи на интериора. Осветлението в катедралите се променя в зависимост от това от коя страна грее слънцето, облачно или ясно време. Слънчевите лъчи, проникващи през наситения син и червен цвят на стъклописа, се оцветяват и падат в цветни отблясъци върху пода.

Думата „импресионизъм“ дължи появата си на една от картините на Моне. Тази картина беше наистина екстремен израз на иновацията на възникващия метод на рисуване и беше наречена „Изгрев в Хавър“. Съставителят на каталога с картини за една от изложбите предложи художникът да го нарече по друг начин, а Моне, зачертавайки „в Хавър“, постави „впечатление“. И няколко години след появата на творбите му те пишат, че Моне „разкрива живот, който никой преди него не е успял да разбере, за който никой дори не е знаел“. В картините на Моне започнаха да забелязват тревожния дух на раждането на нова ера. Така „сериализмът“ се появява в творчеството му като ново явление в живописта. И тя се фокусира върху проблема с времето. Картината на художника, както беше отбелязано, изтръгва един „кадър“ от живота, с цялата му непълнота и непълнота. И това даде тласък на развитието на сериалите като последователно заменящи се един друг. Освен Руанските катедрали, Моне създава поредицата Gare Saint-Lazare, в която картините са взаимосвързани и се допълват. Въпреки това беше невъзможно да се комбинират „рамките“ на живота в една лента от впечатления в живописта. Това се превърна в задача на киното. Историците на киното смятат, че причината за появата и широкото му разпространение са не само техническите открития, но и спешната художествена нужда от движещо се изображение. И картините на импресионистите, по-специално на Моне, станаха симптом на тази необходимост. Известно е, че един от сюжетите на първия в историята киноспектакъл, организиран от братя Люмиер през 1895 г., е „Пристигането на влак“. Парни локомотиви, гара и релси бяха предмет на серия от седем картини „Гара Сен Лазар“ на Моне, изложена през 1877 г.

Изключителен художник импресионист беше О. Реноар. Към творбите му („Цветя“, „Млад мъж, който се разхожда с кучета в гората на Фонтенбло“, „Ваза с цветя“, „Къпане в Сена“, „Лиза с чадър“, „Дама в лодка“, „Ездачи“ в Булонския лес” , “Балът в Le Moulin de la Galette”, “Портрет на Жана Самари” и много други) са напълно приложими думите на френския художник Е. Дьолакроа “Първата добродетел на всяка картина”- да е празнично м за очите." Името на Реноар- синоним на красота и младост, това време от човешкия живот, когато душевната свежест и разцветът на физическата сила са в пълна хармония. Живеейки в епоха на остри социални конфликти, той ги оставя извън своите платна, фокусирайки се събуждане за красивите и светли страни на човешкото съществуване. И в тази позиция той не беше сам сред художниците. Двеста години преди него великият фламандски художник Питър Паул Рубенс рисува картини на огромен животоутвърждаващ принцип („Персей и Андромеда“). Такива снимки дават надежда на човек. Всеки човек има право на щастие и основният смисъл на изкуството на Реноар е, че всяко негово изображение утвърждава неприкосновеността на това право.

В края на 19 век в европейската живопис се появява постимпресионизмът. Неговите представители- П . Сезан (1839 – 1906), В. Ван Гог (1853 – 1890), П. Гоген (1848 – 1903), вземайки от импресионистичистота на цвета, ние търсихме постоянни принципи на съществуване, обобщаващи живописни методи, философски и символични аспекти на творчеството. Картини на Сезан– това са портрети („Пушач“), пейзажи („Бреговете на Марна“), натюрморти („Натюрморт с кошница с плодове“).

Картини на Ван Гог- „Хижите“, „След дъжда“, „Разходката на затворниците“.

Гоген притежава чертите на мирогледния романтизъм. През последните години от живота си, запленен от живота на полинезийските племена, които според него са запазили своята примитивна чистота и почтеност, той заминава за островите на Полинезия, където създава няколко картини, чиято основа е примитивизация на формата, желанието да се доближите до художествените традиции на местните жители („Жена, държаща плод“, „Таитянски пасторал“, „Чудна пролет“).

Забележителен скулптор от 19 век. е О. Роден (1840 г– 1917), които съчетават в творчеството си импресионистиченромантизъм и експресионизъм с реалистичентърсения. Виталността на образите, драмата, изразяването на интензивен вътрешен живот, жестовете, които продължават във времето и пространството (какви са Не е възможно тази скулптура да се постави на музика и балет), улавяне на нестабилността на момента- всичко това заедно създава по същество романтичен образ и изцяло импресионистиченвизия Желанието за дълбоки философски обобщения („Бронзовата епоха“, „ Граждани на Кале", скулптура, посветена на героя от Стогодишната война, пожертвал себе си, за да спаси обсадения град, творби за "Портите на ада", включително "Мислителят") и желанието да се покажат моменти на абсолютен красота и щастие ("Вечна пролет", "Pas de -de")– основните характеристики на творчеството на този художник.

17.3.2 Английска живопис. Изящното изкуство на Англия през първата половина на 19 век.- това е пейзажна живопис, ярка представителикоито бяха Дж. Констабъл (1776 – 1837), английски предшественик импресионисти(„Каруца със сено пресича брод” и „Ръжено поле”) и У. Търнър (1775 – 1851), чиито картини като Дъжд, Пара и Скорост, "Корабокрушение", се отличава със страст към цветната фантазма.

През втората половина на века Ф. М. Браун създава своите произведения (1821 г– 1893), който с право е смятан за „Холбайн на 19 век“. Браун е известен с историческите си произведения (Чосър в двора на Едуард III и Лир и Корделия), както и с картините си на акт традиционни ежедневни теми („Последен поглед към Англия“, „Труд“).

Творческата асоциация „Прерафаелитско братство“ („Прерафаелити“) възниква през 1848 г. Въпреки че обединяващото ядро е страстта към произведенията на художниците от ранния Ренесанс (преди Рафаел), всеки член на това братство има своя собствена тема и собственото си артистично кредо. Теоретикът на братството е английският културолог и естетик Дж. Ръскин, който очертава концепцията за романтизма във връзка с условията на Англия от средата на века.

Ръскин, свързвайки изкуството в творбите си с общото ниво на култура на страната, виждайки в изкуството проявата на морални, икономически и социални фактори, се опита да убеди британците, че предпоставките за красота са скромност, справедливост, честност, чистота и непретенциозност .

Прерафаелитите създават картини на религиозни и литературни теми, оформят художествено книги и развиват декоративно изкуство и се стремят да съживят принципите на средновековните занаяти. Разбиране на опасната тенденция за декоративно изкуство- нейното обезличаване чрез машинно производство, английски художник, поет и общественик У. Морис (1834 – 1896) организира художествени и промишлени работилници за производство на гоблени, тъкани, витражи и други предмети от бита, чиито рисунки са използвани завършен от него самия и прерафаелитските художници.

17.3.3 Испанска живопис. Гоя . Произведения на Франсиско Гоя (1746 г– 1828) принадлежи към два века – XVIII и XIX. Има голямо значение за формирането на европейския романтизъм. Творчески нас Животът на художника е богат и разнообразен: живопис, портрети, графики, фрески, гравюри, офорти.

Гоя използва най-демократичните теми (разбойници, контрабандисти, просяци, участници в улични битки и игри- герои в неговите картини). Получавайки през 1789г заглавие на придв Устен художник Гоя изпълнява огромен брой портрети: крал, кралица, придворни („Семейството на крал Чарлз IV“). Влошеното здраве на художника доведе до промяна в темите на неговите творби. По този начин картините, характеризиращи се със забавна и причудлива фантазия („Карнавал“, „Играта на слепеца“) се заменят с платна, пълни с трагедия („Трибунал на инквизицията“, „Лудница“). Следват 80 офорта „Капричио”, върху които художникът работи повече от пет години. Значението на много от тях остава неизяснено и до днес, а други са тълкувани в съответствие с идеологическите изисквания на своето време.

Използвайки символичен, алегоричен език, Гоя рисува ужасяваща картина на страната в началото на века: невежество, суеверие, тесногръдие на хората, насилие, мракобесие, зло. Офорт „Сънят на разума ражда чудовища“– ужасни чудовища заобикалят спящ човек, прилепи, сови и други зли духове. Самият художник дава следното обяснение за творбите си: „Убеден, че критиката човекпороциИпогрешни схващания, Макар чеИИзглеждаобласт на ораторството и поезията, може да бъде и предмет на живо описание, художникът е избрал за своето творчество от многото екстравагантности и абсурди, присъщи на всяко гражданско общество, както и от общите предразсъдъци и суеверия, легитимирани от обичай, невежество или себе си - интерес, тези, които смяташе за особено подходящи за присмех и в същото време за упражняване на въображението.

17.3.4 Модерен – финал стил европейски живопис XIX V . Най-известните произведения, създадени в европейската живопис от 19 век. в стил Арт Нуво имаше произведения на английския художник О. Биърдсли (1872 г.– 1898). ТойилюстриранработаОТНОСНО. Уайлд ("Саломе"), създаденоелегантенграфикафантазия, омагьосанцялопоколениеевропейци. самочеренИбялобяхаинструментинапрза труда: лист бяла хартия и бутилка черно мастило и техника, подобна на най-фината дантела („Тайната розова градина“, 1895 г.). Илюстрациите на Биърдсли са повлияни от японските щампи и френското рококо, както и от декоративния маниеризъм на Арт Нуво.

Стил Арт Нуво, възникнал около 1890г– 1910 yy., характеризираналичностнавиванелинии, напомнящкъдрицикоса, стилизиранцветяИрастения, езиципламък. стилтовабешеширокчесто срещаниИVживописИVархитектура. ТоваилюстрацииангличанинБайоrdsley, плакати и афиши от чеха А. Муха, картини от австриеца Г. Климт, лампи и метални изделия от Тифани, архитектура от испанеца А. Гауди.

Друг изключителен феномен на модернизма от края на века– норвежкихудожникд. Мунк (1863 – 1944). ИзвестенживописМунк« Scream (1893)– композитенЧастнеговиятфундаменталенцикъл„Фризживот", по-горекойтохудожникса работилидългогодини. В последствиеработа"Вик"Мункповтаря сеVлитографии. Рисуване"Вик"предавасъстояниеекстремниемоционаленволтажчовек, тяolitsсъздава отчаянието на самотния човек и неговия вик за помощ, която никой не може да предостави.

Най-големият художник във Финландия А. Гален-Калела (1865 г– 1931) Vстилмодеренилюстриранепичен"Калевала". Наезикемпириченреалностзабранено еказвамза легендарния старец– ковачИлмаринен, койтоизкованинебе, събрани заеднонебесен свод, окованотогънорел; ОмайкиLemminkäinen, възкръсналнеговиятубитсин; ОпевицаVäinämöinene, който"тананикашезлатоКоледна елха", Галел- Калелауправляванапредавамнаредна сила на древните карелски руни на езика на модерността.

Инж. Портрети на семейство Ривиер. 1804-05