Картини на руски художници от 20-те и 30-те години. съветска живопис. "Нарциси и покривка в сини и розови тонове"

Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу

Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.

публикувано на http://www.allbest.ru/

Министерство на образованието на Руската федерация

Магнитогорски държавен университет

Тест

Художници от 20-30-те години

Изпълнител: Алена Тимеева

Магнитогорск 2001г

Въведение

Октомври 1917 г. открива нова ера не само в социалния живот, но и в живота на изкуството. Всяка революция разрушава нещо и след това започва създаването на нещо ново. Това, което се случва, не е просто развитие, а решително преустройство на основите на предишни социални, политически, идеологически и други видове структури, включително изкуството.

Революцията повдигна поне два проблема. Първият проблем е класичността на изкуството. Опитът тя да се обвърже тясно с класовата борба доведе до изкривяване на нейната многофункционалност. Особено остро опростено разбиране на класовия характер на изкуството се проявява в дейността на известния Пролеткулт. Елементът на борбата доведе до унищожаване на паметници на културата, причинено не само от военните действия по време на гражданската война и чуждестранната намеса, но и от политиката, насочена към смазване на буржоазната култура. По този начин много скулптурни паметници и произведения на древната архитектура, свързани с религиозния култ, бяха разрушени или унищожени.

Вторият проблем е проблемът за класовата политика в изкуството. В решаването му бяха включени всички сили: „буржоазни” и „пролетарски”, разрушителни и съзидателни, съветски и несъветски, „леви” и „десни”, културни и невежествени, професионални и аматьорски.

Принципите на общественото развитие, провъзгласени от държавата, до голяма степен определят постепенното движение на изкуството. Имаше своеобразно наслояване на сили, от чието събиране се формира вектор на реалното състояние на изкуството. От една страна, това е силата на саморазвитието на изкуството, където са отразени моделите на движение на формите, съдържащи се в природата на художественото творчество; от друга страна, влиянието на социални сили, обществени институции, заинтересовани от това, а не от онова движение на изкуството, в определени негови форми. На трето място, диктатът на държавната политика, която, опирайки се или не опирайки се на обществени сили, оказа безусловно влияние върху структурата на изкуството, върху неговата същност, върху неговия еволюционен и революционен потенциал. От края на 20-те години политиката явно започва да изкривява нормалния процес на развитие на изкуството, да упражнява известен натиск върху него, като забранява или осъжда някои „непролетарски“ прояви.

Художници и художествени сдружения от 20-те години.

20-те години на миналия век бяха бурно време за изкуството. Имаше много различни групи. Всеки от тях изложи платформа, всеки излезе със свой манифест. Изкуството, обсебено от идеята за търсене, беше разнообразно; кипеше и кипеше, опитваше се да върви в крак с епохата и да гледа в бъдещето.

Най-значимите групи, чиито декларации и творческа практика отразяват основните творчески процеси от онова време, са AHRR, OST и „4 изкуства“ (8, с. 87).

Групата AHRR (Асоциация на художниците на революционната Русия) възниква през 1922 г. (през 1928 г. е преименувана на AHRR - Асоциация на художниците на революцията). Ядрото на AHRR се формира главно от бивши участници в Асоциацията на пътуващите изложби. Декларацията на AHRR е изложена в каталога на изложбата от 1922 г.: „Нашият граждански дълг към човечеството е художествено и документално улавяне на най-великия момент в историята в нейния революционен импулс. Ще изобразим днес: живота на Червената армия, живота на работниците, селяните, революционерите и героите на труда.

Художниците на AHRR се стремят да направят своята живопис достъпна за масовата публика от онова време. В работата си те често механично използват всекидневния писмен език на късните Странници. AHRR организира редица тематични художествени изложби, самите имена на които са: „Живот и живот на работниците” (1922), „Живот и живот на Червената армия” (1923), „Революция, живот и труд” (1924 - 1925), „Животът и животът на народите на СССР“ (1926) - говорим за задачите за пряко отразяване на съвременната реалност.

Особеността на практиката на „ахровците“ беше, че те отидоха във фабрики и фабрики, в казармите на Червената армия, за да наблюдават живота и ежедневието на своите герои там. По време на подготовката на изложбата „Животът и битът на народите на СССР“ нейните участници посетиха най-отдалечените кътчета на съветската страна и донесоха оттам значителен брой скици, които бяха в основата на техните творби. Художниците на AHRR играят важна роля в развитието на нови теми, оказвайки влияние върху представители на различни артистични групи от онова време.

Сред художниците на AHRR се откроява творчеството И.И.Бродски(1883 - 1939), който си поставя за задача точно, документално възпроизвеждане на събитията и героите на революцията. Неговите картини, посветени на дейността на В.И. Ленин. Раждането на живописната Лениниана се основава на картината „Речта на Ленин в Путиловския завод“, нарисувана от Бродски през 1929 г., и една от най-известните му творби „Ленин в Смолни“ (1930 г.), изобразяваща Ленин в кабинета си по време на работа . Бродски много пъти е виждал Ленин и му е правил скици (12, с. 92).

Произведенията на Бродски имат важно качество - автентичност, която има голямо историческо образователно значение. Желанието за документиране обаче понякога води до емпирично, натуралистично тълкуване на събитието. Художествената значимост на картините на Бродски също беше намалена от сухия натурализъм и диетичната окраска, характерни за значителна част от неговите творби.

Майстор на портретната живопис Г.Г.Ряжски(1895 - 1952) се присъединява към AHRR през 1923 г. Най-известните му творби са „Делегат“ (1927) и „Председателка“ (1928), в които художникът разкрива типичните социално-психологически черти на жената в едно ново общество, активен участник в индустриалния и обществен живот на страната. Неговата „Председателка” е работничка-активистка. Нейната поза и жест разкриват самоуважение и непринуденост като доказателство за позицията на жената в новото работещо общество.

Сред портретистите AHRR играе важна роля С.В.Малютин(1859 - 1937). Портретната галерия, която той създава преди революцията, е допълнена по съветско време с портрети на В.К. Бялиницки-Бирули, А.В. Луначарски и много други. Сред тях най-интересен е портретът на Дмитрий Фурманов, рисуван през 1922 г., който убедително разкрива образа на писателя-воин, представител на новата, съветска интелигенция.

Активен участник в изложбите на AHRR беше голям руски художник от началото на 19-ти и 20-ти век. А.Е. Архипов. През 20-те години Архипов създава изображения на селски жени - „Жена с кана“, „Селянка в зелена престилка“, „Селянка с розов шал в ръка“ и др. Тези картини са рисувани с широка четка, темпераментно и колоритно.

Внимателното наблюдение и вниманието към новите явления на живота бележат работата на E.M. Чепцов (1874 - 1943), който продължава традициите на Передвижниците в областта на бита. Широко известна е картината му „Среща на селската клетка“ (1924), която изобразява селски дейци от първите години на революцията. Наблюдателността и искреността на автора, простотата на външния вид на неговите герои и безупречността на околните аксесоари направиха малкото, скромно произведение на изкуството на Чепцов един от най-интересните образци на изкуството на AHRR.

Същото може да се каже и за една от творбите на пейзажиста Б.Н. Яковлева (1880 - 1972). Неговият „Транспортът става все по-добър“ (1923) е скромна и в същото време дълбока история за трудната епоха от първите години на революцията, за ежедневната работа на хората. Нарисувана спокойно и просто, тази картина е един от първите примери за индустриален пейзаж в съветската живопис.

Специално място в живописта на AHRR заема творчеството на М.Б. Греков (1882-1934) - основоположник на бойния жанр в съветското изкуство. В продължение на десетилетие и половина - до края на живота си - той е зает да създава поредица от картини, посветени на Първата кавалерийска армия, в чиито кампании и битки участва художникът. В творчеството му, особено в ранния период, ясно се усещат традициите на Верещагин. Главният герой на Греков е народ, поел върху себе си всички трудности на войната. Творбите на Греков са жизнеутвърждаващи. В такива картини от средата на 20-те години като "Тачанка" (1925) пътуващата прецизност на образа се съчетава с романтично въодушевление. По-късно, продължавайки уникалната живописна хроника на Първа конна армия, Греков създава епични платна, сред които се открояват картините „Към Кубан” и „Тръбачи на Първа конна армия” (и двете 1934 г.).

Наред с AHRR, който включва художници от по-старото и средното поколение, които вече имат богат творчески опит по времето на революцията, групата OST (Общество на стативите), организирана през 1925 г., играе активна роля в художествения живот на тези години обединява артистичната младеж на първия съветски художествен университет - ВХУ-ТЕМАСА. (3)

Основната задача на сдружението се смяташе за борба за възраждане и по-нататъшно развитие на стативната живопис на съвременна тема или с модерно съдържание от художниците OST, както и от акровците. Творческите стремежи и методи на OST артистите обаче имаха характерни различия. Те се стремят да отразят в отделни факти новите качества на съвременната им епоха по отношение на предишната епоха. Основната им тема беше индустриализацията на Русия, която доскоро беше аграрна и изостанала, и желанието да се покаже динамиката на връзката между съвременното производство и хората.

Един от най-талантливите представители на групата OST беше А.А.Дейнека. Най-близките декларации на OST са неговите картини: „При строежа на нови цехове“ (1925), „Преди да слезете в мината“ (1924), „Футболисти“ (1924), „Текстилни работници“ (1926). Фигуративният патос на Дейнека - скелетът намери изход в журналистическата графика, в която художникът се изявява като илюстратор в списания за широко четене - като „При машината“, „Атеист при машината“, „Прожектор“, „ Младост” и др. Централната работа на Дейнека от Остовския период е картината „Отбраната на Петроград”, нарисувана през 1928 г. за тематичната изложба „10 години на Червената армия”. Това произведение разкрива основния патос и смисъла на новаторските традиции на най-животворния OST и които намериха своето развитие в съветското изкуство от следващите периоди. Дейнека въплъщава в тази картина цялата оригиналност на своя стил, намалява изразителните средства до минимум, но ги прави много активни и ефективни (8, с. 94).

Сред останалите членове на OST, най-близките до Дейнека по отношение на естеството на техните произведения и стилистични характеристики са Ю.И. Пименов, П.В. Williams, S.A. Лучишкин. Творбите „Тежката индустрия” на Пименов, „Хамбургското въстание” на Уилямс, „Топката отлетя” и „Обичам живота” на Лучишкин, създадени в същия период, разкриват и новаторски отразяват важните качества на съвременната реалност,

За разлика от групата Ostov, която беше млада по своя състав, имаше две други творчески групи, които заемаха важно място в артистичния живот от онези години - „4 изкуства“ и OMH. (Общество на московските художници) - обединени майстори от по-старото поколение, развили се творчески в предреволюционните времена, които се отнасяха с особено уважение към проблемите на запазването на изобразителната култура и смятаха самия език, пластичната форма за много важен част от работата. Обществото "4 изкуства" възниква през 1925 г. Най-видните членове на тази група са P.V. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин, М.С. Сарян, Н.П. Улянов, К.Н. Истомин, В.А. Фаворски.

Произведенията на Петров-Водкин, като „След битката“ (1923), „Момиче на прозореца“ (1928), „Тревога“ (1934), най-пълно изразяват етичния смисъл на различни периоди - крайъгълни камъни в развитието на съветското общество . Неговата картина „Смъртта на един комисар“ (1928), подобно на „Отбраната на Петроград“ на Дейнека, нарисувана във връзка с изложбата „10 години Червена армия“, за разлика от специфичната публицистика – основата на образните решения на Дейнека – дава неговото философско решение на задачата: чрез факти, които обобщават идеите за събития, случващи се на цялата планета Земя, чрез идентифициране на етичната същност на тези събития. Комисарят е човек, който и в живота, и в смъртта извършва подвиг в името на човечеството. Неговият образ е израз на неустоимостта на светлите идеи, които ще победят в бъдещето, независимо и въпреки смъртта на най-активните носители на тези идеи. Прощалният поглед на умиращия комисар е като прощална дума към отряд бойци преди атака - той е пълен с вяра в победата.

Философските идеи на Петров-Водкин намират подходящ пластичен израз. Изобразеното пространство сякаш се простира върху сферичната повърхност на планетата. Комбинацията от предна и задна перспектива убедително и трогателно предава „планетарната” панорама на случващото се. Проблемите с изображенията също са ясно разрешени в цветовата система. В своята картина художникът се придържа към принципа на трикольора, сякаш олицетворява основните цветове на земята: студен син въздух, синя вода; кафяво-червена пръст; зеленина на растителния свят.

Значителна следа в историята на съветската живопис оставиха художниците от групата OMH, която беше организирана през 1927 г. Много от тях се сближиха в предреволюционните години в асоциацията „Джак с диаманти“. Най-активни в OMX бяха P.P. Кончаловски, И.И. Машков, А.В. Лентулов, А.В. Куприн, Р.Р. Фалк, В.В. Рождественски, А.А. Осмеркин. изкуство портрет артистичен

В своята декларация художниците от OMKh казаха: „Ние изискваме от художника най-голяма ефективност и изразителност на формалните аспекти на неговата работа, които са неразделна част от идеологическата страна на последната.“ Тази програма се чувства близка до групата "4 изкуства".

Един от най-ярките представители на тази програма в съветското изкуство от първите години е П.П. Кончаловски. Той се стреми да съчетае тенденциите на „Валето на диамантите“ с наследството на руските реалистични художници, което значително разшири творческия му диапазон и му помогна да влезе по-органично в съветското изкуство от 20-те години. Такива произведения на майстора като „Автопортрет със съпругата му“ (1922), „Портрет на О. В. Кончаловская“ (1925), „Портрет на дъщерята Наташа“ (1925) се отличават с колористична цялост и интензивност на отделните цветове. През същите тези години П.П. Кончаловски се опитва да създаде тематични картини, сред които най-добрите са „Новгородци“ (1921) и „От панаира“ (1926). Художникът се интересува от традиционните образи на „руските селяни” - могъщи, набити, живеещи заобиколени от познати предмети, според законите на старите обичаи и заедно със средата си съставляващи нещо типично национално.

Художници и художествени сдружения от 30-те години.

30-те години в историята на съветското изкуство са труден период, отразяващ противоречията на самата реалност. Възприемайки значителните промени, настъпващи в обществото, патоса на индустриализацията, майсторите на изкуството в същото време почти не забелязват основните социални противоречия, не изразяват социалните конфликти, свързани с укрепването на култа към личността на Сталин. (1).

На 23 април 1932 г. Централният комитет на партията приема резолюция „За преустройството на литературно-художествените организации“. Този указ ликвидира всички съществуващи преди това художествени колективи и посочи общи пътища и форми за стабилизиране и развитие на всички творчески сили на съветското изкуство. Резолюцията отслаби конфронтацията между отделните асоциации, която стана толкова изострена в началото на 20-те и 30-те години. Но от друга страна в художествения живот се засилиха обединителните тенденции. Авангардните експерименти, които се усетиха през 20-те години, бяха прекъснати. Разгръща се борба срещу така наречения формализъм, в резултат на което много художници са принудени да изоставят предишните си завоевания.

Създаването на единен съюз съвпадна с одобрението на принципа на социалистическия реализъм, формулиран от A.M. Горки на Първия всесъюзен конгрес на съветските писатели. Социалистическият реализъм приема наследството на традициите на реалистичното изкуство от 19 век. и насочва художниците към изобразяване на действителността в нейното революционно развитие. Но както показа по-нататъшната практика на съветското изкуство, терминът "социалистически реализъм" се оказа недостатъчно обемен и адекватен на сложните и многопластови тенденции на новата култура. Формалното му приложение в художествената практика често му отрежда ролята на догматична спирачка за развитието на изкуството. В условията на обществено преустройство от 80-те години терминът „социалистически реализъм” е обект на дискусия в професионалните среди на различни нива.

Много от прогресивните тенденции, които се появяват през 20-те години, продължават да се развиват през 30-те години. Това се отнася например за ползотворното взаимодействие на различните национални училища.

Художници от всички републики на Съветския съюз участват в големи художествени изложби, организирани през 30-те години. В същото време в Москва се организират републикански изложби във връзка с десетилетията на националното изкуство. Въпросите на националното изкуство са от особено значение за творците от братските републики.

През 30-те години се разширява практиката на държавни поръчки и творчески пътувания на артисти. Организират се най-големите изложби: „15 години Червена армия“, „20 години Червена армия“, „20 години Комсомол“, „Индустрия на социализма“, „Изложба на най-добрите произведения на съветската живопис“ и др. , съветски художници участват в международни изложби в Париж и Ню Йорк, работят за Всесъюзната селскостопанска изложба в Москва, във връзка с подготовката на която са създадени значителен брой монументални и декоративни произведения, което по същество означаваше важен етап от възраждането на монументалната живопис като самостоятелно изкуство със свои цели и закони. Тези творби изразяват тенденцията на съветското изкуство към монументализъм.

Художникът става един от най-значимите представители на стативната живопис от този период Борис Владимирович Йогансон(1893 - 1973), който се обърна в творчеството си към най-високите традиции на руската живопис от 19 век. Той интерпретира наследството на Суриков и Репин, като внася ново революционно съдържание в творбите си, съзвучно с епохата. От тази гледна точка особено важни са картините на Йогансон „Разпит на комунисти“ (1933) и „В старата уралска фабрика“ (1937).

Картината „Разпит на комунисти” е изложена за първи път на изложбата „15 години Червена армия”. В него художникът показва комунистите, които се изправят в защита на революционното отечество, и техните противници - белогвардейците, които се опитват да удушат съветската държава по време на гражданската война. Художникът провежда своето историческо обобщение в традициите на Репин, като показва конкретно действие в конкретна обстановка. Ние не знаем имената на изобразените тук хора, още повече, че образът като цяло се възприема от нас като исторически универсален. Комунистите във филма на Йогансон са обречени на смърт. Но художникът показва тяхното спокойствие, смелост, сила и издръжливост, които контрастират с безпокойството, нервността, психологическото разединение, което цари в групата на белогвардейците, безсилни не само в тази ситуация, но и сякаш пред лицето на историята .

В картината „В старата уралска фабрика“, написана за изложбата „Индустрията на социализма“, Йогансон противопоставя образите на собственика на фабриката и работника, в които разкрива усещане за възникващо класово съзнание и вътрешно превъзходство над експлоататора. С тази картина художникът показва историческия конфликт между старо и ново, реакционно и прогресивно и утвърждава победоносната сила на революционното и прогресивното. Това са новите характерни черти на съветския историко-революционен жанр по примера на живописта на Йогансон.

Особено място през този период заема многостранното в образи, теми и жанрове творчество. Сергей Василиевич Герасимов. Най-забележителното произведение на историческия жанр в неговото творчество е картината „Клетвата на сибирските партизани“ (1933), зашеметяваща със своята открита изразителност, разкрита от колористична изразителност, остра рисунка и динамична композиция. Работейки в ежедневния жанр, S.V. Герасимов обърна основно внимание на селската тема. Художникът се доближава до нейното решение чрез портрет, създавайки цяла поредица от убедителни селски образи. По време на строителството на колхозното село той рисува един от най-ярките портрети „Колхозен пазач“ (1933 г.). Сред най-значимите произведения на жанровата живопис от 30-те години е картината „Колхозен празник“ (1937), която е изложена на изложбата „Индустрия на социализма“. Най-големият съветски критик на изкуството, академик I.E., точно и кратко характеризира тази картина. Грабар: „Когато се появи прекрасното платно „Колхозен празник“, една от най-добрите картини на изложбата „Индустрия на социализма“, едва ли някой от съветските художници, с изключение на Сергей Герасимов, стана очевиден. можеше да се справи с такава композиционна, светлинна и цветова задача и дори с помощта на толкова прости средства и техники, това беше най-слънчевата картина в руската живопис по време на революцията, въпреки факта, че е изпълнена в сдържан план" (1. , стр. 189).

„Певецът“ на съветското селячество беше Аркадий Александрович Пластов(1893 - 1983), свързан с руското село по произход. През целия си живот той е бил силно повлиян от впечатленията от детството си, прекарано в тясно общуване с природата, със земята, със селяните, живеещи на тази земя.

След Великата октомврийска социалистическа революция Пластов, увлечен от работата в родното си село Прислонихе, посвещавайки свободното си време на рисуване, натрупва скици и впечатления за бъдещите си творби, посветени на селския живот. Една от първите значими творби на Пластов - изпълнената с въздух и светлина картина "Къпане на конете" - е завършена от него за изложбата "20 години Червената армия". За изложбата "Индустрията на социализма" Пластов рисува голямо платно "Колхозен празник". Друга ярка творба на Пластов от това време е „Колхозното стадо“ (1938). Всички тези картини показват някои общи черти. Пластов не мисли за жанрова сцена извън пейзажа, извън руската природа, винаги интерпретирана лирично, разкриваща красотата си в най-простите прояви. Друга особеност на жанровите произведения на Пластов е липсата на конфликт или специален момент в избрания от художника сюжет. Понякога в неговите картини, като например в „Колхозното стадо“, изобщо няма събития, нищо не се случва. Но в същото време художникът винаги се стреми към поетична изразителност на картината.

Талантът се развива по свой начин през 30-те години А.А.Дейнеки. Той продължава да се придържа към предишните си теми, сюжети, любими образи, цветови и композиционни системи. Вярно е, че стилът му на рисуване е донякъде смекчен, както се вижда от най-добрите творби на 30-те години - „Майка” (1932), „Обедна почивка в Донбас” (1935), „Бъдещи пилоти” (1938). Спорт, авиация, голо тренирано тяло, лаконизъм и простота на изобразителния език, звучни комбинации от кафяво-оранжево и синьо в някои случаи са омекотени от лиризъм, момент на съзерцание. Дейнека също разширява тематичната рамка на творчеството си, включвайки истории от живота на чужди страни, които се появяват в резултат на пътувания до САЩ, Франция, Германия и Италия.

Друг бивш член на OST - Ю.И.Пименов(1903--1977) създава една от най-добрите картини на 30-те години "Нова Москва" (1937). Пейзажът на центъра на Москва (площад Свердлов) изглежда се вижда от бърза кола, зад волана на която млада жена седи с гръб към зрителя. Новопостроени сгради, бързото движение на кола, светли цветове, изобилие от въздух, широта на пространството и рамкиране на композицията - всичко е пропито с оптимистично отношение.

През 30-те години се развива пейзажното творчество на Г.Г. Нисски (1903 - 1987), последовател на остовците, възприел от тях лаконизъм, острота на композиционните и ритмични решения. Такива са картините му “Есен” (1932) и “По коловозите” (1933). В пейзажите на Ниса винаги се вижда преобразуващата дейност на човека.

Сред пейзажистите от по-старото поколение интересна е работата на Н.П. Кримов (1884 - 1958), който създава известната картина „Сутрин в Централния парк за култура и отдих Горки в Москва“ през 1937 г. Широката панорамна гледка към парка, отварящите се разстояния зад него, плавната линия на хоризонта, която води окото на зрителя отвъд платното - всичко вдъхва свежест и простор.

А. Рилов, чието творчество се формира в началото на 20 век, в картината „Ленин в Разлив“ (1934) съчетава пейзажа с историческия жанр, постигайки усещане за простора на природата, мислите, чувствата, утвърждавайки историческия оптимизъм .

Влечението към панорамните пейзажи се проявява в творчеството на много художници от различни републики. Тази атракция беше свързана с онова силно чувство за Родина, родна земя, което се засили и израсна през 30-те години. Д.Н. Какабадзе (1889 - 1952) в своя "Имеретийски пейзаж" (1934) дава широко разпространение на кавказките планини, простиращи се в далечината - хребет след хребет, склон след склон. В произведенията на M.S. 30-те години на Сарян също са белязани от интерес към националния пейзаж и панорамни гледки на Армения.

През този период се развива плодотворно и портретният жанр, в който най-ярко се разкриват художниците от по-старото поколение П.П. Кончаловски, И.Е. Грабар, М.В. Нестеров и някои други.

П.П. Кончаловски, известен с творбите си в голямо разнообразие от жанрове на живописта, създава цяла поредица от портрети на дейци на съветската наука и изкуство през 30-те и 40-те години. Сред най-добрите са портретите на В.В. Софроницки на пиано (1932), S.S. Прокофиев (1934), В.Е. Мейерхолд (1937). В тези творби Кончаловски внася отличното си умение да изразява живота чрез пластично-цветна система. Той съчетава най-добрите традиции на старото изкуство с новаторско рязко виждане на цвета, жизнеутвърждаващо, мажорно, емоционално силно звучене на образа.

Истинският връх в развитието на портрета от този период са произведенията на М.В. Нестерова. През цялото си творчество, което обединява 19-ти и 20-ти век, Нестеров поддържа живата връзка с живота. През 30-те години той преживява блестящ възход, преоткривайки таланта си на портретист. Фигуративният смисъл на портретите на Нестеров е утвърждаването на творческия дух на времето чрез идентифициране на творческия патос на голямо разнообразие от хора, представляващи това време. Кръгът на героите на Нестеров са представители на по-старото поколение съветска интелигенция, хора на творческите професии. Така сред най-значимите творби на Нестеров са портрети на художници - братя Корин (1930), скулптор И.Д. Шадра (1934), академик И.П. Павлов (1935), хирург С.С. Юдин (1935), скулптор V.I. Мухина (1940). Нестеров действа като продължител на портретните традиции на В.А. Серова. Той подчертава характеристиките, акцентира върху жестовете и характерните пози на своите герои. Академик Павлов здраво сви юмруци, поставени на масата, и тази поза разкрива твърдост, контрастираща с очевидната му старческа възраст. Хирургът Юдин също е изобразен в профил, седнал на маса. Но изразителността на това изображение се основава на характерния, „летящ“ жест на ръката, вдигната нагоре. Разперените пръсти на Юдин са типични пръсти на хирург, сръчни и силни, готови да изпълнят волята си. Мухина е изобразена в момента на творчеството. Тя извайва скулптура – ​​концентрирана, без да обръща внимание на художника, изцяло подчинена на порива си.

В тези портрети аксесоарите са представени лаконично. Те пълно и активно навлизат в характеристиките на изобразяваните хора със своя цвят, осветление и силует. Колоритът на портретите е драматично активен, наситен със звучни, фино хармонизирани допълнителни тонове. Така сложният цвят в портрета на Павлов, изграден върху комбинация от най-фини нюанси на студени и топли тонове, характеризира духовната яснота и целостта на вътрешния свят на учения. А в портрета на братята Корин се сгъстява до наситено синьо, черно, наситено кафяво, изразявайки драмата на творческото им състояние. Портретите на Нестеров въведоха в изкуството фундаментално нов, жизнеутвърждаващ принцип, творчески огън като най-типични и ярки прояви на състоянието на хората в ерата на висок трудов ентусиазъм.

Най-близкият до Нестеров художник Павел Дмитриевич Корин(1892 - 1967). Той е възпитан сред палехски художници, започва творческия си път с рисуване на икони, а през 1911 г. по съвет на Нестеров постъпва в Московското училище за живопис, скулптура и архитектура. Изключително взискателен към себе си и към хората, Корин пренася това качество през цялото си творчество. А.М. изигра значителна роля в творческото развитие и въобще в живота на художника. Горки, когото среща през 1931 г. Горки помага на Корин да пътува в чужбина, за да изучава най-добрите паметници на световното изкуство.

Може би затова портретната галерия на учени, художници, писатели на нашето време, която Корин създава от много години, започва с образа на А.М. Горки (1932). По същество вече в това произведение се разкриват основните черти на Корин като портретист. Портретът на Горки е наистина монументално произведение, където ясно дефиниран силует, контрастен фон, широко цветово запълване на големи площи от платното и остра експресивна рисунка изразяват историческо обобщение на личността на писателя. Този, както и други портрети на Корин, се характеризират със сурова палитра с изобилие от тъмно сиви, тъмносини, понякога достигащи черни тонове. Тази гама, както и ясно изваяната форма на главата и фигурата на портретуваното лице, изразяват емоционалните качества на собствената природа на художника (6).

През 30-те Корине създава портрети на актьори Л.М. Леонидов и В.И. Качалов, художник М.В. Нестеров, писател А.Н. Толстой, ученият Н.Ф. Гамалея. Очевидно е, че за него, както и за неговия духовен учител М.В. Нестеров, интересът към творческа личност далеч не е случаен.

Успехите на живописта през 30-те години не означават, че пътят на нейното развитие е прост и лишен от противоречия. В много произведения от тези години се появяват и стабилизират характеристиките, породени от култа към И.В. Сталин. Това е фалшивият патос на едно псевдогероично, псевдоромантично, псевдооптимистично отношение към живота, което определя същността и значението на „церемониалното” изкуство. Възникна конкуренция между художници в борбата за безпогрешни „суперсюжети“, свързани с образа на И.В. Сталин, успехът на индустриализацията, успехът на селячеството и колективизацията. Появиха се редица художници, които се „специализират“ в тази тема. Най-тенденциозен в това отношение беше Александър Герасимов („Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремъл“ и други негови произведения).

Библиография

1. Верешчагина А. Художник. време. История. Очерци по историята на руската историческа живопис XVIII - нач. XX век - Л.: Изкуство, 1973.

2. Живопис от 20-те - 30-те години / Изд. В.С.манина. - Санкт Петербург: Художник на RSFSR, 1991.

3. Зезина М.Р., Кошман Л.В., Шулгин В.С. История на руската култура. - М.: Висше. училище, 1990г.

4. Лебедев П.И. Съветското изкуство по време на чуждестранна интервенция и гражданска война. - М., 1987.

5. Лихачов Д.С. Руското изкуство от древността до авангарда. - М.: Изкуство, 1992.

6. Илиина Т.В. История на изкуството. Домашно изкуство. - М.: Висше. училище, 1994г.

7. История на изкуството на народите на СССР. В 9 тома - М., 1971 - 1984.

8. История на руското и съветското изкуство / Изд. ММ. Аленова. - М.: Висше училище, 1987.

9. Поликарпов В.М. Културология. - М.: Гардарика, 1997.

10. Розин В.М. Въведение в културологията. - М.: Форум, 1997.

11. Степанян Н. Изкуството на Русия от XX век. Поглед от 90-те. - Москва: EKSMO-PRESS, 1999.

12. Суздалев П.К. История на съветската живопис. - М., 1973.

Публикувано на Allbest.ru

Подобни документи

Животът и работата на К.С. Петрова-Водкина. Разбиране на революцията чрез различни произведения. Пресичане на сюжетите на иконите със съвременни сюжети. Традиции на класическата строга рисунка и художници от ранния Ренесанс. Традиции в творчеството на художника.

практическа работа, добавена на 23.01.2014 г


Художественият живот на Русия в началото на 20 век. Произходът на творчеството и ключовото ядро ​​на изкуството на К. Петров-Водкин, неговото творчество преди революцията от 1917 г. и през нейния период. Неразривността на връзката между теоретичните възгледи и собствената художествена практика.

тест, добавен на 28.11.2010 г


Развитието на визуалните средства от края на 19-ти - началото на 20-ти век, изобразителният стил на представители на руската реалистична живопис. Исторически картини, пейзажи от странстващи художници, авангардисти, майстори на портрети; „Супрематизъм“, художници символисти.

презентация, добавена на 10/02/2013


Биография на Петров-Водкин, формирането на нова художествена система на майстора. Различни начини за колористични качества на неговите картини. Пространствено-времевият континуум в творчеството на Петров-Водкин: в портрети, пейзажи, натюрморти, сюжетни картини.

дисертация, добавена на 24.03.2011 г


Младежките изложби като един от основните моменти за привличане на зрителски интерес към художествения живот на 60-80-те години. Запознаване с творчеството на Г. Коржев, Т. Салахов, братя Ткачеви, Г. Йокубонис, И. Голицин. Появата на нови списания за изкуство.

презентация, добавена на 30.10.2013 г


Началото на теоретична обосновка на практиката на рисуване. Научете се да рисувате в древен Египет. Ренесансови художници. Артистични движения, които са открито и последователно враждебни на реализма. Теоретици на естетическото възпитание в революционна Русия.

резюме, добавено на 01/10/2013


Скулптурата "Работник и колхозница" и други скулптурни произведения на Вера Мухина. Творби на скулптора Иван Шадрин. Картини на съветските художници Митрофан Греков, Аркадий Пластов. Архитектите конструктивисти Виктор и Леонид Веснин.

презентация, добавена на 01/06/2013


Художници, графици и скулптори, творили през 1900-1930 г. в Русия и са били членове на различни художествени групи и сдружения. Асоциация на пътуващи художествени изложби. Появата на изложбената асоциация "Съюз на руските художници".

презентация, добавена на 25.10.2015 г


Описание на основните техники за анализ на произведение на изкуството. Анализ на мястото на символизма и модерността в руското изкуство в началото на 20 век. използвайки примера на произведенията на K.S. Петрова-Водкина. Характеристики на формирането на реализма в руската музика в творчеството на M.I. Глинка.

ръководство за обучение, добавено на 11.11.2010 г


Изследване на биографията, живота и творческия път на известни архитекти от 19 век: Бекетова О.М., Бернардаци О.Й., Городецки В.В. та в. Известни гравьори и художници от този период: Жемчужников Л.М., Шевченко Т.Г., Башкирцева М.К., Богомазов О.К.

Въведение т.3
1. Художници и художествени сдружения от 20-те години с.5
2. Художници и художествени сдружения от 30-те години с.11
Използвана литература с.20

Въведение

Октомври 1917 г. открива нова ера не само в социалния живот, но и в живота на изкуството. Всяка революция разрушава нещо и след това започва създаването на нещо ново. Това, което се случва, не е просто развитие, а решително преустройство на основите на предишни социални, политически, идеологически и други видове структури, включително изкуството.
Революцията повдигна поне два проблема. Първият проблем е класичността на изкуството. Опитът тя да се обвърже тясно с класовата борба доведе до изкривяване на нейната многофункционалност. Особено остро опростено разбиране на класовия характер на изкуството се проявява в дейността на известния Пролеткулт. Елементът на борбата доведе до унищожаване на паметници на културата, причинено не само от военните действия по време на гражданската война и чуждестранната намеса, но и от политиката, насочена към смазване на буржоазната култура. По този начин много скулптурни паметници и произведения на древната архитектура, свързани с религиозния култ, бяха разрушени или унищожени.
Вторият проблем е проблемът за класовата политика в изкуството. В решаването му бяха включени всички сили: „буржоазни” и „пролетарски”, разрушителни и съзидателни, съветски и несъветски, „леви” и „десни”, културни и невежествени, професионални и аматьорски.
Принципите на общественото развитие, провъзгласени от държавата, до голяма степен определят постепенното движение на изкуството. Имаше своеобразно наслояване на сили, от чието събиране се формира вектор на реалното състояние на изкуството. От една страна, това е силата на саморазвитието на изкуството, където са отразени моделите на движение на формите, съдържащи се в природата на художественото творчество; от друга страна, влиянието на социални сили, обществени институции, заинтересовани от това, а не от онова движение на изкуството, в определени негови форми. На трето място, диктатът на държавната политика, която, опирайки се или не опирайки се на обществени сили, оказа безусловно влияние върху структурата на изкуството, върху неговата същност, върху неговия еволюционен и революционен потенциал. От края на 20-те години политиката явно започва да изкривява нормалния процес на развитие на изкуството, да упражнява известен натиск върху него, като забранява или осъжда някои „непролетарски” прояви.

1. Художници и художествени сдружения от 20-те години.

20-те години на миналия век бяха бурно време за изкуството. Имаше много различни групи. Всеки от тях изложи платформа, всеки излезе със свой манифест. Изкуството, обсебено от идеята за търсене, беше разнообразно; кипеше и кипеше, опитваше се да върви в крак с епохата и да гледа в бъдещето.
Най-значимите групи, чиито декларации и творческа практика отразяват основните творчески процеси от онова време, са AHRR, OST и „4 изкуства“ (8, с. 87).
Групата AHRR (Асоциация на художниците на революционната Русия) възниква през 1922 г. (през 1928 г. е преименувана на AHRR - Асоциация на художниците на революцията). Ядрото на AHRR се формира главно от бивши участници в Асоциацията на пътуващите изложби. Декларацията на AHRR е изложена в каталога на изложбата от 1922 г.: „Нашият граждански дълг към човечеството е художественото и документално записване на най-великия момент в историята в неговия революционен импулс. Ще изобразим днес: живота на Червената армия, живота на работниците, селяните, революционерите и героите на труда.
Художниците на AHRR се стремят да направят своята живопис достъпна за масовата публика от онова време. В работата си те често механично използват ежедневния писмен език на късните Странници. AHRR организира редица тематични художествени изложби, самите имена на които са: „Живот и живот на работниците“ (1922), „Живот и живот на Червената армия“ (1923), „Революция, живот и труд“ (1924 - 1925), „Животът и животът на народите на СССР“ (1926) - говорим за задачите за пряко отразяване на съвременната реалност.
Особеността на практиката на „ахровците“ беше, че те отидоха във фабрики и фабрики, в казармите на Червената армия, за да наблюдават живота и ежедневието на своите герои там. По време на подготовката на изложбата „Животът и битът на народите на СССР“ нейните участници посетиха най-отдалечените кътчета на съветската страна и донесоха оттам значителен брой скици, които бяха в основата на техните творби. Художниците на AHRR играят важна роля в развитието на нови теми, оказвайки влияние върху представители на различни артистични групи от онова време.
Сред художниците на AHRR се откроява работата на И. И. Бродски (1883 - 1939), който си поставя за задача точно, документално възпроизвеждане на събитията и героите на революцията. Неговите платна, посветени на дейността на В. И. Ленин, станаха широко известни. Раждането на живописната Лениниана се основава на картината „Речта на Ленин в Путиловския завод“, нарисувана от Бродски през 1929 г., и една от най-известните му творби „Ленин в Смолни“ (1930 г.), изобразяваща Ленин в кабинета си по време на работа . Бродски много пъти е виждал Ленин и му е правил скици (12, с. 92).
Произведенията на Бродски имат важно качество - автентичност, която има голямо историческо образователно значение. Желанието за документиране обаче понякога води до емпирично, натуралистично тълкуване на събитието. Художествената значимост на картините на Бродски също беше намалена от сухия натурализъм и диетичната окраска, характерни за значителна част от неговите творби.
Майсторът на портретната живопис Г. Г. Ряжски (1895 - 1952) се присъединява към AHRR през 1923 г. Най-известните му творби са "Делегат" (1927) и "Председателка" (1928), в които художникът разкрива типичните социално-психологически черти на жена на новото общество, активен участник в индустриалния и социален живот на страната. Неговата „Председателка” е работничка-активистка. Нейната поза и жест разкриват самоуважение и непринуденост като доказателство за позицията на жената в новото работно общество.
Сред портретистите на AHRR забележителна роля играе С. В. Малютин (1859 - 1937). Създадената от него преди революцията портретна галерия е допълнена в съветско време с портрети на В.К.Бялиницки-Бируля, А.В.Луначарски и много други. Сред тях най-интересен е портретът на Дмитрий Фурманов, рисуван през 1922 г., който убедително разкрива образа на писателя-воин, представител на новата, съветска интелигенция.
Активен участник в изложбите на AHRR беше голям руски художник от началото на 19-ти и 20-ти век. А. Е. Архипов. През 20-те години Архипов създава изображения на селски жени - „Жена с кана“, „Селянка в зелена престилка“, „Селянка с розов шал в ръка“ и др. Тези картини са рисувани с широка четка, темпераментно и колоритно.
Близкото наблюдение и внимание към новите явления от живота бележат творчеството на Е. М. Чепцов (1874 - 1943), който продължава скитащите традиции в областта на битовия жанр. Широко известна е картината му „Среща на селската клетка“ (1924), която изобразява селски дейци от първите години на революцията. Наблюдателността и искреността на автора, простотата на външния вид на неговите герои и безупречността на околните аксесоари направиха малкото, скромно произведение на изкуството на Чепцов един от най-интересните образци на изкуството на AHRR.
Същото може да се каже и за една от творбите на пейзажиста Б. Н. Яковлев (1880 - 1972). Неговият „Транспортът става все по-добър“ (1923) е скромна и в същото време дълбока история за трудната епоха от първите години на революцията, за ежедневната работа на хората. Нарисувана спокойно и просто, тази картина е един от първите примери за индустриален пейзаж в съветската живопис.
Особено място в живописта на AHRR заема творчеството на М. Б. Греков (1882-1934), основателят на бойния жанр в съветското изкуство. В продължение на десетилетие и половина - до края на живота си - той е зает да създава поредица от картини, посветени на Първата кавалерийска армия, в чиито кампании и битки участва художникът. В творчеството му, особено в ранния период, ясно се усещат традициите на Верешчагин. Главният герой на Греков е народ, поел върху себе си всички трудности на войната. Творбите на Греков са жизнеутвърждаващи. В такива картини от средата на 20-те години като „Тачанка“ (1925) прецизността на образа на Странника се съчетава с романтично въодушевление. По-късно, продължавайки уникалната живописна хроника на Първа конна армия, Греков създава епични платна, сред които се открояват картините „Към Кубан” и „Тръбачи на Първа конна армия” (и двете 1934 г.).
Наред с AHRR, който включва художници от по-старото и средното поколение, които вече имат богат творчески опит по времето на революцията, групата OST (Общество на стативите), организирана през 1925 г., играе активна роля в художествения живот на тези години обединява артистичната младеж на първия съветски художествен университет - ВХУ-ТЕМАСА. (3)
Основната задача на сдружението се смяташе от художниците на OST, като акровците, за борба за възраждане и по-нататъшно развитие на стативната живопис на съвременна тема или с модерно съдържание. Творческите стремежи и методи на OST артистите обаче имаха характерни различия. Те се стремят да отразят в отделни факти новите качества на съвременната им епоха по отношение на предишната епоха. Основната им тема беше индустриализацията на Русия, която доскоро беше аграрна и изостанала, и желанието да се покаже динамиката на връзката между съвременното производство и хората.
Един от най-талантливите представители на групата OST беше А. А. Дейнека. Най-близките декларации на OST са неговите картини: „При строежа на нови цехове“ (1925), „Преди да слезете в мината“ (1924), „Футболисти“ (1924), „Текстилни работници“ (1926). Фигуративният патос на Дейнека - скелетът намери изход в журналистическата графика, в която художникът се изявява като илюстратор в списания за широко четене - като „При машината“, „Атеист при машината“, „Прожектор“, „ Младост“ и др. Централната работа на Дейнека от Остовския период е картината „Отбраната на Петроград“, нарисувана през 1928 г. за тематичната изложба „10 години на Червената армия“. Това произведение разкрива основния патос и смисъла на новаторските традиции на най-животворния OST и които намериха своето развитие в съветското изкуство от следващите периоди. Дейнека въплъщава в тази картина цялата оригиналност на своя стил, намалява изразителните средства до минимум, но ги прави много активни и ефективни (8, с. 94).
Сред останалите членове на OST Ю. И. Пименов, П. В. Уилямс, С. А. Лучишкин са най-близки до Дейнека по характер на своите произведения по отношение на стила. Творбите „Тежката индустрия” на Пименов, „Хамбургското въстание” на Уилямс, „Топката отлетя” и „Обичам живота” на Лучишкин, създадени в същия период, разкриват и новаторски отразяват важните качества на съвременната реалност,
За разлика от групата Ostov, която беше млада по своя състав, имаше две други творчески групи, които заеха важно място в артистичния живот от онези години - „4 изкуства“ и OMH. (Общество на московските художници) - обединени майстори от по-старото поколение, развили се творчески в предреволюционните времена, които се отнасяха с особено уважение към проблемите на запазването на изобразителната култура и смятаха самия език, пластичната форма за много важен част от работата. Обществото "4 изкуства" възниква през 1925 г. Най-видните членове на тази група са П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин, М. С. Сарьян, Н. П. Улянов, К. Н. Истомин, В. А. Фаворски.
Произведенията на Петров-Водкин, като „След битката“ (1923), „Момиче на прозореца“ (1928), „Тревога“ (1934), най-пълно изразяват етичния смисъл на различни периоди - крайъгълни камъни в развитието на съветското общество . Неговата картина „Смъртта на един комисар“ (1928), подобно на „Отбраната на Петроград“ на Дейнека, нарисувана във връзка с изложбата „10 години на Червената армия“, за разлика от специфичната публицистика - основата на фигуративните решения на Дейнека - дава неговото философско решение на проблема: чрез факти, които обобщават идеите за събития, случващи се на цялата планета Земя, чрез идентифициране на етичната същност на тези събития. Комисарят е човек, който и в живота, и в смъртта извършва подвиг в името на човечеството. Неговият образ е израз на неустоимостта на светлите идеи, които ще победят в бъдещето, независимо и въпреки смъртта на най-активните носители на тези идеи. Прощалният поглед на умиращия комисар е като прощална дума към отряд бойци преди атака - той е пълен с вяра в победата.
Философските идеи на Петров-Водкин намират подходящ пластичен израз. Изобразеното пространство сякаш се простира върху сферичната повърхност на планетата. Комбинацията от пряка и обратна перспектива убедително и трогателно предава „планетарната“ панорама на случващото се. Проблемите с изображенията също са ясно разрешени в цветовата система. В своята картина художникът се придържа към принципа на трикольора, сякаш олицетворява основните цветове на земята: студен син въздух, синя вода; кафяво-червена пръст; зеленина на растителния свят.
Значителна следа в историята на съветската живопис оставиха художниците от групата OMH, която беше организирана през 1927 г. Много от тях се сближиха в предреволюционните години в асоциацията „Джак на диамантите“. Най-активни в OMX бяха П. П. Кончаловски, И. И. Машков, А. В. Лентулов, А. В. Куприн, Р. Р. Фалк, В. В. Рождественски, А. А. Осмеркин.
В своята декларация художниците от OMKh казаха: „Ние изискваме от художника най-голяма ефективност и изразителност на формалните аспекти на неговата работа, които са неразделна част от идеологическата страна на последната.“ Тази програма се чувства близка до групата 4 Arts.
Един от най-ярките представители на тази програма в съветското изкуство от първите години е П. П. Кончаловски. Той се стреми да съчетае тенденциите на „Валето на диамантите“ с наследството на руските реалистични художници, което значително разшири творческия му диапазон и му помогна да влезе по-органично в съветското изкуство от 20-те години. Такива произведения на майстора като „Автопортрет със съпругата му“ (1922), „Портрет на О. В. Кончаловская“ (1925), „Портрет на дъщеря му Наташа“ (1925) се отличават с колористична цялост и интензивност на отделните цветове . През същите години П. П. Кончаловски се опитва да създаде тематични картини, сред които най-добрите са „Новгородци“ (1921) и „От панаира“ (1926). Художникът се интересува от традиционните образи на „руските селяни” - могъщи, набити, живеещи заобиколени от познати предмети, според законите на старите обичаи и заедно със средата си съставляващи нещо типично национално.

2. Художници и художествени сдружения от 30-те години.

30-те години в историята на съветското изкуство са труден период, отразяващ противоречията на самата реалност. Възприемайки значителните промени, настъпващи в обществото, патоса на индустриализацията, майсторите на изкуството в същото време почти не забелязват основните социални противоречия, не изразяват социалните конфликти, свързани с укрепването на култа към личността на Сталин. (1).
На 23 април 1932 г. Централният комитет на партията приема резолюция „За преустройството на литературно-художествените организации“. Този указ ликвидира всички съществуващи преди това художествени колективи и посочи общи пътища и форми за стабилизиране и развитие на всички творчески сили на съветското изкуство. Резолюцията отслаби конфронтацията между отделните асоциации, която стана толкова изострена в началото на 20-те и 30-те години. Но от друга страна в художествения живот се засилиха обединителните тенденции. Авангардните експерименти, които се усетиха през 20-те години, бяха прекъснати. Разгръща се борба срещу така наречения формализъм, в резултат на което много художници са принудени да изоставят предишните си завоевания.
Създаването на единен съюз съвпадна с одобрението на принципа на социалистическия реализъм, формулиран от A.M. Горки на Първия всесъюзен конгрес на съветските писатели. Социалистическият реализъм приема наследството на традициите на реалистичното изкуство от 19 век. и насочва художниците към изобразяване на действителността в нейното революционно развитие. Но както показа по-нататъшната практика на съветското изкуство, терминът "социалистически реализъм" се оказа недостатъчно обемен и адекватен на сложните и многопластови тенденции на новата култура. Формалното му приложение в художествената практика често му отрежда ролята на догматична спирачка за развитието на изкуството. В условията на обществено преустройство от 80-те години терминът „социалистически реализъм” е обект на дискусия в професионалните среди на различни нива.
Много от прогресивните тенденции, които се появяват през 20-те години, продължават да се развиват през 30-те години. Това се отнася например за ползотворното взаимодействие на различните национални училища.
Художници от всички републики на Съветския съюз участват в големи художествени изложби, организирани през 30-те години. В същото време в Москва се организират републикански изложби във връзка с десетилетията на националното изкуство. Въпросите на националното изкуство са от особено значение за творците от братските републики.
През 30-те години се разширява практиката на държавни поръчки и творчески пътувания на артисти. Организират се най-големите изложби: „15 години Червена армия“, „20 години Червена армия“, „20 години Комсомол“, „Индустрия на социализма“, „Изложба на най-добрите произведения на съветската живопис“ и др. , съветски художници участват в международни изложби в Париж и Ню Йорк, работят за Всесъюзната селскостопанска изложба в Москва, във връзка с подготовката на която са създадени значителен брой монументални и декоративни произведения, което по същество означаваше важен етап от възраждането на монументалната живопис като самостоятелно изкуство със свои цели и закони. Тези творби изразяват тенденцията на съветското изкуство към монументализъм.
Един от най-значимите представители на станковата живопис от този период е художникът Борис Владимирович Йогансон (1893 - 1973), който се обръща в творчеството си към най-високите традиции на руската живопис от 19 век. Той интерпретира наследството на Суриков и Репин, като внася ново революционно съдържание в творбите си, съзвучно с епохата. От тази гледна точка особено важни са картините на Йогансон „Разпит на комунисти“ (1933) и „В старата уралска фабрика“ (1937).
Картината „Разпит на комунисти” е изложена за първи път на изложбата „15 години Червена армия”. В него художникът показва комунистите, които се изправят в защита на революционното отечество, и техните противници - белогвардейците, които се опитват да удушат съветската държава по време на гражданската война. Художникът провежда своето историческо обобщение в традициите на Репин, като показва конкретно действие в конкретна обстановка. Ние не знаем имената на изобразените тук хора, още повече, че образът като цяло се възприема от нас като исторически универсален. Комунистите във филма на Йогансон са обречени на смърт. Но художникът показва тяхното спокойствие, смелост, сила и издръжливост, които контрастират с безпокойството, нервността, психологическото разединение, което цари в групата на белогвардейците, безсилни не само в тази ситуация, но и сякаш пред лицето на историята .
В картината „В старата уралска фабрика“, написана за изложбата „Индустрията на социализма“, Йогансон противопоставя образите на собственика на фабриката и работника, в които разкрива усещане за възникващо класово съзнание и вътрешно превъзходство над експлоататора. С тази картина художникът показва историческия конфликт между старо и ново, реакционно и прогресивно и утвърждава победоносната сила на революционното и прогресивното. Това са новите характерни черти на съветския историко-революционен жанр по примера на живописта на Йогансон.
През този период специално място заема творчеството на Сергей Василиевич Герасимов, многостранно в образи, теми и жанрове. Най-забележителното произведение на историческия жанр в неговото творчество е картината „Клетвата на сибирските партизани“ (1933), зашеметяваща със своята открита изразителност, разкрита от колористична изразителност, остра рисунка и динамична композиция. Работейки в ежедневния жанр, С. В. Герасимов обръща основно внимание на селската тема. Художникът се доближава до нейното решение чрез портрет, създавайки цяла поредица от убедителни селски образи. По време на строителството на колхозното село той рисува един от най-ярките портрети „Колхозен пазач“ (1933 г.). Сред най-значимите произведения на жанровата живопис от 30-те години е картината „Колхозен празник“ (1937), която е изложена на изложбата „Индустрия на социализма“. Най-големият съветски изкуствовед, академик И. Е. Грабар, точно и кратко характеризира тази картина: „Когато се появи прекрасното платно „Колхозен празник“, една от най-добрите картини на изложбата „Индустрия на социализма“, нов, необикновен растеж на господарят стана очевиден. Едва ли някой от съветските художници, с изключение на Сергей Герасимов, би се справил с такава композиционна, светлинна и цветова задача, и дори с помощта на толкова прости средства и техники. Това беше най-слънчевата картина в руската живопис по време на революцията, въпреки факта, че беше изпълнена в сдържан план” (1, с. 189).
„Певецът“ на съветското селячество е Аркадий Александрович Пластов (1893 - 1983), свързан с руското село по своя произход. През целия си живот той е бил силно повлиян от впечатленията от детството си, прекарано в тясно общуване с природата, със земята, със селяните, живеещи на тази земя.
След Великата октомврийска социалистическа революция Пластов, увлечен от работата в родното си село Прислонихе, посвещавайки свободното си време на рисуване, натрупва скици и впечатления за бъдещите си творби, посветени на селския живот. Една от първите значими творби на Пластов - картината „Къпане на конете“, пълна с въздух и светлина - е завършена от него за изложбата „20 години Червена армия“. За изложбата „Индустрията на социализма“ Пластов рисува голямо платно „Колхозен празник“. Друга ярка творба на Пластов от това време е „Колхозното стадо“ (1938). Всички тези картини показват някои общи черти. Пластов не мисли за жанрова сцена извън пейзажа, извън руската природа, винаги интерпретирана лирично, разкриваща красотата си в най-простите прояви. Друга особеност на жанровите произведения на Пластов е липсата на конфликт или специален момент в избрания от художника сюжет. Понякога в неговите картини, като например в „Колхозното стадо“, изобщо няма събития, нищо не се случва. Но в същото време художникът винаги се стреми към поетична изразителност на картината.
Талантът на А. А. Дейнека се развива по свой начин през 30-те години. Той продължава да се придържа към предишните си теми, сюжети, любими образи, цветови и композиционни системи. Вярно е, че стилът му на рисуване е донякъде смекчен, както се вижда от най-добрите творби на 30-те години - „Майка” (1932), „Обедна почивка в Донбас” (1935), „Бъдещи пилоти” (1938). Спорт, авиация, голо тренирано тяло, лаконизъм и простота на изобразителния език, звучни комбинации от кафяво-оранжево и синьо в някои случаи са омекотени от лиризъм, момент на съзерцание. Дейнека също разширява тематичната рамка на творчеството си, включвайки истории от живота на чужди страни, които се появяват в резултат на пътувания до САЩ, Франция, Германия и Италия.
Друг бивш член на OST - Ю. И. Пименов (1903-1977) създава една от най-добрите картини на 30-те години "Нова Москва" (1937). Пейзажът на центъра на Москва (площад Свердлов) изглежда се вижда от бърза кола, зад волана на която млада жена седи с гръб към зрителя. Новопостроени сгради, бързото движение на кола, светли цветове, изобилие от въздух, широта на пространството и рамкиране на композицията - всичко е пропито с оптимистично отношение.
През 30-те години се развива пейзажното творчество на Г. Г. Ниски (1903 - 1987), последовател на остовците, който възприема техния лаконизъм и острота на композиционни и ритмични решения. Такива са картините му “Есен” (1932) и “По коловозите” (1933). В пейзажите на Ниса винаги се вижда преобразуващата дейност на човека.
От пейзажистите от по-старото поколение е интересна работата на Н. П. Кримов (1884 - 1958), който създава известната картина „Сутрин в Централния парк на културата и отдиха на името на Горки в Москва“ през 1937 г. Широката панорамна гледка към парка, отварящите се разстояния зад него, плавната линия на хоризонта, която води окото на зрителя отвъд платното - всичко вдъхва свежест и простор.
А. Рилов, чието творчество се формира в началото на 20 век, в картината „Ленин в Разлив“ (1934) съчетава пейзажа с историческия жанр, постигайки усещане за простора на природата, мислите, чувствата, утвърждавайки историческия оптимизъм .
Влечението към панорамните пейзажи се проявява в творчеството на много художници от различни републики. Тази атракция беше свързана с онова силно чувство за Родина, родна земя, което се засили и израсна през 30-те години. Д. Н. Какабадзе (1889 - 1952) в своя "Имеретийски пейзаж" (1934) дава широко разпространение на кавказките планини, простиращи се в далечината - хребет след хребет, склон след склон. В работата на M. S. Saryan 30-те години също бяха белязани от интерес към националния пейзаж и панорамни гледки на Армения.
Плодотворно развитие през този период получава и портретният жанр, в който най-ярко се разкриват художниците от по-старото поколение П. П. Кончаловски, И. Е. Грабар, М. В. Нестеров и някои други.
П. П. Кончаловски, известен с произведенията си в голямо разнообразие от жанрове на живописта, през 30-те и 40-те години създава цяла серия от портрети на фигури на съветската наука и изкуство. Сред най-добрите са портретите на В. В. Софроницки на пиано (1932 г.), С. С. Прокофиев (1934 г.), В. Е. Мейерхолд (1937 г.). В тези творби Кончаловски внася отличното си умение да изразява живота чрез пластично-цветна система. Той съчетава най-добрите традиции на старото изкуство с новаторско рязко виждане на цвета, жизнеутвърждаващо, мажорно, емоционално силно звучене на образа.
Истинският връх в развитието на портрета от този период са произведенията на М. В. Нестеров. През цялото си творчество, което обединява 19-ти и 20-ти век, Нестеров поддържа живата връзка с живота. През 30-те години той преживява блестящ възход, преоткривайки таланта си на портретист. Фигуративният смисъл на портретите на Нестеров е утвърждаването на творческия дух на времето чрез идентифициране на творческия патос на голямо разнообразие от хора, представляващи това време. Кръгът на героите на Нестеров са представители на по-старото поколение съветска интелигенция, хора на творческите професии. Така сред най-значимите творби на Нестеров са портрети на художници - братя Корин (1930), скулптор И. Д. Шадр (1934), академик И. П. Павлов (1935), хирург С. С. Юдин (1935), скулптор В. И. Мухина (1940). Нестеров действа като продължител на портретните традиции на В. А. Серов. Той подчертава характеристиките, акцентира върху жестовете и характерните пози на своите герои. Академик Павлов здраво сви юмруци, поставени на масата, и тази поза разкрива твърдост, контрастираща с очевидната му старческа възраст. Хирургът Юдин също е изобразен в профил, седнал на маса. Но изразителността на това изображение се основава на характерния, „летящ“ жест на ръката, вдигната нагоре. Разперените пръсти на Юдин са типични пръсти на хирург, сръчни и силни, готови да изпълнят волята си. Мухина е изобразена в момента на творчеството. Тя извайва скулптура – ​​концентрирана, без да обръща внимание на художника, изцяло подчинена на порива си.
В тези портрети аксесоарите са представени лаконично. Те пълно и активно навлизат в характеристиките на изобразяваните хора със своя цвят, осветление и силует. Колоритът на портретите е драматично активен, наситен със звучни, фино хармонизирани допълнителни тонове. Така сложният цвят в портрета на Павлов, изграден върху комбинация от най-фини нюанси на студени и топли тонове, характеризира духовната яснота и целостта на вътрешния свят на учения. А в портрета на братята Корин се сгъстява до наситено синьо, черно, наситено кафяво, изразявайки драмата на творческото им състояние. Портретите на Нестеров въведоха в изкуството фундаментално нов, жизнеутвърждаващ принцип, творчески огън като най-типични и ярки прояви на състоянието на хората в ерата на висок трудов ентусиазъм.
Най-близкият до Нестеров художник е Павел Дмитриевич Корин (1892 - 1967). Той е възпитан сред палехски художници, започва творческия си път с рисуване на икони, а през 1911 г. по съвет на Нестеров постъпва в Московското училище за живопис, скулптура и архитектура. Изключително взискателен към себе си и към хората, Корин пренася това качество през цялото си творчество. А. М. Горки, с когото се запознава през 1931 г., изиграва значителна роля в творческото развитие и въобще в живота на художника Горки помага на Корин да пътува в чужбина, за да изучава най-добрите паметници на световното изкуство.
Може би затова портретната галерия на учени, художници и писатели на нашето време, която Корин създава в продължение на много години, започва с образа на А. М. Горки (1932 г.). По същество вече в това произведение се разкриват основните черти на Корин като портретист. Портретът на Горки е наистина монументално произведение, където ясно дефиниран силует, контрастен фон, широко цветово запълване на големи площи от платното и остра експресивна рисунка изразяват историческо обобщение на личността на писателя. Този, както и други портрети на Корин, се характеризират със сурова палитра с изобилие от тъмно сиви, тъмносини, понякога достигащи черни тонове. Тази гама, както и ясно изваяната форма на главата и фигурата на портретуваното лице, изразяват емоционалните качества на собствената природа на художника (6).
През 30-те години Корин създава портрети на актьори Л. М. Леонидов и В. И. Качалов, художник М. В. Нестеров, писател А. Н. Толстой, учен Н. Ф. Гамалея. Очевидно е, че за него, както и за неговия духовен учител М. В. Нестеров, интересът към творческата личност далеч не е случаен.
Успехите на живописта през 30-те години не означават, че пътят на нейното развитие е прост и лишен от противоречия. В много произведения от тези години се появяват и стабилизират черти, породени от култа към И.В. Това е фалшивият патос на едно псевдогероично, псевдоромантично, псевдооптимистично отношение към живота, което определя същността и значението на „церемониалното” изкуство. Възникна съревнование между творците в борбата за безпогрешни „суперсюжети“, свързани с образа на И. В. Сталин, успехите на индустриализацията, успехите на селячеството и колективизацията. Появиха се редица художници, които се „специализират“ в тази тема. Най-тенденциозен в това отношение беше Александър Герасимов („Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремъл“ и други негови произведения).

Библиография

1. Верешчагина А. Художник. време. История. Очерци по историята на руската историческа живопис XVIII - нач. XX век - Л.: Изкуство, 1973.
2. Живопис от 20-те – 30-те години / Ред. В.С.манина. – Санкт Петербург: Художник на РСФСР, 1991.
3. Зезина М. Р., Кошман Л. В., Шулгин В. С. История на руската култура. - М.: Висше. училище, 1990г.
4. Лебедев П.И. Съветското изкуство по време на чуждестранна интервенция и гражданска война. – М., 1987.
5. Лихачов Д. С. Руското изкуство от античността до авангарда. - М.: Изкуство, 1992.
6. Илина Т. В. История на изкуствата. Домашно изкуство. - М.: Висше. училище, 1994г.
7. История на изкуството на народите на СССР. В 9 тома - М., 1971 - 1984.
8. История на руското и съветското изкуство / Изд. М.М.Аленова. – М.: Висше училище, 1987.
9. Поликарпов В.М. Културология. – М.: Гардарика, 1997.
10. Розин В.М. Въведение в културологията. – М.: Форум, 1997.
11. Степанян Н. Изкуството на Русия от XX век. Поглед от 90-те. – Москва: EKSMO-PRESS, 1999.
12. Суздалев П.К. История на съветската живопис. – М., 1973.

© Публикуване на материали на други електронни ресурси само придружени с активна връзка

Изпитни работи в Магнитогорск, купете изпитни работи, курсови работи по право, купете курсови работи по право, курсови работи в RANEPA, курсови работи по право в RANEPA, дипломни работи по право в Магнитогорск, дипломи по право в MIEP, дипломи и курсови работи в VSU, тестове в SGA, магистърски тези по право в Chelgu.

От 30-те години на ХХ век. официалното изкуство в Русия се развива в съответствие със социалистическия реализъм. Сложи се край на разнообразието от художествени стилове.

Новата ера на съветското изкуство се характеризира със строг идеологически контрол и елементи на пропаганда.
През 1934 г. на Първия всесъюзен конгрес на съветските писатели Максим Горки формулира основните принципи на социалистическия реализъм като метод на съветската литература и изкуство:

Националност.
Идеология.
Специфичност.

Принципите на социалистическия реализъм бяха не само декларирани, но и подкрепени от държавата: държавни поръчки, творчески пътувания на художници, тематични и юбилейни изложби, възраждането на монументалното изкуство като самостоятелно изкуство, т.к. тя отразява „великите перспективи за развитие на социалистическото общество“.
Най-значимите представители на станковата живопис от този период са Борис Йогансон, Сергей Герасимов, Аркадий Пластов, Александър Дейнека, Юрий Пименов, Николай Кримов, Аркадий Рилов, Пьотър Кончаловски, Игор Грабар, Михаил Нестеров, Павел Корин и други статии на някои художници.

Борис Владимирович Йогансон (1893-1973)

Б. Йогансон. Автопортрет

Един от водещите представители на социалистическия реализъм в живописта. Той работи в традициите на руската живопис от 19 век, но въвежда в творбите си „ново революционно съдържание, съзвучно с епохата“.
Бил е и учител по рисуване, директор на Държавната Третяковска галерия през 1951-1954 г., първи секретар на Съюза на художниците на СССР, главен редактор на енциклопедията „Изкуството на страните и народите на света“ и има много държавни награди и звания.
Две от картините му са особено известни: „Разпит на комунисти“ и „В старата фабрика Урал“ (1937 г.).

Б. Йогансон „Разпит на комунисти” (1933). Платно, масло. 211 х 279 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
Историята на създаването на картината в този случай е необходима, за да се разбере нейната идея. „Лично аз бях преследван от идеята за сравняване на класове, желанието да изразя непримирими класови противоречия в живописта.
Бялата гвардия е специално израстване в историята, това е тълпа, в която се смесват останките от старите офицери, спекуланти във военна униформа, откровени бандити и мародери на войната. Какъв ярък контраст с тази шайка бяха нашите военни комисари комунисти, които бяха идейни водачи и защитници на своето социалистическо отечество и трудещи се. Моята творческа задача беше да изразя този контраст и да го сравня” (Б. Йогансон).
Един белогвардейски офицер седи на позлатен стол с гръб към зрителя. Останалите бели офицери са обърнати с лице. За да подсили драматичния ефект, художникът осигурява изкуствено нощно осветление. Фигурата на стража е поставена в горния тъмен ръб на левия ъгъл и представлява едва забележим силует. В десния ъгъл има прозорец със завеса, през който се излива допълнителна нощна светлина.
Комунистите изглежда са на по-високо ниво от белогвардейците.
Комунисти - момиче и работник. Те стоят наблизо и спокойно гледат в лицата на враговете си, вътрешното им вълнение е скрито. Младите комунисти символизират нов тип съветски хора.

Сергей Василиевич Герасимов (1885-1964)

С. Герасимов. Автопортрет (1923). Платно, масло. 88 х 66 см Харковски художествен музей (Харков, Украйна)
Руски художник, представител на руския импресионизъм, особено проявяващ се в неговите пейзажи. Той също така създава редица стандартни социалистически реалистически картини.

С. Герасимов „Пролет. Март". Платно, масло
В историческия жанр най-известната му творба е „Клетвата на сибирските партизани“.

С. Герасимов „Клетвата на сибирските партизани” (1933). Платно, масло. 173 х 257 см. Държавен руски музей (Санкт Петербург)
Картината е сурова по съдържание, но изразителна и изразителна. Има ясна композиция и идейна насоченост.
Жанровата картина на С. Герасимов „Колхозен празник“ (1937) се счита за едно от най-значимите произведения на съветското изкуство от 30-те години на XX век.

С. Герасимов „Колхозен празник” (1937). Платно, масло. 234 х 372 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
Една от най-известните картини за войната е картината на С. Герасимов „Майката на партизанката“.

С. Герасимов “Майка на партизанката” (1943-1950). Платно, масло. Държавна Третяковска галерия (Москва)
Самият художник говори за идеята на картината така: „Исках да покажа в нейния образ всички майки, които изпратиха синовете си на война.“
Жената е твърда в своята правота; тя олицетворява голямата сила на народния гняв. Тя страда, но това е страдание на горд, силен човек, така че лицето й изглежда спокойно в този трагичен момент.

Аркадий Александрович Пластов (1893-1972)

П. Бендел. Портрет на художника Пластов

Художникът А. Пластов е наречен „певецът на съветското селячество“. Всички негови жанрови картини са създадени на фона на пейзаж. Руската природа на художника винаги е лирична и оживена. Картините му се отличават с поетична изразителност и почти безконфликтност.

А. Пластов “Първи сняг” (1946)
Художникът е изобразил малък фрагмент от селския живот. На прага на дървена къща две селски деца, най-вероятно сестра и брат. Събуждайки се сутринта, те видяха снеговалеж и изтичаха на верандата. Момичето дори нямаше време да завърже топлия жълт шал, тя просто го хвърли върху лека домашна рокля и сложи краката си в филцови ботуши. Децата гледат с изненада и радост на първия сняг. И тази радост, този детски възторг от красотата на природата се предава на публиката.
Пластов е убеден реалист. Търсенето на нещо съвсем ново и безпрецедентно му беше чуждо. Той живееше в света и се възхищаваше на красотата му. Пластов вярваше, че основното нещо за един художник е да види тази красота и да я предаде на платното. Не е нужно да пишете красиво, трябва да пишете истината и тя ще бъде по-красива от всяка фантазия.

А. Пластов „Златен ръб” (1952). Платно, масло. 57 х 76 см Държавен музей-резерват "Ростовски Кремъл".

А. Пластов „Сенокос” (1945). Платно, масло. 193 х 232 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
Художникът създава поредица от картини за Великата отечествена война. Платното „Фашистът прелетя“ е изпълнено с трагизъм, смята се за шедьовър на съветското изкуство от военния и следвоенния период.

А. Пластов „Фашистът прелетя“ (1942). Платно, масло. 138 х 185 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
Художникът А. Дейнека продължава да работи върху любимите си теми.

Юрий Иванович Пименов (1903-1977)

Известен като художник, театрален художник, сценограф и график, плакатист и педагог.
Най-известната му картина е "Нова Москва".

Ю. Пименов “Нова Москва” (1937). Платно, масло. 140 × 170 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
Написано в разгара на реконструкцията на столицата. Жена да шофира е доста рядко явление за тези години. Това е символ на нов живот. Композиционното решение също е необичайно: изображението прилича на рамка на фотоапарат. Жената е показана отзад и този ъгъл приканва зрителя да погледне утринния град през нейните очи. Създава се усещане за радост, свежест и пролетно настроение. Това се улеснява от импресионистичната работа на художника и деликатния колорит на картината. Картината е пропита с оптимистично отношение, характерно за онова време.
Художникът също използва тази техника, когато рисува „Преден път“. Емоционалното съдържание на картината се основава на контраста между образа на мирна, променяща се Москва и града, ограбен и разрушен в резултат на фашисткото нашествие, изобразен в картината „Предният път“.

Ю. Пименов “Преден път” (1944)
В ранния период на творчеството си Пименов е повлиян от немския експресионизъм, което до голяма степен обяснява драматичната острота на най-добрите му картини от тези години: „Инвалиди на войната“, „Дайте ни тежка индустрия!“ (1927), „Войниците преминават на страната на революцията“ (1932). Постепенно преминава към импресионизма, придържайки се към творческия принцип на „красивия момент“.

Ю. Пименов „Инвалиди на войната” (1926). Държавен руски музей (Санкт Петербург)

Георгий Григориевич Ниски (1903-1987)

През този период Георги Нисски активно се занимава с пейзажна живопис. Картините му се отличават с живописен лаконизъм, динамика, ярки композиционни и ритмични решения. Природата на художника винаги се трансформира от човешката ръка.

Г. Нисски „Есен. Семафори" (1932 г.)

Г. Нисски “Московска област. февруари” (1957). Платно, масло. Държавна Третяковска галерия (Москва)
Николай Кримов се смята за пейзажист от по-старото поколение.

Николай Петрович Кримов (1884-1958)

Николай Кримов (1921)
Н.П. Кримов е роден в семейството на пътуващия художник, така че първоначалната посока на творчеството му е същата. През годините на обучение (1905-1910 г.) той се ориентира към импресионистичните изображения на природата; деликатните пастелни цветове и леките щрихи придават на платната му одухотворен и безтегловен вид. През 20-те години става привърженик на руската реалистична живопис.

Н.П. Кримов „Сутрин в Централния парк за култура и отдих на името на. М. Горки в Москва“ (1937). Платно, масло. 81 х 135 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
Последният период от творчеството на художника е свързан с река Ока и малкия град Таруса, където Кримов дойде да остане. Той е очарован от местните пейзажи и река Ока, която „диша свобода“.

Н. Кримов „Улица в Таруса” (1952)
Картините “Преди здрач”, “Поленово. река Ока" и редица други. Художникът има много зимни пейзажи.

Н. Кримов „Зима. Покриви" (1934 г.)

Аркадий Александрович Рилов (1870-1939)

А. Рилов. Автопортрет с катерица (1931). Хартия, мастило, италиански молив. Държавна Третяковска галерия (Москва)

Руски и съветски пейзажист, график и педагог.
Най-известната му картина е „Ленин в Разлив“.

А. Рилов “В.И. Ленин в Разлив през 1917 г.“. (1934 г.). Платно, масло. 126,5 × 212 см. Държавен руски музей (Санкт Петербург)
Това е една от най-добрите творби на художника в късния му период на творчество. В тази картина художникът съчетава пейзажа с историческия жанр. Престоят на Ленин в Разлив през лятото на 1917 г. е една от основните теми на ленинската тема в съветското изобразително изкуство. Вълнението и напрежението на момента се усещат в пейзажа и в динамичната фигура на лидера. Облаци бързат по небето, вятърът огъва могъщи дървета, в борбата с тези природни сили фигурата на Ленин се втурва към вятъра с твърда решимост да победи в името на бъдещето.
Бурно езеро и тревожно небе символизират буря. Здрач пада на земята. Ленин, без да забелязва нищо от това, напрегнато се взира в далечината. Тази интерпретация на образа на лидера е идеологическа поръчка от съветската епоха.
По това време активно се развива съветският портретен жанр, в който най-ярко се проявяват Петър Кончаловски, Игор Грабар и Михаил Нестеров.

П. Кончаловски. Портрет на композитора Сергей Сергеевич Прокофиев (1934). Платно, масло. 181 х 140,5 см. Държавна Третяковска галерия (Москва)

П. Кончаловски. Портрет на В.Е. Мейерхолд (1938). Платно, масло. 211 х 233 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).
По време на масовите репресии, малко преди ареста и смъртта на Мейерхолд, П. Кончаловски създава портрет на този изключителен театрален деец. На 7 януари 1938 г. Комитетът за изкуствата приема решение за ликвидиране на Държавния театър „Мейерхолд“.
Художникът предаде конфликта на личността със заобикалящата действителност чрез сложно композиционно решение. Платното изобразява не мечтател, а човек, чиято съдба виси на косъм и той го знае. Чрез сравнението на ярък килим, гъсто покрит с орнаменти, и монохромната фигура на режисьора Кончаловски разкрива трагичния образ на режисьора-реформатор.

И. Грабар. Портрет на академик Н.Д. Зелински (1935). Платно, масло. 95 х 87 см. Държавна Третяковска галерия (Москва).

И. Грабар. Портрет на Владимир Иванович Вернадски (1935)

Павел Дмитриевич Корин (1892-1967)

Павел Корин (1933)
Руски и съветски художник, монументалист, портретист, реставратор и педагог, професор.
Той е възпитан в Палех и започва с рисуване на икони. Учи в Московското училище по скулптура и архитектура и в крайна сметка става един от най-важните майстори на ранния съветски портрет, създавайки цяла галерия от портрети на интелектуалци от своето време.
Творбите на този художник се характеризират с монументалност, сурови цветове и ясно изваяни форми.
Най-известните творби на П. Корин: триптихът „Александър Невски“, портрети на Георги Жуков и Максим Горки.

П. Корин. Триптих "Александър Невски"
Триптихът е поръчан от художника по време на Великата отечествена война, когато темата за съпротивата срещу нашественика е централна в изкуството.
В лявата и дясната част на триптиха войниците се готвят за война. Те са придружени от жени: стара майка, съпруга, която държи малко дете на ръце. Те, както и родната им земя, имат нужда от защита.

В средата е изображението на воин. Александър Невски спря немските рицари в древността, за да вдъхнови защитниците да се борят с фашистките нашественици. Фигурата му е монументална - тя е спомен за руските герои. Знамето с лика на Христос напомня за светостта на руската земя. Той стои подпрян на меча си - враговете трябва да умрат от меча, с който са дошли.
Зад него е родната земя, която трябва да се пази.
Тематичните картини и портрети, изпълнени от майстора, се характеризират с духовност и композиция на образите, строгост на композицията и дизайна.
Интересът към творческите личности е характерен за атмосферата на този период.

Днес галерия „Нашите художници” открива изложбата „В памет на колекционера Александър Заволокин”. Представени са около 120 графични творби от 20-те и 30-те години на ХХ век

Днес, 30 май, в галерия „Нашите художници“ (вилно селище Борки, 36, 19 км от магистрала Рублево-Успенско) се открива изложбата „В памет на колекционера Александър Заволокин“.

Александър Заволокин беше познат на всички, които в началото на 2000-те по един или друг начин бяха свързани с художествения процес, всички, които участваха в организирането на изложби, куратори, галеристи, музейни работници, художници, изкуствоведи. Александър Заволокин работи няколко години в Министерството на културата на Руската федерация като заместник-началник на отдела за съвременно изкуство на Федералната агенция за култура и кинематография на Руската федерация. Благодарение на неговата енергия се проведе Биеналето на съвременното изкуство в Москва, той инвестира много години от живота и работата си в работата на руския павилион на Венецианското биенале.

Любовта и службата към изкуството не можеха да заобиколят личния му живот. Дори онези, които знаеха за колекционерската дейност на Александър Заволокин, а сред широкия му кръг от познати не бяха много от тях, нямаха представа за истинския мащаб на неговото хоби. Сега, две години след внезапната смърт на А. Заволокин, галерия „Нашите художници” представя на публиката около 120 графични творби от колекцията на Александра и Александър Заволокин. Идеята на изложбата е да покаже стила на колекционера, неговия вкус и усет към епохата. Изложбата се състоеше от рисунки, скици на декори и костюми, екслибриси и книжни илюстрации предимно от 20-те и 30-те години на ХХ век от Лев Бруни, Василий Ватагин, Александър Ведерников, Вера Ермолаева, Владимир Конашевич, Николай Купреянов, Борис Кустодиев, Александър Лабас, Владимир Лебедев, Дмитрий Митрохин, Алексей Пахомов, Александра Платунова, Вера Пестел, Иван Пуни, Сергей Романович, Михаил Соколов, Павел Соколов-Скал, Антонина Софронова, Вера Фаворская, Артур Фонвизин, Александър Шевченко, Василий Шухаев и други артисти.

„Срещата с всяка истинска колекция винаги носи радостта и изненадата от откритието, първо художествено, а след това и човешко. Докато избирахме творби за изложбата, бяхме зашеметени от мащаба на графичната колекция на Заволокините. По същество пълното публикуване на произведенията може да послужи като добър справочник по история на руската и съветската графика. От голямата колекция на Александра и Александър Заволокини откроихме частта, ограничена до 1900-30-те, като най-интересна и трудна за събиране... Истински колекционер, избиращ от света около себе си това, което му се струва ценно и истинско , създава го по линията, по щриха, в образа, а изложбата от колекцията му оформя в съзнанието на зрителя неговия начин на художествено разбиране на света“, отбеляза Наталия Курникова, арт директор на галерия „Нашите художници“, куратор на изложбата.

За откриването на изложбата е подготвен каталог, в който са публикувани есета и спомени на Александър Заволокин от неговите колеги и приятели Михаил Швыдкой, Александра Голицына, Леонид Тишков, Зоя Кирнозе, Стефан Кутюрие и др.

През 20-те години редица художествени движения поддържат приемственост с руското изкуство

Арт Нуво и авангард - до голяма степен се дължи на факта, че майсторите от началото на века продължават да работят. От друга страна, функциите на изкуството в обществото стават все по-разнообразни. Възникват нови видове художествена дейност: кино, реклама, дизайн.

Водеха се активни дебати между „художниците на статива” (привържениците на стативните форми на изкуство) и „продукционистите” или конструктивистите, чиято дейност беше насочена към подобряване на обективната среда около хората. Началото на конструктивисткото движение се свързва с Московското дружество на младите художници (ОБМОХУ), което е организирано през 1919 г. от Константин (Казимир Константинович) Медунецки (1899-1935) и братята Стенберг - Владимир Августович (1899-1982) и Георги Августович (1900-1933). На изложбите на OBMOKHU художниците демонстрираха предимно триизмерни дизайни - в пространството и в самолета. Ако в супрематичните композиции на Казимир Малевич непосредственото изобразително усещане имаше най-голяма стойност, тогава произведенията на OBMOKHU принадлежаха към областта на дизайна. Бяха лесни за използване в дизайна на пиеса или книга, в плакат и при фотографиране.

Ел Лисицки (истинско име Лазар Маркович Лисицки, 1890-1941) нарича творбите си „проуни“ - „проекти за утвърждаване на новото“. Според автора те са представлявали „трансферна станция от живопис към архитектура“. Александър Михайлович Родченко (1891 -1956) „проектира“ книги, създава рекламни плакати, проектира мебели и облекла, занимава се с фотография.

За обучение на художници, инженери и дизайнери, способни да проектират промишлени продукти, през 1920 г. в Москва са създадени Висши художествено-технически работилници (VKHUTEMAS). Работилниците обединяват няколко факултета: архитектурен, графичен (печат и печатна графика), обработка на метал и дърво, живопис, керамика, скулптура и текстил. През първите две години студентите трябваше да разберат общите закони на формирането на изкуството, а след това трябваше да се специализират във всеки отдел.

През 1926 г. московският ВХУТЕМАС е преобразуван във ВХУТЕИН - Висш художествен и технически институт. (От 1922 г. ВХУТЕИН вече съществува в Ленинград вместо Художествената академия.) През 1930 г. ВХУТЕИН е закрит, факултетите му се обособяват в отделни институти - печат, текстил и др.

Що се отнася до живописта, още през 20-те години. критиците отбелязаха нейния „обръщане към реализъм“. Под реализъм те разбираха преди всичко интереса към фигуративността (за разлика от абстракцията), към класическата живописна традиция. Обръщението към класиката може да се обясни и с изискванията на идеологията: изкуството на съветската държава беше призовано да използва най-добрите постижения на световната култура. Това определя търсенето на ясни и ясни форми на „големия стил“.

Асоциацията на художниците на революционната Русия (AHR), основана през 1922 г. (от 1928 г. - Асоциацията на художниците на революцията, AHR), отчасти пое щафетата от скитниците. Самата Асоциация на пътуващите художествени изложби прекрати дейността си година по-късно и много пътуващи - сред тях, по-специално Абрам Ефремович Архипов, Николай Алексеевич Касаткин - станаха членове на AHRR. По различно време в Асоциацията влизат Сергей Василиевич Малютин (1859-1937), Александър Михайлович Герасимов (1881 - 1963), Борис Владимирович Йогансон (1893-1973), Митрофан Борисович Греков (1882-1934), Исак Израилевич Бродски (1883-1939). ) и други артисти.

Тези майстори бяха обединени от обща идеологическа ориентация. Те настояваха за създаване на разказ, жанрово изкуство, което да бъде разбираемо за хората и да отразява вярно реалността. Сдружението издава списание „Изкуство за масите” и провежда активна изложбена дейност.

Темите на творбите на художниците от AHRR са посочени от имената на изложбите: „Живот и живот на работниците“ (1922), „Червената армия“ (1923), „Революция, живот и труд“ (1925), и т.н. Неговото творчество те определят понятията „художествен документализъм“ и „героичен реализъм“, разглеждайки живописта като историческо свидетелство, като хроника на епохата.

В този дух са написани платната на Греков по темите на Гражданската война, картините „Владимир Илич Ленин в Смолни“ (1930) от Бродски и „Портрет на Д. А. Фурманов“ (1922) от Малютин. Сдружението съществува до 1932 г.

През 1925 г. възпитаниците на работилницата на Давид Петрович Щеренберг (1881 - 1948) във VKHUTEMAS формират Дружеството на стативовите художници (OST). Те се обединиха като привърженици на стативното изкуство - за разлика от „продукционистите“. Независимо от това, произведенията на художниците скелети не могат да се считат за стативи в тесния смисъл на думата. Членовете на OST се занимават с монументална живопис и плакати, дизайн на книги и театрални постановки.

Александър Александрович Дейнека (1899-1969) първоначално работи като график на списание, преминава през училището на В. А. Фаворски и по-късно успява да „разшири“ принципите на проектиране на страница на книга (списание) към дизайна на стената. В монументалните декоративни картини от 1928 г. „За изграждането на нови работилници“ и „Отбраната на Петроград“ художникът разпределя и „монтира“ светли и тъмни петна, сякаш са изрязани и залепени едно върху друго. Белият фон на „Отбраната на Петроград“ в залата на Държавната Третяковска галерия се слива със стената, изчезва в нея и остава само „металният“ скелет на изображението.

Композиция от Юрий Иванович Пименов (1903-1977) „Дайте ни тежката индустрия!“ (1927) съществува в два варианта – живопис и плакат, като във втория е най-органичен.

Художниците на OST участваха в международни изложби, включително в Германия. Влиянието на немското изкуство - експресионизъм и „нова материалност“ - се отразява в графичните и живописни творби на Александър Григориевич Тишлер (1898-1980), Александър Аркадиевич Лабас (1900-1983) и други художници.

През 1931 г. Дружеството на стативите се разделя на две дружества - ОСТ и "Изобригада", а през 1932 г. престават да съществуват.

През 20-30-те години. Графиката придобива все по-голямо значение: книжни илюстрации, рисунки, гравюри - изкуство, предназначено за възпроизвеждане, достъпно за масите, директно адресирано до хората. Изключителни илюстратори Алексей Илич

Кравченко (1889-1940) и Владимир Андреевич Фаворски (1886-1964) работят главно в техниката на дърворезби - дърворезби. Фаворски е учител във ВХУТЕМАС-ВХУТЕИН, а от 1930 г. в Московския полиграфически институт. Той се стреми към синтетичен дизайн на книгата, когато всички художествени елементи - сюжетни илюстрации, заглавия и шрифтове - образуват единен фигуративен и стилистичен ансамбъл. Владимир Михайлович Конашевич (1888-1963) и Владимир Василиевич Лебедев (1891 - 1967) посвещават работата си на илюстриране на детски книги. През 1932 г. е издаден указ за разпускането на всички художествени групи и създаването на единен Съюз на художниците на СССР. Сега само държавата можеше да прави поръчки и да организира мащабни тематични изложби, посветени на индустрията на социализма; изпраща художници да рисуват всесъюзни строителни проекти и портрети на ударни работници.

Критици и изследователи разглеждат изкуството на 30-те години. като неокласическия период. Имаше дебат за класиците, те бяха активно използвани. Страстта към образци на изкуството от минали времена процъфтява, докато независимото изучаване на природата избледнява на заден план.

Най-известните майстори на социалистическия реализъм от 30-те години. станаха бившите ахровци А. М. Герасимов и Б. В. Йогансон. Герасимов в своите парадни портрети-картини от 1938 г. „И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремъл”, „Портрет на балерината О. В. Лепешинская” постига почти фотографски ефект. Произведенията на Йогансон „Разпит на комунисти“ (1933) и „В старата уралска фабрика“ (1937) продължават традицията на странстващите. Художникът понякога директно ги „цитира“ в отделни изображения.

Не много художници са работили „за себе си“, тоест извън правилата на социалистическия реализъм. Сред тях са Александър Давидович Древин (Drevins, 1889-1938) и Михаил Ксенофонтович Соколов (1885-1947), които се ограничават до определен набор от визуални теми в интимни, камерни произведения. И двамата майстори са репресирани в годините на сталинския терор.

До началото на 40-те години. натискът върху артистите от страна на властите се увеличи. Музеят на новото западно изкуство, където бяха изложени произведения на импресионистите - Пол Сезан, Анри Матис и други майстори от втората половина на 19 - началото на 20 век, беше затворен.

По време на Великата отечествена война 1941-1945 г. Най-голямо развитие получиха масово тиражираните графики и преди всичко плакати.